James Blake - James Blake (2011)

El álbum debut de James Blake, artista pop británico que a lo largo de su carrera ha mezclado influencias de la electrónica con el ya mencionado Pop y el R&B característico de nuestra década fortaleciendo su sonido a través de toda su carrera.
En esta oportunidad, en el comienzo de su carrera, James Blake opta por mostrarse al mundo con su debut oficial de una entrañable forma, la elaboración de la canción Pop futurista y desolada, fría e innovadora aunque estos muchas veces, han de ser adjetivos que quizás agranda un poco lo que es un trabajo que prometió más de lo que me cumplió en lo personal. James Blake lanzó su álbum debut el 7 de Febrero de 2011.

Art Pop, Alternative R&B, Future Garage, Electronic
Republic Records

Mi Calificación: 3 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: The Wilhem Scream, Lindisfarne II, I Mind, Limit to Your Love

A comienzos de la década, James trabajo mucho más con el sonido más puramente electrónico que este en cuestión, estoy hablando del Dubstep. Este álbum si bien presenta alguna impronta y rastros del lejos Dubstep de los primeros días de Blake como artista, el sonido ha evolucionado a una cuestión mucho mejor armada y ambiciosa pero con grandes flaquezas aún. Este álbum es una muestra de poder grande pero no se si tanto del artista sino de las gran afinación entre el Pop y la electrónica. A pesar de que Blake es un artista aclamado y popular dentro del circuito de los mismos géneros, no ha hecho aquí un álbum que marque un antes y un después pero si que siento que esto fue una gran participación dentro del Art Pop.
El álbum comienza con Unluck, me ha sorprendido el agradable golpe suave electrónico que yace en el y esto ya refleja gran parte del sonido electrónico que encontraremos a lo largo del álbum.
The Wilhem Scream y Lindisfarne son los puntos más activos y más altos en el álbum entero. The Wilhem Scream es la balada perfecta para Blake en este periodo, en donde el artista dice no entender sus sueños y el amor, algo confuso pero armado dentro de una de las mejores canciones del artista. En rasgos generales, las canciones son todas algo entrañable y no tan directas, es decir, yace en cada una algo de sentimentalismo agridulce que colabora con el paisaje surrealista electrónico.
I Never Learnt To Share es el clímax estruendoso del álbum en donde, con una canción de solo dos oraciones basada en la instrumentación en crescendo de la misma, una de las características más destacadas de la ambientación del álbum.
Puede que como detalle a Blake se tratase de un álbum muy destacado pero sin embargo, a pesar de lo bueno que puede resultar este, es un álbum que se desluce por lo denso que puede convertirse por momentos en donde uno espera que cada canción deslumbre pero sigue con la misma cordura. El relato lento y algo aburrido de este trabajo me ha dejado con ganas de más pero dejándome en claro de lo que es capaz James Blake.

Ysy A - Hecho a Mano (2019)

Hecho a Mano es el segundo álbum de Ysy A, el rapero argentino. Luego de dos años agitadores entre mini tours, entrevistas, álbum debut y salto al estrellato repentino, llega un 2019 algo más plácido y acomodado tanto como para Ysy A como para #Mododiablo, tridente que compone el artista junto a Neo Pistea y Duki. A fines de este año, apenas hace algunas semanas, Ysy A se decidió a presentar su segundo álbum con canciones que, según uno de sus productores, ya estaban escritas hace rato pero ocultas e inéditas. Hecho a Mano fue lanzado el 11 de Noviembre de 2019.

Trap Rap, Cloud Rap
Círculo Vicioso

Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Desfilar Mis Penas, Bardos y Verdades, Full Ice, Buenos Aires es Amor, Para Sacarmelo

De Hecho a Mano podría sacar muchas conclusiones, o mejor dicho, una conclusión con muchas causas y factores positivos porque sin dudas la conclusión del álbum ha de ser puramente positiva en este caso. Comparándolo con Antezana 247, este primero es el paso por la inmadurez de un artista urbano bajo el brillo de su propia explosión repentina mientras que en Hecho a Mano, todo es tomado mucho más en serio. Ysy A toma consciencia de los grandes actos que ha hecho dentro del juego del Hip Hop.

El artista está sonando mucho más diferente, sus rimas cambiaron, la producción cambia, las ideas de como moldear la canción a su gusto también cambió y no solo eso, un cambio es solo eso, algo que se ve diferente pero esto es también un progreso. La producción quizás se desluce un poco al ver que cada canción está compuesta por un productor diferente, lo que lo vuelve algo vulgar en mi pensar pero que a pesar de eso, todas las canciones siguen un sonido definido y uniforme que vuelve fuerte al álbum igualmente presentando un sonido más rítmico y menos abstracto y futurista. En cuanto a la actitud de Ysy en las canciones, cabe destacar que no hay colaboraciones sino que el álbum es totalmente propio sin ningún otro artista, tiene todavía una actitud desafiante y superior inclusive a la de sus primeros temas donde sonaba aún más engreído pero sin tanto sentido. La manera de crear las rimas y los versos es genial, la voz de Ysy junto a la producción áspera forman un álbum muy entretenido que cada canción te deja con ganas de más y no defrauda. Desfilar Mis Penas es el simbolismo principal del álbum y la idea en concreto -"Salgo con un Outfit hecho a mano a desfilar mis penas"-, Bardos y Verdades demuestra lo que ha crecido totalmente en potencial el artista, Buenos Aires es Amor tiene un poco de todo con buenas metáforas (las mejores del álbum diría) - "Que sin tablero no hay jugada y yo sin reina no soy nada"- entre otras; un buen ritmo y una buena progresión durante toda la canción conformándose como una de las mejores del artista hasta el día de hoy en donde esconde el amor por que mantiene también por la ciudad de Buenos Aires. 

La forma de dirigirse al Hip Hop por parte del artista ha cambiado demasiado. Hecho a Mano no suena tan agresivo ni tan explosivo sino que suena más rítmico, mas estructurado y mucho más profesional. 2019 ha de ser el mejor año del artista hasta ahora en donde pudo demostrar su potencial real. 

Duki - Súper Sangre Joven (2019)

Duki se ha consagrado como la figura máxima de la música urbana en Argentina a partir del año 2017 y finales del 2016 con varias canciones lanzadas en este trayecto a través de Youtube y respaldadas por los productores y raperos del ambiente del Freestyle del Quinto Escalón que ya he mencionado anteriormente. Más puntualmente su fama ha crecido a partir de las canciones Loca y She Don't Give a Fo, punto en el cual su carrera no ha parado de crecer, hasta aquí. Super Sangre Joven es su álbum debut el cual se hizo esperar mucho después de diez meses desde el día en el que Duki ha mencionado que estaba trabajando en el mismo. El álbum ha sido lanzado el 1 de Noviembre de 2019.

Trap, Pop Rap, Reggaetón
SSJ Records

Mi Calificación: 2,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Me Gusta Lo Simple, A Punta de Espada, Goteo

De tanto esperar el material de los artistas urbanos de Argentina me lleve varias desiluciones pero hasta aquí nunca fueron generalizadas ni completas, es decir, de todo proyecto siempre tratamos de quedarnos con lo mejor y es que este álbum esta tarea se me puso bastante difícil. El álbum de Duki es el que más espere y sorprendentemente el que menos me gustó. 

El niño Trap de los sencillos anteriormente lanzados no es el mismo aca. Esto suena muy artificial, manipulado, sobreactuado y forzado, todo esto unido a una producción que solamente se luce en cortos momentos como en It´s a Vibe y Goteo, pero ¿De que sirve esto si las rimas son de lo peor?

Las rimas son totalmente inconclusas y con comparaciones vacías y hasta en momentos estúpidas, repito, esto nunca sucedió en canciones anteriores, y eso llegó hasta enojarme. Tiene cierto encanto que solamente sea un trabajo de Duki, no puedo despegarme de una figura a la cual nos sentimos más aferrado pero a pesar de eso, hay que reconocer graves errores que se han llevado a cabo aquí. Producción áspera, rimas vacías, tonos del cantante horribles que nunca antes había escuchado, un intento de base electro junto con una canción amorosa como lo es Señorita, la participación y colaboración de artistas que lo único que hicieron fue hundir más el intento de hits urbanos que se quisieron imponer aquí como C. Tangana (el peor de todos), Leebrian, Khea que ni siquiera el fue algo envidiable, Eladio Carrión y Sfera Ebbasta cantando en italiano, algo que debo admitir que llamó mi atención. El resto (Ysy A, Marcianos, Lucho y Aleman) estuvieron a la altura de las circunstancias, siendo A Punta de Espada la colaboración más agradable y rítmica. La última canción, Goteo, y una de las últimas que ha sido lanzada por el en calidad de sencillo, es por lejos la mejor. Con un beat futurista y agresivo, como si de una producción de Pi'erre Bourne para Playboi Carti se tratase, se ha vuelto en una canción un tanto más profunda y consciente sobre los actos personales del artista y de lo que se trata ser el lo que también la vuelve interesante.

A pesar de esto, Súper Sangre Joven ha de ser muy popular y aclamado por los más cercanos pero con críticas mixtas en general. Hay que aceptar, creo que los más fieles también lo han notado, que este Duki no es el mismo de Ballin, ni de Sin Culpa ni por lejos ni mucho menos el mismo que interpretó Mi Chain de Roque. Hasta el momento, el cantante argentino es un cantante de sencillos. Hubiera dado mucho por ver que podría haber hecho C.R.O. acá. Por último, me faltaría decir que a comparación de Antezana 247, esto si que es una verdadera desilusión. 

Ysy A - Antezana 247 (2018)

Alejo Acosta es Ysy A, cofundador de la famosa competencia de Freestyle, El Quinto Escalón, la cuál ayudó a muchos de los raperos argentinos de hoy en día a sus respectivas llegadas al éxito, la fama y la popularidad a nivel internacional. Esta camada de artistas del género es reconocida como una importante revelación dentro del género debido a que, en opinión personal y de obvia deducción, son los embajadores del movimiento mundial de gran crecimiento en el país, género del cual poco se hablaba mediaticamente antes del estrellato de esta competencia. Ysy A presenta a fines del año pasado su álbum debut, Antezana 247, teniendo a Oniria, Neuen y Yesan en la producción del mismo.

Trap Rap
Círculo Vicioso

Mi Calificación: 2,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Vuelta a La Luna, Linaje, No Sé

Antezana 247 es un álbum conceptual, algo que me sorprendió, que se basa en su mayoría de contenido en los episodios, noches y encuentros que se han llevado a cabo en la mansión que Ysy A y Duki compraron en el barrio de Caballito. El título del álbum es la dirección de dicha mansión. Con esto cabe decir que el álbum se trata del gran crecimiento que han experimentado de rapear en las calles a tener una casa lujosa y propia con menos de 21 años y lo que esto ha significado para ambos, más especialmente para Alejo.
El álbum es sumamente fanfarrón y tiene un sonido muy semejante al sonido de Atlanta, es decir, sonido del Rap sureño de los Estados Unidos al mayor estilo Migos, trío de raperos al que se le hace referencia en el álbum en más de una oportunidad debido a que son los preferidos de Ysy A. El tributo es evidente, la forma de rapear suena semejante al "mumble rap", el materialismo abunda y las letras explícitas son totalmente innecesarias y muy opacantes frente a lo que pudo ser un proyecto mucho más ambicioso.
A pesar de esto, Antezana tiene aspectos de gran nivel en base a la producción y en momentos líricos lúcidos de poca duración. La producción mantiene casi siempre tintes futuristas y sampleos bastante buenos, a excepción de Muévelo que me pareció horrible. Quizás, aquí hay que analizar un par de veces detalladas para encontrarse con algo lírico que valga realmente la pena, pero si, Ysy A enfatiza siempre con componer algo mejor y es algo más que apreciable y notable y es que la fe que tengo me dice que el tiene un potencial mucho más grande del que ha demostrado acá a juzgar por otras canciones de el. La canción Vuelta a La Luna es el simbolismo perfecto de todo el álbum y tiene el gran plus de que es algo introspectiva mostrando las pequeñas luchas internas que ha tenido con Duki en dicho transcurso dentro de la mansión, aparte de estar acompaña con un beat nocturno y etéreo.
Las colaboraciones, sin mencionar a Duki, me parecieron realmente malas debido a que solo agregan momentos de viajes, alcohol, dinero y mujeres.
En resúmen, Ysy A es su propia estrella y quiere brillar siempre más de lo que, hasta en este momento, puede. Antezana puede ser el episodio de transición más importante en su vida pero no creo que sea el episodio más grandioso en su carrera.

Cazzu - Error 93 (2019)

Error 93 es el álbum oficial debut de Cazzu, la cantante de Trap y Reggaetón argentina, y el segundo lanzamiento en su carrera si tenemos en cuenta su álbum independiente/mixtape llamado "Maldade$" lanzado hace dos años en pleno auge de su carrera personal. Error 93 ha sido para mi uno de los "productos" que mas ha dado frutos en la famosa camada de artistas argentinos que se han lanzado al estrellato luego del crecimiento popular que ha tenido dicho género, junto con el Hip Hop, en la Argentina superando así varios del medio que se han hecho popular en el medio gracias a las famosas batallas callejeras de Freestyle. El álbum ha sido lanzado el 3 de Junio de 2019.

Alternative R&B, Trap, Reggaetón
Sony Music Entertainment

Mi Calificación: 3 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Rally, Penas y Problemas, La Clase

La expectativas sobre Error 93 han sido totalmente opuestas con lo que me encontré. Ignorantemente me esperaba un álbum más urbano en el sentido de las falacias que se utilizan siempre en el Hip Hop y en el Trap pero sin embargo, el álbum es una mezcla del Trap con influencias tropicales y explícitas del Reggaetón, rectificando, no me esperaba encontrar la intensidad de Reggaetón con la que me encontré. A pesar de esto, no me desagrada las canciones que así se forman como la sensible Visto a las 00:00, la desafiante Rally, la mejor del álbum gracias a su ritmo adictivo y sonido desafiante, y la festiva Al Revés. Esto fue un gran punto a favor de la artista debido a que suena como si de un sonido centroamericano auténtico se tratase.

Por otro lado, las flaquezas del álbum se presentan en las letras de Cazzu, letras banales que manchan grandes momentos del álbum y hasta opacan las mejores letras de las mismas. Del inicio líricamente el álbum decae mucho pero siempre puede salvarse por momentos gracias a la actitud que presentan las mismas. Las letras simples y cuadradas se respaldan gracias a la actitud de otras que definen al álbum como un momento de éxtasis del artista continuo en donde siente que no hay ninguna mejor que ella. En contraste a esto, a pesar de su éxtasis, los guiños del Cloud Rap en Mentiste se ven muy buenos al punto de que diría que sería interesante ver una visión depresiva en sus canciones al estilo Catorce II, una de sus mejores canciones lanzada este año.

Por último, Cazzu decidió decorar su álbum con dos canciones colaborativas, la adictiva Nada con Dalex, Rauw Alejandro y Lyanno donde se puede apreciar a que la artista argentina no esta muy lejos de la calidad de los que hacen esta música desde siempre a pesar de ser una canción bastante vulgar. La última canción es la fanfarrona La Clase donde los artistas de Trap argentinos de #ModoDiablo se lucen sobrepasando la canción anterior por lejos y mostrando el famoso poderío materialista al que hacen reverencia constantemente.

En general, la idea de Error 93 es buena y es un álbum por lejos muy bien producido donde Cazzu se define como la embajadora femenina por excelencia, por el momento, de los ritmos latinos y urbanos meramente explícitos.

Nominados a los Grammy's 2020 (Parte II)

En esta última parte de los nominados a los Grammy's que mostraré, se caracterizan por ser las categorías más importantes dentro de los géneros en cuestión. Esto es debido a como dije anteriormente, a que solo venía a mostrar lo que son las grandes nominaciones y las quizás más esperadas. Por otro lado, me faltó agregar el dato de, como ya se habrán dado cuenta, los artistas más nominados en esta edición son Lizzo con ocho nominaciones, seguida de las revelaciones Lil Nas X y Billie Eilish con seis nominaciones cada uno.

Nominados para Mejor álbum de Rock: "Amo" de Bring Me The Horizon, "Social Cues" de Cage The Elephant, "In The End" de The Cranberries, "Trauma" de I Prevail, "Feral Roots" de Rival Sons

Para Mejor canción de Rock: "Feral Inoculum" de Tool, "Give Yourself a Try" de The 1975, "Harmony Hall" de Vampire Weekend, "History Repeats" de Brittany Howard y "This Land" de Gary Clark Jr.

Para Mejor interpretación de Metal: "Astorolus - The Great Octopus" de Candlemass & Tony Iommi, "Humanicide" de Death Angel, "Bow Down" de I Prevail, "Unleashed" de Killswitch Engage y "7empest" de Tool.

Para Mejor álbum R&B: "1123" de BJ The Chicago Kid, "Painted" de Lucky Daye, "Ella Mai" de Ella Mai, "Paul" de PJ Morton y "Ventura" de Anderson .Paak

Para Mejor canción R&B: "Could've Been" de H.E.R. & Bryson Tiller, "Look at Me Now" de Emily King, "No Guidance" de Chris Brown & Drake, "Roll Some Mo" de Lucky Daye y "Say So" de PJ Morton & JoJo.

Para Mejor interpretación de Rap: "Middle Child" de J. Cole, "Suge" de DaBaby, "Down Bad" de Dreamville, J.I.D., Bas, J. Cole, EARTHGANG & Young Nudy; "Racks In The Middle" de Nipsey Hussle ft. Roddy Ricch & Hit-Boy y por último "Clout" de Offset & Cardi B.

Para Mejor canción de Rap: "Bad Idea" de YBN Cordae & Chance The Rapper, "Gold Roses" de Rick Ross & Drake, "A Lot" de 21 Savage & J. Cole, "Racks In The Middle" de Nipsey Hussle ft. Roddy Ricch & Hit-Boy y "Suge" de DaBaby.

Para Mejor álbum de Rap: "Revenge of The Dreamers III" de Dreamville, "Championship" de Meek Mill, "I Am > I Was" de 21 Savage, "Igor" de Tyler, The Creator y "The Lost Boy" de YBN Cordae.

Por último nominados para Mejor álbum de música alternativa: "U.F.O.F." de Big Thief, "Assume Form" de James Blake, "I,I" de Bon Iver, "Father of The Bride" de Vampire Weekend y "Anima" de Thom Yorke.

Nominados a los Premios Grammy's 2020 (Parte I)

Los premios Grammy's 2020 será la 62°a (sexagésima segunda) entrega de premios llevada a cabo por la Academia de Grabación y Ciencias en el país norteamericano, más especificamente se llevará acabo en Staples Center de Los Ángeles, por segunda vez consecutiva, el 26 de Enero de 2020 teniendo también consecutivamente como maestra de ceremonias a Alicia Keys.

En el mismo post mostraré solo los nominados a las grandes categorías y a las categorías generales debido a que hay alrededor de 80 premios en donde entrarían todos los géneros desde el Pop hasta la música clásica moderna. Cabe destacar que cada categoría contará con 8 nominados en las entregas generales y 5 nominados en las de cada género.Todas las nominaciones dentro de las fotos y en texto aquí.

Para Grabación del año: "Hey Ma" de Bon Iver, "Bad Guy" de Billie Eilish, "7 Rings" de Ariana Grande, "Hard Place" de H.E.R., "Talk" de Khalid, "Old Town Road" de Lil Nas X & Billy Ray Cyrus, "Truth Hurts" de Lizzo y "Sunflower" de Post Malone & Swae Lee. 

Para Álbum del año: "I,I" de Bon Iver, Norman Fucking Rockwell de Lana Del Rey, When We All Fall Asleep, Where Do We Go? de Billie Eilish, "Thank U, Next" de Ariana Grande, "I Used to Know Her" de H.E.R., "7" de Lil Nas X, "Cuz I Love You" de Lizzo y "Father of The Bride" de Vampire Weekend.

Para Canción del año: "Always Remember Us This Way" de Lady Gaga, "Bad Guy" de Billie Eilish, "Bring My Flowers Now" de Tanya Tucker, "Hard Place" de H.E.R., "Lover" de Taylor Swift, "Norman Fucking Rockwell" de Lana Del Rey, "Someone You Loved" de Lewis Capaldi y "Truth Hurts" de Lizzo.

Para Mejor artista nuevo: Black Pumas, Billie Eilish, Lil Nas X, Lizzo, Maggie Rogers, Rosalía, Tank and The Bangas y Yola.

Para Mejor interpretación pop solista: "Spirit" de Beyoncé, "Bad Guy" de Billie Eilish, "7 Rings" de Ariana Grande, "Truth Hurts" de Lizzo y "You Need To Calm Down" de Taylor Swift.

Para Mejor interpretación Pop de dúo o colaboración: "Boyfriend" de Ariana Grande & Social House, "Sucker" de Jonas Brothers, "Old Town Road" de Lil Nas X & Billy Ray Cyrus, "Sunflower" de Post Malone y Swae Lee y "Señorita" de Shawn Mendes y Camila Cabello.

Para Mejor álbum vocal pop: "The Lion King: The Gift" de Beyoncé, "When We All Fall Asleep, Where Do We Go?" de Billie Eilish, "Thank U, Next" de Ariana Grande, "No. 6 Collaborations Project" de Ed Sheeran y "Lover" de Taylor Swift.

Para Mejor grabación dance: "Linked" de Bonobo, "Got to Keep On" de The Chemical Brothers, "Piece of Your Heart" de Meduza & Goodboys, "Underwater" de Rufus Du Sol y "Midnight Hour" de Skrillex & Boyz Noise ft. Ty Dolla Sign.

Para Mejor álbum dance/electrónica: "LP5" de Apparat, "No Geography" de The Chemical Brothers, "Hi This Is Flume" de Flume, "Solace" de Rufus Du Sol, y "Weather" de Tycho.

Ganadores de los Grammy's Latinos

Hace algunos meses, los cantantes del Reggaetón han anunciado su descontento con la Academia de Artes y Ciencias de la Grabación, ente que regula la entrega de los premios Grammy's, debido a la falta de presencia del mismo género dentro de las nominaciones en comparación a los méritos que este género está aportando para la cultura latina. No ha pasado a mayores, sin embargo, se han producidos algunos roses con cantantes como Residente que han mostrado su postura contraria a este género tan explícito. Esto daba a entender que la gala sería algo más candente de lo normal y algo mucho más intrigante debido a estos debates previos. Este año se conmemoró el 14 de Noviembre en el MGM Grand Garden Arena en la ciudad de Las Vegas, la 20a Entrega Anual de los Latin Grammy's.

Debido a que las nominaciones son de diez artistas, no pondré todos los nominados aunque si me preguntan por alguno en especial, lo pondré en comentarios o en historias. El artista que mas ha recibido nominaciones ha sido Alejandro Sanz con 8 nominaciones (Grabación del año en dos oportunidades, Álbum del año, Canción del Año en dos oportunidades, Mejor Álbum Pop Vocal Contemporáneo, Mejor Canción Pop y Mejor Video Musical de Formato Largo) brindadas por sus canciones "Mi Persona Favorita" junto con Camila Cabello, su canción "No Tengo Nada", su álbum "#Eldisco" y su video "Lo Que Fui Es Lo Que Soy". Mientras que el mérito a mayor ganador de la noche también ha sido Alejandro Sanz ganando en tres oportunidades de estas ocho mencionadas pero acompañado en el mérito con Rosalía que también ha obtenido tres gramófonos por parte de la academia. La cantante catalana ha ganado el certamen en las categorías Álbum del año y Álbum Pop Vocal Contemporáneo por El Mal Querer y Mejor Canción Urbana junto a J Balvin por "Con Altura".

Entre los partícipes ganadores más esperados e importantes de la gala se encontraron: Bad Bunny, ganador a Mejor Álbum de Música Urbana por su álbum X100PRE, Mon Laferte ganando en categoría Mejor Álbum Música Alternativa con su trabajo Norma, Andrés Calamaro que ha ganado dos gramófonos por su álbum Cargar La Suerte y su canción Verdades Afiladas en Mejor Canción Rock, Farruko y Pedro Capó que han ganado en la nominación a Mejor Fusión Urbana y Juan Luis Guerra ganando en Mejor Álbum Tropical Contemporáneo y Mejor Canción Tropical por Literal y Kitipun respectivamente. 

El trabajo que mas premios ha ganado, totalitariamente hablando, ha sido El Mal Querer de Rosalía con 5 gramófonos debido a que Rosalía ha ganado 3 de ellos pero en cambio, hubo dos premios que incluía a la producción y a la entrega de la grabación, es decir, el empleo del formato que cuenta con detalles de ilustraciones, letras, empaquetado, detalles de la grabación etc. Estos premios fueron Mejor Arreglo para Álbum y Mejor Paquete de Grabación destinado a los productores y empaquetadores del mismo.

Por otro lado, también cabe recordar y destacar la nominación a Mejor Artista Nuevo debido a que mucho de los ganadores han sido muchas veces el futuro y actual presente de la música popular latina. El mismo ha sido ganado por Nella sobre artistas como Aitana, Cami, Paulo Londra, Greicy y Juan Ingaramo.

Carly Rae Jepsen - Dedicated (2019)

Tras el exitoso y adictivo E*MO*TION, uno de los álbumes pop que mantiene la estrecha y poca frecuente relación de profesionalismo vanguardista con la aceptación comercial por parte de la audiencia y la crítica, cuatro años después Carly Rae Jepsen vuelve mostrando una postura mucho más adulta y explícita a comparación de alguna de las canciones que la han marcado como la gran artista Pop que ha sabido llegar a ser. Dedicated es el cuarto álbum de la cantante y fue lanzado el 17 de Mayo de 2019.

Dance-pop, Synthpop, Electro-disco
Interscope Records


Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Julien, No Drug Like Me, Want You In My Room, Too Much

Dedicated es un trabajo muy variado, optimista y poco monótono en el cual te podes encontrar muchos destellos de sonidos, dentro de la electrónica Pop, diferentes entre si con estilos sintetizados, música estilo disco y canciones más al estilo de club orientándose a sonidos más nocturnos y rítmicos como el Dance. Esto hace que el mismo sea un álbum muy variado y rico en creatividad, todo esto sin desacreditar una gran performance vocal de Carly que juega como algo primordial en el Pop de estos días, hace ver muy simple a una canción gracias a la habilidad que tiene de crear a las mismas junto a las diferentes bases e instrumentales de la producción.
Carly ha declarado que para la producción se ha inspirado en ABBA, Donna Summer y Bee Gees. La impronta de la música Disco en el álbum es gigante y muy creativa dando espacio a canciones bailables y agradables de carácter explícito y sexual. Sin embargo, el roce constante entre las canciones que tiene influencia de dicho género con el Dance-pop moderno, enriquece el álbum haciéndolo una escucha más dinámica y entretenida. El ejemplo por excelencia del álbum es la canción de apertura, Julien. Quizás la mejor canción del álbum comparándose a las mejores de la artista canadiense.
Por otro lado, es fácil elogiar un álbum Pop en nuestros días con un presupuesto millonario y la absurda cantidad de trece productores colaborativos para un proyecto que no se volverá ni esencial ni trascendental para la música popular y moderna de la actualidad. A pesar de tener esta contra, la esencia de las habilidades que obtiene Carly para hacer canciones bailables, es totalmente indiscutible. Notoriamente, hemos visto un cambio en donde los sintetizadores han pasado de ser los totales protagonistas a pasar a ser un componente complementario con la ingeniosa idea de revivir la música de los años setenta.

Nick Cave & The Bad Seeds - Push The Sky Away (2013)

Años previos a la muerte del hijo del cantante Nick Cave, la banda poseía una vibra diferente, un sonido definido por la poesía del amor y la esperanza, muy rica en referencias ingeniosas y de prosa estructurada de manera inteligente y astuta. Esta mirada de los Bad Seeds en Push The Sky Away, fue de lo más enternecedor que he escuchado de ellos en su última etapa. El álbum se ha lanzado el 18 de Febrero de 2013.

Art Rock, Chamber Pop
Bad Seeds Ltd.

Mi Calificación: 4 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: We No Who U R, Water's Edge, Jubilee Street, Higgs Boson Blues

Probablemente Push The Sky Away suene mucho como a un álbum en solitario de Cave aunque, por mucho no lo es. Realmente a lo que voy es que Cave se destaca por solitario demasiado, rara vez ha sucedido esto en la banda pero en este caso, las letras y los momentos en donde los mismos ecos de la voz áspera de Nick ayudan al mismo cantante a interpretar una canción, me hace redireccionarme a la canción de autor desde que comencé a analizarlo detenidamente. La banda, por su parte ha hecho las cosas muy bien igualmente, es decir, el álbum es una escucha sencilla y agradable por el sonido tenue de fondo que realiza encuentros sonoros que se sienten lejanos por ser demasiado tranquilos pero agradables destacándose así momentos como la ambientación demencial en Water's Edge, recordándome a la futura canción Anthrocene con una ambientación similar y misteriosa, la bellísima performance instrumental de Jubilee Street desde el comienzo de batería hasta el outro protagonizado por el arreglo de cuerdas, la embriagante composición para Mermaids, el típico pero perturbante ambiente blusero en el Higgs Boson Blues entre lo más memorable del mismo.

Por el otro lado, la presentación de Nick Cave aquí es totalmente envidiable. No hay evidencia alguno de que el relato sea verídico en totalidad pero las letras son muy directas y sinceras ganando un poder de conquista inmediato en mi opinión. Ni el exceso de belleza en Wide Lovely Eyes pudo opacar una buena canción como la misma, ni tampoco la rebuscada letra de Water's Edge hace que la canción se vuelva algo saturable y ni la tan poco lucida letra de Jubilee Street le impidió a la misma ser la mejor canción del álbum y de la banda en mucho tiempo. Jubilee Street es sin duda un punto aparte en donde la seducción del Rock yace en la seriedad de Cave como si fuese todo un profeta de lo que recita.

Sin más preámbulo, he de creer que Push The Sky Away es un álbum de lo más personal canalizando influencias de los tiempos de super estrellas por los años 80 en los días de hoy, demostrando por primera vez en esta década de que los Bad Seeds son una de las pocas bandas que tan bien se han mantenido en su nivel a pesar de los cambios y las críticas. Nick Cave formaría la misma base de fanáticos si solo hubiera sido poeta.

Radiohead - A Moon Shaped Pool (2016)

A Moon Shaped Pool es el noveno álbum de estudio de la popular banda británica, Radiohead. El álbum presenta un gran contraste en lo que habíamos venido escuchando de la banda, si bien tuvo diferentes épocas marcadas por diferentes sonidos, en esta última instancia, su último álbum The King of Limbs, lanzado en el 2011 con un sonido y un pitch demasiado artificial que aún mantenía la esencia de sonidos viejos de la banda como de Amnesiac o Kid A.
Sin embargo, este trabajo presento una dinámica de trabajo en grabación con técnicas nuevas y viejas en simultaneo según los integrantes de la banda, lo que le dió al álbum la fuerza cualitativa de la que goza. El álbum fue lanzado el 8 de Mayo de 2016 y presenta 11 canciones ordenadas alfabéticamente.

Art Rock, Art Pop, Chamber Pop
XL Recordings

Mi Calficación: 4,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Burn The Witch, Decks Dark, Glass Eyes, Identikit, The Numbers, Present Tense

Este álbum presenta la particularidad característica de sus métodos de grabación, en donde se mezcla un sonido electrónico palpitante y moderno con hermosos pasajes de música clásica moderna compuesta por el guitarrista de la banda, Jonny Greenwood, que recordemos que en su proyecto solista, se dedica a componer música clásica para película. Esta característica, mezclada la música que contiene la esencia Radiohead, crea un álbum totalmente original y complejo en donde a cada paso del álbum se pueden notar nuevas texturas. La conjertura de todo el álbum la defino así, compleja. El accionar de esta música junto con los momentos ambientales y digitales que goza el álbum se transforma sin duda en algo originalmente uniforme y cabe destacar que en el famoso Kid A ha pasado algo parecido y comparar a este álbum con su obra mayor y una de las mejores de todos los tiempos, es todo un honor para este álbum.

La creatividad estuvo a la orden del día creo yo, a pesar de que halla canciones que datan de otras épocas de la banda, A Moon Shaped Pool renueva la visión pesimista de Radiohead para convertirla en algo más dulce pero triste y desolada, algo a lo que ya nos tiene acostumbrados pero por alguna razón, no me aburre, sino que aún así, admiro la mayoría de las letras de las canciones aquí.

Burn The Witch suena al toque innecesariamente comercial que suele tener un álbum pero acompañada de una progresión talentosa mostrando los primero destellos del Chamber Pop vigente aquí. Por otro lado, el otro sencillo, Daydreaming, pieza ambiental, lúgubre y poética, me ha aburrido un poco y no me parece tan brillante como ha de querer presentarse, aún así, el final progresivo que presenta, en donde la canción se va a un contexto mucho más surrealista, me termina de poner en duda si en realidad es o no el punto flojo del álbum. No podría resumir la grandeza de las canciones del álbum en pocos párrafos pero hay cosas sobresalientes en el álbum que no se pueden omitir.

Decks Dark se remite un poco al sentido de la alienación y el sentimiento de querer escapar de algo atroz como el sistema con la compañía de un piano brillante pero monótono al principio que deriva en un poder de producción de los mejores de los últimos años de la banda, es una canción genial gracias también a como juega el piano final y más grave. Ful Stop es el toque oscuro del álbum, es el remordimiento y la pena dentro de la tristeza eficaz en el álbum sin duda alguna, mostrándose algo más rockera de lo que se venía mostrando, es el momento de no olvidarse la base fundamental de la banda.

Para el momento en que tengo que describir Glass Eyes debo hacer una parada muy especial. Realmente no hay canción que se compare a esta en términos de ambientación, duda, alienación, cuestionamiento, fortaleza y el vacío existencial escalofriante que te puede hacer sentir, es decir, es la única en todos estos factores, una canción que al álbum lo hace muy grande y una de las mejores composiciones de Jonny que he escuchado. El sentimiento de no pertenencia a la sociedad de Thom Yorke, vuelve. Estos dos tipos de miradas de Radiohead, la depresión social y el pesimismo y frío romanticismo, notese el gran contraste con la canción siguiente (Identikit), son la dualidad vigente en este trabajo tan rico en sentimientos.

Radiohead tiene un poder de profundidad muy increíble por eso se ha formado como una de las alineaciones de músicos más importante en la historia de la música Rock y Pop. Sin ellos, la vanguardia esperaría por alguien que consiga lo que ellos hicieron, sin éxito alguno.

Gojira - Magma (2013)

Magma es el sexto y último álbum de estudio de la banda francesa de Metal, Gojira, lanzado el 17 de Junio de 2016. La banda ha sabido como evolucionar la música progresiva dentro del Heavy Metal con importantes lanzamientos que la llevaron a ser una de las agrupaciones más importantes en este último siglo y en esta última oportunidad la banda ha formado un álbum con una fuerte base esotérica y espiritual mostrando un nuevo lado totalmente sombrío y sorpresivo.

Groove Metal, Metal Progresivo
Roadrunner Records

Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: The Shooting Star, The Cell, Magma, Only Pain

Magma es un álbum oscuro en el que a mi punto de vista se ve separado por dos partes, separadas por el instrumental Yellow Stone ubicado justo en el medio del álbum, que separa la primera parte más pesimista líricamente con la parte más sombría y distorsionada que se encuentra al final. En su totalidad, Magma tiene una filosofía muy nihilista y deprimente como también muy exigente a nivel personal según el contenido de sus letras. Esto se fortalece gracias a su sonido y sus arreglos por momentos brutales y otros relajados como en la última canción llamada Liberation como cierre con algo Folk y místico para contrastar el álbum con su sombría y dura voracidad. La producción del álbum, a cargo de Joe Duplantier, vocalista de la banda, se concentra en ecos a favor del mismo y un sonido de repetidas distorsiones junto con una brillante percusión. La misma no es ni tan simple ni compleja sino que es sumamente justa y complementaria.

The Shooting Star y The Cell se presentan como las canciones más entretenidas de la primera parte, esta última con una batería envidiable. El resto depende mucho de Magma, la canción homónima y estrella del álbum, probablemente la que contiene características más progresivas junto a Stranded y la que simboliza la ideología de carácter espiritual a nivel personal del álbum. Sin embargo, Only Pain, no se queda atrás gozando de exactamente los mismos acordes que la ya mencionada Stranded, en la introducción de la canción y siendo un poco más repetitiva.

Magma es una catarsis muy demostrativa de una visión pesimista espiritual que convirtió a Gojira en una de las bandas con más persistencia hasta sus últimas canciones, por ahora. Como opinión impopular sostengo que encuentro más atractivo este álbum que el anterior de ellos, L'enfant Sauvage.

Marina - Love + Fear (2019)

Luego de tres importantes álbumes para el Pop moderno bajo el nombre de Marina and The Diamonds, la artista decide ilustrar su nombre en solitario y dejar en las sombras los nombres de producción y músicos de sesión para hacerse ver como un proyecto ultra personal. Esta nueva etapa se vería marcada por un cambio muy grande en el estilo de su música. Love + Fear es un álbum doble y conceptual donde abarca los conceptos de estas dos emociones, el amor y el miedo. El álbum ha sido lanzado el 26 de Abril de 2019, mientras que su primera parte que solo contenía las primeras ocho canciones, "Love", fue lanzado el 4 de Abril.

Electropop, Dance-pop
Atlantic Records

Mi Calificación: 2,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Handmade Heaven, End of The Earth, You, Karma

La primera parte del álbum, basada en la difusión y concepto del amor, es el momento y el perfil optimista y positivo del álbum en donde observamos a Marina por primera vez en mucho tiempo dentro de la música y logramos sacar muchas conclusiones ya de una sola pasada. Las composiciones en sus canciones, desde la producción hasta la letra, han cambiado de una forma rotunda pasando de hacer un Pop entretenido y electrizante hacia una música con sentido más espiritual, maduro, profético y tranquilo. Las canciones son apoyadas en ritmos suaves con una Marina serena que no pierde los estribos ni le entusiasma la idea de un Pop glamoroso y salvaje como antes solíamos escuchar. Sin embargo, esta mirada más inquieta e interrogante que ha presentado aquí la artista dejaron grandes muestras de poder como Handmade Heaven y End of The Earth. Mientras que Handmade Heaven es el reflejo de la nueva e introspectiva Marina, excelente guiño para ser la canción que abre todo el proyecto por cierto, Orange Trees demuestra que Marina esta hablando de sí misma en la mayoría del álbum dando a entender que en esta transición se siente más feliz consigo misma a pesar de que esta etapa no le halla brindado lo mejor de su creatividad. El intento de canción exitosa latina de club como lo es Baby junto con Luis Fonsi, hunde por completo lo que ha venido haciendo hasta esta instancia donde la peor parte del reparto se la lleva los versos del latino que no concuerda con la volatilidad de Marina ni loco. Como he dicho, parte del plato fuerte aquí se lo llevó End of Earth, siendo la canción con rasgos más parecidos a su pasado en cuanto a producción con una Marina más dulce y menos pensativa.

Por otro lado, la segunda parte titulada Fear, no presenta canciones tan dispares en cuanto a persistencia musical, se muestra una Marina mucho mas desconfiada y sentimental dejando atrás el relato de persona renovada para meterse en las historias de amor que han de, o podrían, ser trágicas y tristes a causa de no ser correspondidos, indicando la relación con el títulado de esta segunda parte.

Las canciones liricamente toman un poco más de fuerza que las anteriores al ser agridulces debido a la gran esperanza que se crea en Marina y la mayor facilidad que posee en crear letras como estas acompañado de que son canciones más rítmicas con rasgos nocturnos como Karma y Emotional Machine.

A pesar de esto, Marina ha tomado un sonido altamente corriente y común en su Electropop, hecho que nunca ha sucedido nunca a pesar de pertenecer a un género que no prospera de la misma manera en la que se consume. En otros momentos, se ha podido tomar la producción que acompaña a la artista como un modelo a seguir, hoy quizás es lo que tendrías que evitar repetir.

The Black Keys - El Camino (2011)

Luego de uno de los años más importantes en su carrera como lo fue el 2010 con su emblemático álbum "Brothers", The Black Keys no se despegaría de los circuitos musicales trayendo en un año y medio uno de los álbumes, junto a este anteriormente mencionado, más ambiciosos del Rock moderno y de la última década, El Camino. Un camino, en sentido figurado, que contiene grandes fusiones del Blues Rock de antaño junto con una producción moderna y ajustada a tiempos un poco menos rockeros. El séptimo álbum del dúo de Oklahoma se lanzó el 6 de Diciembre de 2011.

Blues Rock, Garage Rock
Nonesuch Records

Mi Calificación: 4 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Dead and Gone, Gold on the Ceiling, Money Maker, Sister

Sin dudas el dúo entre Dan Auerbach y Patrick Carney se ha vuelto cada vez más fuerte con el pasar de los años, hasta este punto. El Camino es un álbum que encuentra un punto casi perfecto de relación entre ritmos ácidos y de Blues Rock con una impronta moderna y un sello comercial casi por completo que no logra deslucir lo que el álbum quiere transmitir, es decir, El Camino se fortalece del conjunto de factores que define su propio sonido. Estos dos músicos lograron crear un catálogo de canciones con las ya dichas relaciones entre los sonidos definidos de los géneros, con un ritmo y una forma pegadiza increíble.

Dead and Gone y Gold on the Ceiling son un pasaje de canciones surrealistas donde aquí determinan el ritmo rico de todo el álbum en su máximo potencial. Si bien el álbum comienza con Lonely Boy, realmente no me gusta para nada, teniéndola en cuenta desde hace ya años, la canción se me hace vacía y corriente por lo que representa un punto bajo en el trabajo en cuestión.

No hay que olvidar algo muy importante y fundamental del trabajo, que es quizás una de las causas de porque es un álbum tan rítmico y a veces repetitivo, como también puede ser que no tenga relación. Esta posible causa y pieza fundamental fue la participación de Danger Mouse en el álbum como productor, si, el asistente refinador de bases y presencia urbana en el álbum puede explicar muchas cosas. Es aquí que, digo esto con seguridad, el sonido moderno lo provee dicho productor mientras que el dúo busco fusionar esto con un Rock and Roll tradicional, admirable y cotidiano. 

La producción es genial y esto da por hecho que Mouse y la banda han hecho un buen trabajo.

La segunda parte del álbum ha sido tomado por varios como repetitiva y algo ya densa pero en lo que a mi respecta, esconde de lo mejor del álbum como las rítmicas piezas de Run Right Back y Sister como también la dolida Nova Baby.

Si bien El Camino tiene oculta sus influencias del siglo pasado en diversos trayectos del mismo, mostró muy bien su poder de joya moderna en el mundo del Rock and Roll.

Billie Eilish - Don't Smile at Me (2017)

Indudablemente en los últimos meses, ni siquiera años diría, Billie Eilish es una de las artistas que mas ha crecido a nivel mundial repitiendo el perfil de artista nuevo, revelación y joven, siendo esta menor de edad como muchos de los artistas más populares alrededor del mundo en este momento. Eilish consiguió su primer contrato discográfico con la discográfica Interscope Records a partir de una grabación amateur de su tema "Ocean Eyes", aquí presente y reeditado como una canción y sencillo oficial donde ya dió el presentimiento de ser una futura sensación en el mundo del Pop.
Don't Smile at Me, su EP debut, se lanzó el 11 de Agosto de 2017.

Electropop, Alternative R&B, Pop Soul
Interscope Records

Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Copycat, Idontwannabeyouanymore, My Boy, Ocean Eyes

Como todos sospechan obviamente, Billie gozó de una sabiduría musical temprana, inmersa en una familia de músicos y actores como sus padres y su hermano, Billie desarrollo destreza y oído a temprana edad lo que la llevaría a este EP introductorio en su reciente carrera musical.

Don't Smile At Me es un álbum sentimental, profundo y pasional el cual superó mis expectativas por el calibre de la artista, la seriedad y la solidez que tiene al cantar todo el tiempo en solitario, reformulando, el EP posee una colaboración al final con Vince Staples pero no me refiero a eso sino que Billie se lleva por completo la mejor parte y toda la atención opacando totalmente la música en mi opinión. El brillo en solitario que me ha presentado esta artista supera la atmósfera del álbum que de por sí es muy buena y poco compleja volviéndolo al mismo, un álbum con recursos poco numerosos y una escucha fácil y agradable para muchos oyentes.

A pesar de esto, puede ser que la fortaleza de Eilish se vea afectada en momentos por segundos de Electropop con alto sonido comercial y es que dentro de los sonidos recurrentes que posee el álbum, hay momentos en donde presentan una flaqueza grande para el mismo, la canción Watch es el ejemplo por excelencia.

Sin embargo, y volviendo al párrafo superior, vulgaridades de la producción han sido totalmente aplastadas por la destreza vocal y soprana de Billie, algo que no me cansaría de remarcar teniendo como prueba cada una de sus canciones aquí. Si bien, esto no es una apreciación gigante a una artista pequeña aún, es un reconocimiento al mérito bien merecido. Sus expresiones vocales en Idontwannabeyouanymore, la crítica balada del álbum y mejor canción aquí, son por lejos dignas de una figura trascendental futura para el género. 

Involucrando al plano actual de la música, Billie muestra el lado triste y frágil de esta generación desde la visión femenina, la visión de una mujer que experimenta el dolor interno del amor en el cual desea cambiar radicalmente para mostrar otra faceta. Mientras que otras mujeres cantantes se han perfilado para un lado más explícito, prepotente y empoderado, Eilish refleja aún lo profundo que todavía puede ser la caída en un pozo emocional en manos de otra persona de manera sorprendente.

Old School vs New School (Debate sobre la evolución del Hip Hop) Parte II

A pesar de que la primera parte sea un poco (mucho) pesimista acerca de la nueva escuela del Rap, solo estuve analizando allí mas que nada la parte mainstream o más que nada el Mumbble Rap y el Trap. El Mumbble Rap es un término despectivo utilizado por los tradicionalistas y conservadores del género que determina cuando un artista es repetitivo y poco creativo haciendo referencia con el verbo "mumbble" que significa "balbucear" en español, a ese ritmo repetitivo en las rimas que es arrastrado en toda la canción e incluso en algunos casos repitiendo el mismo ritmo en diferentes canciones del mismo artista, este caso es el de Trippie Redd por ejemplo en donde comparte rítmica muy similar en diferentes canciones propias hasta de diferentes álbumes entre sí. Otro de los porques que se definió así a esta clase de artistas, es su definido acento sureño que afecta a la interpretación de las canciones y por el cual Migos ha tenido problemas hasta en público y frente a la televisión.

Sacando de contexto el Mumbble Rap, en el siglo XXI y la última década para ser más precisos, se han elaborado algunos de los álbumes más importantes del género, de los cuales en este momento he de nombrar solo dos porque creo que con eso basta. Estos álbumes han de ser My Dark Twisted Fantasy de Kanye West y To Pimp a Butterfly de Kendrick Lamar. Aclamados por todo el mundo, ambos simbolizan el poderío del género frente a otros hoy en día. Mientras que West creó el encuentro perfecto entre la música Pop y el Rap, Lamar ha creado una obra prolifera de poesía moderna encasillando muchos años de música "negra" dentro del mismo.

Detrás de estos dos álbumes se encuentran decenas de trabajos y canciones que omiten este tipo de Rap en bucle y juegan a favor de la creatividad humana conforme con el género y la música. Entre los mejores artistas de la nueva escuela junto con sus atributos más influyentes y notorios se encuentran Tyler, The Creator con su extrovertido relato, Travis Scott con la manía de combinar la música psicodélica con el Trap, Denzel Curry ganando por demás en el área del doble tempo, Young Thug y Future mostrando sólidas características del Trap a comparación de los demás, Earl Sweatshirt con su relato casi autobiográfico pesimista, Run The Jewels con su producción de vanguardia, el dúo Death Grips con la gran combinación de factores para crear música industrial completa y detallada revolucionando la escena del "Under", Madlib con sus características producciones ambiciosas, Freddie Gibbs con su introspectiva visión de las calles, JPEGMAFIA con una experimentación orientada también a Death Grips, el liberal colectivo Brockhampton, Danny Brown y su constante dinamismo y Kendrick Lamar contando una historia de vida prácticamente en cada uno de sus álbumes volviendo su discografía más ambiciosa aún, entre otros. 

Solo estos atributos son algunos de todo lo que realmente se puede encontrar en el género. Sin emabrgo, los nombrados fueron suficientes para representar la nueva generación en la historia grande del género conviriéndo algunos de sus álbumes en futuros clásicos. 

Hoy en día, la mayoría de estos raperos se los denomina "Lyirical Rappers" los cuales en cada canción, explayan aún más el relato y lo vuelven mas dinámico, es decir, todo lo contrario a un "Mumbble Rapper".

Old School vs New School (Debate sobre la evolución del Hip Hop) Parte I

En todo género musical se van formando diferentes ramas y bandos de fans en donde tienen algo de disputa en cuanto a pensamiento musical el uno contra los otros, como si de una rivalidad dura y deportiva se tratase, estos fans siempre proponen que el género o subgénero al que están a favor o al que están acostumbrados a escuchar, es mejor que el otro. No solo pasa en el ámbito del Rap como explicaré aquí, es más, sucede más profundamente y con un odio más crítico en el Heavy Metal contra las nuevas bandas del género o también contra otros géneros que hoy en día están de moda y le robaron protagonismo. Esta actitud tomada por el oyente se conoce como Purismo Musical, pero eso es tema de charla para otra publicación. Ahora, veremos las diferencias entre el Hip Hop moderno contra las de la llamada vieja escuela o Old School como es más conocida que engloba la música dentro del género hasta la década pasada.

Comenzando por las bases y la cultura del sampleo, la vieja escuela se caracteriza por tener bases más creativas y algo más largas, es decir, en realidad el uso del sampleo es mucho más bueno que el de hoy en día basándose en rítmos pegadizos para la adicción del oyente por la misma canción mientras que el nuevo Hip Hop, en parte a causa de la gran ola masiva del éxito del Trap, toma un sonido más minimalista y repetitivo. Aunque varias de las canciones han sido muy bien producidas en esta época, no se puede comparar que lo que se está haciendo aquí es nada más que simplificar búsqueda, talento y análisis de música para utilizarla en las bases y sampleos de la misma.

Así es como esta parte de la genialidad de la producción de la canción fue decayendo para algunos mientras que para otros solo son épocas en donde se utilizan estrategias más modernas y de moda.

Por otro lado tenemos la letra de estas canciones que en el pasado solían ser más rítmicas, explayadas y largas mientras que hoy en día, el juego de versos y rimas se convierte en algo mucho más simple como repetir la misma palabra alrededor de más de cinco veces o repetir la rima del final de un verso en casi toda la canción. Objetivamente me parece algo que carece de poder de creatividad, como ha dicho el cantante puertorriqueño el año pasado: "La música esta perdiendo creatividad" y es que si bien cuando hay cinco artistas para refutar ese hecho, hay veinte que lo avalan repitiendo en sus versos las mismas rimas con bases simplificadas y situación de las que hay un sin fin de canciones como "Dark Knight Dummo" de Trippie Redd, "Messi" de Neo Pistea, "Gucci Gang" y "Racks on Racks" de Lil Pump, "Bank Account" de 21 Savage, casi todas las canciones de Migos y 6ix9ine, "Panda" de Desiigner, "Magnolia" y "Lookin" entre otras de Playboi Carti y no nos olvidemos del Trap Latino que abusa de esta característica como también de las letras explícitas.

Tyler, The Creator - Flower Boy (2017)

Luego de una etapa de dos años en donde Tyler no parecía brillar como en el principio como lo supo hacer a temprana edad junto con Odd Future en sus mixtapes y más que nada en algunos sencillos y colaboraciones, en el año 2017, Tyler presentaría un álbum que haría un cambio radical en su perspectiva y en la perspectiva de los oyentes hacia el mismo artista dando así un giro de 180° en donde dejo en claro muchas cosas de su intimidad, su potencial aún vigente y sobre todo la talla de artista que ha podido llegar a ser. Este álbum es Flower Boy, el cuarto álbum en su carrera profesional publicado el 21 de Julio de 2017.

Hip Hop, Neo-Soul, Hip Hop Experimental
Columbia Records

Mi Calificación: 4,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: 911/Mr Lonely, Foreword, Boredom, See You Again, November, Glitter

En lo personal, he visto que Tyler venía de presentar un material flojo como lo fue Cherry Bomb en 2015 donde quizás uno que otro momento logró atraparme pero ni siquiera una canción de principio a fin, todo lo contrario quizás a lo que pasa aquí. He dicho que este álbum sería un cambio radical en la carrera del artista y es que sí, prefiero empezar por aquí diciendo que, en su mayoría, estos casi 47 minutos son totalmente alucinantes. Quedé sorprendido desde el inicio con Foreword y la base sintetizada casi de ensueño, con la colaboración de Rex Orange County en donde Tyler parece vertír versos de auto-respuesta en cada uno, sin una letra significante pero con gran cuidado y sin exageraciones llega a ser una introducción impactante. Siguiendo el orden del álbum, cada canción tiene algo especial que hace que la constancia del álbum no se pierda, incluso las canciones que sirven de intervalo como Sometimes.., el psicodélico Garden Shed, el canábico Dropping Seeds con Lil Wayne y el repetitivo instrumental final Enjoy Right Now, Today. A propósito, quiero decir que todas las colaboraciones principales que no he nombrado aún, fueron geniales, siendo esto raro debido a que es muy dificil coordinar cierto nivel y simpleza en la contribución de todas las colaboraciones en un álbum. 911 / Mr. Lonely es una de mis canciones favoritas y junto con Boredom, rap sutilmente acompañado de una ambientación R&B y violines, son dos piezas vitales en el álbum. 911 se separa en dos partes como muestra su título, la primera con un Neo-Soul totalmente rítmico y rico en el cambio de los mismos por parte de la producción, en donde el artista asegura que a pesar de la fama, nuevamente carece de alguien cercano en lo sentimental y la segunda es más oscura y rapera manteniendo la misma ideología en la canción que en el principio.
De principio a fin es un acto armado de forma equitativa en donde Tyler muestra algunas de sus mejores canciones con ritmos mejorados y versos superiores. Flower Boy no es el primer álbum personal del artista, ni mucho menos el primer álbum que lo describe tanto en su personalidad como describir hechos por los que ha pasado anteriormente, pero por lejos si es el primer álbum que desentraña y desenmascara el verdadero Tyler, Flower Boy lo hizo renacer como bien nombra en Where This Flower Blooms, obteniendo un joven sensible, aparentemente bi o homosexual que sufre de la soledad amorosa y está en busca de una compañía afectiva, situación que relata en más de una canción. Lejos de eso, esto no estigmatiza para nada el artista debido a que la calidad del álbum la estoy centrando en la música, la producción, el ritmo y colorido y ambicioso proyecto del que se esta tratando. Tyler no solo simbólicamente renace, si no que musicalmente, también lo hizo pasando en siete años de cantar acerca de machismo y suicidio a cantar acerca del amor, la intimidad y la soledad. El cambio que presenta este álbum es en dos ambientes muy distintos que aquí se complementan como uno solo, el cambio profesional y el cambio personal es inminente y llevaron al fundador de Odd Future a elaborar un futuro clásico y una pieza fundamental en el Hip Hop lírico moderno.

Daughters - You Won't Get What You Want (2018)

La banda de Providence, Estados Unidos, está devuelta luego de un largo "break up" tras 8 largos años en los que la banda ha cambiado parcialmente su estilo en su vuelta al plano musical involucrándose esta vez en You Won't Get What You Want en un sonido mucho más oscuro y abrasador cambiando su estilo Mathcore, y con mucha mas distancia de su estilo inicial del Grindcore, hacia el Rock Industrial influenciado por el Noise.
You Won't Get ha sido nombrado por varios críticos como uno de los álbumes más sólidos, cualitativos, completos y sorpresivos del pasado año, el mismo ha sido lanzado el 26 de Octubre de 2018.

Rock Industrial, Noise Rock, Post-Hardcore
Ipecac Records

Mi Calificación: 4 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: City Song, Satan In The Wait, The Reason They Hate Me, Ocean Song

La banda ha producido un hiato que la fortaleció sin dudas y es que Daughters llegó para marcar un álbum ambicioso pero oscuro que lo que menos quiere es ganar algo en si. La frase del título del álbum juega perfectamente, No obtendrás lo que quieres, como sería su traducción al español, son 48 minutos de una mirada fría, degradante y pesimista frente a la mente y el poder humano convirtiéndose así en una pieza profunda que en cada canción y con cada verso sorprende aún más. Alexis Marshall, el principal compositor y cantante de la banda, se ha convertido en un visionario de la lírica oscura y tétrica que junto con su voz de carácter profético demostró una fortaleza muy grande, pero no el álbum se sostiene solo gracias a esto sino que la producción, el sonido industrial mecánico, la percusión en general y el juego de distorsión de guitarras encuadra todo de manera vanguardista.

La mirada fría del álbum juega como una presentación de una banda la cual se muestra sin vueltas algunas, no, todo lo que escucharás aquí es, a pesar de ser algo pesimista y extremista, algo directo y doloroso. Por ejemplo, City Song es una de las canciones más densas en cuanto a lírica convirtiéndose en la apertura perfecta junto con los golpes secos iniciales y terminando la misma con Marshall en solitario profetizando la letra, dictándola en vez de cantando (-. Los fuegos están apagados, las aguas están quietas .-). Además de esto, analizando las canciones, el álbum tiene varios momentos sorprendentes como Satan In The Wait, la mejor canción de la banda en su carrera, ofrece una canción con un Marshall agotado hablando con metáforas algo crudas donde es acompañado de un solo de sintetizador erizante y descolocador que se convierte en un momento de climax total para toda la banda llegando a ser inclusive, el punto más alto del álbum, una canción digna de estudiar gracias a su estructura.

Por otro lado, el otro punto que es capaz de desafiar a Satan In The Wait, es su otro sencillo, The Reason They Hate Me que a comparación de las otras canciones con el ritmo áspero, esta es arrazadora y mucho más llevadera de lo que uno puede pensar. Sin duda no habría que dejar casi ninguna canción fuera de este proyecto enorme pero, canciones como The Flammable Man y The Lords Song me parecieron estruendosas más que feroces y poderosas como las demás. Estas figuran como un enclave repetitivo y molesto dentro de grandes canciones.

Sin duda, ha de ser un muy buen trabajo en donde "las hijas" desarrollaron un potencial vanguardista dentro de la música extrema que venían utilizando. Quizás por lo lírico se puede asociar con algo que han hecho anteriormente pero partiendo de la base musical, esto es algo totalmente nuevo que te va convencer que no todo lo que quieras, lo tendrás.

Robyn - Body Talk Pt.1 (2010)

Body Talk Pt. 1 es el comienzo de un proyecto, que consiste en dos álbumes de estudio y un EP, de la artista de Electropop sueca, Robyn. El álbum significó para la carrera de la artista, su arrivo y llegada al mercado casi mundial y la llegada a los oyentes de Norteamérica conformándose así uno de los puntos más importantes en la carrera de la misma. Body Talk es un álbum simpáitco con un sonido alegre y divertido pero que a veces puede llegar a ser esto un poco insignificante al lado del real significado de la imagen que quiere dar y transmitir el mismo. El álbum ha sido publicado el 14 de Junio de 2010.

Electropop, Dance Pop
Konichiwa Records

Mi Calificación: 3 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Don't Fucking Tell Me What to Do, Dancing on My Own

Robyn se muestra independiente y fuerte pero el sonido del álbum por momentos la desluce, desluce el sonido juguetón e infantil junto con su voz simpática hacen que lo bueno del álbum se derrumbe en un segundo.

A pesar de esto, la fortuita manera de Robyn de manejarse con los ritmos electrónicos son meramente dispersos y creativos desde la base y producción nocturna y áspera de la autoritaria Don't Fucking Tell Me What to Do hasta el creativo tributo al género caribeño en Dancehall Queen sorprendiendo de manera consistente y sólida. De por si, la artista ha demostrado ser una artista de talla global y con gran facilidad para crear muy buenos rítmos tanto minimalistas como más complejos. En None of Dem, la producción quedó a cargo del dúo sueco Royksopp que le agregó una pizca de futurismo en el sonido al álbum y teniendo la cierta consistencia de música de club nocturno junto a una Robyn  Orgullosa e insatisfecha frente a situaciones de diferente ámbito.

El álbum da un cierre con flaqueza con Hang With Me cantada en acústico y acompañada de violines y con Jag Vet En Dejlig Rosa, una canción tradicional sueca en donde la canta en su idioma nativo.

Sorpresivamente, Body Talk tiene aquellas desventajas que se ven poco profesionales e infantiles pero  a fin de cuentas demuestra cierta fortaleza en el manejo de un Pop confortable.

Los Cinco Álbumes que Más He Escuchado En Mi Vida

Led Zeppelin - Led Zeppelin
A una temprana edad me ha despertado un gran interés por el Rock en general empezando por los artistas más importantes y conocidos hasta otros que quizás no lo son tanto. Ahora, realmente no me acuerdo que me ha llevado a Led Zeppelin por primera vez pero le doy las gracias.

Pink Floyd - The Dark Side of The Moon
Una de las obras maestras más grandes de la música contemporánea me ha mostrado lo que fue el Rock Progresivo y me hizo adentrar en el Rock Psicodélico por completo y que se ha ganado mi cariño completamente de manera fugaz. Como diría cualquier adulto aferrado a esto, siempre será también un recuerdo de la adolescencia.

Kendrick Lamar - Good Kid, m.a.a.d. City
Álbum con el que comencé a escuchar a Kendrick, literalmente cuando lo escuche por primera vez hace unos tres años no pude parar de escucharlo hasta una semana después de haberlo hecho por primera vez. La facilidad que tiene Kendrick para las rimas y la rica producción me enamoró al instante.

Aphex Twin - Selected Ambient Works 85-92
Uno de los clásicos más grandes de la música electrónica y mi primer álbum de IDM escuchado, me llevo a que canciones como Ageispolis y We Are The Music Makers las repita también durante horas. También cabe destacar que fue el álbum que me introdujo en el género.

Tyler, The Creator - Flower Boy
Gracias a su producción etérea y psicodélica consiguió que me interesara en un segundo. Uno de los mejores álbumes de la década ha hecho que me adentrase de lleno a Odd Future y al rap más moderno y si, me hizo interesar más de lo que ya estaba. Podra sonar cursi pero Flower Boy significa algo grande para mi.

Kylesa - Ultraviolet (2013)

Kylesa es una de las bandas con más renombre dentro de uno de los ámbitos más exóticos dentro del Heavy Metal en sí, hablamos del Stoner Metal. Formándose de a poco y en silencio como una de las bandas más prolijas y representativas del mismo en Norteamérica, Kylesa supo como dar muestras grandes de poder del mismo mezclando un sonido psicodélico de oscuridad junto con música de distorsión con riff ansiosos y casi siniestros. La misma mostraría una cara más sutil y suave en Ultraviolet, su séptimo álbum lanzado el 24 de mayo de 2013.

Stoner Metal, Sludge Metal, Heavy Psych
Season of Mist

Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Exhale, Unspoken, Steady Breakdown

Como he dicho, Ultraviolet es un álbum mucho más melódico y accesible para casi todo el público que los demás que son álbumes más especificos en cuanto al sonido de los subgéneros impuestos sobre ellos, es decir que el álbum tiene un sonido controlado todo el tiempo y bien viable para la aceptación de la mayoría sin perder la esencia oscuramente psicodélica a la que tuvo acostumbrado a los oyentes por muchos años. Otro de los cambios, facilmente apreciable, es el gran protagonismo que toma la cantante Laura Pleasants aquí, cantando más de un par de canciones a comparación de los otros álbumes, por el contrario, protagoniza casi la mitad del álbum de una forma seria y extraordinaria.
Ultraviolet es muy constante y a pesar de no ser un álbum conceptual, el concepto del mismo es perseguir algo que sabemos que esta allí pero que se nos es invisible y es que quizás Kylesa aquí trata de mantener su potencial al máximo o aumentarlo para superar sus anteriores trabajos, en perspectiva subjetiva, no lo han logrado debido a que en sus comienzos se vieron más fortalecidos pero a pesar de eso, han hecho un excelente trabajo al mostrar una faceta renovada.
Las canciones se ven sumergidas bajo una producción con retornos y ecos tradicionales en la banda más que nada utilizados en la voz de Phillip Cope junto con una producción psicodélica y oscura tomando también, para mi punto de vista, por segundos una influencia del Post-Metal como lo es en el comienzo de Drifting pero es solo un detalle menor que no desvía a la banda de su postura principal y tradicional. Ultraviolet me ha parecido una escucha atrapante que combina detalles melódicos con un sonido detallista junto a canciones de caracter casi profético.

Foo Fighters - Wasting Lights (2011)

Foo Fighters en el año 2011 luego de venir de una floja etapa en donde el flujo de sus canciones se habían debilitado a montones, vuelve a exponer lo que sería su último gran grito en contribución al Hard Rock, con su séptimo álbum, Wasting Light en una verdadera muestra de poder inteligente y abrasivo en el cual supieron aprovechar grandes ventajas que han tenido a lo largo de su carrera mostrando así algunas de las mejores canciones de la banda desde sus inicios. El álbum fue lanzado el 12 de Abril de 2011.

Hard Rock, Post-Grunge
RCA Records

Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Rope, White Limo, These Days, Walk

Wasting Light me hace recordar los primeros álbumes de la banda debido a su gran calidad como he dicho antes pero esta se debe a la gran influencia que toma de aquella época Post-Nirvana en donde inmediatamente, Dave Grohl transmitió esa vibra de Kurt hacia su trabajo solista. En este álbum hay algo de Nevermind, rebajado con algo de estructura del Hard Rock y algo también de Bleach como lo es White Limo con su vibrante distorsión; quizás no encontremos algo de In Utero pero la idea llega a entenderse. También cabe destacar la participación de Krist Novoselic en I Should Have Known y el productor Butch Vig, productor de Nevermind que ha trabajado en la supervisión de la banda junto con material de edición analógico evitando todo aquel arreglo digital y artificial en el álbum lo que lleva al mismo a tener un sonido totalmente tradicional creando una joya del Rock clásico dentro de nuestros dias de modernidad.

No solo Wasting Light fue original por volver a lo viejo y tradicional, sino que el énfasis que posee cada canción es totalmente pegadizo, enfático y rítmico manteniendo Grohl un tono primordial que ayuda a formar una atmósfera eufórica en todo momento. Lo que también ha facilitado el éxito musical del álbum fue la vuelta de Pat Smear a la guitarra luego de años de ausentarse en la banda, es decir, trabajando con gente que moldeó el proyecto Foo Fighters desde su base, se pudo volver a la misma y fortalecerla aún más como también se hizo un trabajo mucho más llevadero.

A pesar de que ninguna canción posee algo innovador en todo sentido, los riff son muy buenos y los solos aún más, la batería se nota presente y fuerte también en todo momento resaltando en These Days, Back & Forth y el sencillo Walk. En cuanto a esta última canción, se encuentra muy sobrevalorada por sobre lo que se encuentran las demás canciones que a pesar de que no tengan una melodía comercial definida, juegan con la euforia encantadora constante en cada una de ellas.

Definitivamente Wasting Light me pareció muy convincente y estuvo por delante de mucho material de la banda en concreto y eso se logró con una vuelta a tiempo esenciales de Grohl como músico, tiempo en donde el mismo se estaba formando definitivamente como una personalidad sólida del medio musical. Ha sido difícil lograr tanta constancia en un álbum pero entre ritmos y ritmos Foo Fighters lo ha logrado.

Burzum - Belus (2010)

Belus es el séptimo álbum de estudio de Burzum, proyecto en solitario llevado a cabo por el Conde Grishnackh, conocido por su nombre de nacimiento como Varg Vikernes. Burzum ha sido uno de los dos proyectos más importantes del Black Metal Noruego y todo en lo que su movimiento casi contracultural conlleva. Belus es un álbum con aires de cambio, con aires de atributos más modernos y a nivel personal de Vikernes, un álbum que atraería una nueva etapa en su vida, dado que el álbum fue el primero que editó luego de estar 16 largos años en prisión, lugar desde el cual obviamente seguía trabajando. El álbum ha sido lanzado el 8 de marzo de 2010.

Black Metal, Atmospheric Black Metal
Byelobog Productions

Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Belus Doed, Glemselens Elv, Belus' Tilbakekomst (Konklusjon)

Belus es un álbum conceptual en donde se le rinde una especie de tributo hacia el dios de la luz Belus conocida en varias regiones como Baldr, Baldur o inclusive conocido como Apolo en la mitología griega. El concepto del álbum en si es ver la transición de dicho dios y su viaje y trayectoria de dicho dios a través de la vida. Según Vikernes, Belus fue de gran ayuda para la configuración de la sociedad europea. Aún así, el autor supone que al ser este el dios de la luz, el exceso de el o de la luz misma, ciega y abrasa [quema] y que es por esto que la oscuridad es necesaria en nuestras vidas.
Adentrándonos en lo musical, Belus es un álbum atractivo en donde Vikernes conjuga un Black Metal minimalista y repetitivo con profundo cuidado en no caer en confusiones, sus riffs y solos son increiblemente adictivos y oscuros que ambientan de manera casi embriagadora todo a nuestro alrededor. Belus está muy infravalorado en la carrera del Conde Grishnackh y quizás porque no todos pueden o admiran la originalidad del minimalismo aquí. Se puede volver algo denso, algo cansador pero posiblemente solo dure unos segundos debido a que en si el álbum es muy atrapante.
Vikernes combina en Belus varias cosas que implementó a lo largo de su carrera, los riffs repetitivos tradicionales junto con los detalles ambientales de sus mejores momentos junto con su scream característico en su voz seca y fría que también se contrasta a sí misma con momentos en donde su voz es serena y seria, algo poco visto en el.
Belus Doed (La Muerte de Belus) y Glemselens Elv (Río del Olvido) muestran que tan bueno es el artista al relatar poesía oscura nombrando el viaje de dicha deidad y la reencarnación de las estaciones del año gracias a la fuerza del mismo dios. Sin duda alguna, el mismo se destaca por su frialdad al relatar la poesía con letras que nombran los bosques, la energía, la reencarnación y la muerte entre otras cosas. Por otra parte, el álbum cuenta con tres instrumentales y cinco canciones con letra. Sobre el final nos encontramos con Morgenrode y Belus' Tilbakekomst (Konklusjon), dos pistas consecutivas para despedir el álbum con riffs lentos con tintes melancólicos dando así un cierre casi de carácter premonitorio y melancólico en donde los decibeles y las revoluciones bajan a comparación de las demás canciones.
En resúmen, Belus fue un álbum triunfante, un regreso esperado con un Vikernes renovado frente a una nueva etapa en su vida. El álbum funciona como recordatorio de que uno de los artistas más extraños y herméticos del mundo del metal nunca se ha ido a pesar de haber dejado atrás su pasado bastante oscuro. Es un álbum que disfruto y uno de los que me ha abierto las puertas al género y a la parte ambiental del mismo. La ferocidad puede remontarnos a lugar pacíficos igualmente.

Beyoncé - Lemonade (2016)

Lemonade es el sexto álbum de estudio de la cantante Beyoncé lanzado el 23 de abril de 2016 siendo el mismo su primer álbum conceptual basado, según el artista, en el autoconocimiento y la curación exclusivamente femenina. En cierto términos, el álbum tiende a explicar o da a entender el infravalorado poder de las mujeres como también así del artista y más personalmente hablando de ella, Lemonade demostró una gran fortaleza de la misma en performances nunca antes vista en ella siendo también así el álbum, el componente principal y la primera causa del mejor año en la carrera de la cantante y de un gran reconocimiento crítico e introspectivo del mismo gracias a su temática. El mismo fue presentado por el sencillo influenciado por el sonido Trap, Formation, junto con un largometraje de una hora.

Contemporary R&B, Pop, Pop Rap
Parkwood Entertainment

Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Pray You Catch Me, Sorry, Love Drought, Sandcastles

Lemonade esta basado en un ambiente melancólico pero serio junto a un gran sentimiento afectivo por el pasado y la introspección personal como también de carácter algo meditativo manteniendo una mirada femenina sobre las relaciones amorosas con rasgos de superación frente al dolor y al sufrimiento por parte del juego del amor. En general, el álbum utiliza sonidos suaves del R&B pero tiene sus cierto alternos y sonidos atípicos al género como lo son el Pop Rock Lo-Fi de Don't Hurt Yourself con un sampleo de Led Zeppelin y la colaboración de Jack White formando una canción más tradicional Pop en donde se presenta más intensamente la dulce soberbia femenina de la cantante y que quizás sea el ejemplo más claro de la misma.

Si bien Lemonade es un gran proyecto con una potente y dinámica producción sobre todas las cosas gracias a grandes partícipes en la misma, el álbum encuentra puntos en donde lo declaro algo denso a pesar de que supera su nivel anterior en la carrera del artista convirtiéndose siempre en el plato fuerte de la misma. Pray You Catch Me, Don't Hurt Yourself, Sandcastles y Freedom son clara demostración de que Beyoncé decidió perfeccionar y/o mejorar su calidad y destreza vocal alcanzando el nivel más superior en la balada Sandcastles. El triunfante Rap de Freedom junto a Kendrick Lamar, y uno de los versos más completos que este artistas prestó como colaboración en su carrera, es totalmente rítmico e hipnotizante y es el punto final del sufrimiento meditativo del álbum, es decir, es una de las últimas canciones del álbum en donde corta la personalidad sufrida del artista y la misma renace en una figura mucho más edificante e inquebrantable, evento que habla muy bien de como se elaboró el concepto final del trabajo. Al final de la misma pista se puede oír a la abuela de su esposo Jay Z decir en una cita grabada: "Tuve mis altibajos pero siempre encontré la fuerza para reponerme. La vida siempre me dió limones y yo hice limonada".

El proyecto fue algo multitudinario, convirtiéndose en el álbum más representativo en la carrera de la señora Carter (cabe recordar que también fue el álbum más vendido en el año 2016) mostrando sus más grandes fortalezas y dando una mirada más respetuosa a la mujer introspectiva en el circuito musical.