El Origen de Grandes Bandas Capítulo 17: AC/DC

AC/DC es una de las bandas más grandes y populares de la historia del Rock teniendo su origen en la ciudad de Sidney, Australia en Noviembre del año 1973. Las raíces musicales de AC/DC obviamente se centrarían en los gustos musicales de los hermanos Young, Angus y Marcus, co-fundadores de la banda y ambos guitarristas de la misma. Sin duda, estas grandes influencias fueron el Rock and Roll vigente y candente de esa época de artistas como Chuck Berry, Elvis Presley, Little Richard y Buddy Holly entre las referencias históricas más importantes. (Inclusive de Chuck Berry, Bon Scott sacaría su paso característico).

En 1973, los hermanos Young se mudarían a Melbourne y una vez allí, instalarían su pasión por la música en dicha ciudad ensayando y formando parte de varios proyectos como Beelzebub Blues por parte de Malcom y la formación del grupo Kentuckee por parte de Angus, ambas bandas juveniles y sin trascendencia en los estudios pero que los ayudaron a crecer con el dominio de la guitarra eléctrica y futuras presentaciones en vivo.
Para el mes de Noviembre de dicho año, los hermanos se pusieron de acuerdo en crear un proyecto en común, es decir, una banda en la que ambos sean los protagonistas, es así como reclutaron a conocidos músicos de ellos para que formaran parte del proyecto. La primera formación de AC/DC fueron, aparte de Malcom en guitarra rítmica y Angus en guitarra eléctrica, Colin Burguess en batería, Larry Van Kriedt en el bajo y Dave Evans como su primer vocalísta. La banda se presentó por primera vez en el Chequers Nightclub en los suburbios de Sidney en la noche de año nuevo, presentando versiones de sus ídolos anteriormente mencionados y las primeras versiones de canciones como Sunset Strip o The Old Bay Road.

Para mediados de 1974 y aún con Dave Evans como vocalista pero ya sin los otros integrantes reemplazados por Peter Clark en batería y Rob Bailey en el bajo, grabarían su primer sencillo oficial en los Albert Studios pertenecientes a EMI Australia, titulado Can I Sit Next To You Girl.

Con la llegada de Bon Scott a finales del mismo año, este había sido recomendado por su mánager, AC/DC se renueva de nuevo buscando mejores músicos y reemplazando a los anteriores. Llegarían en 1975 Phil Rudd (batería) y Mark Evans (bajo). Con esta formación se empezaría a formar más profesionalmente la banda debido a que con estos, la banda grabó los dos primeros álbumes de su trayectoria que fueron, en primer momento, distribuidos solo en Australia hasta el boom de su popularidad cuando Atlantic Records les ofreció llevar estos álbumes editados al Reino Unido.

Estos álbumes fueron: High Voltage y T.N.T. 

Este fue el comienzo de una de las bandas más populares del medio del Rock, banda que sufriría la perdida del edificante Bon Scott en 1980 a causa de un coma etílico. A posteriori, Brian Johnson tomaría su lugar aspirando a seguir con la gran carrera de la banda. El resultado: excelente.

Hookworms - Pearl Mystic (2013)

Pearl Mystic es el álbum debut de la banda británica Hookworms, una banda de la que todo el mundo habla menos de lo mucho que se merecen, quizás últimamente de una de las sorpresas más grandes que me ha dado el Rock moderno y el de estos últimos diez años. Su álbum debut fue un grito que el Rock Psicodélico necesitaba si o si. El mismo fue lanzado el 4 de marzo de 2013.

Rock Psicodélico, Noise Rock, Shoegaze
Gringo Records

Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Away / Toward; Form and Function, In Our Time

El álbum es una completa muestra de poder psicodélico que absorbe también las influencias del Krautrock y el Shoegaze, en sus momentos más tranquilos y menos agitados. Durante el viaje astral que propone Pearl Mystic nos encontramos con destellos de guitarras distorsionadas al estilo más oscuro del Noise pero respaldada con ecos y una producción muy cuidadosa que hace que todo nos recuerde a los mejores percusores del género psicodélico de hace unos cincuenta años.

Hookworms supo como hacer que su álbum debut fuese una muestra sólida y embriagadora de la idea de todas las partes e integrantes de la banda mostrando una cara lúcida por momentos y en otras con una temática más oscura como por ejemplo los tres instrumentales que dividen el álbum (I, II, III) y hacen que nos adentremos en un viaje mucho más profundo de lo que aparenta.

Por otro lado, tengo que destacar la labor de la producción en base a la voz de Matthew Johnson es por mucho favorable gracias a los embriagadores efectos que juegan con la misma como en Form and Function o más notoriamente en In Our Time, la canción más tranquila del álbum.

En resumen, en el álbum congenian muchas influencias de la época dorada del Rock Psicodélico y lo tan bien que la utilizan, hacen pensar en que a muchos les gustaría esta banda si no fuese por su bajo perfil que presenta, sin embargo, Pearl Mystic es una joya de esas que por momentos da gusto que esté así de quieta y oculta debido a que genera una sorpresa mucho más grande.

Skee Mask - Shred (2016)

Shred es el álbum debut del DJ alemán de Ambient Techno, Skee Mask. El álbum presenta un pasaje de sensaciones oscuras y ténues tiempos de sintetizadores que nos acompañan a lo largo de la casi hora de duración del álbum manteniendo una ambientación mística y tranquila sin abusar de los recursos clásicos del género. El álbum fue lanzado el 1 de Febrero de 2016.

Ambient Techno, Breakbeat
Ilian Tape

Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Autotuned, Shred 08, Backcountry, Shady Jibbin'

Podríamos encasillar muchos artistas del género en este álbum aquí presente, es decir, el sonido de Shred no es innovador pero si es sólido, esta allí presente las ondas vibratorias de las cajas de ritmo de Richard D. James por ejemplo junto con pistas más inusuales, me refiero al puro Breakbeat de Shred 08 que es una excelente pista, y con otras con química mas tradicional, repetitiva pero puramente ambiental como los primeros minutos del álbum con Everest y Hal Conv. seguidos de una parte más rítmica que se interpone en este relajante viaje con las canciones Autotuned, la ya mencionada Shred 08 y Melczop 2 como las más dinámicas. 

Además, Skee Mask juega con una excelente ambientación bañada en sonidos lúgubres que nos remonta a lugares abandonados y quizás desolados, con la increíble modalidad de los golpes cortos, agudos y brutos del Break, estos por momentos también los podemos encontrar en una sola canción mezclando las dos partes más importantes de la esencia del álbum.

El punto del real climax se produce en Shady Jibbin', una pista totalmente minimalista y rítmica, de mis favoritas del artista en donde todo lo dicho anteriormente no tiene validación. Es decir, es una pista fuera de contexto que es igual de oscura pero mucho más agresiva, toda una pista de club nocturno y es que de hecho, debe ser sorprendente escucharla en vivo.

Sin embargo, no voy a ser hipócrita y debo decir que el álbum se hace extenso, a pesar de ser ambiental y yo considerándolo uno de mis géneros favoritos, Shred muchas veces su fortaleza se convierte en su debilidad mostrándolo como un camino sinuoso y largo para recorrer.

Canserbero - Muerte (2012)

Muerte es el Magnum Opus de Canserbero, conocido por su nombre de nacimiento como Tyrone González, un joven venezolano con una pasión indefinible por el Rap y el Hip Hop que sin tener la oportunidad de apreciarlo, verlo y sentirlo, se ha convertido en una figura trascendental y esencial del género y en el mundo de la música urbana de habla Hispana. Muerte es solo una de las tantas cosas por las que es reconocido como tal. El segundo y último álbum del artista ha sido lanzado el 24 de Marzo de 2012. Cabe destacar que este álbum completa el disco doble Vida/Muerte, el cuál la primera parte fue lanzada en el año 2010.

Hip Hop Consciente, Rap Latino, Jazz Rap
VinilH Records

Mi Calificación: 4 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Es Épico, Maquiavélico, Mundo de Piedra, Un Día de Barrio, Jeremías 17-5

Muerte es un álbum oscuro, serio y sin filtro pero lo más importante y trascendental es que es un álbum muy introspectivo y reflexivo, aquí el artista deja a flor de piel mucho de los problemas internos en su mente o más bien y reformulando, cita en muchas ocasiones muchos de los pensamientos oscuros y ocultos dentro de su mente como obviamente su proximidad con la definición de la muerte, su relación con la misma y su posible apreciación al acto del deceso.
La misma juega un papel protagonista en canciones como C'est La Mort, Es épico, Mundo de Piedra y Llovía entre otras. A pesar de que el relato mortal es el que se lleva el protagonismo aquí, de allí el título también, el álbum nos regala muchos actos y recursos musicales exquisitos planteados por Canserbero. Sin duda es uno de los artistas líricos más extrovertidos, dinámicos y habilidosos para crear relatos en sus canciones ya que cada una de estas contiene un relato compuesto y expresado  a su antojo como si fuesen relatos independientes.
Es Épico quizás se lleve las miradas en este álbum, su canción más popular en donde después de su muerte, desciende al infierno y la única escapatoria para que su alma sea libre es ganarle al demonio en una batalla de rap. Durante su viaje en el inframundo, se encontraría con muchas personalidades importantes de la historia a las que menciona impresionado por no creer encontrarselos allí.
Por otro lado, uno de los relatos más sorprendentes se encuentra en Mundo de Piedra, donde mediante un triple punto de vista muestra la historia de un adulterio que termina en tragedia, dejando en claro su desprecio por la fuerza policial y la corrupción en la misma como también menciona en otras canciones. Debido a esto, tampoco hay que olvidarse que el relato de Tyrone se trata básicamente de una crítica social en cuanto a las fuerzas de su país y su gobierno mismo, como cita en Un Día En Mi Barrio por ejemplo. Las críticas de Canserbero siempre pusieron en la mira a más de una entidad de la cual son dependientes muchas veces la gente de clase baja o media formando así canciones conscientes de echos delictivos y de la vida cotidiana que podrían afectar a cualquier persona en su modo de vida, en pocas palabras, repudio al sistema en el que vivimos todos día a día.
De esta forma fue como el joven se hizo de gran importancia al género y sirviendo de influencia al mismo.
En cuanto a la producción del álbum, las bases son oscuras y con  ambientaciones tristes y melancólicas con un sonido no tan trabajado, es decir, no es digna de ser aclamada como de las mejores que podría tener un rapero pero eso no logra desfavorecer la obra y el proyecto.
La mirada fría y por momentos pesimista de Canserbero muestra un reflejo sincero y único de un artista talentoso y desafiante.

The Strokes - Angles (2011)

Los jóvenes de New York, luego de 5 años y medio de pausa, lanzan el 22 de Marzo de 2011 su cuarto álbum de estudio, Angles. El álbum sitúa a la banda en un proceso por el cual la banda se sentía atareada, fatigada pero siempre con la voluntad de cumplir su cometido que esta vez fue sin dudas lanzar un nuevo álbum para no demorar ni un segundo más la espera de cierta cantidad de fans y la prensa también, ¿por que no?.
El sonido de Angles realmente sorprendería por lo dispar que suena a comparación de sus otros proyectos, el sonido se redefinió hacia una corriente más retro, más pop y sobre todo un sonido mucho más suave y digitalmente modificado a comparación de otras canciones suyas en general.

Indie Rock, New Wave
RCA Records

Mi Calificación: 3 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Machu Picchu, Under The Cover of Darkness, Life Is Simple In The Moonlight

Si antes era evidente la influencia de bandas Post-Punk y artistas del New Wave, ahora es casi un tributo debido de la forma en que se ha abusado en este álbum de dichas corrientes. El sonido de Garage Rock se ha dejado de lado, ya no es el grupo que identifica a los jóvenes adentrándose al Rock moderno sino más bien se trata de una banda que sufrió un drástico cambio llevando el sonido a lo que podría ser otra clase de oyentes.
Angles se vuelve inconsistente más que su sucesor y que cualquier otro álbum de ellos, realmente desespera la manera en como quieres que el álbum te sorprenda pero solo tiene una paleta de colores electrizantes y setenteros que ofrecerte sin más. Aún así, todavía quedan signos vitales de aquel salvador del Rock, Machu Picchu abre el álbum energéticamente, a pesar de que sea con un ritmo de punteo al estilo Reggae que se fusiona con un buen solo escandaloso de Nick Valensi, por cierto el músico que más ha crecido en estos años, su guitarrista. Otro signo vital de aquella explosión juvenil fue Under Cover of Darkness, futuro clásico de la banda obteniendo la mayor influencia del Rock "garajero" en todo el álbum. Otra de las entregas interesantes en Angles es Taken for a Fool con una rítmica buena por parte de Moretti en la batería y también un Valensi inspirado en donde luego de los acordes del estribillo, se lo puede ver lucir en soledad por algunos segundos.
Hasta aquí pareció haber sido un álbum con grandes canciones pero sin una sorpresa definida ni mucho menos algo esencial que presente la banda y es que en cambio, la parte más débil y fuertemente críticada del álbum, se asoma. Angles realmente sufre la crítica de que fue un álbum muy, demasiado, esperado para encontrarnos con algo que no satisface ni loco lo que nos esperabamos. Angles es un álbum muy artificial, con un espíritu desganado en donde Casablancas y los suyos no supieron demostrar de donde han venido y que han sido capaz de construir, un material que realmente tiene destellos disfrutables pero que en el fondo presenta cierta decepción.
Canciones setenteras inconsistentes con la voz de Julian retocada y modificada al antojo de la producción dejando poco al natural, sintetizadores pops, punteos clásicos de Pop Rock, grande influencia y acordes de Bossa Nova en varias ocasiones formaron un álbum inconcluso que no ha dejado desarrollar naturalmente el potencial de estos músicos.

Bruno Mars - Doo-Wops & Hooligans (2010)

Oriundo de Hawaii y con un comienzo un tanto complicado en el ingreso a la industria musical debido a un contrato que no funcionó, en 2010 Bruno Mars anuncia su primer álbum de estudio Doo-Wops & Hooligans luego de también haber hecho las veces de productor para varios artistas del medio pop y mainstream logra sacar su primer material en solitario.

Pop, Contemporary R&B, Pop Reggae
Atlantic Records / Elektra Records

Mi Calificación: 2,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Granade, Our First Time

Bruno Mars demuestra con un álbum sofisticado y con un sonido "chill" y suave que es un artista con un futuro, por aquel entonces, muy disperso debido a que demostró que tiene gran facilidad para manejarse con varios géneros incluidos aquí o al menos varias influencias que se incluyeron para formar las canciones Pop que hay aquí. Mars en Doo-Wops & Hooligans mostró una gran performance en cuanto al Pop Reggae con la colaboración de Damian Marley en la festiva Liquor Store Blues pero aún mejor fue su demostración en solitario en Our First Time con una producción bellisima y un Mars inspirado vocalmente llegando a concordar una bella melodía convirtiéndola en una de mis canciones favoritas del artista.
A pesar de esto, el álbum posee muchos guiños de canción mainstream y un sonido comercial extremo rebajando lo que podría seder el nivel profesional del que goza ya Mars en sus primeros años en la música. Just The Way You Are se convirtió en su canción más exitosa en sus primeros años también convirtiéndose en una de sus más vendidas casi a nivel mundial pero dejenme decir que no me parece más que una canción de quinceañera, una balada pop básica. Este sentimiento también lo encuentro con canciones como Runaway Baby y mucho más con The Lazy Song, canción que siempre, desde hace años, detesto.
Sin embargo, Doo-Wops & Hooligans nos deja un panorama claro de la clase de artista que es Bruno Mars, un artista que sin dudas se abriría paso en el mundo de la música añadiéndose inevitablemente a un circulo de artistas de consumo masivo pero que demostró también ser un artista habilidoso y versátil probando con influencias del Soul y el Reggae. A futuro incluiría el Funk en sus canciones con el que le iría mucho mejor.

Sophie - Oil of Every Pearl´s Un-Insides (2018)

SOPHIE es una DJ, compositora y productora pop escocesa que sorprendió estos últimos años en el terreno de la producción trabajando con grandes artistas como Madonna, Charlie XCX, Vince Staples y Flume entre otros. Su estilo de música presenta una fachada de música bailable de club futurista, dinámica, virtuosa, reveladora y más que nada liberal y sincera. Oil of Every Pearl´s Un-Insides fue muy esperado por quienes la siguen de cerca, esto fue lo que causó en mi gran expectativa en torno a un trabajo que rápidamente se tornó de los más mediáticos y populares del 2018, otra de las causas por la que me esperaba un gran proyecto. El álbum fue lanzado el 15 de Junio.

Bubblegum Bass, Deconstructed Club
Transgressive / Future Classic

Mi Calificación: 3 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Is It Cold In The Water?, Pretending

Primero debo mencionar sin falta que los dos géneros de música presentes aquí y mencionados arriba, te parecerán quizás totalmente ajenos y poco familiares seguramente. SOPHIE se encarga de interpretar uno de los géneros de música o fusiones menos difundidas de la música electrónica y por cierto de las más modernas como lo es el Bubblegum Bass, fusión y subgénero del popular Eurodance de hace 30 años, que consiste en repetición e interpretación de sonidos electrónicos alegres y futuristas hasta con un sonido casi infantil el cual es muchas veces desacreditado como tal, es importante diferenciar el Bass de la música Bubblegum pura debido a que este primero es interpretado con sonido de graves proveniente de secuenciadores electrónicos como lo hace SOPHIE en su álbum con las Elektron Monomachines, utilizadas también por ejemplo por The Chemical Brothers.

Comenzando por It's Okay to Cry, una balada pop en donde la artista larga una profunda catarsis personal, seguido por los temas mas futuristas y populares del álbum como lo son Ponyboy y Faceshopping, quizás también las mejores canciones del álbum para otros pero no para mi ya que ambas son muy parecidas, repetitivas y con efectos que carecen de un ritmo definido, entretenido o del cual pueda disfrutar es decir, definitivamente no puedo ver el éxito del que gozan, no puedo ver la causa del cariño que le tienen a esas canciones a pesar de que no son del todo malas, no puedo escucharlas más de una vez. Ponyboy es obscena, sucia y sexual, tema que inevitablemente iba a tocar SOPHIE en su álbum seguramente por su condición sexual de disforia de género, mientras que por otro lado, Faceshopping es más abstracta y plástica podemos decir si vemos su video, algo que me llamó la atención, el álbum permanece con una estética superficial y estética en muchas oportunidades.

Mientras que la mayoría o muchas de las voces que he escuchado hablar del álbum permanece elogiando esta parte del álbum yo prefiero destacar la voz del artista y la habilidad que tuvo para manejar la atmósfera cargada de notas en "Is It Cold In The Water?" una canción que contrasta las características banales del Bubblegum con un sonido mas sólido y penetrante y realmente sorpresivo llegando al punto de creer que canciones como estas son de las mejores que el artista puede moldear junto con uno de sus primeros singles inclusive. En Not Okay y Pretending siento también una fuerza similar por parte de la artista, con ritmo graves y cortos en la primera y en Pretending nos tornamos con un caso totalmente especial, salimos de la alegría, del baile, de lo animado, lo colorido y lo plásitco que puede ser Oil of Every Pearl's para adentrarnos en un pasaje oscuro, una atmósfera de oscuridad inmensa que nos rodea e invade nuestros sentidos en una pista Dark Ambient que desencadena en sonidos con influencias Drone.

Si bien no he destacado todas las cosas del álbum por ser subjetivo, SOPHIE es sin duda una de las productoras de la música pop y electrónica del futuro que sin duda tendrá alguna que otra influencia a nivel global como la ha tenido hasta el momento pero aquí me pareció un álbum un tanto sobrevalorado.

Earl Sweatshirt - Doris (2013)

Luego de su enigmático y juvenil mixtape titulado "Earl" lanzado en 2010 cuando solo este joven ostentaba unos 16 años, llega el 20 de Agosto de 2013 su esperado debut en los estudios, Doris.
Viniendo de ser una revolución en el Rap Underground y de ser uno de los principales partícipes de Odd Future y uno de los culpables de su rápida popularidad en el circuito urbano en aquellos años, Doris muestra una faceta desmesuradamente oscura premonitora y algo personal apoyada por una ambientación enigmática y oscura en los momentos precisos creando así un impacto con el artista aún mayor que el que pudo haber demostrado hasta ese momento.

Hip Hop, Abstract Hip Hop
Columbia Records / Odd Future / Tan Cressida

Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Pre, Burgundy, 20 Wave Caps, Chum, Sasquatch, Molasses

Doris es un álbum entrañable y misterioso donde la posible supremacía de Earl se entromete en sus pensamientos pesimistas y oscuros formando un relato dispar en donde deja a flor de piel varias facetas del artista como asi también habla mucho de su forma de pensar y su tristeza interna que tuvo en su época de adolescencia y la transición por la que padece al momento del álbum, una persona que está llegando a la adultez y esta experimentando lo que es ser famoso y apreciado por personas que quizás nunca conozca.

Earl es profundo, serio y sobretodo es una persona temperamental, o al menos es el reflejo que aquí nos deja debido a que el álbum tiene una visión personal y también una visión de superioridad en el juego del rap y reparto de rimas muy inteligente, es decir, es un álbum donde se encuentran muchos aspectos del artistas, sentimientos encontrados dentro de diferentes canciones depresivas que se contrarrestan con otras más pretenciosas y orgullosas y es que realmente a elección, ambos tipos de performances aquí, son geniales. Los momentos más íntimos en Doris se producen en Burgundy en donde Earl se trata como si fuese un objeto que solo tiene que dar un espectáculo, un negro que solo tiene que rapear para entretener sin que nadie se preocupe por su bienestar y/o pensamiento, en Sunday, la única canción de amor de Earl aquí, le canta a una joven que la extraña y que siempre será una persona fiel y humilde a pesar de su paso por la fama con Frank Ocean en modo lo-fi haciendo lo suyo y brindando sus indecisiones en sus versos y por último y más importante para mi, una de las más conocidas de Earl y más representativas es Chum en donde con una base de piano minimalista relata evidentemente ebrio, lo duro que fue estar varios años alejado de su padre y su posible falta de cariño en el desarrolllo de su adolescencia que de seguro influiría en su música como lo hizo en estas canciones.

Estas partes del relato del álbum en general son las más claves para entender al mismo pero Doris realmente esta lleno de atributos buenos, por empezar Earl comenzó siendo el rapero más talentoso de Odd Future sobre Tyler, condición que se revertiría casi cinco años después pero que sin dudas gracias a canciones como estas y una producción nocturna con influencias oscuras de procedencia de MF Doom por ejemplo en todo el álbum con beats ásperos, oscuros con algunos golpes ténues y otros bien graves que ambientaron letras que ayudaron al artista a reflejar lo que es interiormente, es decir que aquí se ve una catarsis y resumen de los eventos vividos por el artista en ese último tiempo y el rapero lo maneja de forma técnica y autoritaria y reveladora. Las colaboraciones abundaron en el álbum con 8 raperos en donde Tyler, The Creator y Domo Genesis se llevan el galardon como los mejor partícipes de este tipo colaborando en versos demoledores con alguna que otra rima absurda que se pueda perdonar. 

J Balvin & Bad Bunny - Oasis (2019)

El circuito mundial musical, en cuanto a popularidad y consumo, sin lugar a dudas se rige por los géneros urbanos en donde encontramos el Hip-Hop siempre presente con grandes artistas y otros con corrientes relativamente nuevas y modernas como el "Mumble Rap" y el estallido mundial del Trap Rap en este último lustro en el país norteamericano llevado alrededor de todo el mundo y también por el desmedido y veloz crecimiento del consumo del Reggaetón llevado del Caribe y Puerto Rico a llegar a ser consumido ya casi en todos los rincones del globo gracias a artistas como Daddy Yankee, Bad Bunny, J Balvin y Maluma entre sus representantes más populares.

Este consumo masivo del Reggaetón es digno de diferentes análisis detenidos todo en un mismo lugar que es el "Que llevó al Reggaetón a tener un crecimiento tan fortuito?" pasando de ser un género discriminado a ser uno de los más consumidos a pesar de que aún es fuertemente criticado por su ocasional misoginia, lenguaje explícito y supuesto poco respaldo musical.

Oasis vino a ser la representación mucho más profesional del Reggaeton y un recordatorio de porqué es tan exitoso y tan rentable hoy en día. Por empezar el álbum rompe el esquema por el cual está regida la música urbana latinoamericana liderada por sencillos y canciones comerciales sin álbum alguno encerrando el proyecto en un álbum de estudio para reforzar la idea musical y demostrar que se podía hacer uno de Reggaeton que sea popular, bueno y comercial con nada más ni nada menos que hecho por dos de las figuras más representantes del género, J Balvin y Bad Bunny. Oasis fue lanzado el 29 de Junio de 2019 convirtiéndose rápidamente en el álbum más escuchado en casi 100 paises.

Reggaeton, Contemporary R&B, Trap Rap, Pop Latino

Universal Music

Mi Calificación: 3 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: Yo Le Llego, Cuidao Por Ahí, La Canción, Odio

Oasis goza de ritmos y texturas mezcladas con el Reggaetón que en lo personal no lo había experimentado antes, bases buenas y un poco ásperas como en "Mojaita", "Yo Le Llego" y la adictiva "Cuidao Por Ahí" que casualmente abren el álbum en este orden mostrando un Reggaetón clásico que a partir de esta parte comienza a desvirtuarse y tornarse más complejo y detallado donde logró sorprender hasta la versión más escéptica de mi.

El clímax sin duda del álbum es "La Canción" con toque jazzero y base de influencia Dancehall y R&B por parte de Sky y Tainy, no hay que olvidarlos porque fueron de lo más importante para el álbum también, en donde es el punto más melancólico del álbum, por cierto la referencia de Kanye West es buenísima, en donde si bien se recurre a una materia repetitiva como la mezcla de sentimientos hacia una mujer, no deja de ser genial por su elaboración, algo sinceramente inesperado, es decir, nunca me imagine a una persona como Bad Bunny en una canción así, la misma sorpresa que me he llevado con "Otra Noche en Miami".

Anectódicamente, el álbum incluyó la colaboración con el cantante de la banda Argentina de Rock, Enanitos Verdes en una mala performance que por lo menos, no perdieron la oportunidad de ponerle un tinte de folclore latino al álbum representando siempre lo latino y lo propio. La otra colaboración data en "Como Un Bebé" con el cantante nigeriano Mr. Eazi en un rítmico outro que fortalece aún más el sonido de la producción y las raíces latinas con un Bad Bunny con un tono ya más propio y familiar como los utilizados en X100PRE. 

Si bien como he dicho recién, la temática de Oasis es repetitiva y ya vista en el género, obtiene algo que los demás lanzamientos y trabajos de Reggaetón no tienen, un toque innovador y una tenue sutileza en contra de las metáforas banales a las que recurre el género muchas veces en sus canciones.

He visto que Oasis ha tenido mucha crítica dividida entre los que vieron un trabajo sorpresivo, como yo, y los que no se han sentido satisfechos debido a la vara alta que ha quedado desde el año pasado con los álbumes de ambos cantantes que los llevaron a pensar que podrían hacer algo mejor que esto. En lo personal, hace mucho no disfrutaba de un álbum de Reggaeton como este.

Thom Yorke - ANIMA (2019)

ANIMA es el cuarto álbum de estudio y trabajo en solitario del líder de Radiohead, Thom Yorke. ANIMA es su proyecto con menos influencia de dicha banda, mientras que en álbumes anteriores observabamos hasta como los sintetizadores y transiciones digitales junto a diferentes instrumentos sonaba similar a trabajos de la banda, en este álbum se puede ver una soltura más dinámica y personal en cuanto al sonido y juego de sintetizadores que aquí ganan un sonido más futurista y áspero, también incluyo que difieren las diferentes composiciones dentro de las canciones. ANIMA fue lanzado también con un cortometraje de Netflix a cargo de Paul Thomas Anderson, el 27 de Junio de 2019.

Glitch Pop, IDM, Ambient Pop
XL Recordings 

Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Twist, Dawn Chorus, Not The News, Impossible Knots

El álbum es se molda dentro de un paisaje constantemente transitorio en donde la sensibilidad y la mirada fría de Yorke con su temblorosa voz, a veces inspirada otras veces más depresiva y hasta por momentos la podemos escuchar digitalmente distorsionada, se apoya en la producción del siempre cercano al artista Nigel Godrich que lleva a ANIMA, junto con la Orquesta Contemporánea de Londres, a un punto vanguardista y complejo más allá de cualquier álbum anterior al artista asemejándose al nivel de The Eraser (2006) con aspectos más modernos y futuristas como lo podemos ver en el increíble final de la canción Twist, durante todo Dawn Chorus y en Not The News e Impossible Knots como puntos más fuertes del mismo que hacen que el álbum sea un trabajo más completo por ejemplo que Tomorrow Modern's Boxes editado en 2014.

A pesar de esto, el trago agridulce que me deja ANIMA es sin dudas la espera de un álbum con constantes sorpresas. El camino que eligio el productor aquí, es el mismo pero con canciones que vienen cargadas de diferentes capas de sonidos electrónicos a pesar de que sigue siendo siendo siempre la misma idea final, los caminos de los álbumes de Yorke siempre nos terminan llevando a un mismo camino, un paraje ficticio en donde habita la intimidad del artista siendo relatada con una ambientación digital que aquí solo difiere en que se ha vuelto más detallada y enredada artificialmente.

Los encuentros entre el piano, las capas de sintetizadores ásperas y la lluvia de sonidos repentinos dejan a veces el sentido de que siempre se esta volviendo a algo repetitivo. Sin embargo, el hecho de que siempre se renombre la profundidad de la mente de un genio me da como resultado que solo por el hecho de ser Yorke, se vuelve algo interesante. Mas allá de esto, en este tiempo en el que no han trabajado juntos, concretamente desde 2016 cuando se lanzó el último álbum de Radiohead, Godrich siguió creciendo en soledad como un gran productor. La realidad es que esperaba con ansias algo más de este álbum, sin embargo, es el álbum más elegante del artista.

Deftones - Diamond Eyes (2010)

Viniendo de un periodo complicado de la banda que se constituyó de cuatro años en donde se suplantó al bajista anterior por un tema complicado de salud, una gira que peligraba su continuidad y la realización de un álbum que descartaría mucho material ya premeditado y realizado con anterioridad, Diamond Eyes sin embargo es un grito de triunfo de la banda de la ciudad de Sacramento en donde demuestra que no se dió por vencida frente a diferentes adversidades. Diamond Eyes fue lanzado el 4 de Mayo de 2010.

Metal Alternativo, Rock Alternativo
Warner Bros. / Reprise Records

Mi Calificación: 4 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Diamond Eyes, Royal, CMND/CTRL, Prince, Rocket Skates

Diamond Eyes es increiblemente técnico y rítmico y es que este último factor es el primordial para el álbum el cual se apoya en muchos riff cortos y pesados en su mayoría en donde algunos adquieren un sonido más ásperos que otros, como en la canción que abre el álbum, y en donde el cantante "Chino" Moreno se esfuerza al máximo por momentos cortos con screamings pero en su mayoría siendo más dulce y melódico.

La terna inicial se puede ver identificada al instante por este tipos de riff que ganan soltura y poder gracias a la batería y el ritmo del cantante pero a pesar de esto, ya adentrándonos más en el mismo, el álbum retoma otras técnicas y modos de rítmos diferentes como en You've Seen The Butcher quizás el punto flojo del álbum pero sin desesperación que a pesar de serlo, muestra gran solidez con una letra más oscura pero sensual. Encontramos también ritmos melancólicos asemejados a una Power Ballad (Beauty School, Sextape) y otras sorprendentes performances de guitarras como los de Prince y Rocket Skates, las mejores canciones del álbum, que si bien no poseen por si mismas un solo de guitarra perfecto ni bien definido, la forma en que terminan los acordes técnica y distorsionadamente las vuelve realmente salvajes pero profesionales con una densidad que genera un sonido oscuro.

Estas canciones, al igual que la mayoría del álbum, están fuertemente influenciadas por una producción con un sonido que habita el eco de la voz de Moreno y una especie de sonido lo-fi que redefine la voz del mismo haciéndola más áspera de lo normal.

Diamond Eyes muestra una faceta más que nada triunfante y romántica en donde demuestran con un sonido oscuro, cálidas letras de romanticismo aplicadas perfectamente haciendo un contraste aparente en partes del álbum debido a que en otras, las letras un poco más insinuantemente personales y sexuales.