Trippie Redd - A Love Letter to You (2017)

Michael White más conocido como Trippie Redd lanzó su mixtape debut A Love Letter to You el 12 de Mayo de 2017 como parte de una trilogía de mixtape del mismo nombre. El mixtape es reconocido por incluir a una de las canciones más populares del artista y que aquí es el sencillo lider, "Love Scars" destacándose como una de las mejores del artista sin duda. Contiene como colaboradores en diferentes canciones a FOREVER ANTi PoP, Chris King, UnoTheActivist, Famous Dex, 6ix9ine, Pachino y Black Jezuss entre otros y como productores principales a Goose The Guru, Pi'erre Bourne DP Beats y 12Hunna.

Trap Rap, Pop Rap, Emo Rap
10K / Caroline

Mi Calificación: 2,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Love Scars, Poles 1469, Stoves On 14th

Realmente es un debut un poco confuso, por partes me deja convencido de que Trippie al desplazarse por diferentes lineas esta rapeando muy bien y por otras, pareciera que ni siquiera lo esta haciendo sino que lleva la fuerza del beat consigo mismo. La postura emo y depresiva que obtiene A Love Letter to You es realmente desesperanzador pero de un punto más vulgar que serio es decir, realmente el falso Emo Rap que a veces Trippie Redd ejecuta es solo una fachada que no podría convencer a mucha gente por lo que la música que hace y las letras muchas veces me hacen pensar que solo ocurren y ya, el problema no es real ni convincente aunque a pesar de esto y como nombre anteriormente, no hay dudas de que Love Scars es la joya del álbum y por la que podemos identificar al mismo gracias al gran énfasis del artista en este caso.
En rasgos generales, las colaboraciones son buenas hasta cierto punto debido a que algunas presentan debilidades como Famous Dex al ser tan repetitivo y realmente hartante en "Blade of Woe", una canción promedio del "mumble rap" con una base fría y oscura que realmente es desperdiciada en un tema tan malo. Por otro lado, una de las canciones más populares del álbum, "Poles 1469" junto con Tekashi 6ix9ine, resulto ser también una de las más atractivas para mi con un ritmo un poco más violento que el resto de las canciones gracias también a la eufórica y esperada aparición del rapero de ascendencia mexicana con su enfática voz y grito que se concierna a letras de orientación más "gangsta" y de pandilla rompiendo con la monotonía deprimente del álbum.
Teniendo en cuenta solo la oscura producción, sinceramente fue todo una sorpresa debido a que no me espere un mixtape tan violento y oscuro en materia musical como lo es en la mayoría de las pistas y eso fue un punto más arriba de lo que se podría merecer Trippie y sus productores que muchas veces se ven opacados por poca creatividad y originalidad. A Love Letter to You es lo justamente atmosférico y oscuro que las letras lo demandan, esta productivamente armado a la medida sin mucho esfuerzo ni con una producción tan nítida.

Troye Sivan - Blue Neighbourhood (2015)

Troye Sivan, un joven sudafricano de 20 años en ese momento, lanzaba el 4 de diciembre de 2015 su álbum debut luego de cuatro EPs previos, uno de los cuales, el último anterior al lanzamiento de este álbum, se puede encontrar dentro de la versión deluxe de Blue Neighbourhood y es que este álbum se asienta sus bases en cuestión a partes de este EP, como si todo el trabajo fuese parte de uno mismo.
La joven promesa de la radiofórmula global como lo podría definir personalmente, formó junto a sus productores, Jack Antonoff y Alex Hope entre otros, un álbum interesante, juvenil, valiente e inclusive sincero pero que de todos modos no logra escapar de una homogeneidad inminente

Electropop
EMI Australia / Capitol Records


Mi Calificación: 2,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Fools, Wild 

Como lo fue American Boyfriend de Kevin Abstract, Blue Neighbourhood toma como tema y corriente principal la vida de Sivan, o mejor dicho su temprana adolescencia gay dentro de la comunidad judía de Perth, es decir, nada fácil. Por esto mismo, Sivan es frío y valiente, no fluctúa y sorprende sus composiciones que también varias de estas están a cargo de Antonoff.

Si bien el relato de Sivan es profundo y de más prometedor, su buena producción se hunde al momento de echar la comparación con otros artistas del medio que abundan y reinan en el mercado de la música actual y pop pero esto quizás sea solo un comienzo para un joven que por lo menos tiene el poder y la visión clara dentro del juego y el plano musical y la prueba de esto es solo el tiempo que demuestra la razón y la habilidad de cada artista.

La producción puramente electrónica es clara y variada con la utilización de sintetizadores y piano que ambientan de forma melancólica en la mayoría del álbum de una gran manera pero a pesar de esto, no me trajo ninguna sorpresa y se aplica realmente a razgos generales de todo el álbum. Blue Neighbourhood por lo menos dió a luz a una de las visiones más serias y proporcionalmente conmovedoras de Troye Sivan

Megadeth - Super Collider (2013)

Super Collider es el décimo cuarto álbum de la banda de Thrash Metal, Megadeth. Super Collider muestra una faceta rockera mucho más aceptable para el público general y no especializado del metal, aquellas personas que prefieren la armonía y el ritmo antes que la brutalidad y la velocidad y es que el álbum abandona la faceta más popular de la banda, ese dicho, rápido, veloz y excelente Thrash Metal de la banda que aquí es reemplazado por un sonido mucho más comercial y Hard Rock.
El álbum se lanzó el 4 de Junio de 2013.

Heavy Metal, Hard Rock
Tradecraft / Universal

Mi Calificación: 2 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Kingmaker, Super Collider

 Super Collider ha tenido malas críticas por su persistente sonido tradicionalista del Hard Rock y una baja en calidad de composición por parte de Dave Mustaine y es que ni la agresividad ni los compases ritmicos claves en la banda influyeron en un trabajo tan básico como este.

El álbum tiene una producción muy nítida y buena pero eso se lo debemos a los millones mientras que el sonido suena tan pero tan monótono que me llega a sorprender algo así de esta banda. Super Collider sin duda me trajo una que otra sorpresa como la intro "Kingmaker" es realmente buena teniendo una apertura con la mecha bien encendida y con un vago recuerdo a los mejores momentos de Megadeth de los últimos años, el Megadeth de "Endgame" que sin embargo el sonido apasionante, rápido y edificante se derrumba poco a poco. La siguiente canción, homónima del álbum y sencillo lider del álbum, ha de ser una canción emulando el Rock clásico de los años ochenta sólo con poco éxito debido que a pesar de todo se encuentra entre las mejores del álbum con un gran solo.
Desgraciadamente, Super Collider se encuentra con pasos y recursos verdaderamente precoces y destructivos en materia musical. La voz de Mustaine, los versos repetitivos, la estructura con poco ritmo novedoso, los estribillos ridículos y algunos minutos de improvisaciones en solos molestos sin armonía de calidad lleva a este álbum a un punto desesperante
No todas las obras de los genios son geniales y muchas veces el arte de vuelve bueno para algunos mientras que para otros se esté presentando una monotonía auditiva tremenda. Megadeth hizo un intento de volver el sonido de la banda más melódico que brutal y técnico y el resultado fue un sonido regular y amargo.

Deathspell Omega - Paracletus (2010)

Paracletus (traducido del latín, "El Abogado") es el quinto álbum de estudio de la banda francesa de Black Metal, Deathspell Omega, una banda que por cierto es muy hermética, muy cerrada y secreta en cuanto a la historia que hay detrás de ellos, sus lanzamientos y sus presentaciones.
 A propósito, también han hecho varios álbumes más pero en conjunto con otras bandas del medio y del ambiente del género, por lo tanto Paracletus es denominado su quinto álbum autoritario de trayectoria canónica y es el tercer y último álbum de una trilogía determinada por ellos en donde se especializan en la relación de la teología con el satanismo y la relación de Satán con los seres humanos según dicha disciplina.

Black Metal, Metal Progresivo, Avant-garde Metal
Norma Evangelium Diaboli / Season of Mist

Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Abscission, Have You Beheld The Fevers?, Apokatastasis Panton

Enteramente se lo considera un álbum conceptual por el hecho del tratamiento de sus letras en donde se explaya la teología relacionada con el satanismo y el pensamiento de los integrantes de la banda que aparentemente ejercen dicha religión o credo.

Paracletus realmente obtiene un sonido caótico, no solo por el hecho de su genero si no que su producción contribuye al sonido sucio y totalmente pesado y cargado de sonidos de cuerdas metálicas llegando hasta la distorsión. Comenzando con Epiklesis 1, una introducción realmente buena que evoca al comienzo de un rito de invocación de un ser divino (difiere de ser maligno o sacro) dando al álbum una postura de que más de un álbum de música, se trata de un ritual musical para invocar a su creencia, reafirmando esta teoría que en el medio del álbum se encuentra Epiklesis 2 dividiendo al álbum en dos o parte o bien dando paso a la segunda parte del álbum.

Realmente Paracletus no es un álbum de Black Metal tradicional. La repetida secuencia de batería y acordes exactos y extremos que caracterizan al género se ve alterada por diferentes estrategias y lapsos de tiempo en donde se ejecutan diversos acordes fundamentales para distinguir al álbum y a la banda que son muy buenos.

Sin embargo, es inevitable sentir el paso agridulce de que la voz de Shaxul, como se hace conocer el vocalista, es muchas veces demasiado para el oído común junto con lo apocalíptico e infernal sonido en conjunto de todos los instrumentos del álbum es decir que a rasgos generales, la producción y sonido del álbum por más inteligentemente diseñada que este, no logrará conquistar a muchos oyentes que no sean parte del Black Metal. Realmente Paracletus en materia de composición y recursos líricos y poéticos es realmente bueno, Paracletus es poesía de primera clase, poesía inteligente y poesía desgarradora. La inteligencia políglota que utiliza la banda es increíble debido a que la mayoría de las canciones mezclan el inglés con el francés y el latín obviamente separado por diferentes párrafos o frases por idioma.

Puntualmente encontramos los mejores momentos en Abscission con los pasajes y cambios de revoluciones, Have You Beheld The Fevers? con un excelente e inesperado riff y también repentinas revoluciones cambiantes y por último un gran cierre con Apokatastasis Panton repitiendo el riff de Epikletis 2 y con un solo extendido y oscuro que lleva al final del álbum. 

Como resúmen, este álbum es la demostración definitiva de que Deathspell Omega es una de las mejores bandas del género en el último siglo.

Avenged Sevenfold - Avenged Sevenfold (2007)

Avenged Sevenfold lanzó su tercer y homónimo álbum el 30 de octubre de 2007 con la ayuda de un amplio elenco sinfónico que se desplaza a lo largo del álbum formando gran parte del elenco y la producción del álbum. Esta estrategia y puesta en escena de utilizar el Metal Sinfónico significó un gran cambio para la banda transformando su sonido desde el Metalcore Melódico hacia un sonido del Heavy Metal más tradicional y sencillo.

Metal Alternativo, Metal Sinfónico, Hard Rock

Warner Bros.

Mi Calificación 3 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: Almost Easy, Dear God, Lost

A pesar del cambio repentino, y gracias a esto, Avenged Sevenfold se convirtió en su primer álbum número uno y un álbum que les hizo acrecentar su base de fans en un porcentaje de casi el doble de oyentes convirtiéndose en una de las bandas más populares del momento en aquellos años dentro del género junto a System of a Down o Disturbed entre otras.

Sin embargo, el álbum no merece tanta fama musicalmente hablando como comercialmente. El dinamismo y la guitarra de Synyster Gates posiblemente es lo mejor del álbum y lo que define el sonido como algo nuevo y un sonido más disfrutable que los anteriores álbum con mucho más "ruido" insignificante y brutal ya que también varios de los clásicos de la banda (como Scream, Almost Easy, Lost, Afterlife y Dear God) se encuentran aquí. La producción fue costosa y realmente es buena pero muchas veces un artista no puede estar a la altura de las circunstancias para igualar a esta y aprovecharla al máximo. Avenged Sevenfold sigue teniendo un sonido juvenil y una fachada rockera con poco lujo que a pesar de eso, lograron grandes cosas y definirse como una de las bandas del momento y de la década en cuanto a popularidad como mencione anteriormente.

Por otro lado, cuando un artista abandona una postura y se vuelca en otro ámbito siempre va ser criticado para bien o para mal debido a que el foco de atención es repentinamente guiado y adaptado para otro público con una aceptación diferente y otro tipo de digestión musical, "haters" los hay, por todos lados.

Sin más preámbulo, yo creo que el sonido pesado de guitarra sigue siendo buenísimo, Almost Easy posee una cadencia de sonido envidiable en su riff, Dear God es una linda balada con gran influencia soft country, A Little Piece of Heaven es una cancion bastante variada y quizás la mas peculiar de ellos como también la mas vanguardista con coros, trompetas y un ritmo rápido y alegre y también podemos encontrar canciones mas corrientes y tradicionales como Critical Acclaim y Afterlife que todas en conjunto muestran el trabajo más convincente de la banda hasta el momento.

Mötley Crüe - Dr. Feelgood (1989)

Dr. Feelgood es el quinto álbum de estudio de Motley Crue, una de las bandas más destacadas dentro del Metal de moda en la década de los 1980s, lanzado el 1 de septiembre de 1989 producido por Bob Rock. Dr Feelgood representó un pequeño gran cambio dentro de los integrantes de una banda que realmente vivía una vida al límite entre ser un rockstar perteneciente al movimiento del Glam Metal tan candente en ese momento y realmente jugar con la muerte producida por algún estupefaciente.

Heavy Metal, Glam Metal
Elektra Records

Mi Calificación: 4 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Dr. Feelgood, Kickstar My Heart, Same Ol' Situation (S.O.S.)

Dr. Feelgood es sin duda el apogeo de la banda en donde pasando por un proceso de rehabilitación, o por lo menos limpieza temporal, del mundo de las drogas que les empezaron a causar problemas a nivel de salud.

Aquí en este álbum yace la vibrante muestra del metal de la década con mayor popularidad debido también a que Dr. Feelgood es el álbum más vendido de los chicos de Los Ángeles que igualmente están lejos de ser una banda con pensamientos filosóficos o esotéricos de trascendencia lírica. Sin embargo, Dr. Feelgood entre relatos verídicos cercanos a la muerte e insinuaciones a noches llenas de mujeres y alcohol, el álbum es realmente entretenido y atrapante. Destacando como uno de sus mejores lanzamiento junto a "Shout at The Devil", Feelgood les brindó sus primeras canciones con mayores ventas y alta y digna popularidad.

 Dentro del álbum realmente el sonido de la producción a comparación del presupuesto que se le puede otorgar a banda de semejante tamaño, es baja en calidad pero eso no impide que el sonido de la guitarra y los instrumentos sean parte de esta sucia y salvaje demostración de Heavy Metal voráz y ambicioso es decir que a pesar de desperfectos, el sonido gracias a eso mantiene una relación estrecha con el sonido pesado y lo brutal sin delucirse. 

Gorillaz - Plastic Beach (2010)

Plastic Beach es el tercer álbum de estudio de la exitosa banda digital, Gorillaz, lanzado el 9 de marzo de 2010 y presentando un capítulo nuevo en la aventura canónica de estos entrañables personajes y que por lo tanto se forma de nuevo en un concepto de "álbum conceptual" como su predecesor post-apocalíptico Demon Days en el cual nuestros personajes se encuentran en una isla sólo con sus pensamientos remotos

Art Pop, Hip Hop, Electropop
Parlophone

Mi Calificación: 4 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Rhinestone Eyes, Stylo, Empire Ants, Glitter Freeze, On Melancholy Hill

Si bien Plastic Beach es un modelo de transición para la banda en donde las letras un poco deprimentes y oscuras aquí se transforman en frases del reflejo del amor y la desolación con una mezcla de temas que abarcan desde la alienación hasta el amor nuevamente con una producción ambiciosa y excelente.
El álbum toma otro color y un tono más tropical, con mas de diez colaboradores en su haber, Plastic Beach forma un sonido más pop, más alegre y con tonos sinfónico gracias a la Sinfonica ViVA en la introducción del álbum. A lo largo del mismo hay múltiples referencias también a paisajes balnearios y referencias al mar y a la vida en la playa de estos personajes. El álbum podría ser facilmente una descripción de un futuro de plástico, un futuro contaminado y un futuro negativo sobre la vida en la tierra, quizás también perteneciente a restos de lo que dejo el último capítlulo de estos personajes.
Al alternar tanto entre géneros como nos tienen acostumbrados, se vuelve un álbum entretenido y sorprendente pero que a pesar de esto, no muestra lo mejor de Damon Albarn aunque bien sabemos, lo bueno que es Albarn al manejarse con tonos modernos y puramente electrónicos como en "Rhinestone Eyes", la sorprendente "Stylo", la humorística "Superfast Jellyfish" y la protestante y desolada "Glitter Freeze" con Little Dragon que hasta goza de un guiño en su base con influencias que pueden ser atribuidas al Reggaeton en su introducción.
El pop derriba del Hip Hop dentro del álbum pero que aún sigue ahí siendo participe de la obra gracias a Snoop Dogg y Mos Def sin muestras tan sólidas como la de los demás colaboradores.
Plastic Beach cobra venganza del pop moderno haciéndolo protagonista en esta oportunidad, algo que todavía no se había visto con tanta claridad dentro del proyecto de Gorillaz y que realmente y en pocas palabras fue algo que los fortaleció aún más como uno de los proyectos más ambiciosos, completos y entrañables de los últimos años. Características de artistas que gracias a todo esto se convirtieron en algo de lo más popular en los últimos veinte años. Plastic Beach es realmente otro capítulo glorioso dentro de la historia de la banda digital.

Flying Lotus - Cosmogramma (2010)

Cosmogramma es el tercer álbum de Flying Lotus, el proyecto musical de Steven Ellison lanzado el 3 de mayo de 2010 que presenta un concepto espacial y lectura acerca del universo y el espacio. Por empezar un Cosmograma pueden ser una serie de símbolos o significados por escrito en la que a través de ellos se puede conocer una interpretación universal y/o personal pero al nivel personal de Steven significó algo totalmente diferente, un error de pronunciación en un discurso de su recientemente fallecida madre que obviamente la hace recordar a ella.
Cosmogramma esta pensado para ser un viaje de ida y no de vuelta, un viaje espacial a través de un álbum casi y puramente instrumental rozando la genialidad que abarca características desde la música clásica hasta los rincones más profundos de la música electrónica actual. Este viaje ecléctico es en honor a la madre de Steven.

IDM, Jazz, Glitch Hop
Warp

Mi Calificación: 4,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Pickled!, Zodiac Shit, Computer Face//Pure Being,

En nuestro viaje psicodélico por Cosmogramma nos topamos con momentos caóticos, otros suaves y otros realmente geniales en donde Ellison combina, como he dicho anteriormente, características de varias ramas de la electrónica para poder asi formar un IDM casi perfecto, o por lo menos perfecto por momentos. Tal es así que observamos cambios de tiempos rápidos y cortos como en el Drum and Bass o cambios al estilo de un dubstep no tan abusivo y más sofisticado, formando así un paisaje muy complejo y compuesto por varias capas de sonido.

Estas capas pueden estar por momentos compuestas por arpas, cajas de ritmo y sintetizadores como también voces con solo el sonido electrónico de fondo debido al aporte de Thom Yorke, Frontman de Radiohead en "...And The World Laughs With You", el tarareo de Thundercat en "MmmHmm" y la embriagadora voz de Laura Darlington en "Table Tennis" con un sampleo pegadizo de una mesa de ping pong.

La creatividad al momento de alterar todos estos sonidos es realmente envidiable y demuestra la fortaleza de Steven al editar y hacer todo el álbum como también producirlo el mismo. Su madre fue honrrado con uno de los trabajos mas exquisitos de los últimos años, una composición uniforme de 45 minutos en donde juegan la electrónica con sonidos únicos de arpas y hasta guitarras sin olvidar el detalle más importante, la importancia de la familia Coltrane en el juego de Cosmogramma. Ravi Coltrane, hijo de John, leyenda del Jazz, compuso autoritariamente "German Haircut" para ponerle un toque familiar al álbum. Mas allá de lo complejo que puede sonar el álbum, la gran capacidad para alternar capas de sonidos al mismo tiempo es increíble y la demostración más grande esta en "Pickled!" y "Computer Face//Pure Being".

Tame Impala - InnerSpeaker (2010)

InnerSpeaker es el álbum debut de Tame Impala lanzado el 21 de mayo de 2010 en donde demuestra una sólida base de una vieja y conocida corriente de la música, la psicodelia o el Rock Psicodélico.
InnerSpeaker es un álbum complejo para la primera escucha quizás debido a que cada vez que lo escuchas, y si es con más atención, encontrarás texturas nuevas, sonidos de bajos y acompañamiento rítmico increíble y una lucidez para desplazarse en la psicodelia realmente gigante.

Rock Psicodélico
Modular Records

Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Alter Ego, Lucidity, Solitude Is Bliss

 Tame Impala es principalmente Kevin Parker que es el fundador de la banda y el multinstrumentalista que desarrolló la mayor parte de Innerspeaker como los teclados, sintetizadores, efectos de sonido, arreglos sonoros, guitarra y por supuesto voz, es decir, también fue el productor.

El álbum posee un sonido particular con una producción que abunda en ecos y en efectos de tintes psicodélicos en la mayoría de las canciones distorsionando las voces y dando así un ambiente ilusiorio y algo surreal. Realmente es un álbum muy bueno pero que a pesar de eso y de ser una banda referente de la neo-psicodelia, es un álbum muy cargado y saturado de efectos de sonido.

A pesar de eso, los riff de guitarra y la batería son excelentes. Tame Impala se fortifica en cada canción gracias a ello, la percusión fue realmente algo imprescindible como lo podemos ver definitivamente en el instrumental "Jeremy's Storm" o "Alter Ego" y "Lucidity".

Nuevamente recalcando que a pesar de la saturación de sonido que podemos encontrar, la atmósfera que se crea en Innerspeaker realmente me sorprendió, una atmósfera digna del verano del amor, de San Francisco en pleno extasis y por otro lado Parker es el McCartney del Rock Psicodélico moderno y es que la voz yo la encuentro familiar, un Paul mucho más serio, surrealista e hipnótico. Todo esto evoca a que Tame Impala se convirtiera en una de las bandas más conocidas y apreciadas de nuestra época. 

Alter Ego y Lucidity son sin dudas las mejores, la mejor percusión, los mejores solos y las mejores performances psicodélicas del álbum que le dan el poder autoritario al mismo. Innerspeaker es un modelo a seguir en materia de influencia psicodélica, un poder sesentero totalmente vivo y eficaz.

The Tallest Man on Earth - Shallow Grave (2008)

Shallow Grave es el álbum de estudio debut del cantautor de Folk sueco, Kristian Matsson mejor conocido como The Tallest Man on Earth, lanzado el 5 de marzo de 2008. Shallow Grave ha tenido diversas críticas en donde resaltan lo simple que puede parecer la música con una compleja poesía como la de Matsson en la que no se saturan los recursos poéticos.

Contemporary Folk, Singer / Songwriter
Gravitation Records

Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: I Won't Be Found, Honey Won't You Let Me In, The Gardener, Into The Steam

Las metáforas, el entusiasmo y la performance de la canción agridulce que genera son canciones realmente sólidas y agradables que poseen un ritmo rápido pero sutil gracias a la gran habilidad de Matsson en el arpegio de la guitarra y en el banjo en menor medida como en la canción homónima del álbum.

Shallow Grave está grabado sin arreglo abundante sino que sólo se enfoca en la áspera voz del artista que es inevitable hacer una comparación con el primer Dylan, hijo prodigio de la música oriunda de paisajes rurales de hace unos 50 años y creo que la comparación es con un mensaje de comparación por parte de The Tallest Man debido a que este tuvo un debut mucho más sólido y formidable que el padre de la canción Folk moderna y norteamericana como lo es Bob. Su guitarra es mucho más protagonista y su mensaje el más profundo y bello en varios año dentro del Folk tradicional.

No posee estrategias extraordinarias ni un pensamiento constante que delate algo innovador en la forma de ser del artista, o quizás si lo sea y este teniendo una suposición errónea pero sin embargo la realidad es que la escucha de Shallow Grave siempre sonará bella y agradable, un pasaje hacia algo simple y confortable.

Kevin Abstract - American Boyfriend: A Suburban Love Story (2016)

American Boyfriend es el segundo álbum de estudio del integrante del colectivo de Hip Hop Brockhampton, Kevin Abstract. En American Boyfriend, el artista revisualiza su complicado pasado en términos juveniles y diferentes problemáticas adolescentes como la ausencia de sus padres a nivel personal o la peligrosa confesión de su bisexualidad como temas centrales en sus letras. El álbum fue lanzado el 18 de Noviembre de 2016.

Alternative R&B, Art Pop, Indie Pop
Brockampton Records 

Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Empty, Tattoo, Yellow

El álbum es altamente introspectivo y dinámico musicalmente dejando una salida y una demostración positiva al mundo de la música para el artista ya que muestra lo talentoso o lo sencillo que le parece al joven norteamericano, manejarse y componer en diferentes géneros y ramas de la música popular teniendo influencias de Dream Pop, Indie Pop y hasta del Hip Hop.
American Boyfriend es una odisea completa que va desde lo más superficial de la persona hasta las ideas mas internas de Kevin. Teniendo en cuenta que este tipo de temas están muy candentes hoy en día, Kevin mostró una fuerte valentía. Si bien la temática del álbum no es altamente remunerable, el artista se jacta de ser un gran artista con mucha predisposición en el campo de lo creativo y las canciones lentas y su melodía conjunta que son las que más el prefiere como lo notamos en Empty, Yellow y Tattoo. El compás que logra y el ritmo que genera el artista es sencillo y se apoya facilmente en los teclados y guitarras acústicas como acompañantes que por cierto son parte de una gran producción.
Otra de las cosas que el joven tiene presente en este álbum como ideas principales, es la idea y la figura de una casa, un hogar. La describe como una casa solitaria, un infierno un lugar al donde todos queremos volver pero el no logra encontrarse con ese sentimiento de comodidad. El descontento es constante si prestamos atención a sus composiciones.
El hecho de que juegue con diferentes influencias y presente diferentes géneros y casi todo el álbum se convierta en casi un relato viviente, vuelve a American Boyfriend un álbum muy interesante.

The Weeknd - Beauty Behind The Madness (2015)

Beauty Behind The Madness es el segundo álbum de estudio del cantante canadiense, The Weeknd que sorprendió de manera rápida  con una trilogía de mixtapes que hicieron valerlo como un artista interesante. Luego del sin pena ni gloria primer lanzamiento como álbum, Kissland, el cantante se lanzó a la fama mundial con este álbum que contiene un sonido sumamente comercial y altamente consumible para la radio y el consumismo juvenil, determinando solo su público más frecuente.
El álbum contiene fuertes influencias del sonido pop de los setenta junto a la música negra de dicho momento, la música disco.

Electropop, Contemporary R&B
Republic Records

Mi Calificación: 2,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Often, The Hills

Las canciones de The Weeknd son realmente densas hasta cierto punto, debido a una falta de dinamismo de el mismo o salto de calidad necesario. Las primeras canciones "Real Life" y "Losers" son canciones de electropop agridulces que también se le podrían adjuntar a una colaboración con un Dj del ámbiente, la colaboración con Labrinth es sumamente terrible, la canción no parece terminar más.
A pesar de que The Weeknd no me parezca para nada un buen compositor, y lejos de serlo, las canciones "Tell Your Friends", "Often" y "The Hills" son las canciones más interesantes y hasta las mejores producidas, el sonido producido en todo el álbum es envidiable y hay que admitirlo tal es así que tuvo mucha ayuda de Mike Dean, Illangelo, Ali Payami, Max Martin que produjo la famosa "Can't Feel My Face" y hasta Kanye West, pero obviamente hay que resaltar que teniendo toda esta gente en tu estudio y con un presupuesto multimillonario, que podría salirle mal, pues si, en cuanto a sonido es muy refinado y bueno pero el artista no devuelve consigo toda esta gratitud en producción.
Realmente The Weeknd se mete en terrenos donde los géneros urbanos más que nada abundan y recurren, es decir, el cantante se remite al juego de las drogas entrelazado con el amor pero de una manera poco interesante y mucho mas pop y no tan hostil.
Aún así, Beauty Behind The Madness lo consagra como artista popular mundial dando como fruto sus primeros sencillos exitosos top ten y hasta un #1 como lo es "Can't Feel My Face", la dura demostración de como el también puede hablar de lo que las drogas lo hacen sentir frente a una mujer haciendo apología a la misma en una canción de disco moderna.
En resumen, el poder de radiofórmula y el atractivo retro del estilo y el flujo del artista forman un álbum más aburrido que prometedor aunque teniendo esto en contra, logró una fuerte base de estilo Pop y  R&B.

Nicolas Jaar - Space is Only Noise (2011)

Space Is Only Noise es el segundo álbum de estudio del DJ ambiental chileno Nicolas Jaar. El artista andino experimenta con sonidos lentos y de aspiración a una fachada melancólica con un concepto existencial y anti materialista de carácter abstracto en los que también mezcla un sin fin de sonidos de carácter meditativo y también así repetitivos.

Ambient Pop, Ambient House
Circus Company

Mi Calificación: 3 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Colomb, Too Many Kids Finding Rain In The Dust, Spectres of The Future

El comienzo con "Etre" y "Colomb" en donde los sonidos promiscuos y voces serias dan el tono y el color inicial al álbum, lo vuelve algo interesante que por delante solo pocas veces cumple con esta regla volviéndose repetitivo y algo denso. Si bien la capacidad del artista es innegable para hacer música ambiental, Space Is Only Noise necesita más carácter y potencia creativa en su haber es decir que aspira a ser un álbum realmente completo pero los ecos, los efectos y las voces repetitivas lo deslucen poco a poco.

"Too Many Kids Finding Rain In The Dust" sin duda es una genialidad teniendo un estilo muy profundo y bohemio que es lo que la hace destacar sobre las demás pistas recibiendo apoyo de arreglos orquestales. La futurista y espacial que le da el título al álbum, "Space Is Only Noise",es la contra cara de la anterior mencionada en donde se encuentra la mejor de la segunda parte del álbum junto al buen cierre "^tre" enfundado en un piano excelente y melancólico con un paisaje sónico que podría corresponder a cualquier espacio público.

En resúmen, Space Is Only Noise es un trabajo en donde los arreglos vocales y los menos ambientales le quitan, o al menos intentan quitarle, protagonismo al poder ambiental que produce el mismo artista con una mirada futurist, bohemia y vanguardista.