Ganadores de los Grammy's Latinos

Hace algunos meses, los cantantes del Reggaetón han anunciado su descontento con la Academia de Artes y Ciencias de la Grabación, ente que regula la entrega de los premios Grammy's, debido a la falta de presencia del mismo género dentro de las nominaciones en comparación a los méritos que este género está aportando para la cultura latina. No ha pasado a mayores, sin embargo, se han producidos algunos roses con cantantes como Residente que han mostrado su postura contraria a este género tan explícito. Esto daba a entender que la gala sería algo más candente de lo normal y algo mucho más intrigante debido a estos debates previos. Este año se conmemoró el 14 de Noviembre en el MGM Grand Garden Arena en la ciudad de Las Vegas, la 20a Entrega Anual de los Latin Grammy's.

Debido a que las nominaciones son de diez artistas, no pondré todos los nominados aunque si me preguntan por alguno en especial, lo pondré en comentarios o en historias. El artista que mas ha recibido nominaciones ha sido Alejandro Sanz con 8 nominaciones (Grabación del año en dos oportunidades, Álbum del año, Canción del Año en dos oportunidades, Mejor Álbum Pop Vocal Contemporáneo, Mejor Canción Pop y Mejor Video Musical de Formato Largo) brindadas por sus canciones "Mi Persona Favorita" junto con Camila Cabello, su canción "No Tengo Nada", su álbum "#Eldisco" y su video "Lo Que Fui Es Lo Que Soy". Mientras que el mérito a mayor ganador de la noche también ha sido Alejandro Sanz ganando en tres oportunidades de estas ocho mencionadas pero acompañado en el mérito con Rosalía que también ha obtenido tres gramófonos por parte de la academia. La cantante catalana ha ganado el certamen en las categorías Álbum del año y Álbum Pop Vocal Contemporáneo por El Mal Querer y Mejor Canción Urbana junto a J Balvin por "Con Altura".

Entre los partícipes ganadores más esperados e importantes de la gala se encontraron: Bad Bunny, ganador a Mejor Álbum de Música Urbana por su álbum X100PRE, Mon Laferte ganando en categoría Mejor Álbum Música Alternativa con su trabajo Norma, Andrés Calamaro que ha ganado dos gramófonos por su álbum Cargar La Suerte y su canción Verdades Afiladas en Mejor Canción Rock, Farruko y Pedro Capó que han ganado en la nominación a Mejor Fusión Urbana y Juan Luis Guerra ganando en Mejor Álbum Tropical Contemporáneo y Mejor Canción Tropical por Literal y Kitipun respectivamente. 

El trabajo que mas premios ha ganado, totalitariamente hablando, ha sido El Mal Querer de Rosalía con 5 gramófonos debido a que Rosalía ha ganado 3 de ellos pero en cambio, hubo dos premios que incluía a la producción y a la entrega de la grabación, es decir, el empleo del formato que cuenta con detalles de ilustraciones, letras, empaquetado, detalles de la grabación etc. Estos premios fueron Mejor Arreglo para Álbum y Mejor Paquete de Grabación destinado a los productores y empaquetadores del mismo.

Por otro lado, también cabe recordar y destacar la nominación a Mejor Artista Nuevo debido a que mucho de los ganadores han sido muchas veces el futuro y actual presente de la música popular latina. El mismo ha sido ganado por Nella sobre artistas como Aitana, Cami, Paulo Londra, Greicy y Juan Ingaramo.

Carly Rae Jepsen - Dedicated (2019)

Tras el exitoso y adictivo E*MO*TION, uno de los álbumes pop que mantiene la estrecha y poca frecuente relación de profesionalismo vanguardista con la aceptación comercial por parte de la audiencia y la crítica, cuatro años después Carly Rae Jepsen vuelve mostrando una postura mucho más adulta y explícita a comparación de alguna de las canciones que la han marcado como la gran artista Pop que ha sabido llegar a ser. Dedicated es el cuarto álbum de la cantante y fue lanzado el 17 de Mayo de 2019.

Dance-pop, Synthpop, Electro-disco
Interscope Records


Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Julien, No Drug Like Me, Want You In My Room, Too Much

Dedicated es un trabajo muy variado, optimista y poco monótono en el cual te podes encontrar muchos destellos de sonidos, dentro de la electrónica Pop, diferentes entre si con estilos sintetizados, música estilo disco y canciones más al estilo de club orientándose a sonidos más nocturnos y rítmicos como el Dance. Esto hace que el mismo sea un álbum muy variado y rico en creatividad, todo esto sin desacreditar una gran performance vocal de Carly que juega como algo primordial en el Pop de estos días, hace ver muy simple a una canción gracias a la habilidad que tiene de crear a las mismas junto a las diferentes bases e instrumentales de la producción.
Carly ha declarado que para la producción se ha inspirado en ABBA, Donna Summer y Bee Gees. La impronta de la música Disco en el álbum es gigante y muy creativa dando espacio a canciones bailables y agradables de carácter explícito y sexual. Sin embargo, el roce constante entre las canciones que tiene influencia de dicho género con el Dance-pop moderno, enriquece el álbum haciéndolo una escucha más dinámica y entretenida. El ejemplo por excelencia del álbum es la canción de apertura, Julien. Quizás la mejor canción del álbum comparándose a las mejores de la artista canadiense.
Por otro lado, es fácil elogiar un álbum Pop en nuestros días con un presupuesto millonario y la absurda cantidad de trece productores colaborativos para un proyecto que no se volverá ni esencial ni trascendental para la música popular y moderna de la actualidad. A pesar de tener esta contra, la esencia de las habilidades que obtiene Carly para hacer canciones bailables, es totalmente indiscutible. Notoriamente, hemos visto un cambio en donde los sintetizadores han pasado de ser los totales protagonistas a pasar a ser un componente complementario con la ingeniosa idea de revivir la música de los años setenta.

Nick Cave & The Bad Seeds - Push The Sky Away (2013)

Años previos a la muerte del hijo del cantante Nick Cave, la banda poseía una vibra diferente, un sonido definido por la poesía del amor y la esperanza, muy rica en referencias ingeniosas y de prosa estructurada de manera inteligente y astuta. Esta mirada de los Bad Seeds en Push The Sky Away, fue de lo más enternecedor que he escuchado de ellos en su última etapa. El álbum se ha lanzado el 18 de Febrero de 2013.

Art Rock, Chamber Pop
Bad Seeds Ltd.

Mi Calificación: 4 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: We No Who U R, Water's Edge, Jubilee Street, Higgs Boson Blues

Probablemente Push The Sky Away suene mucho como a un álbum en solitario de Cave aunque, por mucho no lo es. Realmente a lo que voy es que Cave se destaca por solitario demasiado, rara vez ha sucedido esto en la banda pero en este caso, las letras y los momentos en donde los mismos ecos de la voz áspera de Nick ayudan al mismo cantante a interpretar una canción, me hace redireccionarme a la canción de autor desde que comencé a analizarlo detenidamente. La banda, por su parte ha hecho las cosas muy bien igualmente, es decir, el álbum es una escucha sencilla y agradable por el sonido tenue de fondo que realiza encuentros sonoros que se sienten lejanos por ser demasiado tranquilos pero agradables destacándose así momentos como la ambientación demencial en Water's Edge, recordándome a la futura canción Anthrocene con una ambientación similar y misteriosa, la bellísima performance instrumental de Jubilee Street desde el comienzo de batería hasta el outro protagonizado por el arreglo de cuerdas, la embriagante composición para Mermaids, el típico pero perturbante ambiente blusero en el Higgs Boson Blues entre lo más memorable del mismo.

Por el otro lado, la presentación de Nick Cave aquí es totalmente envidiable. No hay evidencia alguno de que el relato sea verídico en totalidad pero las letras son muy directas y sinceras ganando un poder de conquista inmediato en mi opinión. Ni el exceso de belleza en Wide Lovely Eyes pudo opacar una buena canción como la misma, ni tampoco la rebuscada letra de Water's Edge hace que la canción se vuelva algo saturable y ni la tan poco lucida letra de Jubilee Street le impidió a la misma ser la mejor canción del álbum y de la banda en mucho tiempo. Jubilee Street es sin duda un punto aparte en donde la seducción del Rock yace en la seriedad de Cave como si fuese todo un profeta de lo que recita.

Sin más preámbulo, he de creer que Push The Sky Away es un álbum de lo más personal canalizando influencias de los tiempos de super estrellas por los años 80 en los días de hoy, demostrando por primera vez en esta década de que los Bad Seeds son una de las pocas bandas que tan bien se han mantenido en su nivel a pesar de los cambios y las críticas. Nick Cave formaría la misma base de fanáticos si solo hubiera sido poeta.

Radiohead - A Moon Shaped Pool (2016)

A Moon Shaped Pool es el noveno álbum de estudio de la popular banda británica, Radiohead. El álbum presenta un gran contraste en lo que habíamos venido escuchando de la banda, si bien tuvo diferentes épocas marcadas por diferentes sonidos, en esta última instancia, su último álbum The King of Limbs, lanzado en el 2011 con un sonido y un pitch demasiado artificial que aún mantenía la esencia de sonidos viejos de la banda como de Amnesiac o Kid A.
Sin embargo, este trabajo presento una dinámica de trabajo en grabación con técnicas nuevas y viejas en simultaneo según los integrantes de la banda, lo que le dió al álbum la fuerza cualitativa de la que goza. El álbum fue lanzado el 8 de Mayo de 2016 y presenta 11 canciones ordenadas alfabéticamente.

Art Rock, Art Pop, Chamber Pop
XL Recordings

Mi Calficación: 4,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Burn The Witch, Decks Dark, Glass Eyes, Identikit, The Numbers, Present Tense

Este álbum presenta la particularidad característica de sus métodos de grabación, en donde se mezcla un sonido electrónico palpitante y moderno con hermosos pasajes de música clásica moderna compuesta por el guitarrista de la banda, Jonny Greenwood, que recordemos que en su proyecto solista, se dedica a componer música clásica para película. Esta característica, mezclada la música que contiene la esencia Radiohead, crea un álbum totalmente original y complejo en donde a cada paso del álbum se pueden notar nuevas texturas. La conjertura de todo el álbum la defino así, compleja. El accionar de esta música junto con los momentos ambientales y digitales que goza el álbum se transforma sin duda en algo originalmente uniforme y cabe destacar que en el famoso Kid A ha pasado algo parecido y comparar a este álbum con su obra mayor y una de las mejores de todos los tiempos, es todo un honor para este álbum.

La creatividad estuvo a la orden del día creo yo, a pesar de que halla canciones que datan de otras épocas de la banda, A Moon Shaped Pool renueva la visión pesimista de Radiohead para convertirla en algo más dulce pero triste y desolada, algo a lo que ya nos tiene acostumbrados pero por alguna razón, no me aburre, sino que aún así, admiro la mayoría de las letras de las canciones aquí.

Burn The Witch suena al toque innecesariamente comercial que suele tener un álbum pero acompañada de una progresión talentosa mostrando los primero destellos del Chamber Pop vigente aquí. Por otro lado, el otro sencillo, Daydreaming, pieza ambiental, lúgubre y poética, me ha aburrido un poco y no me parece tan brillante como ha de querer presentarse, aún así, el final progresivo que presenta, en donde la canción se va a un contexto mucho más surrealista, me termina de poner en duda si en realidad es o no el punto flojo del álbum. No podría resumir la grandeza de las canciones del álbum en pocos párrafos pero hay cosas sobresalientes en el álbum que no se pueden omitir.

Decks Dark se remite un poco al sentido de la alienación y el sentimiento de querer escapar de algo atroz como el sistema con la compañía de un piano brillante pero monótono al principio que deriva en un poder de producción de los mejores de los últimos años de la banda, es una canción genial gracias también a como juega el piano final y más grave. Ful Stop es el toque oscuro del álbum, es el remordimiento y la pena dentro de la tristeza eficaz en el álbum sin duda alguna, mostrándose algo más rockera de lo que se venía mostrando, es el momento de no olvidarse la base fundamental de la banda.

Para el momento en que tengo que describir Glass Eyes debo hacer una parada muy especial. Realmente no hay canción que se compare a esta en términos de ambientación, duda, alienación, cuestionamiento, fortaleza y el vacío existencial escalofriante que te puede hacer sentir, es decir, es la única en todos estos factores, una canción que al álbum lo hace muy grande y una de las mejores composiciones de Jonny que he escuchado. El sentimiento de no pertenencia a la sociedad de Thom Yorke, vuelve. Estos dos tipos de miradas de Radiohead, la depresión social y el pesimismo y frío romanticismo, notese el gran contraste con la canción siguiente (Identikit), son la dualidad vigente en este trabajo tan rico en sentimientos.

Radiohead tiene un poder de profundidad muy increíble por eso se ha formado como una de las alineaciones de músicos más importante en la historia de la música Rock y Pop. Sin ellos, la vanguardia esperaría por alguien que consiga lo que ellos hicieron, sin éxito alguno.

Gojira - Magma (2013)

Magma es el sexto y último álbum de estudio de la banda francesa de Metal, Gojira, lanzado el 17 de Junio de 2016. La banda ha sabido como evolucionar la música progresiva dentro del Heavy Metal con importantes lanzamientos que la llevaron a ser una de las agrupaciones más importantes en este último siglo y en esta última oportunidad la banda ha formado un álbum con una fuerte base esotérica y espiritual mostrando un nuevo lado totalmente sombrío y sorpresivo.

Groove Metal, Metal Progresivo
Roadrunner Records

Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: The Shooting Star, The Cell, Magma, Only Pain

Magma es un álbum oscuro en el que a mi punto de vista se ve separado por dos partes, separadas por el instrumental Yellow Stone ubicado justo en el medio del álbum, que separa la primera parte más pesimista líricamente con la parte más sombría y distorsionada que se encuentra al final. En su totalidad, Magma tiene una filosofía muy nihilista y deprimente como también muy exigente a nivel personal según el contenido de sus letras. Esto se fortalece gracias a su sonido y sus arreglos por momentos brutales y otros relajados como en la última canción llamada Liberation como cierre con algo Folk y místico para contrastar el álbum con su sombría y dura voracidad. La producción del álbum, a cargo de Joe Duplantier, vocalista de la banda, se concentra en ecos a favor del mismo y un sonido de repetidas distorsiones junto con una brillante percusión. La misma no es ni tan simple ni compleja sino que es sumamente justa y complementaria.

The Shooting Star y The Cell se presentan como las canciones más entretenidas de la primera parte, esta última con una batería envidiable. El resto depende mucho de Magma, la canción homónima y estrella del álbum, probablemente la que contiene características más progresivas junto a Stranded y la que simboliza la ideología de carácter espiritual a nivel personal del álbum. Sin embargo, Only Pain, no se queda atrás gozando de exactamente los mismos acordes que la ya mencionada Stranded, en la introducción de la canción y siendo un poco más repetitiva.

Magma es una catarsis muy demostrativa de una visión pesimista espiritual que convirtió a Gojira en una de las bandas con más persistencia hasta sus últimas canciones, por ahora. Como opinión impopular sostengo que encuentro más atractivo este álbum que el anterior de ellos, L'enfant Sauvage.

Marina - Love + Fear (2019)

Luego de tres importantes álbumes para el Pop moderno bajo el nombre de Marina and The Diamonds, la artista decide ilustrar su nombre en solitario y dejar en las sombras los nombres de producción y músicos de sesión para hacerse ver como un proyecto ultra personal. Esta nueva etapa se vería marcada por un cambio muy grande en el estilo de su música. Love + Fear es un álbum doble y conceptual donde abarca los conceptos de estas dos emociones, el amor y el miedo. El álbum ha sido lanzado el 26 de Abril de 2019, mientras que su primera parte que solo contenía las primeras ocho canciones, "Love", fue lanzado el 4 de Abril.

Electropop, Dance-pop
Atlantic Records

Mi Calificación: 2,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Handmade Heaven, End of The Earth, You, Karma

La primera parte del álbum, basada en la difusión y concepto del amor, es el momento y el perfil optimista y positivo del álbum en donde observamos a Marina por primera vez en mucho tiempo dentro de la música y logramos sacar muchas conclusiones ya de una sola pasada. Las composiciones en sus canciones, desde la producción hasta la letra, han cambiado de una forma rotunda pasando de hacer un Pop entretenido y electrizante hacia una música con sentido más espiritual, maduro, profético y tranquilo. Las canciones son apoyadas en ritmos suaves con una Marina serena que no pierde los estribos ni le entusiasma la idea de un Pop glamoroso y salvaje como antes solíamos escuchar. Sin embargo, esta mirada más inquieta e interrogante que ha presentado aquí la artista dejaron grandes muestras de poder como Handmade Heaven y End of The Earth. Mientras que Handmade Heaven es el reflejo de la nueva e introspectiva Marina, excelente guiño para ser la canción que abre todo el proyecto por cierto, Orange Trees demuestra que Marina esta hablando de sí misma en la mayoría del álbum dando a entender que en esta transición se siente más feliz consigo misma a pesar de que esta etapa no le halla brindado lo mejor de su creatividad. El intento de canción exitosa latina de club como lo es Baby junto con Luis Fonsi, hunde por completo lo que ha venido haciendo hasta esta instancia donde la peor parte del reparto se la lleva los versos del latino que no concuerda con la volatilidad de Marina ni loco. Como he dicho, parte del plato fuerte aquí se lo llevó End of Earth, siendo la canción con rasgos más parecidos a su pasado en cuanto a producción con una Marina más dulce y menos pensativa.

Por otro lado, la segunda parte titulada Fear, no presenta canciones tan dispares en cuanto a persistencia musical, se muestra una Marina mucho mas desconfiada y sentimental dejando atrás el relato de persona renovada para meterse en las historias de amor que han de, o podrían, ser trágicas y tristes a causa de no ser correspondidos, indicando la relación con el títulado de esta segunda parte.

Las canciones liricamente toman un poco más de fuerza que las anteriores al ser agridulces debido a la gran esperanza que se crea en Marina y la mayor facilidad que posee en crear letras como estas acompañado de que son canciones más rítmicas con rasgos nocturnos como Karma y Emotional Machine.

A pesar de esto, Marina ha tomado un sonido altamente corriente y común en su Electropop, hecho que nunca ha sucedido nunca a pesar de pertenecer a un género que no prospera de la misma manera en la que se consume. En otros momentos, se ha podido tomar la producción que acompaña a la artista como un modelo a seguir, hoy quizás es lo que tendrías que evitar repetir.

The Black Keys - El Camino (2011)

Luego de uno de los años más importantes en su carrera como lo fue el 2010 con su emblemático álbum "Brothers", The Black Keys no se despegaría de los circuitos musicales trayendo en un año y medio uno de los álbumes, junto a este anteriormente mencionado, más ambiciosos del Rock moderno y de la última década, El Camino. Un camino, en sentido figurado, que contiene grandes fusiones del Blues Rock de antaño junto con una producción moderna y ajustada a tiempos un poco menos rockeros. El séptimo álbum del dúo de Oklahoma se lanzó el 6 de Diciembre de 2011.

Blues Rock, Garage Rock
Nonesuch Records

Mi Calificación: 4 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Dead and Gone, Gold on the Ceiling, Money Maker, Sister

Sin dudas el dúo entre Dan Auerbach y Patrick Carney se ha vuelto cada vez más fuerte con el pasar de los años, hasta este punto. El Camino es un álbum que encuentra un punto casi perfecto de relación entre ritmos ácidos y de Blues Rock con una impronta moderna y un sello comercial casi por completo que no logra deslucir lo que el álbum quiere transmitir, es decir, El Camino se fortalece del conjunto de factores que define su propio sonido. Estos dos músicos lograron crear un catálogo de canciones con las ya dichas relaciones entre los sonidos definidos de los géneros, con un ritmo y una forma pegadiza increíble.

Dead and Gone y Gold on the Ceiling son un pasaje de canciones surrealistas donde aquí determinan el ritmo rico de todo el álbum en su máximo potencial. Si bien el álbum comienza con Lonely Boy, realmente no me gusta para nada, teniéndola en cuenta desde hace ya años, la canción se me hace vacía y corriente por lo que representa un punto bajo en el trabajo en cuestión.

No hay que olvidar algo muy importante y fundamental del trabajo, que es quizás una de las causas de porque es un álbum tan rítmico y a veces repetitivo, como también puede ser que no tenga relación. Esta posible causa y pieza fundamental fue la participación de Danger Mouse en el álbum como productor, si, el asistente refinador de bases y presencia urbana en el álbum puede explicar muchas cosas. Es aquí que, digo esto con seguridad, el sonido moderno lo provee dicho productor mientras que el dúo busco fusionar esto con un Rock and Roll tradicional, admirable y cotidiano. 

La producción es genial y esto da por hecho que Mouse y la banda han hecho un buen trabajo.

La segunda parte del álbum ha sido tomado por varios como repetitiva y algo ya densa pero en lo que a mi respecta, esconde de lo mejor del álbum como las rítmicas piezas de Run Right Back y Sister como también la dolida Nova Baby.

Si bien El Camino tiene oculta sus influencias del siglo pasado en diversos trayectos del mismo, mostró muy bien su poder de joya moderna en el mundo del Rock and Roll.

Billie Eilish - Don't Smile at Me (2017)

Indudablemente en los últimos meses, ni siquiera años diría, Billie Eilish es una de las artistas que mas ha crecido a nivel mundial repitiendo el perfil de artista nuevo, revelación y joven, siendo esta menor de edad como muchos de los artistas más populares alrededor del mundo en este momento. Eilish consiguió su primer contrato discográfico con la discográfica Interscope Records a partir de una grabación amateur de su tema "Ocean Eyes", aquí presente y reeditado como una canción y sencillo oficial donde ya dió el presentimiento de ser una futura sensación en el mundo del Pop.
Don't Smile at Me, su EP debut, se lanzó el 11 de Agosto de 2017.

Electropop, Alternative R&B, Pop Soul
Interscope Records

Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Copycat, Idontwannabeyouanymore, My Boy, Ocean Eyes

Como todos sospechan obviamente, Billie gozó de una sabiduría musical temprana, inmersa en una familia de músicos y actores como sus padres y su hermano, Billie desarrollo destreza y oído a temprana edad lo que la llevaría a este EP introductorio en su reciente carrera musical.

Don't Smile At Me es un álbum sentimental, profundo y pasional el cual superó mis expectativas por el calibre de la artista, la seriedad y la solidez que tiene al cantar todo el tiempo en solitario, reformulando, el EP posee una colaboración al final con Vince Staples pero no me refiero a eso sino que Billie se lleva por completo la mejor parte y toda la atención opacando totalmente la música en mi opinión. El brillo en solitario que me ha presentado esta artista supera la atmósfera del álbum que de por sí es muy buena y poco compleja volviéndolo al mismo, un álbum con recursos poco numerosos y una escucha fácil y agradable para muchos oyentes.

A pesar de esto, puede ser que la fortaleza de Eilish se vea afectada en momentos por segundos de Electropop con alto sonido comercial y es que dentro de los sonidos recurrentes que posee el álbum, hay momentos en donde presentan una flaqueza grande para el mismo, la canción Watch es el ejemplo por excelencia.

Sin embargo, y volviendo al párrafo superior, vulgaridades de la producción han sido totalmente aplastadas por la destreza vocal y soprana de Billie, algo que no me cansaría de remarcar teniendo como prueba cada una de sus canciones aquí. Si bien, esto no es una apreciación gigante a una artista pequeña aún, es un reconocimiento al mérito bien merecido. Sus expresiones vocales en Idontwannabeyouanymore, la crítica balada del álbum y mejor canción aquí, son por lejos dignas de una figura trascendental futura para el género. 

Involucrando al plano actual de la música, Billie muestra el lado triste y frágil de esta generación desde la visión femenina, la visión de una mujer que experimenta el dolor interno del amor en el cual desea cambiar radicalmente para mostrar otra faceta. Mientras que otras mujeres cantantes se han perfilado para un lado más explícito, prepotente y empoderado, Eilish refleja aún lo profundo que todavía puede ser la caída en un pozo emocional en manos de otra persona de manera sorprendente.