lunes, 29 de julio de 2019

Kendrick Lamar - Untitled Unmastered. (2016)

Una de las grandes obras de artes de la música contemporánea como To Pimp a Butterfly (2015) del mismo Kendrick Lamar significó un cambio gigante en la magnitud de trabajo, la forma de hacer música, la experimentación, la producción, técnicas, rítmos y demás y eso por esto que para hacer el mismo se necesitaron de arduas sesiones de grabación en donde no todo fue incluido para el mismo álbum y aquí es donde nace Untitled Unmastered. El mismo es un álbum que recopila las secuencias y canciones elaboradas entre 2013 y 2015 que inéditas que no han visto la luz nunca y se recopilaron aquí para formar un álbum muy experimental y avant-garde en lo que respecta en la música tradicional del artista. Untitled Unmastered. es por lo tanto un álbum recopilatorio de canciones nuevas que por eso mismo se podría decir que se convierte en el cuarto álbum de estudio de Kendrick Lamar. Todas las canciones se titulan en secuencia Untitled 01 hasta Untitled 08. El álbum fue lanzado el 4 de marzo de 2016.

Jazz Rap, Conscious Hip Hop, Experimental Hip Hop, Funk
Top Dawg Entertainment / Interscope Records

Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Untitled 01, Untitled 05, Untitled 08


A comparación del álbum anteriormente mencionado, Untitiled tiene un sonido más bohemio y por momentos mucho más oscuro lejos de la experimentación presente, la misma que alterna en las canciones ecos del artista con guitarras acústicas, piano, saxo y órgano. Al obtener tantos sonidos e instrumentos, el artista no los desaprovecha y los utiliza como si de un álbum de Funk se tratara, priorizando el relato donde por momentos la linea entre la influencia Soul y el Rap pasa a ser totalmente difuminada. Sin embargo, no todas las canciones son más influencia Soul que Rap, Untitled 01 es un rap agresivo mientras que Untitled 02 demuestra ser el punto de fusión perfecto. Por otro lado, otras canciones como 06 o 08 muestran una gran simpatía por ritmos casi del todo lejanos del hip hop manteniendo raíces sonoras afroamericanas.
A pesar de esto, por momentos la experimentación me hace poca gracia como por ejemplo en Untitled 04 con Kendrick susurrando y SZA repitiendo el verso una y otra vez sin melodía alguna al igual que cuando Lamar repite el guiño "Pimp Pimp" como diez veces en total en todo el álbum, pequeños detalles que manchan una gran producción profundizada en el Jazz libre.
Las composiciones de Kendrick son muy complejas, el álbum está armado con grandes temas conflictivos como la educación, la guerra, la formación y camino hacia un mundo mucho más oscuro que en el que vivimos actualmente y una filosofía política totalmente fuerte y crítica contra el gobierno ya sea los gobiernos en general o el gobierno estadounidense manteniendo un empoderamiento personal en contra de las fuerzas gubernamentales es decir, nosotros podríamos ser más fuertes de lo que nos impone el sistema si nos lo proponemos o una ideología similar - Head Is The Future -. tal es así que la mayoría del álbum se mantiene así de desafiante y descontento aunque siempre intacto y poco descuidado.
Untitled Unmastered. es sin duda una recopilación de las escenas menos impresionables dentro del repertorio de uno de los mejores artistas del Siglo XXI en el cual eligió estratégicamente las piezas de Jazz más sutiles para integrar un álbum que mantiene su mística sonora de su mejores años como artista hasta el momento. 

viernes, 26 de julio de 2019

Bad Bunny - X100PRE (2018)

Repetidamente he visto y escuchado que no ha habido un artista (actualmente) que necesite menos que hacer un álbum de estudio que Bad Bunny, uno de los artistas ya más escuchados a nivel mundial y uno de los líderes en convocatoria en los países de latinoamérica en lo que en el ambiente de la música urbana y los artistas mainstream repectan. El crecimiento de Bad Bunny fue desmedido, creció a la velocidad de lo que solían crecer las grandes bandas en los sesenta y los setenta, bandas que fueron pioneras y referentes primordiales en sus géneros, tal es así que en menos de tres años todos lo conocemos, queriéndolo, admirandolo o no. X100PRE (Por Siempre) es su álbum de estudio debut y fue lanzado el 24 de Diciembre de 2018.

Reggaeton, Latin Trap, Pop Rap, R&B Alternativo
Rimas Entertainment

Mi Calificación: 1,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Ni Bien Ni Mal, Otra Noche en Miami



X100PRE es por momentos un álbum que ostentaba ser una combinación de géneros increíble para ser un proyecto latinoamericano, aquel proyecto que hoy en día podría ser la clave para que la región de el salto definitivo para encabezar listas mainstream del país norteamericano pero no, el álbum termino por demostrar la gran flaqueza que tiene Bad Bunny en muchisimos aspectos musicales, recordemos que nunca estudió música.
A pesar de esto, el aspecto, la intención y la muestra del carácter autoritario del trapero de Puerto Rico, impulsa un poco el álbum que demuestra una cara interna del mismo y al mismo tiempo muestra la careta que tiene muchisimos artistas del género, esa faceta que solo habla de mujeres, lujo, drogas, viajes, etc. Este relato es repetido en canciones como ¿Quién Tú Éres?, la horrible 200 MPH en donde Bunny destroza nuestros oídos con el gancho -"debajo del sol"-, Caro que en donde solo describe que su flow es caro repetidamente hasta el cansancio y de forma ridícula y también podríamos incluír la canción Ser Bichote en donde Benito Martinez nos dice que alcanzó su meta, ser famoso, tener dinero y manejar a su antojo un subgénero regional impredecible y totalmente ambicioso.
Si hay algo que el álbum se destaca y hace que el oyente lo disfrute es realmente la producción y eso es innegable pero el problema general del álbum son sus letras, sus coros horribles y repetitivos con autotune en cada segundo de las canciones, obviamente el problema es el usuario y no el autotune, sino escuchenlo a Travis Scott. Volviendo a la producción, los beats son buenos, variados, lo-fi y técnicos es decir, el que esta haciendo las cosas bien realmente es DJ Luian y no Bad Bunny.
Como veredicto final debería destacar que a pesar de todo esto que demuestra ser el artista Puertorriqueño, X100PRE tiene tintes introspectivo en donde el artista reflexiona por dentro si todo esto de la fama y el descontrol es realmente algo que valga la pena o si es algo real y fiel y esto se lo puede ver en Otra Noche en Miami, la canción más profunda en la carrera del artista en donde a lo largo de un R&B hace un psicoanálisis. Sin embargo, es dificil ver el valor que el artista le da a esto si siempre está tapado y saturado de canciones que se asemejan entre ellas y no tienen ningún mensaje final. X100PRE es sumamente superficial.

martes, 23 de julio de 2019

Florence + The Machine - Ceremonials (2011)

El 28 de octubre de 2011, la banda británica liderada por Florence Welch, Florence + The Machine, lanza su segundo álbum luego de haber demostrado una formidable performance como músicos luego de su primer álbum Lungs (2009) con diversas influencias históricas.
Si en verdad en lo que algo es superior el grupo de Florence demostrado nuevamente aquí en Ceremonials es en como integrar las diferentes fusiones e influencias musicales dentro de su clásico y crecientemente glamoroso pop que cada vez se vuelve más complejo y mucho más difrutable.

Art Pop, Chamber Pop
Island Records

Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: What The Water Gave Me, Never Let Me Go, Breaking Down, Spectrum


La producción de Ceremonials es dura, dramática y sobre todo muy buena. Ceremonials es un álbum de poesía y melodía romántica en casi toda su totalidad con una influencia creciente del Chamber Pop que va ganando terreno al sonido influyente del Britpop local en la banda británica.
Florence hace que Ceremonials se convierta literalmente en una ceremonia vocal con profesía Soul totalmente fuerte y conmovedora como en What The Water Gave Me, Never Let Me Go, o Breaking Down, la terna destacada del álbum donde se mezcla la poesía existencial con el sonido Indie característico de la banda proporcionándonos liricamente lo mejor de ella.
Otras canciones como Shake It Out y No Light, No Light obtienen un sonido mucho más comercial, justamente lanzados como sencillos del álbum que juegan el papel primordial de hacer variar los sonidos duros y melancólicos de la banda con canciones más edificantes y prometedoras.
Probablemente la poesía de Florence se vuelva un poco densa y monótona a lo largo del álbum pero la fuerza de su voz y el ritmo que proporciona en las mejores canciones hace que sea literalmente su mejor álbum y su mejor momento hasta la fecha como banda.
Ceremonials demostró que Florence es una de las artistas que probablemente mas ha crecido en este intervalo de dos años como artista pop, lugar en el que se quedaría hasta el día de hoy dentro del Indie y Chamber Pop.


sábado, 20 de julio de 2019

Nick Cave & The Bad Seeds - Skeleton Tree (2016)

Una de las bandas más polifacéticas, con mayor trayectoria y una de las más importantes para el Rock en general y específicamente en subgéneros alternativos teniendo variantes como el Post-Punk y el Punk Blues, Nick Cave & The Bad Seeds lanzan el 9 de septiembre 2016, Skeleton Tree, un álbum poético como ya varios de la banda pero con un carácter muy oscuro, reflexivo y hasta filosófico, Skeleton Tree es un álbum muy abstracto que al que sepa apreciarlo, lo atrapará enseguida.

Art Rock, Spoken Word, Ambient, Drone
Bad Seeds Ltd.

Mi Calificación: 4 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Jesus Alone, Ring of Saturn, Girl In Amber, Anthrocene, Skeleton Tree


Skeleton Tree es un álbum muy profundo, serio, pesimista y bastante deprimente pero este sentimiento agobiante sentido por Cave con gran empuñadura en la mayoría de las canciones, es realmente sorprendente. Nick Cave hace un trabajo perfecto, una performance en donde se ocupa, a veces con una temblorosa voz y otra con una postura casi profética y superior de carácter jerárquico, de hacernos llegar varias de sus mejores poesías donde demuestra lo que es la tristeza, lo que es la esperanza, lo que es el amor y el remordimiento conjugándolos como si se tratase de una historia de talla personal.
La poesía de Cave en las canciones podría interpretarse como algo denso por momentos por las diversas situaciones detallantes que se encuentran en ellas pero esto lo utiliza como un recurso importante para extender y explicar el dolor por momentos y el amor por otros es que si bien estamos frente a un álbum muy oscuro, muchos de sus versos transmiten un fuerte sentimiento de afecto.
El álbum abre con Jesus Alone con una instrumentación con rasgos drone y un ritmo muy repetitivo y áspero que se acompaña de un piano durante la parte del estribillo, una de las estrategias más recurrentes en donde el piano pasa a ser protagonista por varios segundos dramáticos en diferentes canciones del álbum. Esta canción hace referencia a la pérdida de su hijo que ha muerto durante las grabaciones de este mismo álbum y de aquí en más, todos podremos pensar que el álbum entero es parte del dolor por la perdida de su hijo y es que es un causal muy serio y obvio, en cambio, esta canción Cave mantiene una postura firme solo comparable con la canción Magneto o la esperanzadora Skeleton Tree con la que cierra el álbum.
El momento de quiebre total en donde es también el punto más profundo del álbum es sin duda Girl In Amber. Sorprendentemente la mejor de todas, esta canción se remite de nuevo describiendo al hijo de Cave y mencionando diferentes metáforas en cuanto a la pérdida física de un ser querido se refiere. Girl In Amber es puntual y fría, el piano es realmente excelente y desolador acompañando a la temblorosa voz del protagonista, todo un montaje perfecto.
La instrumentación es justa y necesaria en todo momento siendo oscura por un lado, triste y melancólica por otros, ambiental y atmosférica en torno a una imagen profunda compuesta por violines, violonchelo, sintetizadores, batería y percusión suave y teclados que juegan un papel totalmente imprescindible en Skeleton Tree.
La parte final del álbum y el final del camino y el túnel de dolor que aterra a Cave trae perseverancia y una corazonada de esperanza con I Need You, Distant Sky y Skeleton Tree. Esta terna de canciones trae un caracter mucho más melancólico y agridulce que triste gracias a su sonido edificante. Asi cierra quizás una de la impresiones más grandes de la banda de Nick Cave y quizás su último hito después de varios años y lo logró con poesía moderna y oscura.

miércoles, 17 de julio de 2019

The Beatles - Rubber Soul (1965)

El 3 de diciembre de 1965 se lanza el sexto álbum de la discografía oficial de The Beatles, Rubber Soul, ya inmerso en una situación de fanatismo a nivel mundial y siendo reconocidos como unos de los mejores compositores del medio y de los más habilidosos para interpretar la canción popular y también el rock. Rubber Soul obtiene un sonido más tranquilo, mas soft y sobre todo mucho más se puede notar una influencia del Folk nunca antes vista dentro de la banda, algunos especulan que fue luego de conocer a Bob Dylan donde sus letras y su sonido tomaron una formación más a su estilo. El álbum es el segundo en poseer todas las canciones compuestas por algún integrante de la banda sin integrar algún cover o versión de otro artista.

Pop Rock, Folk Rock, Pop Psicodélico
Parlaphone / Capitol Records

Mi Calificación: 5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Norwegian Wood (This Bird Has Flown), You Won't See Me, Michelle, Girl, In My Life


El sonido de Rubber Soul fue muy diverso a lo anterior, fue un desarrollo pasivo y tranquilo hacia canciones de pop psicodélico más centradas y técnicas acompañadas de diversos instrumentos menos notorios en otras bandas como el cencerro, la pandereta, crótalos, maracas, charles (todos estos manipulados por Ringo Starr en diferentes canciones) y como más protagonistas tenemos también diferentes órganos y el inolvidable sitar de George Harrison utilizado por primera vez en la historia de la banda y del Rock aquí en la canción Norwegian Wood (This Bird Has Flown) creando una atmósfera de paz y psicodelia con el sello y la influencia del Ravi Shankar.
A pesar de que el álbum significo un cambio creativo, los Beatles siguieron siempre varios recursos característicos como las segundas voces muy recurrentes y los inolvidables coros en varias canciones como You Won't See Me, Drive My Car, Nowhere Man, The Word y la excelencia en coro en la melosa y hermosa Michelle donde probablemente sea una de las mejores canciones de la banda y uno de los mejores coros de la música. El sonido predominante de lo acústico por partes dejaba a flor de piel lo que fueron los coros y la melodía vocal de cada uno, las cuales son diferentes pero casi perfectas.
Las melodías de las demás canciones como You Won't See Me y Nowhere Man de nuevo se encuentran apoyadas en atributos como estos tan importantes como he mencionado, el coro y los teclados que pueden llegar a sobresaltar un poco más que la percusión creativa igualmente. En materia lírica, las canciones siguen siendo igual de clásicas que la mayoría de las canciones anteriormente compuesta sin encontrar algo sorprendente o profundo sino que la belleza de la letra cae encima de la facilidad que tienen para hacer canciones populares románticas y que tenga una gran adaptación y recepción por parte de la audiencia y eso se refleja más en canciones como Michelle y la gran In My Life teniendo a su productor George Martin de colaborador en el piano de fondo; otra canción que se volvería un clásico indiscutible de la banda. 
Rubber Soul fue un camino diferente para la banda de los muchos que tomaría la banda en donde se profundiza un poco más la visión interna y triste de The Beatles en donde aparte de destacar los instrumentos, la canción balada y el coro, destaca igualmente la amplitud vocal que podemos encontrar en diversas canciones entre las cuatro voces de la banda, es decir, es sorprendente escuchar canciones con tonos diferentes en cada canciones demostrando como es posible dominar los ritmos y manejar sus voces con facilidad aunque no cualquier músico lo podría hacer. El álbum significo el salto más grande en madurez musical dentro de la banda abriendo paso a su etapa más profesional, exitosa y creativa. 



Ariel Pink's Haunted Graffiti - Before Today (2010)

La banda californiana de Indie Pop liderada por Ariel Pink, lanza el 8 de Junio de 2010 su séptimo álbum en donde nos encontramos con un viaje retro en donde podemos ver vivas las influencias del pop ochentero mezclado con matices electrónicas quizás más modernas, es decir, con uno de los sonidos "wave" más conocidos y en auge en estos últimos tiempos, el Chillwave, derivado del mismisimo Vaporwave. A pesar de esto, solo es un punto de vista no profesional sino de un punto más de suposición y más arbitrario debido a que los sonidos pop y psicodélicos desembocan en sonidos más familiares hoy en día debido a una gran corriente de revivir lo antiguo y lo pop en la música alternativa, teniendo de referencia a MGMT por ejemplo con su postura mucho más "New Wave" en su último álbum, aunque no vale generalizar y que por otro lado, los anteriores géneros mencionados, se enfocan en la ambientación electrónica y no en la música popular.

Pop Psicodélico, Hypnagogic Pop, Garage Rock
4AD

Mi Calificación: 4 / 5 Esterellas
Mejores Canciones: Bright Lit Blue Skies, Fright Night, Round and Round, Butt-House Blondies


Before Today es una odisea sentimental en donde por momentos nos puede confundir, se avecina con letras absurdas en el buen sentido y graciosas, mientras que por otros momentos muy melancólicas y tristes en menor medida que las primeras igualmente pero que siempre conllevan a letras simples, claras y directas.
La producción del álbum es en 100% producida con un sonido lo-fi que le da un sonido de antaño y un eco glamoroso y misterioso manteniendo así una atmósfera también nocturna, obviamente sobre todo en "Fright Night", el mero reflejo de todo a lo que me estoy dirigiendo, una canción corta que podría ser graciosa pero también refleja un sentimiento escondido de esperanza y amor envuelta en sintetizadores tenues y una voz añeja por parte de Ariel, mi favorita en todo el álbum.
Sinceramente podría destacar muchas cosas de Pink como cantante y como compositor simple pero el no es nadie así sin la banda que crea un sonido alegre, nocturno y con gran calidad y alegría como en las siguientes que son Round and Round, que junto con Fright Night crean la dualidad de las dos mejores canciones del álbum (la primera con un sentido más psicodélico y la segunda con un estilo más Disco) y la satírica "Beverly Kills". 
La primera parte del álbum muestra la verdadera fortaleza en la mayoría de sus instrumentos y en ritmo, es decir que casi por completo lo mejor se encuentra aquí, pero la segunda parte del álbum no logra derrocar ni deslucir lo bonito que fue el sentimiento retro de esta primera que logra impactar con un amplio margen recordando viejas raíces. La segunda parte no logra dar un impacto real más que una atmósfera brumosa como ya hemos visto y en donde se pierde un poco lo entretenido que oímos hasta la más rockera Butt-House Blondie y es en Reminiscences y Menopause Men donde revive lo importante de Before Today que igualmente nos deja en claro que algo bueno nunca pasa de moda. Reminiscences aparece como un corto instrumental en donde se nota la claridad en materia de teclados y farfisa que obtiene Ariel en este álbum y es totalmente impecable. Puntualmente sin este instrumento, el álbum no sería realmente lo mismo como así también comparto la admiración por el manejo de guitarra en Butt-House Blondie y Little Wig.
En resumen, Before Today es un álbum con un impacto mayor a lo esperado pero por muchos oyentes y se lo puedo asegurar, un álbum cliché con humor y con memoria que sabe llevarnos irónicamente y por un momento a un lugar "Antes de hoy".



domingo, 14 de julio de 2019

Rammstein - Rammstein (2019)

La banda alemana de Rock Industrial y Neue Deustche Harte, género que mezcla las raíces de la música Dance con el Rock/Metal Industrial, Rammstein, vuelve luego de una larga década sin un álbum de estudio y volvió con un repertorio voraz y entretenido y más que nada con un sonido tradicionalista que solo cambia en aspectos menores, es decir, volvió Rammstein en una manera sorpresiva pero algo tradicionalista. El álbum homónimo fue lanzado el 17 de Mayo de 2019.

Rock Industrial, Neue Deustche Harte
Universal Music

Mi Calificación: 4 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Deutschland, Radio, Zeig Dich, Was Ich Liebe, Weit Weg


Rammstein realmente demostró varias facetas durante este álbum pero sobre todo mostró una performace variada y firme donde la música electrónica del NDH ("Radio", "Weit Weg") toma un paso más protagonista y serio donde las canciones son formidables y sobre todo serias y ambiciosas.
La banda volvió con ganas de encenderse en su juego, encender los escenarios y mostrar de nuevo una gran pasión por ser los hijos del Krautrock y de la escena Euro-Techno, es decir, que los reflejos de grandes próceres y causales influenciales de Rammstein como Kraftwerk y Nine Inch Nails, siguen allí presente.
"Deutschland", la canción de la introducción juega como un himno nacionalista excelente en donde Lindermann, el vocalista, a flor de piel y con un enfático orgullo, relata el honor que es ser alemán. Luego nos encontramos con Radio, la primera canción NDH que toma un rumbo mucho más comercial que el resto, cabe destacar que es un sencillo, en donde la misma comienza con una introducción de club muy buena y nocturna con un sonido de sintetizadores bien sintético. Rammstein toma como protagonista en su repertorio a la religión en "Zeig Dich" donde describe tétricamente el protocolo de las religiones o la mayoría de ellas, aunque no se trataría igualmente de una referencia blasfemica sino que meramente explicativa. La  banda invoca el Hard Rock en "Sex" y un sonido minimalista y desgarrador en "Puppe", quizás el único punto bajo en el álbum que no llegó a agradarme del todo. Los últimos puntos claves en Rammstein son sin duda "Diamant", la balada del álbum que entrega una hermosa y simple letra y "Weit Weg", el punto clave del Neue Deutsche con sintetizadores más suaves pero con un sonido más rítmico y protagonista siendo así una de las más modernas y destacadas.
En resúmen, la banda de Berlin, volvió con un sorpresivo álbum en donde la fuerza euro-techno jugó un papel fundamental en la creación del sonido profesional y serio que tuvieron en el álbum con canciones algunas modernas, otras con estilos más tradicionales pero lo cierto es que luego de 10 años, la habilidad de los integrantes sigue intacta.



sábado, 13 de julio de 2019

Nails - Unsilent Death (2010)

Nails lanza en 2010 lo que sería su álbum debut que sería sorpresivamente corto con solo 13 minutos de duración y 10 canciones en su haber, es decir, fue ocupado y grabado con canciones que no llegan ni al minuto de duración, algo realmente poco recurrente en el mundo de la música pero sin en el mundo del Grindcore.
Las bandas de Grindcore tienden a hacer muchas canciones en un álbum con una corta duración aunque lo de Nails fue demasiado abusivo en esos términos debido al formato que eligieron. A esta se las suele llamar "Microcanciones" y voy a asociar esta técnica con el poder, la distorsión y la violencia que se utiliza en este álbum y en el género en particular, es decir, la impresión del género es algo brutal y rápido que con pocos segundos ya demuestre una violencia o un poderío impactante.

Grindcore, Powerviolence
Six Feet Under Records / Southern Lord Records

Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Suffering Soul, Unsilent Death, Depths


En el caso de Nails, es una banda que toma un sonido de la vieja escuela y lo vuelca en sus canciones. Las diez canciones de Unsilent Death son pesimistas, depresivas, oscuras y suicidas y muchas veces reflejan el odio y el dolor interno del ser humano. Como también pueden deducir, las composiciones son claves y cortas debido a la duración de las mismas también, reflejan algo exacto un sentimiento sin vacilaciones y una cruda tristeza depresora interna.
Unsilent Death durante estos trece minutos esta repleto de buenos riff que realmente salvan al álbum, algunos son realmente pesados y densos, que son los mejores, y otros mucho más rápidos y distorsionados que pueden llegar a ser irritantes.
Las canciones "largas" como Suffering Soul, I Will Not Follow en menor medida, Unsilent Death y Depths para cerar el álbum, son sin dudas las mejores, algo contraproducente con la producción de los artistas. Suffering Soul y Unsilent Death son la catarsis definitiva del álbum, el punto más frío y crudo que refleja la música de Nails en un contexto un poco más profundo debido a la duración y performance de ambos temas, la primera mostrando una temática autodestructiva y atacante a la personalidad de uno mismo y la segunda canción respectivamente, con una temática mucho más suicida y oscura reflejando el dolor y la muerte.
En pocas palabras, yo creo que el sonido de Nails fue muy bueno en comparación a la pobre producción y el agotamiento de la distorsión en las cuerdas y en la voz del cantante, es decir, que Nails podría ser una banda mucho más prolija y de calidad si jugara con otros recursos, sin embargo, demostró convencerme aún con la corta producción que posee. Si Nails fuera Death Metal sería mucho mejor banda supongo.

lunes, 8 de julio de 2019

Freddie Mercury, La Biografía

Farrokh Bulsara, más conocido como Freddie Mercury, cantante icono del Rock y de la década de los setenta y ochenta con la banda británica Queen, nació el 5 de septiembre de 1946 en la isla Stone Town en Zanzíbar, hoy Tanzania, África en el seno de una familia de ascendencia parisi (etnia de la india y descendientes Persas) bien acomodada debido al trabajo de su padre como tesorero de la Orden Británica en dicho territorio y es que es debido a esto que Freddie nació allí porque originalmente, su familia estaba radicada en la India, país donde pasó la mayor parte de su infancia. Su familia practicaba la religión Zoroástrica.


Freddie vivió su adolescencia en la India con su abuela y su tía, yendo mientras tanto a un colegio con un modelo inglés en donde se destacó por sobre todos en materia de música llegando al punto de que sus profesores decían que recitaba a la perfección con su piano, lo que oía en la radio.
A la edad de 18 años volvió a Zanzíbar pero en menos de un año tuvieron que mudarse a Inglaterra debido a la Revolución de Zanzíbar, parte de los procesos independentistas del continente africano en contra de los países colonizadores. Una vez en Londres, Inglaterra, seguiría sus estudios en la escuela politécnica de Isleworth y con la finalización de estos, en 1966 y con 20 años lo admitieron en la Ealing College of Art gracias a sus calificaciones y alta eficacia y responsabilidad. Entró en la carrera de "diseñador gráfico". Una vez allí, comenzaría a desenvolverse dentro de diferentes bandas universitarias y menores. Ya en 1969 tenía proyectos personales realizados y echos como una linea de ropa, diversos artículos para periódicos de Londres y lo más importante aún, se había recibido de la carrera en la que ingresó.
En el año 1970, luego de integrar una banda llamada Wreckage, se une a Smile, una banda en la que ingresó gracias al bajista y vocalista de la misma que fue su compañero en Ealing, Tim Staffell. Cabe destacar que en dicha banda, los otros integrantes eran Brian May (guitarra) y Roger Taylor (batería). Luego del primer sencillo de la banda, editado en Mayo de 1969, y sin éxito alguno, Tim deja la banda, la cual queda al poder de Freddie (como ya lo llamaban en Inglaterra) que con la llegada de John Deacon en el bajo, cambiaría su nombre definitivamente a Queen.

De izq. a der.: Freddie Mercury, Brian May, Roger Taylor, John Deacon

El 27 de Junio de 1970 conoció a Mary Austin, una joven con la que tendría una relación amorosa de seis años hasta que Freddie le confesase la verdad acerca de su obvia sexualidad; durante estos seis años convivirían juntos en West Kensington. En el año 1971, la banda se embarcó en una pequeña gira comenzando por Cornwall que finalizaría a comienzos de 1972. Durante el año siguiente, se diseñaría el logo de la banda y comenzaría su carrera profesional, grabando por primera vez con una discográfica importante, EMI y Elektra Records, y lanzando así su álbum debut y homónimo de la banda. En 1974, la banda asomaría su presencia entre las bandas más populares del momento con su segundo álbum (Queen II)  que demostraba un gran avance en calidad de la banda con toques progresivos. Al mismo tiempo, conocería uno de sus primeros amoríos homosexuales que sería un ejecutivo de la discográfica.
En cuanto a su vida amorosa, las connotaciones a su homosexualidad fueron cada vez más obvias durante la década de los setenta hasta que en 1976, debió decirle la verdad a Mary y así separándose de ella aunque en múltiples ocasiones Mary ha dicho que ella sabia hace medianamente dos años previos que Mercury "No estaba siendo sincero consigo mismo". En cuanto al aspecto, Freddy actuaba múltiples veces con ropa de la diseñadora Zandra Rhodes y las uñas esmaltadas como también los ojos delineados. 
El 31 de Octubre de 1978, se realizaría la fiesta más lujuriosa de la historia del Rock en Nueva Orleans, Estados Unidos, a cargo de esta famosa banda que, ya que no era tan famosa en dicho país, la fiesta obtuvo un objetivo y una misión, o quizás varios objetivos. El fin en concreto era realizar negociaciones con Elektra Records pero también promocionar el álbum que se lanzaría una semana después y aprovechando la fecha de Halloween, decidieron invitar ejecutivos, famosos y conocidos a una fiesta que mostraría la cara más lujuriosa del rock y de Mercury, un hombre extravagante y festivo.
Durante los setenta también compondría varios de los éxitos más recordados de Queen como Killer Queen (1974), la inmortal y legendaria Bohemian Rhapsody (1975), Somebody to Love (1976), We Are The Champions (1977), We Will Rock You (1977), Crazy Little Thing Called Love (1979) entre otras.

Freddie con Mary Austin

En la década de los ochenta, Freddie se vería renovado y se asomarían los problemas y los malentendidos con los miembros de Queen debido a una postura algo egoísta que tomo Mercury con el pasar del tiempo. En 1982, Queen graba Hot Space y durante dos años habría constantes peleas entre los integrantes hasta la reconciliación con el próximo álbum. En 1985 conoció a Jim Hutton quien sería su pareja por seis años hasta el día de su muerte. Jim era portador de VIH y se lo ocultó por mucho tiempo a Freddie, enfermedad que lo llevó al cantante a sufrir por los años restantes. Durante esta década, Mercury recurrió a una carrera solista a favor de su fama y dinero. En 1985 grabaría un álbum solista (Mr. Bad Guy) sin pena ni gloria.
Durante ese mismo año, Queen volvería mas fortalecido y unido que nunca según los mismo integrantes y uno de los sucesos causales de esto fue el concierto Live Aid organizado por Bob Geldof que convenció al cantante de que la banda se uniese al festival benéfico, un capítulo parte de la historia del rock en general, no solo de la banda, elaborando Freddie una performance memorable delante del escenario. Otro concierto memorable ese año fue la aparición de Queen en el Rock In Rio.
Todo parecía ser color de rosa y es que hasta 1987 la banda no dejo de brillar en vivo gracias a la magia de los cuatro y el entusiasmo y carisma que tenía Freddie a la hora de hacer un concierto multitudinario. En 1988, cumple uno de sus más grandes sueños, cantar con la reconocida cantante de ópera, Monserrat Caballé con la que grabó un álbum titulado Barcelona. La canción del mismo título sería utilizada como himno de los Juegos Olímpicos de 1992 de dicha ciudad.


En 1990, nace el hijo de Mary Austin con el empresario Piers Cameron y designan a Freddie como su padrino, acto que demuestra la irrompible amistad que quedó entre ambos después de haber sido pareja a pesar de todo. Dicho año, Freddie se enteraría de su enfermedad y comenzaría a notar cambios, estos decidió ocultarlos a todos por un tiempo, obviamente la banda y sus cercanos se enteraron mucho antes que la prensa y el público pero una vez que la enfermedad era indisimulable físicamente, el líder de Queen tuvo que salir a hablar en frente de la prensa mundial.

última foto que se le ha tomado a Freddie
El anuncio oficial se dió un día antes de su fallecimiento y el 24 de Noviembre de 1991, el cantante falleció a los 45 años de edad a causa de una bronconeumonía complicada por el SIDA. Fue incinerado en un ritual Zoroástrico y es todo un enigma donde Mary Austin ha esparcido sus cenizas a pesar de que las teorías designan el Lago Lemán en Suiza, lugar cercano al cual vivía Freddie con Jim, teatros londinenses, el Jardín Japonés de la casa de Mary, etc.
Mary heredó una mansión de tasada en 4 millones de euros y ganancias de derechos de autor de las canciones que hasta el día de hoy se siguen reproduciendo. El resto de las ganancias, una mitad estuvo repartida entre su cocinero y sus ayudantes mientras que la otra mitad fue designada para sus padres.








Thom Yorke - Tomorrow's Modern Boxes (2013)

Luego de ocho años de su álbum debut como solista, el flamante e intelectual líder de Radiohead, Thom Yorke, lanzaría el 26 de septiembre de 2014 su segundo álbum personal siguiendo el estilo elegido en primera instancia, mucho Glitch Pop con influencia de géneros electrónicos como el IDM o el Ambient Pop en menor medida.

Glitch Pop, IDM
Independiente / XL Recordings (2017)

Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: A Brain in a Bottle, Guess Again!, There Is No Ice (For My Drink)


Thom Yorke tuvo como ayuda en programación de batería y en producción a dos grandes conocidos de el, Colin Greewood de Radiohead y Nigel Godrich que también es productor de la misma, ambos respectivamente, así que es demasiado probable que el sonido suene muy familiar aunque sea por momentos, esos segundos en donde la batería sofisticada con arreglos electrónicos y punteos digitales se asimilan a los de Kid A o Amnesiac pero quizás no tan buenos como estos.
Tomorrow's Modern Boxes es un álbum pensado para que la mente y el oido del oyente se enfoque en el sonido electrónico como pieza primordial. El relato oscuro y melancólico de Yorke es sorprendente pero es muy corto, las canciones prevalencen frías y oscuras con composiciones cortas pero con una excelente instrumentalización, aunque realemente, que el álbum tenga poca letra, no lo hace un álbum carente de sentido ni mucho menos.
El álbum mantiene una órbita tranquila y fría, un lapso que permite descubrir un poco la mente de Yorke y sus miedos o presiones más personales, quizás el tiempo o la pérdida de alguien como menciona en "Interference" como también la soledad en general. Por otro lado, el relato triste de Thom y la secuencia fría del álbum, son acompañados de toques tenues algo futuristas con texturas sutilmente utilizadas detrás del ícono de Radiohead. Tomorrow's Modern Boxes podría no ser álbum para cualquiera pero por otro lado, quienes adoraron In Rainbows y posteriormente The King of Limbs, podrán encontrar cariño en este espacio frío y moderno.