Old School vs New School (Debate sobre la evolución del Hip Hop) Parte II

A pesar de que la primera parte sea un poco (mucho) pesimista acerca de la nueva escuela del Rap, solo estuve analizando allí mas que nada la parte mainstream o más que nada el Mumbble Rap y el Trap. El Mumbble Rap es un término despectivo utilizado por los tradicionalistas y conservadores del género que determina cuando un artista es repetitivo y poco creativo haciendo referencia con el verbo "mumbble" que significa "balbucear" en español, a ese ritmo repetitivo en las rimas que es arrastrado en toda la canción e incluso en algunos casos repitiendo el mismo ritmo en diferentes canciones del mismo artista, este caso es el de Trippie Redd por ejemplo en donde comparte rítmica muy similar en diferentes canciones propias hasta de diferentes álbumes entre sí. Otro de los porques que se definió así a esta clase de artistas, es su definido acento sureño que afecta a la interpretación de las canciones y por el cual Migos ha tenido problemas hasta en público y frente a la televisión.

Sacando de contexto el Mumbble Rap, en el siglo XXI y la última década para ser más precisos, se han elaborado algunos de los álbumes más importantes del género, de los cuales en este momento he de nombrar solo dos porque creo que con eso basta. Estos álbumes han de ser My Dark Twisted Fantasy de Kanye West y To Pimp a Butterfly de Kendrick Lamar. Aclamados por todo el mundo, ambos simbolizan el poderío del género frente a otros hoy en día. Mientras que West creó el encuentro perfecto entre la música Pop y el Rap, Lamar ha creado una obra prolifera de poesía moderna encasillando muchos años de música "negra" dentro del mismo.

Detrás de estos dos álbumes se encuentran decenas de trabajos y canciones que omiten este tipo de Rap en bucle y juegan a favor de la creatividad humana conforme con el género y la música. Entre los mejores artistas de la nueva escuela junto con sus atributos más influyentes y notorios se encuentran Tyler, The Creator con su extrovertido relato, Travis Scott con la manía de combinar la música psicodélica con el Trap, Denzel Curry ganando por demás en el área del doble tempo, Young Thug y Future mostrando sólidas características del Trap a comparación de los demás, Earl Sweatshirt con su relato casi autobiográfico pesimista, Run The Jewels con su producción de vanguardia, el dúo Death Grips con la gran combinación de factores para crear música industrial completa y detallada revolucionando la escena del "Under", Madlib con sus características producciones ambiciosas, Freddie Gibbs con su introspectiva visión de las calles, JPEGMAFIA con una experimentación orientada también a Death Grips, el liberal colectivo Brockhampton, Danny Brown y su constante dinamismo y Kendrick Lamar contando una historia de vida prácticamente en cada uno de sus álbumes volviendo su discografía más ambiciosa aún, entre otros. 

Solo estos atributos son algunos de todo lo que realmente se puede encontrar en el género. Sin emabrgo, los nombrados fueron suficientes para representar la nueva generación en la historia grande del género conviriéndo algunos de sus álbumes en futuros clásicos. 

Hoy en día, la mayoría de estos raperos se los denomina "Lyirical Rappers" los cuales en cada canción, explayan aún más el relato y lo vuelven mas dinámico, es decir, todo lo contrario a un "Mumbble Rapper".

Old School vs New School (Debate sobre la evolución del Hip Hop) Parte I

En todo género musical se van formando diferentes ramas y bandos de fans en donde tienen algo de disputa en cuanto a pensamiento musical el uno contra los otros, como si de una rivalidad dura y deportiva se tratase, estos fans siempre proponen que el género o subgénero al que están a favor o al que están acostumbrados a escuchar, es mejor que el otro. No solo pasa en el ámbito del Rap como explicaré aquí, es más, sucede más profundamente y con un odio más crítico en el Heavy Metal contra las nuevas bandas del género o también contra otros géneros que hoy en día están de moda y le robaron protagonismo. Esta actitud tomada por el oyente se conoce como Purismo Musical, pero eso es tema de charla para otra publicación. Ahora, veremos las diferencias entre el Hip Hop moderno contra las de la llamada vieja escuela o Old School como es más conocida que engloba la música dentro del género hasta la década pasada.

Comenzando por las bases y la cultura del sampleo, la vieja escuela se caracteriza por tener bases más creativas y algo más largas, es decir, en realidad el uso del sampleo es mucho más bueno que el de hoy en día basándose en rítmos pegadizos para la adicción del oyente por la misma canción mientras que el nuevo Hip Hop, en parte a causa de la gran ola masiva del éxito del Trap, toma un sonido más minimalista y repetitivo. Aunque varias de las canciones han sido muy bien producidas en esta época, no se puede comparar que lo que se está haciendo aquí es nada más que simplificar búsqueda, talento y análisis de música para utilizarla en las bases y sampleos de la misma.

Así es como esta parte de la genialidad de la producción de la canción fue decayendo para algunos mientras que para otros solo son épocas en donde se utilizan estrategias más modernas y de moda.

Por otro lado tenemos la letra de estas canciones que en el pasado solían ser más rítmicas, explayadas y largas mientras que hoy en día, el juego de versos y rimas se convierte en algo mucho más simple como repetir la misma palabra alrededor de más de cinco veces o repetir la rima del final de un verso en casi toda la canción. Objetivamente me parece algo que carece de poder de creatividad, como ha dicho el cantante puertorriqueño el año pasado: "La música esta perdiendo creatividad" y es que si bien cuando hay cinco artistas para refutar ese hecho, hay veinte que lo avalan repitiendo en sus versos las mismas rimas con bases simplificadas y situación de las que hay un sin fin de canciones como "Dark Knight Dummo" de Trippie Redd, "Messi" de Neo Pistea, "Gucci Gang" y "Racks on Racks" de Lil Pump, "Bank Account" de 21 Savage, casi todas las canciones de Migos y 6ix9ine, "Panda" de Desiigner, "Magnolia" y "Lookin" entre otras de Playboi Carti y no nos olvidemos del Trap Latino que abusa de esta característica como también de las letras explícitas.

Tyler, The Creator - Flower Boy (2017)

Luego de una etapa de dos años en donde Tyler no parecía brillar como en el principio como lo supo hacer a temprana edad junto con Odd Future en sus mixtapes y más que nada en algunos sencillos y colaboraciones, en el año 2017, Tyler presentaría un álbum que haría un cambio radical en su perspectiva y en la perspectiva de los oyentes hacia el mismo artista dando así un giro de 180° en donde dejo en claro muchas cosas de su intimidad, su potencial aún vigente y sobre todo la talla de artista que ha podido llegar a ser. Este álbum es Flower Boy, el cuarto álbum en su carrera profesional publicado el 21 de Julio de 2017.

Hip Hop, Neo-Soul, Hip Hop Experimental
Columbia Records

Mi Calificación: 4,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: 911/Mr Lonely, Foreword, Boredom, See You Again, November, Glitter

En lo personal, he visto que Tyler venía de presentar un material flojo como lo fue Cherry Bomb en 2015 donde quizás uno que otro momento logró atraparme pero ni siquiera una canción de principio a fin, todo lo contrario quizás a lo que pasa aquí. He dicho que este álbum sería un cambio radical en la carrera del artista y es que sí, prefiero empezar por aquí diciendo que, en su mayoría, estos casi 47 minutos son totalmente alucinantes. Quedé sorprendido desde el inicio con Foreword y la base sintetizada casi de ensueño, con la colaboración de Rex Orange County en donde Tyler parece vertír versos de auto-respuesta en cada uno, sin una letra significante pero con gran cuidado y sin exageraciones llega a ser una introducción impactante. Siguiendo el orden del álbum, cada canción tiene algo especial que hace que la constancia del álbum no se pierda, incluso las canciones que sirven de intervalo como Sometimes.., el psicodélico Garden Shed, el canábico Dropping Seeds con Lil Wayne y el repetitivo instrumental final Enjoy Right Now, Today. A propósito, quiero decir que todas las colaboraciones principales que no he nombrado aún, fueron geniales, siendo esto raro debido a que es muy dificil coordinar cierto nivel y simpleza en la contribución de todas las colaboraciones en un álbum. 911 / Mr. Lonely es una de mis canciones favoritas y junto con Boredom, rap sutilmente acompañado de una ambientación R&B y violines, son dos piezas vitales en el álbum. 911 se separa en dos partes como muestra su título, la primera con un Neo-Soul totalmente rítmico y rico en el cambio de los mismos por parte de la producción, en donde el artista asegura que a pesar de la fama, nuevamente carece de alguien cercano en lo sentimental y la segunda es más oscura y rapera manteniendo la misma ideología en la canción que en el principio.
De principio a fin es un acto armado de forma equitativa en donde Tyler muestra algunas de sus mejores canciones con ritmos mejorados y versos superiores. Flower Boy no es el primer álbum personal del artista, ni mucho menos el primer álbum que lo describe tanto en su personalidad como describir hechos por los que ha pasado anteriormente, pero por lejos si es el primer álbum que desentraña y desenmascara el verdadero Tyler, Flower Boy lo hizo renacer como bien nombra en Where This Flower Blooms, obteniendo un joven sensible, aparentemente bi o homosexual que sufre de la soledad amorosa y está en busca de una compañía afectiva, situación que relata en más de una canción. Lejos de eso, esto no estigmatiza para nada el artista debido a que la calidad del álbum la estoy centrando en la música, la producción, el ritmo y colorido y ambicioso proyecto del que se esta tratando. Tyler no solo simbólicamente renace, si no que musicalmente, también lo hizo pasando en siete años de cantar acerca de machismo y suicidio a cantar acerca del amor, la intimidad y la soledad. El cambio que presenta este álbum es en dos ambientes muy distintos que aquí se complementan como uno solo, el cambio profesional y el cambio personal es inminente y llevaron al fundador de Odd Future a elaborar un futuro clásico y una pieza fundamental en el Hip Hop lírico moderno.

Daughters - You Won't Get What You Want (2018)

La banda de Providence, Estados Unidos, está devuelta luego de un largo "break up" tras 8 largos años en los que la banda ha cambiado parcialmente su estilo en su vuelta al plano musical involucrándose esta vez en You Won't Get What You Want en un sonido mucho más oscuro y abrasador cambiando su estilo Mathcore, y con mucha mas distancia de su estilo inicial del Grindcore, hacia el Rock Industrial influenciado por el Noise.
You Won't Get ha sido nombrado por varios críticos como uno de los álbumes más sólidos, cualitativos, completos y sorpresivos del pasado año, el mismo ha sido lanzado el 26 de Octubre de 2018.

Rock Industrial, Noise Rock, Post-Hardcore
Ipecac Records

Mi Calificación: 4 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: City Song, Satan In The Wait, The Reason They Hate Me, Ocean Song

La banda ha producido un hiato que la fortaleció sin dudas y es que Daughters llegó para marcar un álbum ambicioso pero oscuro que lo que menos quiere es ganar algo en si. La frase del título del álbum juega perfectamente, No obtendrás lo que quieres, como sería su traducción al español, son 48 minutos de una mirada fría, degradante y pesimista frente a la mente y el poder humano convirtiéndose así en una pieza profunda que en cada canción y con cada verso sorprende aún más. Alexis Marshall, el principal compositor y cantante de la banda, se ha convertido en un visionario de la lírica oscura y tétrica que junto con su voz de carácter profético demostró una fortaleza muy grande, pero no el álbum se sostiene solo gracias a esto sino que la producción, el sonido industrial mecánico, la percusión en general y el juego de distorsión de guitarras encuadra todo de manera vanguardista.

La mirada fría del álbum juega como una presentación de una banda la cual se muestra sin vueltas algunas, no, todo lo que escucharás aquí es, a pesar de ser algo pesimista y extremista, algo directo y doloroso. Por ejemplo, City Song es una de las canciones más densas en cuanto a lírica convirtiéndose en la apertura perfecta junto con los golpes secos iniciales y terminando la misma con Marshall en solitario profetizando la letra, dictándola en vez de cantando (-. Los fuegos están apagados, las aguas están quietas .-). Además de esto, analizando las canciones, el álbum tiene varios momentos sorprendentes como Satan In The Wait, la mejor canción de la banda en su carrera, ofrece una canción con un Marshall agotado hablando con metáforas algo crudas donde es acompañado de un solo de sintetizador erizante y descolocador que se convierte en un momento de climax total para toda la banda llegando a ser inclusive, el punto más alto del álbum, una canción digna de estudiar gracias a su estructura.

Por otro lado, el otro punto que es capaz de desafiar a Satan In The Wait, es su otro sencillo, The Reason They Hate Me que a comparación de las otras canciones con el ritmo áspero, esta es arrazadora y mucho más llevadera de lo que uno puede pensar. Sin duda no habría que dejar casi ninguna canción fuera de este proyecto enorme pero, canciones como The Flammable Man y The Lords Song me parecieron estruendosas más que feroces y poderosas como las demás. Estas figuran como un enclave repetitivo y molesto dentro de grandes canciones.

Sin duda, ha de ser un muy buen trabajo en donde "las hijas" desarrollaron un potencial vanguardista dentro de la música extrema que venían utilizando. Quizás por lo lírico se puede asociar con algo que han hecho anteriormente pero partiendo de la base musical, esto es algo totalmente nuevo que te va convencer que no todo lo que quieras, lo tendrás.

Robyn - Body Talk Pt.1 (2010)

Body Talk Pt. 1 es el comienzo de un proyecto, que consiste en dos álbumes de estudio y un EP, de la artista de Electropop sueca, Robyn. El álbum significó para la carrera de la artista, su arrivo y llegada al mercado casi mundial y la llegada a los oyentes de Norteamérica conformándose así uno de los puntos más importantes en la carrera de la misma. Body Talk es un álbum simpáitco con un sonido alegre y divertido pero que a veces puede llegar a ser esto un poco insignificante al lado del real significado de la imagen que quiere dar y transmitir el mismo. El álbum ha sido publicado el 14 de Junio de 2010.

Electropop, Dance Pop
Konichiwa Records

Mi Calificación: 3 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Don't Fucking Tell Me What to Do, Dancing on My Own

Robyn se muestra independiente y fuerte pero el sonido del álbum por momentos la desluce, desluce el sonido juguetón e infantil junto con su voz simpática hacen que lo bueno del álbum se derrumbe en un segundo.

A pesar de esto, la fortuita manera de Robyn de manejarse con los ritmos electrónicos son meramente dispersos y creativos desde la base y producción nocturna y áspera de la autoritaria Don't Fucking Tell Me What to Do hasta el creativo tributo al género caribeño en Dancehall Queen sorprendiendo de manera consistente y sólida. De por si, la artista ha demostrado ser una artista de talla global y con gran facilidad para crear muy buenos rítmos tanto minimalistas como más complejos. En None of Dem, la producción quedó a cargo del dúo sueco Royksopp que le agregó una pizca de futurismo en el sonido al álbum y teniendo la cierta consistencia de música de club nocturno junto a una Robyn  Orgullosa e insatisfecha frente a situaciones de diferente ámbito.

El álbum da un cierre con flaqueza con Hang With Me cantada en acústico y acompañada de violines y con Jag Vet En Dejlig Rosa, una canción tradicional sueca en donde la canta en su idioma nativo.

Sorpresivamente, Body Talk tiene aquellas desventajas que se ven poco profesionales e infantiles pero  a fin de cuentas demuestra cierta fortaleza en el manejo de un Pop confortable.

Los Cinco Álbumes que Más He Escuchado En Mi Vida

Led Zeppelin - Led Zeppelin
A una temprana edad me ha despertado un gran interés por el Rock en general empezando por los artistas más importantes y conocidos hasta otros que quizás no lo son tanto. Ahora, realmente no me acuerdo que me ha llevado a Led Zeppelin por primera vez pero le doy las gracias.

Pink Floyd - The Dark Side of The Moon
Una de las obras maestras más grandes de la música contemporánea me ha mostrado lo que fue el Rock Progresivo y me hizo adentrar en el Rock Psicodélico por completo y que se ha ganado mi cariño completamente de manera fugaz. Como diría cualquier adulto aferrado a esto, siempre será también un recuerdo de la adolescencia.

Kendrick Lamar - Good Kid, m.a.a.d. City
Álbum con el que comencé a escuchar a Kendrick, literalmente cuando lo escuche por primera vez hace unos tres años no pude parar de escucharlo hasta una semana después de haberlo hecho por primera vez. La facilidad que tiene Kendrick para las rimas y la rica producción me enamoró al instante.

Aphex Twin - Selected Ambient Works 85-92
Uno de los clásicos más grandes de la música electrónica y mi primer álbum de IDM escuchado, me llevo a que canciones como Ageispolis y We Are The Music Makers las repita también durante horas. También cabe destacar que fue el álbum que me introdujo en el género.

Tyler, The Creator - Flower Boy
Gracias a su producción etérea y psicodélica consiguió que me interesara en un segundo. Uno de los mejores álbumes de la década ha hecho que me adentrase de lleno a Odd Future y al rap más moderno y si, me hizo interesar más de lo que ya estaba. Podra sonar cursi pero Flower Boy significa algo grande para mi.

Kylesa - Ultraviolet (2013)

Kylesa es una de las bandas con más renombre dentro de uno de los ámbitos más exóticos dentro del Heavy Metal en sí, hablamos del Stoner Metal. Formándose de a poco y en silencio como una de las bandas más prolijas y representativas del mismo en Norteamérica, Kylesa supo como dar muestras grandes de poder del mismo mezclando un sonido psicodélico de oscuridad junto con música de distorsión con riff ansiosos y casi siniestros. La misma mostraría una cara más sutil y suave en Ultraviolet, su séptimo álbum lanzado el 24 de mayo de 2013.

Stoner Metal, Sludge Metal, Heavy Psych
Season of Mist

Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Exhale, Unspoken, Steady Breakdown

Como he dicho, Ultraviolet es un álbum mucho más melódico y accesible para casi todo el público que los demás que son álbumes más especificos en cuanto al sonido de los subgéneros impuestos sobre ellos, es decir que el álbum tiene un sonido controlado todo el tiempo y bien viable para la aceptación de la mayoría sin perder la esencia oscuramente psicodélica a la que tuvo acostumbrado a los oyentes por muchos años. Otro de los cambios, facilmente apreciable, es el gran protagonismo que toma la cantante Laura Pleasants aquí, cantando más de un par de canciones a comparación de los otros álbumes, por el contrario, protagoniza casi la mitad del álbum de una forma seria y extraordinaria.
Ultraviolet es muy constante y a pesar de no ser un álbum conceptual, el concepto del mismo es perseguir algo que sabemos que esta allí pero que se nos es invisible y es que quizás Kylesa aquí trata de mantener su potencial al máximo o aumentarlo para superar sus anteriores trabajos, en perspectiva subjetiva, no lo han logrado debido a que en sus comienzos se vieron más fortalecidos pero a pesar de eso, han hecho un excelente trabajo al mostrar una faceta renovada.
Las canciones se ven sumergidas bajo una producción con retornos y ecos tradicionales en la banda más que nada utilizados en la voz de Phillip Cope junto con una producción psicodélica y oscura tomando también, para mi punto de vista, por segundos una influencia del Post-Metal como lo es en el comienzo de Drifting pero es solo un detalle menor que no desvía a la banda de su postura principal y tradicional. Ultraviolet me ha parecido una escucha atrapante que combina detalles melódicos con un sonido detallista junto a canciones de caracter casi profético.

Foo Fighters - Wasting Lights (2011)

Foo Fighters en el año 2011 luego de venir de una floja etapa en donde el flujo de sus canciones se habían debilitado a montones, vuelve a exponer lo que sería su último gran grito en contribución al Hard Rock, con su séptimo álbum, Wasting Light en una verdadera muestra de poder inteligente y abrasivo en el cual supieron aprovechar grandes ventajas que han tenido a lo largo de su carrera mostrando así algunas de las mejores canciones de la banda desde sus inicios. El álbum fue lanzado el 12 de Abril de 2011.

Hard Rock, Post-Grunge
RCA Records

Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Rope, White Limo, These Days, Walk

Wasting Light me hace recordar los primeros álbumes de la banda debido a su gran calidad como he dicho antes pero esta se debe a la gran influencia que toma de aquella época Post-Nirvana en donde inmediatamente, Dave Grohl transmitió esa vibra de Kurt hacia su trabajo solista. En este álbum hay algo de Nevermind, rebajado con algo de estructura del Hard Rock y algo también de Bleach como lo es White Limo con su vibrante distorsión; quizás no encontremos algo de In Utero pero la idea llega a entenderse. También cabe destacar la participación de Krist Novoselic en I Should Have Known y el productor Butch Vig, productor de Nevermind que ha trabajado en la supervisión de la banda junto con material de edición analógico evitando todo aquel arreglo digital y artificial en el álbum lo que lleva al mismo a tener un sonido totalmente tradicional creando una joya del Rock clásico dentro de nuestros dias de modernidad.

No solo Wasting Light fue original por volver a lo viejo y tradicional, sino que el énfasis que posee cada canción es totalmente pegadizo, enfático y rítmico manteniendo Grohl un tono primordial que ayuda a formar una atmósfera eufórica en todo momento. Lo que también ha facilitado el éxito musical del álbum fue la vuelta de Pat Smear a la guitarra luego de años de ausentarse en la banda, es decir, trabajando con gente que moldeó el proyecto Foo Fighters desde su base, se pudo volver a la misma y fortalecerla aún más como también se hizo un trabajo mucho más llevadero.

A pesar de que ninguna canción posee algo innovador en todo sentido, los riff son muy buenos y los solos aún más, la batería se nota presente y fuerte también en todo momento resaltando en These Days, Back & Forth y el sencillo Walk. En cuanto a esta última canción, se encuentra muy sobrevalorada por sobre lo que se encuentran las demás canciones que a pesar de que no tengan una melodía comercial definida, juegan con la euforia encantadora constante en cada una de ellas.

Definitivamente Wasting Light me pareció muy convincente y estuvo por delante de mucho material de la banda en concreto y eso se logró con una vuelta a tiempo esenciales de Grohl como músico, tiempo en donde el mismo se estaba formando definitivamente como una personalidad sólida del medio musical. Ha sido difícil lograr tanta constancia en un álbum pero entre ritmos y ritmos Foo Fighters lo ha logrado.

Burzum - Belus (2010)

Belus es el séptimo álbum de estudio de Burzum, proyecto en solitario llevado a cabo por el Conde Grishnackh, conocido por su nombre de nacimiento como Varg Vikernes. Burzum ha sido uno de los dos proyectos más importantes del Black Metal Noruego y todo en lo que su movimiento casi contracultural conlleva. Belus es un álbum con aires de cambio, con aires de atributos más modernos y a nivel personal de Vikernes, un álbum que atraería una nueva etapa en su vida, dado que el álbum fue el primero que editó luego de estar 16 largos años en prisión, lugar desde el cual obviamente seguía trabajando. El álbum ha sido lanzado el 8 de marzo de 2010.

Black Metal, Atmospheric Black Metal
Byelobog Productions

Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Belus Doed, Glemselens Elv, Belus' Tilbakekomst (Konklusjon)

Belus es un álbum conceptual en donde se le rinde una especie de tributo hacia el dios de la luz Belus conocida en varias regiones como Baldr, Baldur o inclusive conocido como Apolo en la mitología griega. El concepto del álbum en si es ver la transición de dicho dios y su viaje y trayectoria de dicho dios a través de la vida. Según Vikernes, Belus fue de gran ayuda para la configuración de la sociedad europea. Aún así, el autor supone que al ser este el dios de la luz, el exceso de el o de la luz misma, ciega y abrasa [quema] y que es por esto que la oscuridad es necesaria en nuestras vidas.
Adentrándonos en lo musical, Belus es un álbum atractivo en donde Vikernes conjuga un Black Metal minimalista y repetitivo con profundo cuidado en no caer en confusiones, sus riffs y solos son increiblemente adictivos y oscuros que ambientan de manera casi embriagadora todo a nuestro alrededor. Belus está muy infravalorado en la carrera del Conde Grishnackh y quizás porque no todos pueden o admiran la originalidad del minimalismo aquí. Se puede volver algo denso, algo cansador pero posiblemente solo dure unos segundos debido a que en si el álbum es muy atrapante.
Vikernes combina en Belus varias cosas que implementó a lo largo de su carrera, los riffs repetitivos tradicionales junto con los detalles ambientales de sus mejores momentos junto con su scream característico en su voz seca y fría que también se contrasta a sí misma con momentos en donde su voz es serena y seria, algo poco visto en el.
Belus Doed (La Muerte de Belus) y Glemselens Elv (Río del Olvido) muestran que tan bueno es el artista al relatar poesía oscura nombrando el viaje de dicha deidad y la reencarnación de las estaciones del año gracias a la fuerza del mismo dios. Sin duda alguna, el mismo se destaca por su frialdad al relatar la poesía con letras que nombran los bosques, la energía, la reencarnación y la muerte entre otras cosas. Por otra parte, el álbum cuenta con tres instrumentales y cinco canciones con letra. Sobre el final nos encontramos con Morgenrode y Belus' Tilbakekomst (Konklusjon), dos pistas consecutivas para despedir el álbum con riffs lentos con tintes melancólicos dando así un cierre casi de carácter premonitorio y melancólico en donde los decibeles y las revoluciones bajan a comparación de las demás canciones.
En resúmen, Belus fue un álbum triunfante, un regreso esperado con un Vikernes renovado frente a una nueva etapa en su vida. El álbum funciona como recordatorio de que uno de los artistas más extraños y herméticos del mundo del metal nunca se ha ido a pesar de haber dejado atrás su pasado bastante oscuro. Es un álbum que disfruto y uno de los que me ha abierto las puertas al género y a la parte ambiental del mismo. La ferocidad puede remontarnos a lugar pacíficos igualmente.

Beyoncé - Lemonade (2016)

Lemonade es el sexto álbum de estudio de la cantante Beyoncé lanzado el 23 de abril de 2016 siendo el mismo su primer álbum conceptual basado, según el artista, en el autoconocimiento y la curación exclusivamente femenina. En cierto términos, el álbum tiende a explicar o da a entender el infravalorado poder de las mujeres como también así del artista y más personalmente hablando de ella, Lemonade demostró una gran fortaleza de la misma en performances nunca antes vista en ella siendo también así el álbum, el componente principal y la primera causa del mejor año en la carrera de la cantante y de un gran reconocimiento crítico e introspectivo del mismo gracias a su temática. El mismo fue presentado por el sencillo influenciado por el sonido Trap, Formation, junto con un largometraje de una hora.

Contemporary R&B, Pop, Pop Rap
Parkwood Entertainment

Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Pray You Catch Me, Sorry, Love Drought, Sandcastles

Lemonade esta basado en un ambiente melancólico pero serio junto a un gran sentimiento afectivo por el pasado y la introspección personal como también de carácter algo meditativo manteniendo una mirada femenina sobre las relaciones amorosas con rasgos de superación frente al dolor y al sufrimiento por parte del juego del amor. En general, el álbum utiliza sonidos suaves del R&B pero tiene sus cierto alternos y sonidos atípicos al género como lo son el Pop Rock Lo-Fi de Don't Hurt Yourself con un sampleo de Led Zeppelin y la colaboración de Jack White formando una canción más tradicional Pop en donde se presenta más intensamente la dulce soberbia femenina de la cantante y que quizás sea el ejemplo más claro de la misma.

Si bien Lemonade es un gran proyecto con una potente y dinámica producción sobre todas las cosas gracias a grandes partícipes en la misma, el álbum encuentra puntos en donde lo declaro algo denso a pesar de que supera su nivel anterior en la carrera del artista convirtiéndose siempre en el plato fuerte de la misma. Pray You Catch Me, Don't Hurt Yourself, Sandcastles y Freedom son clara demostración de que Beyoncé decidió perfeccionar y/o mejorar su calidad y destreza vocal alcanzando el nivel más superior en la balada Sandcastles. El triunfante Rap de Freedom junto a Kendrick Lamar, y uno de los versos más completos que este artistas prestó como colaboración en su carrera, es totalmente rítmico e hipnotizante y es el punto final del sufrimiento meditativo del álbum, es decir, es una de las últimas canciones del álbum en donde corta la personalidad sufrida del artista y la misma renace en una figura mucho más edificante e inquebrantable, evento que habla muy bien de como se elaboró el concepto final del trabajo. Al final de la misma pista se puede oír a la abuela de su esposo Jay Z decir en una cita grabada: "Tuve mis altibajos pero siempre encontré la fuerza para reponerme. La vida siempre me dió limones y yo hice limonada".

El proyecto fue algo multitudinario, convirtiéndose en el álbum más representativo en la carrera de la señora Carter (cabe recordar que también fue el álbum más vendido en el año 2016) mostrando sus más grandes fortalezas y dando una mirada más respetuosa a la mujer introspectiva en el circuito musical.

Post Malone - Hollywood's Bleeding (2019)

Post Malone, uno de los músicos más populares del mundo, vuelve este año a lanzar un álbum que no llegó a cumplir mis expectativas pero que me ha dejado una que otra experiencia válida dentro de su trabajo. Hollywood's Bleeding fue lanzado el 6 de septiembre de 2019 y es el tercer álbum de estudio en la carrera del rapero oriundo de la ciudad de Siracusa.

Pop Rap, Trap, Emo Rap, Pop Rock

Republic Records

Mi Calificación: 2,5 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: Circles, Die For Me, Sunflower (Spider-Man: Into The Spider-Verse)

Hollywood's Bleeding presenta recursos musicales nunca antes visto en Post, canciones y música que supongo que el artista tenía en mente hace mucho tiempo debido a que también se identifica como un amante del Pop y el Rock en general, los incluye aquí junto a canciones de Pop Rap ordinarias y "clásicas" junto al sonido Trap de moda y persistente hoy en día. Canciones como Allergic, A Thousand Bad Times, Circles, Internet, y la inesperada, demasiado inesperada, colaboración con Ozzy Osbourne y Travis Scott en Take What You Want, forman un álbum variado con una mirada oscura y pesimista nunca antes vista en el. Igualmente, cabe destacar, que la mirada fría y desolada del álbum, se contrarresta con la visión Emo que ya ha tenido en varias de sus canciones en su último álbum, Beerbongs & Bentleys pero con un sonido hasta más gótico.

El álbum tiene una buena producción aunque cuente con la absurda cantidad de catorce productores para diecisiete canciones irrelevantes, recurso que en mi opinión desluce demasiado la creatividad y originalidad de la misma. Sin embargo, canciones como Saint-Tropez y Sunflower, funcionando como soundtrack de la última película de Spider-Man animada, me han atraído y agradado a fin de cuentas. Hablando de poca originalidad, a pesar de incluir estos nuevos géneros en su haber, muchas canciones repiten lo mismo una y otra vez como las decenas de canciones anteriores en su corta carrera. Enemies con Dababy, recurre de nuevo al cuento en donde el artista es famoso y rico pero desconfiado de los cercanos a su gran poder, el poder de la desconfianza y la duda en Malone vuelve a verse luego de canciones como Paranoid de su anterior álbum e inclusive también como canta en All My Friends, colaboración con 21 Savage del año pasado donde asegura no necesitar amigos gracias al poder mediático y adquisitvo; quiero agregar que Dababy es la peor colaboración del álbum rapeando cosas sin sentido acerca de como el se volvió famoso tan rápido y repentinamente.

Hay que ser francos y ver que aquí hay muchas canciones del montón que no fortalecieron el poder del artista en ningún momento, por el contrario, restan y demasiado. Aún así, Die For Me junto con Future y Halsey, artista que manchó la canción pero que igualmente la puedo disfrutar, es la más interesante y pegadiza junto con Circles, el éxito Pop Rock de en donde Malone suena más a un cantante Indie que a el mismo y es que esta fue la sorpresa real que trajo Hollywood's Bleeding y la experiencia que esperaba llevarme de todas las canciones, prolijidad, melancolía no desechada, ritmo y eficiencia. Para completar la terna interesante del álbum, se encuentra el ya mencionado soundtrack, Sunflower, donde Swae Lee brilla con sus versos impulsando el sonido de Post a algo más alternativo y capaz. 

Hollywood's Bleeding no ha sido capaz de derribar los obstáculos de Post pero si fue capaz de mostrar que es preferible que se quede en el ámbito de la canción urbana antes que desechar cinco canciones pop para que una sola sea la fortaleza.