Kraftwerk - The Man Machine (1978)

Kraftwerk comenzó con la fama ya a nivel internacional y europeo con Autobahn hace ya cuatro años y durante estos años desarrollarían lo que sería la perfección y el avance del sonido del género Krautrock, la sección alemana del rock que combinaba estos sonidos rockeros con sonidos electrónicos de poca monta hasta el momento en donde Kraftwerk se definió como uno de los mejores grupos de Alemania. Evolucionarían de este Krautrock a ser ya solamente un sonido netamente electrónico y progresivo en esta ocasión. The Man Machine se convertiría en un icono nada más ni nada menos para la industria de la música popular y electrónica llevándolos ya al pico máximo de experiencia debido a que es su más grande obra, su alter ego y el álbum por el que uno hoy en día los identifica más como los robots de la música. Esos cuatro que se querían parecer y ser robots y que algún día lo fueron, esa idea, esa transformación y posesión nació acá en El Hombre Máquina, título que recibe en español por cierto.

Podemos dividir el álbum fácilmente en dos partes y es que la primera se basa en las primeras tres canciones en donde cada una rinde homenaje a una película de ficción diferente como para establecer la mística del grupo en grande de una vez por todas. La primera parte se interpreta como el nacimiento de los robots - The Robots - y nuestros esfuerzos de poder comprender criaturas como ellos aunque, en un primer momento ellos nos sirven a nosotros, para Schneider y los demás integrantes nos hicieron algo semejante a una película de ciencia ficción en donde esta nueva raza emergida durante los primeros tres temas del álbum emergente, gracias a la inteligencia del hombre, se termina apoderando de este para siempre, que es en esto lo que consta la segunda parte de este álbum místico.

Spacelab y Metrópolis presentan varias similitudes. Las encargadas de cerrar la primera parte del álbum ambas se refieren a características o lugares futurísticos dentro de la cultura de la ciencia ficción y muestra el desarrollo de maquinarias con inteligencia artificial. Ambas canciones tienen unas introducciones complejas y esplendidas, la primera con una cascada de sonidos agudos esparcidos en estéreo que da lugar a la imaginación de un laboratorio espacial y la segunda con un sonido más fuerte e intenso que da lugar a una canción más repetitiva y es que ambas no tienen letra lo único que se repite es el nombre de la canción, suena increíblemente aburrido pero no lo es.

Como apertura de la segunda parte abre el tema icónico de ellos y el que será el más conocido por generaciones gracias a su radiocompatibilidad, y a que es dentro de los estándares de la música, la canción más pop de la banda, The Model. Liricamente fuera de contexto y que nos hace poner los pies en la tierra por un rato sin pensar a futuro.

Neon Lights y The Man Machine también con poca letra remarcan características de este hombre máquina, de este sentimiento robótico ya llegando a su fin con sus visiones futuristas, uno detalla su ambiente alrededor y el otro a si mismo lo que es el hombre máquina, este cyborg, esta persona dejada llevar por la raza ficticia de los robots que los llevó a esta fusión.

Kraftwerk creó un lazo entre el concepto de las máquinas y el hombre con la música análoga electrónica que los seguiría literalmente hasta sus escenarios.

Lista de Canciones

1. The Robots 6:09
2. Spacelab 5:56
3. Metropolis 5:59
4. The Model 3:39
5. Neon Lights 9:05
6. The Man Machine 5:25

Mi Calificación: 5 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: Spacelab; Metropolis; The Model

Black Sabbath - Sabbath Bloody Sabbath (1973)

Sabbath Bloody Sabbath es el quinto álbum de estudio de Black Sabbath y el cual generó un cambio de perspectiva y punto de crítico dentro de la prensa y la crítica especializada en la música en ese momento. Desgraciadamente desde su comienzo, Black Sabbath no hizo otra cosa que recibir la palabra "ruido" por parte de los críticos que insistían en que la banda no duraría mucho a pesar de su popularidad y su novedoso sonido oscuro y pesado, aunque, Sabbath Bloody Sabbath fue en cuanto a ritmos y melodía el de cambios más radicales durante los primeros años de la banda teniendo una aparición en uno de los años que parecían decadentes dentro de la banda debido a que pasaron por una pequeña crisis en donde no surgía inspiración alguna sumándose así también el abuso de sustancias que los dejaban hasta - "No entender nada"- según Iommi, el guitarrista.

Heavy Metal, Hard Rock
Vertigo/Warner Bros.

SBS quizás muestra otra faceta de la banda, una parte en donde necesitaron de la ayuda de la tecnología y quizás de inspiración poco prometedora del medio externo, tal es así que el álbum fue grabado a pedido de los integrantes, en el Castillo de Clearwell. 

Pero bueno, a fin de cuentas y como nombre recién la crisis fue fugaz ya que de aquellas sesiones en el castillo y en los calabozos del mismo surgieron ideas fascinantes y completas. El ritmo de Sabbath Bloody Sabbath, la influencia psicodélica, la manera en que se conjugan dos ámbitos distantes uno del otro en un mismo álbum y la gran adaptación de la banda a nuevos estilos y nuevas ramas del Rock fueron la esencia que le dieron a este álbum el mérito de ser un laboratorio fortuito y exitoso en cuanto a los nuevos sonidos. Se utilizaron sintetizadores, arreglos de cuerdas y otros instrumentos poco frecuentes en la banda por primera vez y lo que sorprendió fue como dejo contento a todos, inclusive a mi. El terreno "Sabbatico" no se perdió en lo absoluto y la grandeza del sonido oscuro y pesado no fue olvidado en el álbum, es decir, hasta los fanáticos más tradicionales querrían a este álbum.

Puntualmente hay detalles muy buenos del álbum, Sabbath Bloody Sabbath contiene una letra sincera y sencilla, mientras que la letra de A National Acrobat contiene demasiadas referencias a la oscuridad de la mente humana de forma perfecta, Fluff es el infaltable tema lento y/o instrumental de la banda desde Paranoid, Sabbra Cadabra sin dudas la mejor permanece como un clásico de la banda con características progresistas geniales y con la participación del tecladista de Yes, Rick Wakeman, Looking For Today es el punto cúlmine en la innovación artistica hasta el momento del álbum y para el cierre con Spiral Architect con un pequeño riff agradable y orquestada de buena manera, sin duda alguna fue el cierre totalmente sorpresivo

Sabbath Bloody Sabbath fue la demostración de que Black Sabbath no se trataba de una buena racha que ya llevaba unos cuatro años y medio si no que, son músicos aptos a la creatividad del momento y al uso de técnicas que podrían derivar en el Rock Progresivo.

Lista de Canciones:

1. Sabbath Bloody Sabbath 5:42
2. A National Acrobat 6:16
3. Fluff 4:10
4. Sabbra Cadabra 5:55
5. Killing Yourself To Live 5:40
6. Who Are You 4:10
7. Looking For Today 4:59
8. Spiral Architect 5:29

Mi Calificación: 4,5 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: A National Acrobat; Sabbra Cadabra; Killing Yourself To Live; Looking For Today

The Velvet Underground - Loaded (1970)

Luego de pasar por los años más exitosos y quizás los años más importantes en la música tanto popular como en la música rock y dejar su gran impronta como uno de los grupos más experimentales en torno a este dicho género, The Velvet Underground se inclina por poner los pies en la tierra y realizar una escucha que puede llegar a agradarle a cualquier persona ajena al género. Publicado el 15 de noviembre de 1970, Loaded sería el cierre del ciclo de una de las bandas de culto más importantes e influyentes en la música.

Como dije anteriormente, esta pieza no tiene nada de experimental a todo lo escuchado a finales de los años sesenta, se nota esa madurez en la forma en que Reed compone cada canción y como se interpreta con sutileza, es un giro inminente pero no habría porque decir que es malo debido a la gran persistencia en la calidad del álbum.
El proceso de Loaded fue algo complicado, cambiaron de discográfica por primera vez debido a MGM querían alejarse de bandas hippies y otras bandas que estuvieron involucradas en drogas como fue el caso de esta que aquí, para dar este giro inesperado, darían su golpe radial y comercial más grande abandonando aquellas facetas que en realidad los hicieron grandes, el proto-punk se extinguió aquí pero el ritmo y el amor que tenía Lou Reed por las letras y el Rock and Roll nunca lo hizo y esta es la prueba número uno. The Velvet puso la otra mejilla y mostró gran carácter, demostrando que bueno, al parecer Lou Reed si navegaría por géneros sería igual de bueno componiendo o así lo estuvieron haciendo ver durante los últimos dos años en la banda porque después de este álbum, Reed y Morrison (guitarra principal) la abandonarían.
Para que todos nos demos una idea, varias de las canciones aquí me hacen acordar al ritmo beatle de "Ob-La-Di-Ob-La-Da" lo que no se si esto es terrible o esta bien pero el ritmo alegre, los arreglos agudos en los acordes le dan la ambientación ideal para compararlo, pero de todos modos, este es fue el lado menos pensado de una banda que supo ser en cubierto y secretamente una de las más importantes en su momento, no confundan la popularidad con la calidad, Nico, Morrison, Reed, Warhol, Tucker y Cale entre otros brindaron al mundo de la música mucho más de lo que puedas pensar.

Lista de Canciones:

1. Who Loves The Sun? 2:50
2. Sweet Jane 3:55
3. Rock And Roll 4:47
4. Cool It Down 3:05
5. New Age 5:20
6. Head Held High 2:52
7. Lonesome Cowboy Bill 2:48
8. I Found a Reason 4:15
9. Train Round The Bend 3:20
10. Oh! Sweet Nuthin' 7:23

Versión remasterizada incluye:

1. I'm Sticking With You 2:53
2. Ocean 5:44
3. I Love You 2:53
4. Ride Into The Sun 3:23

Mi Calificación: 4 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: Who Loves The Sun?; Sweet Jane; Rock And Roll; Train Round The Bend

Pescado Rabioso - Artaud (1973)

Pasaba el año 1973 y la agrupación de lo que fue Pescado Rabioso en ese año quedaría ya disuelta después del álbum "Pescado 2" pero a pesar de esto, Luis Alberto Spinetta, decidió crear este álbum solista pero bajo el nombre de Pescado Rabioso. Es así como desarrollo un álbum de Folk en donde la mentalidad del artista vuela gratamente dedicando pasajes, y hasta el nombre del álbum mismo al poeta francés Antonin Artaud que inspiró profundamente la temática del álbum y al artista argentino y no fue solamente el poeta sino que muchas cosas a su alrededor como sus cartas y también Vincent Van Gogh entre otras cosas.

El trabajo en si es toda una obra surrealista y sobre todo un arte muy abstracto que se une a la psicodelia que se estaba desvaneciendo del mapa en aquel momento, Artaud fue instaurado en un momento de plenitud para Spinetta, una mente profunda y de gran intelecto que decidió demostrar emociones que se le planteaban en ese momento. A pesar de esto, el contexto político no sería favorable y en todo caso deplorable pero una pieza como esta podría alejar a las masas de la alienación debajo de grandes autoridades, empresas y autoridades de poder.
Como he dicho anteriormente, las emociones plasmadas en el álbum corresponden al momento que pasaba Spinetta, estaba esperando a su primer hijo y este amor presente en el álbum se lo demuestra a el a su pareja y a su familia. Posiblemente estemos ante el álbum más poético en habla hispana y uno de los más bohemios y más profundos que he escuchado. La facilidad que tenia "El Flaco" para componer era desorbitante y sorprende hasta hoy en día. El Folk ("Cantata de los puentes amarillos"), el Blues ("Cementerio club") y el Rock ("Las habladurías del mundo") están presentes en esta obra sin precedente.
Individualmente de cada canción podemos sacar algo increíble en todas, la idea del amor en Todas las hojas son del viento, el solo de Cementerio Club, la idea surrealista de como se elaboró Por, el ritmo inequívoco de Superchería, el desenlace de La Sed Verdadera y en su totalidad Cantata de los puentes amarillos que es posiblemente el alter ego del álbum y del artista, una pieza sólida Folk inspirada en una pintura de Van Gogh que dura nueve minutos de plena poesía, asi entre otras canciones podemos describir con uniformidad que Artaud es como un patrimonio de la música y por años una de las obras más influyentes en Argentina.

Cementerio Club

Justo que pensaba en vos, nena, caí muerto

¿Qué le dio al pequeño dios

del centro gris, del abismo?

Solo se que no soy yo a quien duerme

Solo se que no soy yo a quien duerme

Dime nena, ¿Adónde ves ahora

algo en mí que no detestes?

Que solo y triste voy a estar en este cementerio

Que calor hará sin vos en verano

Lista de Canciones

1. Todas las hojas son del viento 2:17
2. Cementerio Club 5:02
3. Por 1:44
4. Superchería 4:26
5. La Sed Verdadera 3:38
6. Cantata de los puentes amarillos 9:18
7. Bajan 3:35
8. A Starosta, el idiota 3:21
9. Las habladurías del mundo 4:08

Mi Calificación: 5 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: Cementerio Club; Por; Cantata de los puentes amarillos; Bajan

Sex Pistols - Never Mind The Bollocks Here's The Sex Pistols (1977)

Sex Pistols quizás la banda Punk por excelencia gracias a su gran influencia en el género como también su extremada rebeldía contra la policía y para lo que ellos describían como "el sistema". Sex Pistols fue una de las bandas más populares en el estallido Punk a finales de los años setenta en el Reino Unido y teniendo como epicentro a Londres. Sex Pistols se adueñaron a dicha escena gracias a sus letras, su formas de vestir y eventos y echos políticos como desde tocar con instrumentos robados hasta ya inevitables grescas luego de sus conciertos en bares londinenses.

La banda duró apenas tres años pero con eso le bastó para ser una de las bandas más reconocidas a nivel mundial por su ya dicho característico comportamiento. En ese tiempo grabaron cuatro sencillos y este único álbum de estudio, es por eso que esto es una reseña generalizada de la banda.

Luego de tocar en bares y conseguir un mánager conocido en Londres por tener un local de ropa que se ajustaba a la moda Punk o Rocker y luego de una bizarra búsqueda de un cantante en la que consistía en buscar solo gente con pelo corto sin importar sus dotes artísticos, pudieron firmar contrato con EMI que dicha empresa vio raramente un potencial en ellos, igual fue más por lo popular que por lo artístico.

Igualmente esto no desprestigia a mi manera de ver a los Sex Pistols, tienen demasiadas críticas a pesar de que están entre las bandas más populares del mundo del rock, se dice que no eran artistas, un atentado al pop rock y que no sabían tocar adecuadamente. De aquí viene la cultura Sex Pistols y la idolatría al movimiento punk, "Hazlo tú mismo", algo que supieron manejar facilmente.

Sex Pistols se jactaría según la crítica y la gente no allegada al movimiento punk de ser una banda política y la verdad es que no fue así, sino que solamente Johnny Rotten, el compositor principal de la banda mantendría consigo ideologías de izquierdas productos de las marchas en París durante 1968. La banda fue una gran crítica social a pesar de que no estuvieran asociados a la política, solo eran unos jóvenes que describían la situación inglesa durante esta década.

Asquerosos, violentos, caóticos, políticos en fin, agresivos y sinverguenza era lo que era ser un Sex Pistols. "No Feelings" es sin duda machista y violenta, "Liar" es una burla y es de esos pequeños errores que tuvieron aparte de ser tan repetitiva como "Problems". Aparte de los singles populares que todos conocemos tenemos canciones a tener realmente en cuenta como "Submission" que es una gran canción con unos acordes más variados y un ritmo impecable sobre una letra un tanto más elaborada que quizás no parezca que es de esta banda, si hubiesen seguido este mapeo en todas las demás canciones quien sabría hasta donde llegarían, y por último "New York" con el lema de "sin futuro" como en "No Feelings". Pero sin dudas aquí el plato fuerte son "God Save The Queen" y "Anarchy In The UK" donde se huele la cuna y la primera siembra fuerte del punk, su gloria y su corona, el rey y la reina del género e incluso pensando en anarchy como un vocero del descontento inglés y de una década de jóvenes que no querían saber nada con el amor y la paz predicada una década antes por el rock progresivo y el pop de los Beatles. He aquí un cambio abrupto para la sociedad inglesa y uno de los escándalos musicales más grandes en la historia de la isla. Ambos singles no todas las disquerías y tiendas los querían vender por miedo a la clausura del local y el rechazo por parte de la corona.

El movimiento Punk se forjó gracias a albumes como estos y concierto en donde se revoleaban sillas y terminaba todo a los golpes. No todos quizás están agradecidos con los Pistols por su música sino quizás por su legado y el proceso histórico al que llevó el género. Never Mind The Bollocks es caracterizado por su crudo sonido como intención de imitar un sonido en vivo y el sonido agresivo llevando al máximo la capacidad de los instrumentos.

Lista de Canciones

1. Holidays In The Sun 3:22
2. Bodies 3:03
3. No Feelings 2:50
4. Liar 2:41
5. God Save The Queen 3:20
6. Problems 4:11
7. Anarchy In The UK 3:32
8. Submission 4:12
9. Pretty Vacant 3:17
10. New York 3:05
11. E.M.I. 3:09

Mi Calificación: 4,5 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: Holidays In The Sun; No Feelings; God Save The Queen; Anarchy In The UK; Submission

Judas Priest - Sin After Sin (1977)

Judas Priest a finales de los años 1970s se abría paso y metía cabeza ya entre las bandas más grandes del género y de la Nueva Ola del Heavy Metal Británico con Sin After Sin, para muchos críticos especializados, uno de los álbumes más influyentes para el origen del Speed Metal y subgéneros igual de agresivos. Sin After Sin fue su tercer álbum, lanzado el 8 de Abril de 1977.

Judas Priest de por sí se volvió una de las bandas más influyentes a lo largo de toda su carrera gracias a diversos aspectos novedosos que siempre aplicó la banda en el género, en esta ocasión, y quizás de lo que más se habla acerca de este álbum es la técnica de doblo bombo del baterista Simon Phillips que grabó este álbum con tan solo 19 años de edad.

El álbum tiende al pecado, la religión y a la melancolía y el amor profundo como "Last Rose of Summer" que es un tanto repetitiva y densa, tiene canciones variadas, algunas impactantes con grandes riff y mucha potencia de impacto como "Sinner" y "Starbreaker" que es la mejor del álbum con uno de los riff más dinámicos para mi pensar, ambas se convertieron en clásicos de la banda.

Por otra parte lo que desluce el álbum sin duda es la producción que no alcanzó lo esperado, una canción como "Dissident Aggressor" por ejemplo pudo haber sido muchísimo mejor, sería ya otra cosa, pero bueno no es un sonido tan prolijo el álbum en general lo que causa un verdadero contraste con las mejores partes del álbum, aunque la canción ya era demasiado para la época. Sin After Sin es un equilibrio de los años tempranos de Judas con lo que estaría por venirse, una transición.

Primer álbum de Judas Priest en aparecer en las listas Billboard y el primero grabado con CBS Records, compañía con la que recientemente había firmado un contrato.

Lista de Canciones

1. Sinner 6:46
2. Diamonds & Rust 3:28
3. Starbreaker 4:52
4. Last Rose of Summer 5:40
5. Let Us Prey 6:14
6. Call For The Priest / Raw Deal 7:11
7. Here Comes The Tears 3:37
8. Dissident Aggressor 2:56

Versión remasterizada contiene dos temas más

1. Race With The Devil 3:06
2. Jawbreaker 4:00

Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas

Mejores canciones: Sinner; Starbreaker; Dissident Aggressor

Led Zeppelin - Led Zeppelin IV (1971)

El cuarto álbum de Led Zeppelin, la banda que ya estaba en la boca de todos los jóvenes, al menos los anglosajones, de comienzos de los años setenta, se vuelve a regocijar en el éxito una vez más y no por última vez. El cuarto álbum de los Zeppelin sería el trabajo clave de la banda, el más reconocido, más popular y el más vendido en el mundo. La banda que fusionaba raíces Folk y Blues con un temprano Heavy Metal y con mitología e historias de amor empalagosas en esta oportunidad nos trae una pieza de lo más mítica de doble filo.

Partiendo de la base que por empezar el álbum no tiene un nombre definido debido a que los integrantes decidieron lanzarlo sin título como una clase de protesta contra la prensa que los trataba como una banda sin originalidad por culpa del nombre de sus álbumes (I, II, III) y por la dura recepción por la crítica que tuvo su tercer álbum, es una medida atípica o inesperada, pero gracias a esta seguidillas de títulos se lo conoce como Led Zeppelin IV o "El álbum de las runas" o ...de los signos" debido a los presentes signos en el lomo en formato cd y en la contratapa en forma vinilo. Cada símbolo representa un integrante de la banda.

Jimmy Page - John Paul Jones - John Bonham - Robert Plant

Las runas y en especial la de "Zoso" llamó poderosamente la atención vinculando a Page con el ocultismo y magia negra debido a que Zoso supuestamente es un renombrado demonio o entidad maligna. Mas allá de eso, la crítica le salió el tiro por la culata, Led Zeppelin superó por mucho las expectativas de la crítica y hasta de ellos mismos, estaban en un momento de auge y plenitud, el clímax de la banda. Junto a esta relación que deducieron de Page se le suma que la canción "Stairway to Heaven" generó también controversias por presuntos mensajes subliminales y satánicos. "Stairway to Heaven" será por mucho tiempo una de las composiciones más renombradas y reconocidas del rock and roll, Zeppelin es sinónimo de esta canción, es su canción definitiva y su huella en el mundo del Hard Rock. La historia surrealista, la voz potente de Plant y el solo magnífico de Page, muchas veces nombrado como uno de los mejores de la historia, hace de esta canción exquisita.

Adentrándonos en lo musical, el álbum es muy abarcativo con la música que tocó el grupo en toda su trayectoria con una fuerte idea del rock and roll, la alegría del baile y el sentir de la música donde en cierto punto se conectan con esa mítica del grupo, canciones más abstractas como "The Battle of Evermore" y "Misty Mountain Hop" utilizando en este primer caso una mandolina donde los acordes son simplemente preciosos, le dan ese contraste entre un choque de estilos presente en el álbum. "Going To California" aparece como una de las mejores baladas del grupo y "When The Levee Breaks" raramente ambientada sonando con la armónica de Plant casi en reversa y con ecos y con la batería de Bonham debajo de una escalera. La canción quedo perfecta y es destacable las maniobras que hicieron para que el ritmo de batería pudiera entrar en la canción. Led Zeppelin IV fue uno de los álbumes mas influyentes en el rock de los años 1970, los Zeppelin aclararon toda duda suelta acerca de ellos con este álbum, y que forma de hacerlo.

Lista de Canciones

1. Black Dog 4:56
2. Rock and Roll 3:41
3. The Battle of Evermore 5:53
4. Stairway to Heaven 8:02
5. Misty Mountain Hop 4:40
6. Four Stick 4:46
7. Going to California 3:32
8. When The Levee Breaks 7:10

Mi Calificación: 5 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: The Battle of Evermore; Stairway to Heaven; When The Levee Breaks

Black Sabbath - Vol. 4 (1972)

Black Sabbath publica el 25 de septiembre de 1972 su cuarto álbum en tres años titulado "Vol. 4". En Vol. 4 se terminan estos tres años de intenso trabajo para la banda, al relajarse un poco la banda y sus integrantes se hundieron en sus adicciones a las drogas que empezó a dificultar de a poco la relación entre los cuatro integrantes volviéndola tensa y llevando a la banda a tener discusiones sin sentido antes y durante la grabación del material. A pesar de ser esto algo que estuvo sucediendo durante 1972, el cuarto álbum no defraudaría a nadie o bueno, casi nadie. Vale la aclaración debido a que siempre que una banda entra en una etapa así, la situación se refleja en su crítica y recepción, pero esta no sería la ocasión.

Estas adicciones se ven reflejadas en las canciones de sus letras que cada vez serían un poco más explícitas y manteniendo ese sonido oscuro, la tan característica y grave guitarra de Iommi luciéndose como siempre. Vol 4 significó cambios para la banda, digamos el primer gran cambio, la terna inicial de álbumes pusieron fugazmente a la banda en una de los representantes más claros del género junto a Blue Cheer y Deep Purple, pero al contrario de estas, Sabbath siempre tuvo el rechazo de la prensa y la crítica pero si el apoyo de su gente. 

Hablando de cambios, este álbum es el primero sin el productor Rodger Bain, lo reemplaza Patrick Meehan en su lugar, y la banda experimenta con instrumentos antes no usados como el piano e instrumentos de cuerda y también la inclusión de una balada como lo es "Changes" simple y bella. También el álbum incluyó más arreglos de estudios y dos instrumentales como "Fx" en el que solo se escucha de fondo el sonido de las cuerdas de la guitarra siendo rozadas contra objetos y "Laguna Sunrise" un tranquilo y calmo interludio de acordes en guitarra acústica. En primer lugar también se intentó dividir en partes las canciones tomándolo con una influencia progresiva y también se pensó en dejar a la canción "Snowblind" como sencillo líder del trabajo y representante del mismo pero la discográfica no estuvo de acuerdo porque sentía que hacía apología a las drogas debido a que la canción habla del abuso de la cocaína. Sin duda alguna, el alter ego de Vol. 4 es "Tomorrow's Dream", dolida, sentimental, rítmica, y potente que destronó a "Snowblind" en su oportunidad de ser la destacada del álbum, aunque ambas son un clásico.

En general, lo veo como un trabajo mucho más surrealista, un surrealismo tóxico sostenido por los estupefacientes que consumían a diario, pero en fin, surrealista al momento de ver las letras e interpretar, quizás el álbum hasta el momento más sentimental, Ozzy en verdad hacía muy buen equipo con Iommi para componer canciones con melancolía a puño y letra. Para Osbourne y Ward, Vol 4 es un recuerdo y punto de inflección donde ciertas cosas ya no eran divertidas, mientras que Iommi lo tomaba como experimentación, ciertamente nadie tenía idea como la gente iba a recibir esto.

Lista de Canciones

1. Wheels of Confusion 8:02
2. Tomorrow's Dream 3:13
3. Changes 4:45
4. Fx 1:43
5. Supernaut 4:39
6. Snowblind 5:34
7. Cornucopia 3:54
8. Laguna Sunrise 2:56
9. St. Vitus' Dance 2:29
10. Under the Sun / Every Day Comes and Goes 5:51

Mi Calificación: 5 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: Tomorrow's Dream; Cornucopia; St. Vitus' Dance

Pescado Rabioso - Desatormentándonos (1972)

Pescado Rabioso es formado en 1971 por uno de los fundadores del rock argentino, Luis Alberto Spinetta junto con dos amigos, el Black Amaya y Osvaldo Frascino. En sus anteriores trabajos, el "Flaco" Spinetta demostró una gama del rock compuesto por psicodelia y Folk rock lo que sugería algo de mística remota a la banda, la convertía en una banda muy abstracta.

Desatormentándonos es una obra totalmente juvenil y progresista sobre todos los trabajos artístico en Argentina llevados a cabo ese mismo año. La fundación del rock nacional años antes trajo consigo la inmigración de dicho poder juvenil proveniente del hippismo antibélico norteamericano y europeo como también grandes ramas del rock como la música Beatle y ya para principios de los años 70' como se puede apreciar aquí, un rock mas envolvente, dinámico y pesado, una rama del rock que recién estaba naciendo. Por el momento, Spinetta estaba creando su obra más rockera y distorsionada en cuanto a acordes y sonidos.

El mensaje en general es triste y frío, a Spinetta se lo encuentra desolado y abandonado y que nada mejor que un poco de soltura transmitiendo su mensaje en su lírica, quizás, y es para pensarlo, el quería desartormentarse el mismo aunque el título tengo la creencia que se refiere a la sociedad más que a el mismo. "Blues de Cris", "El Jardinero (Temprano Amaneció)" y "Serpiente (Viaja por la Sal)" son de las obras más rockeras y pesadas en cuanto al álbum. Me remito a la frase - "El rock psicodélico trajo posteriormente consigo, vertientes más pesadas" - algo así como si fuese sucesor del Heavy Metal, nada más que agregar más que la canción para su ex novia cristina y la del jardinero tienen tristemente los mejores solos del artista.

Por otro lado, el álbum puede sonar como algo más monótono que el resto pero llega a ser un álbum imposible de evitar su escucha y pasar por alto. En relación al título, lo que Spinetta quiere desatormentar más alla de sus sentimientos fueron a los jóvenes argentinos, la sociedad en ebullición en medio de un gobierno de facto.

Lista de Canciones

1. Blues de Cris 3:32
2. El Jardinero (Temprano Amaneció) 8:52
3. Dulce 3 Nocturno 5:09
4. Algo Flota en la Laguna 5:10
5. Serpiente (Viaja por la Sal) 9:01

Mi Calificación: 4,5/5 Estrellas 

Black Sabbath - Master of Reality (1971)

Master of Reality es el tercer álbum de black sabbath en dos arduos años. Black Sabbath en 1969 ponía primera e iniciaba una carrera contrarreloj hacia el éxito. Pioneros e inventores del Heavy Metal y del estereotipo de metalero oscuro, rebelde y que al parecer "anda en cosas" raras, si, esas cosas se las debemos a la banda de Birmingham.
Black Sabbath con el príncipe de la oscuridad y el guitarrista que le faltan dos dedos en sus filas, lanza Master of Reality el 21 de Junio de 1971, ignorados, no totalmente pero ignorados al fin y al cabo, por la radio y atacados por la crítica. Sabbath en medio de muchos conciertos y canciones nuevas no dejo espacio para que esto les afectara y siguieron su camino como si nada pasara.

Si es que tendría que haber maestros de la realidad en ese momento, esos tendrían que ser ellos, mostrar la realidad del auge de esta nueva rama del rock, el Heavy Metal, los de Birmingham dijeron "aca estamos, somos nosotros y les mostramos el porque".

Sus sonidos en este obra son cada vez más oscuros e innovadores, se dice por ahí que justamente Iommi ajustó la guitarra para su comodidad debido a la condición que presentaba en sus dedos y eso ayudó a cambiar a un sonido más pesado y siniestro, fuera de esto también podremos ver innovaciones como en lo resaltado que por partes se encuentra el bajo formando un sonido reluciente y rítmico ("After Forever"), el uso de sintetizador dando un sonido tétrico y la presencia de por primera vez pistas instrumentales a cargo de Iommi ("Embryo" y "Orchid"). 

Master of Reality es una de tantas obras maestras que crearon estos monstruos pero a diferencia de las demás yo la considero un trabajo de transición que pasaron de ser rechazado por la crítica a verlos como cabeceras de un futuro movimiento mundial llamado metal. La gente iba viendo esta realidad de a poco, el "no saben hacer otra cosa que sonar pesado, gritar y hacerse los malos" queda invalidado frente a "Solitude", porque hasta se dieron el gusto de eso, de crear una hermosa balada con una letra surrealista que te deja perplejo.

Cambiando de aspecto, la lírica de Master of Reality es algo engañosa y juega con esa mala reputación que la banda tenía. ¿Eran ocultistas?, ¿Qué se les pasó por la cabeza cuando estaban creando este tipo de música?. Varias preguntas tenían su respuesta alojada en las letras de este álbum al tocar el tema religión y llevando las letras oscuras a un plano más etéreo y espiritual.

Lista De Canciones

1. "Sweet Leaf"(*)5:05
2. "After Forever"(*) 5:26
3. "Embryo" 0:28
4. "Children of The Grave"(*) 5:17
5. "Orchid" 1:31
6. "Lord of This World" 5:26
7. "Solitude"* 5:02
8. "Into The Void" 6:11

(*): Lanzados como sencillos

Mi Calificación: 5/5 Estrellas

Veneno - Veneno (1977)

Dos jóvenes sevillanos, los hermanos Rafael y Raimundo Amador de 17 y 18 años respectivamente con Kiko Veneno fundaban en 1977 "Veneno" lo que sería un trío fundamental en el Flamenco y otras ramas como el Rock Andaluz o la Canción Española, ni ellos sabrían que estaban a punto de revolucionar el flamenco.
Lo que hicieron ellos en este trabajo fue incluír influencias de la época y de la década anterior como Bob Dylan y The Monkees. Al adherír características similares a estos artistas crearon un álbum trascendental para el Rock Español, ellos lo denominaban "Bluslería".

Segunda Portada

Portada original (censurada)

Veneno contiene sublimes arpegios que un par de veces a lo largo del álbum desembocan en improvisaciones largas como en el caso de "Los Animales" y "La Muchachita". También presenta pequeños tambores como una guitarra rítmica de fondo que acompaña la voz de kiko. Veneno puede sonar como un duradero monólogo poético con algo de crítica social pero por aquellos años, los ojos y oídos y todos los demás sentidos se enfocaban en un Reino Unido con una ola gigante de Punks.
La mezcla entre la recolectada psicodélia de la década pasada con ritmos regionales de España es un recurso muy sorprendente y pocas veces visto. La voz de rasposa de Kiko Veneno se vuelve muy melódica en partes como en las anteriores dos canciones mencionadas y llegando incluso a notas muy altas a las que se recurre en el Flamenco tradicional acompañado también de palmas con la impronta española y una exquisita percusión.

Por otro lado, España y Veneno pasaron desapercibidas y no solo eso, sino que Veneno paso desapercibida por todo su país también. Los rápidos arpegios de Rafael no fueron escuchados con detenimiento hasta sino 20 años después, si, el álbum fue un fracaso y para colmo sufrió una censura en su portada por parte de su disquera. La gente y prensa pensaron que se trataba de una censura Post Franquista y no lo fue, la discográfica CBS se avergonzaba de Veneno. Graficamente podemos ver en su primera portada una barra de hachís con un grabado de hierro que dice "Veneno". El grupo grabó un solo álbum con pocas ventas y a los dos años se disolvió pero a pesar de eso Veneno fue esencial para el desarrollo del Rock Español y Andalúz influyendo a otros artistas consecuentes. Tres jóvenes bajo el efecto de estupefacientes lograron hacer historia nacional al fusionar el flamenco con otros elementos importantes ya mencionados. Enérgico, alegre y fugáz, Veneno terminó significando con los años más de lo esperado.

Lista De Canciones: 

1. "Los Animales" 5:30
2. "La Muchachita" 8:42
3. "Indiopole" 3:43
4. "Los Delicuentes " 4:43
5. "Aparta El Corazón De Las Mangueras" 6:54
6. "San José De Arimatea" 2:55
7. "No Pido Mucho" 2:48

Mi Calificación: 5/5 Estrellas 

Led Zeppelin - Led Zeppelin III (1970)

La crítica fue diversa y en ese caso personalmente no será mala. Pero Led Zeppelin con sus dos trabajos anteriores causó que la crítica sea muy exigente en cuanto a sus trabajos se refiere. Los Zeppelin publicaron su tercer álbum el 5 de octubre de 1970. Fue grabado en parte en una granja lejos de las ciudades como método de relajación, en Hampshire y por último en Londres
Ya presenciamos diversos métodos e inclusión del Folk Rock en canciones anteriores de Led Zeppelin pero en este caso, esto se acentuaría aún más. Es un trabajo más tranquilo, en lo que a ellos se refiere porque nadie puede estar tranquilo al escuchar la guitarra de Page, con temas Funk (Out On The Tiles), Folk (Bron-Y-Aur Stomp) y Blues (Since I've Been Loving You).

A diferencia de las bestialidad que resultaron sus primeros dos trabajos, aparte de presentar a su manera el Folk y el Funk en este trabajo también podemos resaltar que la mayoría de sus temas están realizados sobre una base acústica impresionante que le da un toque sin igual al recorrido de todo este álbum. Led Zeppelin seguía demostrando que eran pioneros en material musical en dicho momento a pesar de la gran competencia de bandas que podría encontrarse en ese momento. Esto no era todo, aún quedaba por venir la frutilla del postre.

Lista De Canciones:

1. "Inmigrant Song" 2:24
2. "Friends" 3:54
3. "Celebration Day" 3:30
4. "Since I've Been Loving You" 7:23
5. "Out On The Tiles" 4:07
6. "Gallows Pole" 5:00
7. "Tangerine" 3:11
8. "That´s The Way" 5:40
9. "Bron-Y-Aur Stomp" 4:17
10. "Hats Off to (Roy) Harper" 3:40

Mi Calificación: 4,5/5 Estrellas 

Black Sabbath - Paranoid (1970)

Igual de oscuro y pesado que su predecesor, Paranoid definió el sonido de Heavy Metal con influencias del Blues Rock británico. Con canciones y riffs escenciales y ejemplares de la historia de Metal como "War Pigs", "Paranoid" y "Iron Man", este segundo trabajo de la banda de Birmingham no solo se convertiría en un símbolo de ya dicho género sino se convertiría en uno de los álbumes mas populares de todos los tiempos.
Paranoid abarca temas como la guerra de vietnam (cabe destacar que el álbum se llamaría "War Pigs" pero por miedo a represalias y problemas legales por la crítica hacia la guerra, decidieron cambiarlo)  tema tan candente en esa época, la locura que nos puede producir nuestro ya subconsciente y el abuso de algunos narcótico o psicotrópicos dándonos ya a entender que a pesar de sus crudas letras, algunas son más abstractas de lo que pueden llegar a parecer ("Paranoid; "Planet Caravan"). Ozzy, Iommi, Buttler y Ward en este se integraron más en el tema de armas nucleares y la guerra pero aún asi sus letras son iguales de oscuras, o quizás más.

Con eso dicho, podemos decir que gran parte de las letras de Heavy Metal moderno tienen influencia de Sabbath, tampoco es cierto que todo aquel que hable de temas similares se lo atribuiríamos a ellos, no. Pero siempre el Heavy Metal se definió por tocar más estos temas como historias Post-Apocalípticas, guerra, miedo, oscuridad y demás que definieron a la banda y al género como tal. Paranoid es la más grande influencia desde el origen del metal hasta nuestros días.

Es cierto que este trabajo define a la banda y lo hace con grandeza al tener un gran calidad músical, pero al principio no fue tan color de rosa. Black Sabbath no recibía halagos de la prensa ni mucho menos le creaban una buena reputación, no fue al contrario sino hasta la publicación de "Sabbath Bloddy Sabbath" (1973) donde las críticas fueron un tanto más favorables. 

Por otro lado, los de Birmingham demostraron que el Rock Psicodélico no derivaba siempre en Heavy Metal como se iba creyendo en esos tiempos, Sabbath no nació psicodélico, Sabbath nació oscuro y con ellos nació el verdadero Heavy Metal y en este trabajo lo termino de demostrar.

Posiciones en listas importantes:

# 131/ 500 (500 Greatest Albums of All Time By Rolling Stone)

# 147/ 3000 (All Time Top 3000 Albums By Acclaimed Music)

# 80 / 100 (The 100 Greatest British Albums of All Time By New Musical Express)

# 3 / 100 (The 100 Greatest Rock Albums of All Time By Classic Rock)

Lista De Canciones:

1. "War Pigs" 7:54
2. "Paranoid" 2:47
3. "Planet Caravan" 4:28
4. "Iron Man" 5:54
5. "Electric Funeral" 4:49
6. "Hand of Doom" 7:07
7. "Rat Salad" 2:29
8. "Fairies Wear Boots" 6:14

Mi Calificación 5/5 Estrellas

Black Sabbath - Black Sabbath (1970)

En esta entrada hablaré un poco acerca del disco debut y homónimo de la banda de Heavy Metal Black Sabbath con duración de 38 minutos que podría considerarse los padres inventores de este género inmediatamente derivado del Rock. La banda se forma en la ciudad de Birmingham en 1968 pero no grabaría este disco hasta 1969 y luego publicado en febrero de 1970 con Ozzy Osbourne en la voz. Tony Iommi en la guitarra, Geezer Butler en el bajo y Bill Ward en la batería.
Este peculiar álbum presentó una faceta y un comportamiento totalmente diferente al rock de la época con riff distorsionados y pesados que le darían carácter de aquí en mas a la banda definiendo su tipo de música y estilo que mantendrían en la mayoría de los álbumes. Eventualmente la guitarra de Iommi y su habilidad con la misma daría de que hablar en aquellos años con criticas dispares debido a lo controversial que fue este álbum en aquellas épocas. Algunos dirán el álbum donde nació el Metal otros que solo impulsó su creación pero lo que si es cierto es que esta banda con esta pieza de terror del rock se mostró al mundo y mostró que el rock no terminaba en canciones de amor y/o protesta sino que podía ser capaz de transmitir otros tipos de mensajes hacia la juventud y sus oyentes, sean favorables o no. Sin ir más lejos, Sabbath fue una de las primeras bandas en incluir la oscuridad, el terror y el ocultismo en sus letras, dando lugar a un sin fin de prejuicios que serían ligados al Metal hasta el día de hoy si nos detenemos a pensar.

El álbum comienza con campanadas y ruidos de una fuerte tormenta dando lugar a un riff tipo Diabolus in musica (tritono) dando una atmósfera lúgubre y pesada a lo que ya es la canción de por si, seguido de "The Wizard" una canción en honor a Gandalf, personaje del Señor De Los Anillos de J.R.R. Tolkien. Posteriormente nos encontramos con dos clásicos de la banda "Behind The Wall Of Sleep" y "N.I.B" criticada por creerse que significa "Nativity in Black" o "Name in Blood" aunque Butler declaró que nada de eso es cierto. En la segunda parte del álbum con "Evil Woman" , "Sleeping Village" , "Warning" implementaron largos solos de guitarras majestuosos en las tres canciones para darle un broche de oro a esta gran pieza percusora del metal.

Lista De Canciones:

1. "Black Sabbath" 6:22
2. "The Wizard" 4:25
3. "Behind The Wall Of Sleep" 3:37
4. "N.I.B." 6:07
5. "Evil Woman" 3:27
6. "Sleeping Village" 3:46
7. "Warning" 10:33

Puntuación: 5/5 Estrellas