Moby - Play (1999)

La carrera de Moby venía realmente en picada, de ambas partes tanto de su parte solista como de la parte grupal con The Pork Guys, su banda Punk. En sus inicios, el propiamente Dj Moby se dedicó a componer canciones de Techno, Acid Techno y Dance entre los géneros más recurrentes del artista que aún así a finales de los noventa no conseguía éxito alguno. Sin ninguna chance de rendirse, el estilo de Moby cambió radicalmente comenzando por su álbum "Everything Is Wrong" y llegando a su cúspide como artista con este álbum, Play.
El álbum es una faceta mucho más profunda del artista y este mismo le debe las gracias a la voluntad de Moby de poder remontar una difícil situación que transcurría como artista. Moby pasó de elegir el Punk por un lado y el Techno por otro para volcarse de lleno en un campo mucho más experimental, el Downtempo.
Sin Embargo, no todo se trata del giro musical que dio Moby, sino de la viveza y el truco que se le ocurrió a Moby para saltar desesperadamente al mundo pop que fue licenciar todas las canciones para que estén aptas para aparecer en comerciales, películas y series, así Moby se encontraría suciamente por todos lados pero sin dudas cosechando un éxito comercial con un álbum, no en su totalidad pero si en su mayoría, de electrónica, algo que no es muy habitual. Por ese entonces, el artista creció enormemente tanto en lo comercial como en lo musical. También se han promocionado nueve sencillos del álbum.

Downtempo, Ambient Pop, House
Little Idiot, BMG

Mi Calificación: 4,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Natural Blues, Porcelain, Why Does My Heart Feel So Bad?, Rushing

El álbum tiene fusión, ritmo, modernidad y hasta simpleza en los sonidos suaves como también ritmos rápidos y propicios, de alguna manera el álbum de Moby lo reformó nuevamente por completo.

Las canciones de mezcla blues-electronica son realmente novedosas e inesperadas por parte del artista sampleando sonidos muy viejos con un ritmo breakbeat apreciable. Las conocidas "Natural Blues", "Porcelain" y "Why Does My Heart Feel So Bad?" junto con la instrumental de piano "Rushing" son sin dudas los platos fuertes del menú creativo de Play. Un menú que mostró a Moby entre los artistas mas populares y marcando grandes clásicos del género a final de década, clásicos que serán escuchados por varios años.

"Porcelain" es genial por la voz que practica Moby que obviamente en esta oportunidad es suya y no se trata de un sampleo pero se vuelve algo repetitiva a lo mismo que el álbum que lo puede llegar a deslucir un poco pero a pesar de esto es genial la ambientación que genera, los sonidos de cuerdas del inicio y el outro (final) de la canción sostenido por un tenue piano forman una canción Ambient Pop trascendental con cierto sonido comercial. Las puramente electrónicas como Machete o Bodyrock se asemeja a sus principios del Techno y Breakbeat.

Uno de los lanzamientos más curiosos y completos de 1999.

El Origen de Grandes Bandas Capítulo 16: The Velvet Underground

The Velvet Underground fue una de las bandas que mostró la faceta más oscura de la psicodelia de los sesenta, una banda vanguardista y oscura con ideales revolucionarios y manifestantes en el contexto ideal y propicio para mostrarse hacia el mundo, en otras palabras, The Velvet Underground fue arte Punk cuando el Punk no se llamaba así. La banda fue clave para el desarrollo posterior del Pop y el Rock.
Originada en la ciudad de Nueva York en el año 1964, fue fundada por Lou Reed y John Cale. Reed y Cale se conocieron en Pickwick Records en donde Reed componía y lugar al que asistía Cale por parte de sus estudios de música, cabe destacar que Cale se mudó desde Gales para aprender música en norteamérica. Juntos formarían un grupo junto con Walter DeMaria y Tony Conrand llamado The Primitives que es de donde salen las primeras grabaciones como músicos de los cuatro, cabe destacar que Reed tenía canciones compuestas desde hace varios meses de la creación de este cuarteto.
Los únicos dos que seguirían un proyecto musical serían Cale y Reed, devuelta solos por el abandono de los otros dos músicos, se les unen el guitarrista Sterling Morrison y en la batería Angus McLise que duró pocos meses hasta que la banda comenzó a cobrar por presentación y reemplazado por Maureen Tucker, novedosa e inusual baterista con métodos extraordinarios a la hora de tocar. Para ese entonces ya no era The Primitives sino que se llamaban The Warlocks y luego The Falling Spikes. Finalmente el grupo sería rebautizado como, The Velvet Underground, nombre extraído de un libro de sadomasoquismo de Michael Leigh.

La banda comenzó a comercializarse como diría McLise y comenzó a entrar en bares importantes de la Gran Manzana teniendo como gran contacto a Al Aronowitz que luego de varias presentaciones les consiguió un lugar como banda principal en Café Bizarre en donde esa noche les llegó la fortuna, esa noche Andy Warhol, el productor, pintor y cineasta, estaba presente y los haría saltar a la fama sin que ellos supieran. La verdad era que Andy había ido allí para ver bandas de Rock, elegir una y llevarla consigo a su ambicioso proyecto llamado The Exploding Plastic Inevitable.

The Velvet Underground con la cantante Nico

Asi es como se formó esta bohemia y oscura banda que luego formaría parte de este proyecto de Warhol en el cual sugirió que la cantante alemana Nico, que residía en Estados Unidos por ser parte de dicho proyecto, se les uniese para un álbum en conjunto luego de ver el tremendo potencial de la cantante. Reed que comandaba la banda, dijo que era mala idea y todos concordaron pero a fin de cuentas y de conveniencia aceptó y surgió uno de los trabajos más celebres de la música pop. Reed aceptó por conveniencia en cierto punto porque si perdían el apoyo de Warhol, perderían dinero, producción, probabilidades del salto al estrellato y demás cosas. The Velvet Underground & Nico lanzado en 1967 se convirtió en el álbum debut de la banda con la compañia de dicha cantante. En el se incluyen canciones que Reed compuso hace ya varios años a esa altura y que fueron interpretadas por Nico, en su totalidad en algunos casos como "All Tomorrow's Parties", y que sorpresivamente quedaron tan bien como si las hubieran compuesto realmente en ese momento. Otras de las canciones que fue compuesta años antes fue "European Son".

Aphex Twin - Cheetah EP (2016)

Luego del sorprendente y triunfante cuarto álbum del Dj más experimentado en el Intelligent Dance Music (IDM), Syro lanzado en el año 2014 y con dos años de ausencia, vuelve Richard D. James con un trabajo corto y es que de aquí en más hasta el día de hoy es a lo que nos tiene acostumbrados, solo puros lanzamientos en formato EP, sin embargo, Cheetah EP tiene una duración de casi 34 minutos y tranquilamente se lo podría haber presentado como un álbum nuevo de estudio.
Cheetah contiene 7 canciones en donde la primera parte presenta cuatro canciones que comienzan con el nombre Cheetah y difiere en su final. El nombre del álbum rinde tributo a Cheetah Marketing, una empresa británica que realizaba instrumentos musicales electrónicos y periféricos para computadoras en los años ochenta, uno de sus instrumentos era el MS800 como se titula una de las canciones y el que utiliza en todo momento es decir, el álbum esta enteramente masterizado con un Cheetah MS800, uno de tantos juguetes que ha tenido Richard en su haber como artista.

IDM, Techno
Warp Records

La primera parte del álbum es realmente densa en donde el ritmo influenciado por el Techno es muy lento con poco dinamismo y solo podemos ver un sonido ecléctico en "CHEETAH7B" mientras que la introducción es lenta aburrida y densa. En el medio nos encontramos con "CHEETAH77B" "CHEETA1b ms800" en donde cada una dura menos de un minuto y funcionan como parte de transición a la segunda parte del álbum donde se encuentra lo más interesante, "CIRKLON3" y "CIRKLON 1" dos de las mejores canciones de los últimos años del artista, muchas veces subestimadas y criticadas por ser aburridas o banales o al punto de llamarlas básicas. Respectivamente, la primera es rítmica y moderna con sonidos agudos y cortos acompañados de un sintetizador tenue de fondo que gana protagonismo al ritmo techno al final de la canción, la segunda canción se vuelve un poco más repetitiva pero con un buen y tranquilo ritmo. Con "2X202-ST5", las lineas de bajos se saturan y las disfruta al máximo nuevamente como en la canción anterior.
Sin embargo, mucha gente e inclusive yo esperaba algo más de un artista de tal talla que en esta oportunidad nos entregó un trabajo que por momento aburre y por otros muestra su lado vanguardista que lo llevó al lugar por el que es recordado hoy en día. Denso, repetitivo pero inclusive bailable hasta por momentos.

Lista de Canciones:

1. CHEETAH2 [LD spectrum] 5:53
2. CHEETAH7b 6:43
3. CHEETA1b ms800 0:27
4. CHEETA2 ms800 0:37
5. CIRKLON3 8:13
6. CIRKLON 1 7:17
7. 2X202-ST5 4:39

Mi Calificación: 3 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: CIRKLON3; CIRKLON 1

System of a Down - Steal This Album! (2002)

Luego del boom del gran segundo álbum de la banda que superó toda expectativa, System tenía que tener en mente mantener ese nivel de metal Avant-garde para poder seguir significando algo muy grande e importante para el género, si bien ya se habían identificado como potencia mundial, Steal This Album! bajaría rápidamente a la banda de dicha representación.
En contraste con trabajo anteriores, Steal This Album! tiene una producción muy rústica que hizo que en mi parecer desluciera totalmente el sonido de la banda y es que el sonido de un año a otro hace notar un gran cambio y es que realmente me sorprendió debido a que la producción fue hecha por un grande de la industria, Rick Rubin. A pesar de esto, la banda siguió manteniendo hasta aquí un mismo estilo dinámico con pausas mezclando el enojo y el dramatismo de la voz de Serj Tankian con varios riff cortos y poderosos como también ritmos bruscos que marca John Dolmayan en la batería, una de las mejores características del álbum, su percusión.

Metal Alternativo
American Recordings

Steal This Album! posiblemente es el álbum con mas referencias e influencias de sonidos de Europa del Este, recordemos que todos los integrantes de System son de descendencia o incluso nietos de familias provenientes de Armenia y esto lo podemos notar en la forma de cantar en varias canciones, los coros en "I-E-A-I-A-I-O", la inclusión del instrumento laúd en "Nunguns".

Si bien System siempre lleva un contexto político o un gran manifiesto dentro del repertorio de la banda, este álbum mantiene un equilibrio notorio entre canciones ridículas de la banda con canciones que realmente valen la pena y podrían haber hecho realmente un "Toxicity II" como aquel que rondaba por la internet ilegalmente hace quince años, pero la realidad es que este fue su intento fallido y una caída sobre algodones de la banda en general. Hablando de política y el descontento del álbum, en esta oportunidad la banda dedica canciones a un problema generalizado y es nuestro sistema cotidiano que nos domina dia a dia, la globalización, la innecesaria ambición humana por el dinero y el poder y también por sobre todo un repudio total a las armas y las guerras, quizás las más políticas son "Boom!", "Nunguns" y la más directa e inteligente "A.D.D. (American Dream Denial)" en donde repudian el sueño americano en general, ese sueño anhelado por todos en donde uno llega a la plenitud haciendo negocios y obviamente mucho dinero. - No hay bandera que sea lo suficientemente grande para esconder la vergüenza de un hombre esposado, cambiaste las señales y cerraste nuestras persianas -.

Completamente esta es la parte más lúcida del álbum y la más inteligente por parte de uno de los mejores compositores del metal más moderno, sin embargo, Steal This Album! esta cargado de notas, minutos y frases innecesarias en todo momento como en "36", "Fuck The System", "Pictures" y hasta la vulgar "Chic n Stu", pero sobre todo nos dejo un gusto agridulce cerrando quizás el mejor ciclo de la banda, pudo haber sido peor.

Lista de Canciones:

1. Chic n Stu 2:55
2. Innervision 2:35
3. Bubbles 1:58
4. Boom! 2:16
5. Nunguns 2:32
6. A.D.D. 3:19
7. Mr. Jack 4:11
8. I-E-A-I-A-I-O 3:10
9. 36 0:48
10. Pictures 2:08
11. Highway Song 3:15
12. Fuck The System 2:14
13. Ego Brain 3:23
14. Thetawaves 2:38
15. Roulette 3:23
16. Streamline 3:37

Mi Calificación: 3 / 5 Estrellas

1. 
   

Arctic Monkeys - Suck It And See (2011)

Suck It and See es el cuarto álbum de Arctic Monkeys lanzado el 6 de Junio de 2011 en el cual la banda muestra su total abandono a los estilos primerizos e iniciales con los que venian trabajando como el Post-Punk o el Garage Rock cambiando a un estilo más estructurado y sofisticado como el Indie Rock por completo. La banda aquí bajo mucho los decibeles y hubo un cambio a un sonido menos juvenil y más tranquilo además el sonido se ve ligeramente influenciado por el sonido de guitarra de comienzo de los setenta.

Indie Rock, Rock Alternativo
EMI / Warner Bros.

Quizás son las grandes expectativas que a veces manchan el criterio del álbum pero nadie niega que es bueno en realidad pero tiene una gran contra, demasiado grande diría yo, y es que el sonido se vuelve denso y no atrapa al oyente como en escuchas anteriores o como en el comienzo de la banda.

Las canciones agridulces de amor, compuestas por uno de los mejores letristas del Indie Rock sin duda alguna es una gran performance que nos hace dar cuenta que el sonido no acompaña a esta. 

Los acordes de guitarra y la instrumentación en general son a veces muy pesadas y hasta aburridas como en el caso de "Library Picture" que si bien dentro de lo que son las canciones de la banda es una canción popular, sinceramente es terrible.

Suck It And See carece de una canción definitiva, de una canción que lo ponga en la cima, le falta un gran Alter Ego y es que hay canciones realmente buenas que no obedecen ni lo que estoy diciendo (falta de buena instrumentación) como en "The Hellcat Spangled Shalalala" y "Don't Sit Down Cause I've Moved Your Chair" que realmente son muy buenas y aceptadas, lo demás me suena a relleno. Los intentos repetitivos de crear ambientación semi psicodélica como en "Black Treacle" y "All My Own Stunts" me dejan con ansias de encontrar una que si lo haga del completo y es que tampoco lo hay. El sonido se tornó un poco más monótono pero sus letras me encantan, son apasionadas y poéticas y eso no es tarea fácil en el mayor de los casos. Para los Monkeys, por declaraciones propias, no fue un álbum dificil de manejar ni producir y quizás eso nos lleva a que eligieron que Jamie Cook no se luzca tanto como en otros álbumes.

La última parte del álbum y la mas suave contrasta algunos errores que surgen durante el trayecto hasta aquí, "Love Is a Laserquest" y "Suck It And See" son simples pero engañosas porque me terminaron por convencer luego de varias escuchas lo que también las identifico como adictivas.

Aún así, hay que recordar que siempre se castiga de más a las grandes bandas porque todos siempre esperan grandes resultados por el hecho de que tuvieron buenos álbumes pero lo que en realidad hay que calificar es el sonido individual independientemente de otros trabajos y de quien lo este haciendo, es decir que a fin de cuentas, Suck It And See es un álbum que probablemente escuches más de una vez pero no siempre con el mismo resultado.

Lista de Canciones:

1. She's a Thunderstorm 3:55
2. Black Treacle 3:35
3. Brick by Brick 2:59
4. The Hellcat Spangled Shalalala 3:00
5. Don't Sit Down Cause I've Moved Your Chair 3:04
6. Library Pictures 2:22
7. All My Own Stunts 3:52
8. Reckless Serenade 2:43
9. Piledriver Waltz 3:24
10. Love Is a Laserquest 3:12
11. Suck It and See 3:46
12. That's Where You're Wrong 4:17

Mi Calificación: 3 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: The Hellcat Spangled Shalalala, Don't Sit Down Cause I've Moved Your Chair; Love Is a Laserquest

Against All Logic - 2012-2017 (2018)

Against All Logic es uno de los alias por los que se conoce al Dj chileno, Nicolas Jaar. En esta oportunidad, Against recopiló pistas de Deep House y variantes generales ya pregrabadas en el lapso de tiempo que lleva como nombre el álbum, pistas entre 2012 y 2017.
El álbum es sumamente dinámico, bailable, entretenido y algo que le juega muy bien a favor es su gran producción y la calidad sonora del álbum que juega un papel muy importante al mezclar también los sampleos de las voces de las canciones con el sonido conjugado previo ya en las bases de las canciones.

Deep House, Micro House
Other People

  

2012-2017 fue un cambio realmente evolutivo para el DJ que anteriormente había trabajado con estilos más experimentales y ambientales en lo electrónico que aunque eso no estuvo nada mal, este es el proyecto más grande en su haber hablando acerca del género House y de una música mucho más rítmica y menos espacial y ambiental, un cambio de roles casi radical, aunque también las raíces experimentales siguen vigentes a la hora de hablar del collage que significan los sampleos y las voces puestas en escena en la seria "This Old House Is All I Have", la rápida "Some Kind of Game" o la futurista y profesional "Cityfade" sin duda la mejor del álbum.

Los ritmos, ya sean distantes unos de los otros o hipnóticos y minimalístas, hacen que sea un álbum profundo y con mucho esplendor en el que poco a poco te sorprenden por la gran habilidad del cambio de ritmo y sonido como en "Some Kind of Game" con un comienzo a órgano que luego pasa por bases graves para volver al piano jugando con las voces cortadas, rítmos que me hacen recordar mucho a música electrónica de hace varios años y es que si bien el tributo a lo retro hoy esta bien visto pero ya agotador, Against All Logic hace que esto sea mejor que incluso esos sonidos pero sonando similar a ellos.

Jaar aparte de evolucionar en su sonido lo que hizo en este álbum es involucrar diferentes sonidos que funcionan como influencia a lo largo de la historia de la música electrónica: un House profundo que se sienta en bases minimalistas proveniente del Techno, el sonido electro de antaño y también el sello de Djs experimentales que seguro son influencias personales para el artista y hasta incluso se dio el lujo de samplear a Kanye West en "Such a Bad Way". Personalmente creo que es uno de los lanzamientos más importantes en la música electrónica de la última década.

Lista de Canciones:

1. This Old House Is All I Have 3:39
2. I Never Dream 6:46
3. Some Kind of Game 6:47
4. Hopeless 5:41
5. Know You 4:25
6. Such a Bad Way 4:53
7. Cityfade 5:41
8. Now U Got Me Hooked 5:51
9. Flash In The Pan 7:28
10. You Are Going to Love Me and Scream 5:35
11. Rave On U 9:56

Mi Calificación: 4 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: This Old House Is All I Have; Cityfade; Now U Got Me Hooked

Sia - 1000 Forms of Fear (2014)

La figura de Sia como artista pop mainstream necesita mucho de este álbum, a pesar de ser una formidable artista con una extensa carrera, el trabajo realizado en 1000 Forms of Fear le valió lo que sería uno de los momentos más importantes en su carrera y uno de los más recordados obviamente.
1000 Forms of Fear es el neto reflejo del artista con canciones que van desde la bipolaridad, los malos tratos de las personas hacia otras, la valentía propia y la introspección personal por eso si alguien pensaba realmente que Sia era una artista básica, no lo es. El álbum se lanzó el 8 de Julio de 2014.

Electropop
RCA Records

Las propiedades del álbum son sólidas y sus argumentos también lo que hace que las críticas por un sonido simple y fácil de lograr, menos su voz, queden a un costado. El sonido es consumible en masa pero también puede ser fácilmente disfrutado por gente más exigente.

En 1000 Forms of Fear se hacen presente también las rupturas amorosas y la soledad en las letras de las canciones que oímos acá, letras muy simples y con metáforas a veces innecesarias pero que dan lugar a este tipo de canción promedio que a veces suele tener la artista. Aún así, el álbum es dinámico y por más que se escuche varias veces seguidas, yo no creo que alguna vez te suene algo monótono sino que cada canción tiene sonidos bastante distantes.

Puntualmente e individualmente podemos distinguir que en Chandelier, Sia nos convence de ser fuertes y no permitir ser segunda opción, más para el público femenino, en Big Girls Cry que siempre hay una primera vez para sentir la soledad, en Burn The Page a levantarnos de nuevo luego de cada fallo al igual que con el amor en Elastic Heart. A pesar de ser relatos bastante prometedores y animadores, en algún punto llega a abusar de metáforas y formas de expresión muy básicas y redundantes que carece de profundidad alguna desluciendo totalmente su música. Haré una mención honorífica a la balada Straight For The Knife que me encantó por no tener un sonido tan convencional y mucho más serio desde el primer minuto y es que si todas las canciones hubieran sido escrita como esta, les aseguro que 100 Forms of Fear sería mucho más aclamado, obviamente sin el mismo argumento crudo de la canción.

Sia fue una gran definidora del sonido pop de los útimos seis años y gran parte de eso se lo debe a este álbum. No olvido que trabajó en esta ocasión con el productor Greg Kurstin y eso tiene también una sumatoria más debido al gran nombre que tiene involucrado en su álbum a pesar de que la producción no es destacable de principio a fin.

Lista de Canciones:

1. Chandelier 3:37
2. Big Girls Cry 3:32
3. Burn The Pages 3:16
4. Eye of Needle 4:10
5. Hostage 2:56
6. Straight for The Knife 3:32
7. Fair Game 3:52
8. Elastic Heart 4:18
9. Free The Animal 4:25
10. Fire Meet Gasoline 4:02
11. Cellophane 4:26
12. Dressed in Black 6:41

Mi Calificación: 3 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: Chandelier; Eye of The Needle; Straight for The Knife

Beach House - Beach House (2006)

Beach House se formó como un dúo de Dream Pop en Baltimore en Estados Unidos en el año 2004, dos años después lanzan su primer álbum con el nombre homónimo adquiriendo rápidamente una popularidad eficaz dentro del género que muchas veces mucha gente lo mantiene olvidado es decir, es un género con mucho menos popularidad que el Pop de radio o el Rock Alternativo si también se requiere la comparación.

Dream Pop, Indie Pop
Carpark Records

El álbum no varía mucho en revoluciones y es un pasaje de canciones etéreas en donde las composiciones de ambos se mezclan entre el sonido de Alex Scally en órgano y sintetizadores con la fría y seria voz de Victoria Legrand con letras de amor, entrañable pasión y que irán mostrando la intención real de las canciones del dúo en donde un momento llegan a ponerse densas aunque realmente sean muy buenas como en Tokyo Witch - Nuestro objetivo es un calvario de nuestros errores. Me encantaría curarte ahora, en un oscuro invierno de Tokyo -. o en la mejor canción del álbum, Apple Orchard - mantén tus entrañas porque estas frío por las noches, calienta tu corazón amor, porque estas a mi lado, tumbémonos un rato - respaldando una típica fórmula de canciones del género en donde se puede recrear un paisaje juvenil, vivo y por sobre todo muy empalagoso con el sonido electrónico y embriagador de fondo.
Realemente, el recurso más rico y propicio que posee Beach House es la profundidad de sus letras debido a que sigue siendo un sonido muy básico con "voz y sonido" nada más que eso volviéndolo un álbum que quizás es muy fácil de recrear o e inclusive de mejorar.
La gran desventaja que muestra el álbum frente a la melodía de la vocalista y el músico es la despareja producción que se creo dentro del sonido del álbum que en todo momento opaca a la vocalista, la voz se nota opaca, lejana y deslucida por el sonido de un pop soñador que quizás si se hubiese elaborado de otra manera más definida sería otra historia pero lo cierto es que fue un pequeño gran avance para artistas de una gran talla de las últimas dos décadas. Con composiciones cortas y poéticas Beach House se adentra en el mundo del Dream Pop para luego tomar el mando por completo. Cabe destacar un pequeño detalle, los músicos no son parejas y las letras no juegan como dedicaciones mutuas sino que son amigos desde la infancia que saben hacer poesía profunda con letras simples.

Lista de Canciones:

1. Saltwater 2:55
2. Tokyo Witch 3:42
3. Apple Orchard 4:31
4. Master of None 3:19
5. Auburn and Ivory 4:30
6. Childhood 3:35
7. Lovelier Girl 3:02
8. Houses on The Hill 3:14
9. Heart and Lungs 7:50

Mi Calificación: 3 / 5

Mejores Canciones: Tokyo Witch; Apple Orchard

Mitski - Lush (2012)

Mitski, la cantautora japonesa radicada en Norteamérica lanza su álbum debut Lush el 31 de Enero de 2012 y como se titula su nombre - en español: lozanía o lozana -., Mitski transmite un mensaje de sanidad femenina, orgullo y superación personal dentro del amor que también podemos interpretar que juega con el empoderamiento femenino candente. La artista japonesa juega con estos recursos en gran parte del álbum teniendo como himno principal la primera pista "Liquid Smooth", una de las mejores del álbum en donde nos lleva a una situación muy lejana y oscura con un piano sombrío de fondo tocado por ella en solitario en donde reafirma la importancia de sus grandes convicciones como mujer. Su facilidad con su familiarización con el Chamber Pop y el piano en general son muy convincentes, lo convierte en algo fácil y es que con la pista ya mencionada abre el álbum de manera extraordinaria.

Chamber Pop, Art Pop

Independiente

Lush es un álbum muy corto y en sí disfrutable al igual que todas las letras aquí con una composición corta y melancólica. La primera impresión del artista en general fue buena a pesar de ser un álbum de muy bajo perfil y poca popularidad, con sus 25 minutos de duración no se torna ni tan denso ni tampoco esto le soluciona todo y lo vuelve perfecto.

"Eric" se vuelve la mejor canción del álbum con un sonido envolvente y sombrío nuevamente gracias a la producción de cámara la canción relata la superioridad de Mitski, hipotéticamente, sobre su pareja, una característica posesiva que volvemos a ver en "Real Men". El intento de pista Rockera de "Brand New City" es bastante desacertado y la peor del álbum que es realmente una lástima que se halla convertido en un punto bajo para el álbum.

Realmente fue un comienzo sólido para la carrera de Mitski a pesar de que por momento se lo suele pasar por alto o desapercibido a este álbum que no es trascendental pero si es una bonita escucha que al no estar pendiente de todos los detalles, obviamente se disfruta de más. La fuerza en la voz de la cantante es muy ambiciosa y profesional para alguien que solo tenía 22 años. Lush es un álbum en resumen, corto, sencillo y bonito.

Lista de Canciones:

1. Liquid Smooth 2:49
2. Eric 3:17
3. Brand New City 2:12
4. Real Men 2:41
5. Wife 2:39
6. Abbey 2:46
7. Bag of Bones 4:36
8. Door 2:12
9. Pearl Driver 2:44 [solo versión Bonus Track]

Mi Calificación: 3 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: Liquid Smooth; Eric

Imagine Dragons - Night Visions (2012)

Imagine Dragons hoy por hoy es una banda mundialmente conocida gracias a su sonido mainstream o su asimilación con la radiofórmula consumible hoy en día y para eso tuvo varios singles que los llevaron a consumar su popularidad. Night Visions es el álbum debut de esta banda de Las Vegas.
Mucho se puede encontrar acerca de ellos y más que nada, exigentemente solo en internet, reseñas muy malas, con esto me refiero que obviamente hay gente que los apoya y los apaña pero el intento de sonido Pop Rock o el intento de revivir y popularizar estas ramas nuevamente, son muy malos.

Pop Rock, Rock Electrónico, Indietrónica
Interscope Records 

Si bien siempre se selecciona estratégicamente las mejores canciones a criterio del artista o de los músicos para ser sencillos promocionales, muchas veces otras canciones del álbum y con sonido menos comercial suelen ser mejores y eso vuelve más interesante el contenido y el trabajo pero este no es el caso. Mas allá de "Radioactive" no hay visiones nocturnas, es la mejor del álbum gracias a los arreglos electrónicos, sintetizadores que suenan serenamente y la estructura de la canción, luego de eso el sonido cae bruscamente volviéndose gravemente vulgar.
Lo que si puedo decir que por momentos me pone hasta melancólico es el sonido de grandeza que presentan algunas canciones, y solo por momentos como, "Demons", "It's Time" y "Amsterdam" gracias al toque que le da el solo de guitarra que se asemeja tambien al de "Hear Me".
Lejos de eso me encuentro con canciones ya previamente conocidas como "On Top of The World" que es realmente odiosa y vacía.
A pesar de que suene realmente comercial, no es bueno y no mezclo las cosas porque tampoco se debería pero Dragons hace que el sonido se tome muy monótono y denso, Night Visions sostiene una visión agridulce del amor y las rupturas amorosas, a excepción de la intro post-apocalíptica, el sonido es muy básico y carece de profundidad alguna teniendo en cuenta todas las letras del álbum y con todas las melodías simples. Realmente a esta etapa de su carrera eran jóvenes y tenían tiempo de torcerse a un camino mucho más profesional pero es que esas no son sus intenciones, este es su sonido original del que las radios no van a escapar, al contrario, ellas agradecidas. Al momento de fijarse en álbumes así hay que tener demasiado interés en este sonido, si no, no verán apoyo ni siquiera críticas constructivas, es cuestión de preferencias pero por favor, esto se etiqueta como sonido Rock solo por segundos de solos de guitarra, lo demás es construcciones electrónicas sobre la voz de Reynolds pero esto no significa que no sean importante para el recuerdo de una década que le faltó justamente mas de eso, Rock.

Lista de Canciones:

1. Radioactive 3:06
2. Tiptoe 3:13
3. It's Time 3:58
4. Demons 2:55
5. On Top of The World 3:09
6. Amsterdam 4:01
7. Hear Me 3:52
8. Every Night 3:35
9. Bleeding Out 3:41
10. Underdog 3:26
11. Nothing Left To Say / Rocking 8:56

Mi Calificación: 2 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: Radioactive, Amsterdam

Black Sabbath - Sabbath Bloody Sabbath (1973)

Sabbath Bloody Sabbath es el quinto álbum de estudio de Black Sabbath y el cual generó un cambio de perspectiva y punto de crítico dentro de la prensa y la crítica especializada en la música en ese momento. Desgraciadamente desde su comienzo, Black Sabbath no hizo otra cosa que recibir la palabra "ruido" por parte de los críticos que insistían en que la banda no duraría mucho a pesar de su popularidad y su novedoso sonido oscuro y pesado, aunque, Sabbath Bloody Sabbath fue en cuanto a ritmos y melodía el de cambios más radicales durante los primeros años de la banda teniendo una aparición en uno de los años que parecían decadentes dentro de la banda debido a que pasaron por una pequeña crisis en donde no surgía inspiración alguna sumándose así también el abuso de sustancias que los dejaban hasta - "No entender nada"- según Iommi, el guitarrista.

Heavy Metal, Hard Rock
Vertigo/Warner Bros.

SBS quizás muestra otra faceta de la banda, una parte en donde necesitaron de la ayuda de la tecnología y quizás de inspiración poco prometedora del medio externo, tal es así que el álbum fue grabado a pedido de los integrantes, en el Castillo de Clearwell. 

Pero bueno, a fin de cuentas y como nombre recién la crisis fue fugaz ya que de aquellas sesiones en el castillo y en los calabozos del mismo surgieron ideas fascinantes y completas. El ritmo de Sabbath Bloody Sabbath, la influencia psicodélica, la manera en que se conjugan dos ámbitos distantes uno del otro en un mismo álbum y la gran adaptación de la banda a nuevos estilos y nuevas ramas del Rock fueron la esencia que le dieron a este álbum el mérito de ser un laboratorio fortuito y exitoso en cuanto a los nuevos sonidos. Se utilizaron sintetizadores, arreglos de cuerdas y otros instrumentos poco frecuentes en la banda por primera vez y lo que sorprendió fue como dejo contento a todos, inclusive a mi. El terreno "Sabbatico" no se perdió en lo absoluto y la grandeza del sonido oscuro y pesado no fue olvidado en el álbum, es decir, hasta los fanáticos más tradicionales querrían a este álbum.

Puntualmente hay detalles muy buenos del álbum, Sabbath Bloody Sabbath contiene una letra sincera y sencilla, mientras que la letra de A National Acrobat contiene demasiadas referencias a la oscuridad de la mente humana de forma perfecta, Fluff es el infaltable tema lento y/o instrumental de la banda desde Paranoid, Sabbra Cadabra sin dudas la mejor permanece como un clásico de la banda con características progresistas geniales y con la participación del tecladista de Yes, Rick Wakeman, Looking For Today es el punto cúlmine en la innovación artistica hasta el momento del álbum y para el cierre con Spiral Architect con un pequeño riff agradable y orquestada de buena manera, sin duda alguna fue el cierre totalmente sorpresivo

Sabbath Bloody Sabbath fue la demostración de que Black Sabbath no se trataba de una buena racha que ya llevaba unos cuatro años y medio si no que, son músicos aptos a la creatividad del momento y al uso de técnicas que podrían derivar en el Rock Progresivo.

Lista de Canciones:

1. Sabbath Bloody Sabbath 5:42
2. A National Acrobat 6:16
3. Fluff 4:10
4. Sabbra Cadabra 5:55
5. Killing Yourself To Live 5:40
6. Who Are You 4:10
7. Looking For Today 4:59
8. Spiral Architect 5:29

Mi Calificación: 4,5 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: A National Acrobat; Sabbra Cadabra; Killing Yourself To Live; Looking For Today

Greta Van Fleet - From The Fires (2017)

Greta fueron y son inmensamente criticados hasta el cansancio por algo en particular y muy obvio que es su gran parecido a Led Zeppelin y más concretamente el gran parecido de la voz de su vocalista con Robert Plant queriendo emular esta sin conseguirlo igualmente. A pesar de esto, Greta Van Fleet consiguió gran popularidad a nivel internacional en menos de cuatro años, cuatro años muy prematuros para tres hermanos (Joshua, Jacob y Samuel Kiszka), que no superan los 22 años ahora asi que es decir que comenzaron inclusive siendo menores y es algo admirable, y también con su baterista Daniel Wagner.
En principio la voz de Joshua es más áspera por lo que podemos notar y más aguda pero en altas notas muchas veces con los ojos cerrados podemos sentir una linea muy delgada entre Joshua y Plant pero a pesar de esto en diferentes estribillos y letras más suaves, la brecha y la diferencia se vuelve más amplia y se nota obviamente que no es lo mismo.

Hard Rock, Blues Rock
Republic Records

A pesar de esto, el sonido de la banda muchas veces no sigue a Josh, From The Fire no tiene una producción tan elaborada ni envolvente y la banda difiere demasiado de Led Zeppelin pero sin compararlos a ellos, From The Fires es un álbum entretenido, no es denso y con buenos y a veces cortos solos en la guitarra. Quierase o no, son jóvenes músicos.
En una década donde géneros alternativos y urbanos ya no ganan terreno sino que ya directamente los dominan, bandas como Greta son importantísimas para el Rock y para que no se pierda la memoria de que por años y décadas fue la fuente de música con más calidad y cantidad y con más presencia en el mercado teniendo un reinado total. Diciendo esto, el juego de la banda en concreto es bueno y este EP los ayudó mucho a crecer en expectativas y madurez pero Greta tambien tuvo sus deslices. La banda tiene esta mala fama de ser una "Boy Band" como escuche muchas veces y la verdad es que están pisando un terreno muy criticado en donde este lanzamiento con detalles que no son del todo agradables, no les alcanza para hacer frente a las críticas
Safari Song y Edge of Darkness son las canciones más formidables y setenteras de Greta por arriba de las demás gracias al ritmo y la estructura de cada una. La guitarra suena realmente como si fuera de una canción líder y clásica del Rock de hace años diferenciándose de otras como el cover de "A Change Is Gonna Come" de Sam Cooke, en su versión original una de mis canciones preferidas de siempre pero que aquí en calidad de cover toma el papel de ser la peor del álbum.
En resumen, el hablar de Greta crea gran controversia y un debate abierto y muy largo pero están haciendo algo que muchos no, lograr que la gente hable de Rock con sus fuertes raíces presentes. From The Fires es su segundo EP con 4 canciones nuevas a comparación del primero y recopilando el primer EP inclusive, llamado "Black Smoke Rising".

Lista de Canciones:

1. Safari Song 3:56
2. Edge of Darkness 4:28
3. Flower Power 5:13
4. A Change Is Gonna Come 3:17
5. Highway Tune 3:01
6. Meet On The Ledge 3:50
7. Talk On The Street 4:09
8. Black Smoke Rising 4:21

Mi Calificación: 3 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: Safari Song; Edge of Darkness

Lana Del Rey - Paradise (2012)

Lana Del Rey luego de su debut, lanza el 13 de noviembre de 2012 su EP más importante y popular, Paradise, que  reforma el sonido de la monotonía en la producción de su primer álbum convirtiendo su corta discografía en un poco más elegante. Los sonidos de Paradise son mucho más suaves y disfrutables pero con una trama de canciones similares y casi las mismas historias pero a diferencia de que aquí la cantante es más dinámica aunque podemos ver canciones iguales a las del álbum Born To Die como la densa Body Electric por ejemplo.
Aún así, Lana juega con el sonido Pop de cámara como si fuese la ama del juego y la experta en esto.
Las etiquetas impuestas de Art Pop y Chamber Pop disputadas por los expertos en música muchas veces la encierran como artista pero su valioso dinamismo en canciones como American y Cola la destacan como si fuera futura promesa en el medio.

Chamber Pop, Art Pop
Interscope Records

La producción más etérea, compleja y con más cuerdas y violines le quitan lo juvenil como artista y la convierten en una figura destacada adulta y experimentada. Como ya recién nombre, se redefine el sonido pasando de tener canciones un tanto más abruptas a tener un sonido más suave y uniforme. Por más que a la artista le halla faltado un salto de calidad, supo demostrar en poco tiempo, menos de un año, dos caras de una misma moneda y no por nada es un EP tan popular para su talla y tan vendido. Esto quizás, independientemente y suponiendo, mostró una cara de futuros trabajos que se van separando de los primeros y mostrando mejores producciones. Menciones honoríficas al sonido de Blue Velvet, Bel Air y American que son personalmente de mis favoritas y destacadas aquí.

Lista de Canciones:

1. Ride 4:49
2. American 4:08
3. Cola 4:20
4. Body Electric 3:53
5. Blue Velvet 2:38
6. Gods & Monsters 3:57
7. Yayo 5:21
8. Bel Air 3:57

Mi Calificación: 3 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: American; Blue Velvet; Bel Air