martes, 11 de diciembre de 2018

El Origen del Grunge

A mediados de los ochenta, crecía el número de bandas de rock pesado en el área de Seattle, ciudad ubicada en el estado de Washington que estaban teniendo influencias derivadas del Punk y el Hardcore Punk y géneros muy complejos y justamente ruidosos como el Noise Rock, el Heavy Metal y el Sludge Metal entre las influencias más claras, con justas razones se lo conoce como "El Sonido de Seattle". Las bandas de esta zona de los Estados Unidos, al principio como todo origen, no se lo consideró un subgénero hasta su muy creciente popularidad a finales de esa década. Dichas bandas estaba cambiando la visión sobre el rock y lo llevaron a un punto intermedio entre el Punk y el Heavy Metal, con temáticas que llega a abarcar ambos géneros. Recordemos que estas influencias siempre tienen una mirada distinta al momento de componer las letras de las canciones.

La ciudad de Seattle con su característica torre
El término Grunge es una derivación del Grungy que significa "sucio" pero con una especie de jerga estadounidense, un origen parecido a la palabra Reggae y tiene un origen similar. Este término fue utilizado por el cantante de Mr. Epp & The Calculations denigrando a la banda con esa palabra, cabe destacar que el cantante era Mark Arm y sería uno de los grandes representantes del subgénero con Mudhoney y Green River.
Acercándose ya 1990, las bandas de Seattle acrecentaban su público y terminaban de experimentar con estas raíces Punk y del Metal haciendo una fusión tanto en letras como en música. El Grunge se destaca por golpes de batería fuertes y melodías de guitarras distorsionadas un tanto repetitivas. Las bandas que sin duda influyeron más en el despliegue de las bandas Grunge fueron The Melvins, The Fartz, The U-Men y bandas reconocidas del rock alternativo de la cima como Pixies, Sonic Youth y Dinosaur Jr.

The Melvins

El género Grunge no solo sería esto, un género musical, sino que es una contracultura juvenil de la generación X y las letras del Grunge muchas veces pueden ser desgarradoras, depresivas y tristes pero sobre todo persiste la gran crítica a nuestro modo de vida, nuestras costumbres, la desconección del ser humano con el sistema y también a propósito, el género presenta un gran repudio para el Heavy Metal vendido de moda como Ratt, Poison, Kiss, Bon Jovi, Twisted Sisters entre otras bandas, es decir, el Hair Metal o el Light Metal como lo nombraban de forma despectivas otras bandas. Este movimiento de contracultura cambió la forma de pensar de muchos jóvenes, jóvenes con prendas como jeans rotos, camisas de vestir gastadas, bordados y parches que a veces distinguían esta costumbre "Grungy" pero lo más importante es que la música incentivó a muchas otras personas a hacer música y al despertar de algunos hechos sociales. 

Nevermind es el álbum más exitoso comercialmente del Grunge y uno de los que más impulsaron el género haciéndolo rápidamente popular.

Sin duda alguna, no podemos decir Grunge sin decir Kurt Cobain, el vocalista y lider de Nirvana, una de las mejores bandas del rock y la banda que dirigiría al Grunge a la cima, algo contradictorio porque esta humilde contracultura no buscaba esto, no buscaba la fama, sino que además la estaba criticando fuertemente es por esto que siempre se ha dicho que Kurt odiaba ser famoso. La voz de una generación como se lo denomina muchas veces, cambió la historia del rock alternativo creando un gran punto de inflección y una marca inborrable en la historia de la música contemporánea. El Grunge se apoderó de las listas de popularidad criticando a las mismas pero con una crítica social marcada y literalmente fue uno de los géneros con más participación en la década de los noventa. 
La ideología Grunge muchas veces es relacionada con la tristeza y el rechazo del consumismo y el capitalismo como también de la vida misma, ideologías influidas por el movimiento Punk y Hippie.

lunes, 10 de diciembre de 2018

Dead Can Dance - Dionysus (2018)

Dead Can Dance, el conocido dúo experimental y místico que logró acentuarse como una de las bandas más entrañables, raras, llamativas y curiosas de las décadas del ochenta y noventa nos presenta luego de seis años su noveno álbum de larga duración. Dead Can es un dúo polifacético como ya hemos visto en artistas como Bowie pero en este caso de la música plenamente instrumental. Pasando de géneros como el Darkwave, Rock Gótico hasta ir tomando progresivamente una inclinación por la música tradicional de varios momentos de la historia de la humanidad y de varias regiones del globo, en pocas palabras, proyectos musicales con ambición enorme y esto es lo que oiremos aquí.


Esta introducción en la reseña fue válida para muchas de las personas que no conocen a Dead Can Dance. Dionysus, llamado así en honor al dios griego dionisio, es un álbum tribal, ritualista y lleno de vibra tanto mitológica como libre y ancestral, un increíble trabajo ambicioso con instrumentos como la gauda, el didgeridoo, el zourna y el gadulka, todos instrumentos de pueblos originarios y tribus de miles de años. Volviendo a lo del dios dionisio, el álbum es una progresión en donde se llega a un punto límite y clímax, que es su invocación, hasta su de nuevo despedida al final del disco. En si el trabajo esta dividido en dos partes: El Acto I (3 canciones) y El Acto II (4 canciones) que se encargan de llamar al dios del vino.
El primer acto es muy ambiental con un sonido extenso y gritos cortos a modo de ritual que hasta por partes incluye el llamado de aves trasandinas. Por otro lado, la segunda parte, acercándose ya al climax, es más recitada y cantada, en un lenguaje que aclararon que fue inventado. La mejor pista la encontramos en el punto más alto "The Invocation" (La Invocación) rápida, feroz, tradicional y sobre todo hasta bailable, se trata de una pieza de música tradicional iraní. Al empezar este proyecto no solo se dedicaron a desarrollar música tradicional europea sino que también se atrevieron a cruzar un poco estas fronteras al llegar a Irán. A modo de ritual, el New Age Neoclásico de Dead Can Dance es algo que simplemente me deslumbró, a pesar de que la etiqueta del género pueda hacerte imaginar otra cosa, el álbum es firmemente profundo y espiritual. Lanzado el 2 de Noviembre que es el Día de Los Muertos en México y con la portada ya anunciada de una calavera adornada al estilo de la fiesta, mucha gente se habrá pensado que sería un álbum con raíces más americanas. Si la muerte no puede bailar con esto, entonces ¿con que lo hará?

Lista de Canciones

Acto I
  1. Sea Borne
  2. Liberator of Minds
  3. Dance of the Bacchantes
Acto II
  1. The Mountain
  2. The Invocation
  3. The Forest
  4. Psychopomp
Mi Calificación: 4 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: Sea Borne; Liberator of Minds; The Invocation



Pusha T - Daytona (2018)

Sin duda de los amigos de Kanye West y los integrantes de GOOD Music, el que ha sido distinguido como la oveja negra y mala influencia del grupo sin duda ha sido Pusha T. El rapero nacido en el Bronx vuelve luego de tres años sin un álbum de larga duración a romper el esquema estrepitoso y triste que han impuesto los raperos de la nueva era o el "Mumble Rap" imponiendo de nuevo y haciendo respetar a la vieja escuela y viejas costumbres del género y la cultura del rap presentando así como un personaje rudo asemejándose así un drug dealer.


Daytona es enérgico, no cuestiona su gran maleza ni un segundo, el sonido lo torna oscuro y por si fuese poco si, la producción musical del álbum corre en manos de West y es excelente por cada sample y los beats que dominan la escena. El Boom Bap de Pusha y la producción de West hicieron que solo 21 minutos se tornaran complejos y muy buenos, debido a esto es que Daytona es lo más interesante en la carrera de Pusha, esta en los detalles y es un producto bastante ambicioso y se ve en cada verso del rapero.
Las canciones son intensas y rápidas pero al mismo tiempo como dijimos, complejas. If You Know You Know que quizás es la que se lleve más escuchas en este álbum por ser el sencillo líder del álbum, es un desafío constante que presenta Pusha a los "niños" de hoy en el Trap Rap junto con un ritmo atrapante e inquietante. Las que considero las canciones más solidas también son The Games We Play y Come Back Baby; en esta primera, Pusha detalla la vida de un narcotraficante y lo renombrados que son dentro del ambiente y con las personas que establecen relaciones personales en una catarsis melódica acompañada de una guitarra que hace un tema que no cede el paso a ningún silencio, dramático, agresivo y sobre todo Pusha es demostrativo. Come Back Baby es ingeniosa y aquí los elogios van para ambos, de igual de preciosa que el sencillo, contiene el mejor sample en donde rompe la canción creando un estribillo cantado por George Jackson con el fragmento de la canción "I Can't Do This Without You" que ciertamente es mucho más agresiva y cruda que la anterior. Estableciendo un perfil de pandillero rudo y rico, Pusha deslumbró con esto.
Nombramos también lo que no es tan sólido en el álbum y nos deja con algunos balbuceos que son What Would Meek Do?, Hard Piano, Santeria e Infrated que si bien vienen pisando el perfil estipulado por el artista, Santeria es una canción con un estereotipo latino muy grande, la canción de Meek cantada con Kanye es de lo más normal con una base menos interesante y una postura de West ya conocido, nada nuevo por aquí. Recordemos que West dijo que produciría todos álbumes de siete minutos y aquí tenemos algunas canciones que sobrepasan la media. Daytona a pesar de tener puntos bajos es una entrega cruda y ruda que muestra lo que la vida de las drogas puede llegar a producir. Pusha T maneja la calle y las drogas a su antojo, piso fuerte en este año y por ahora no se ve a nadie cerca que se asome a el para retrucarle su boom bap, ni pensemos en Drake y Wayne, no, eso no es retrucarle algo a un artista de la talla en la que se ha convertido Pusha.

Lista de Canciones
  1. If You Know You Know 3:22
  2. The Games We Play 2:46
  3. Hard Piano 3:16
  4. Come Back Baby 3:27
  5. Santeria 2:56
  6. What Would Meek Do? 2:33
  7. Infrated 2:52
Mi Calificación: 4 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: If You Know You Know; The Games We Play; Come Back Baby

lunes, 3 de diciembre de 2018

Earl Sweatshirt - Some Rap Songs (2018)

Earl, miembro del colectivo de Rap llamado Odd Future o ODFWGKTA por sus siglas, lanza este 30 de Octubre su cuarto álbum de estudio y material de larga duración. Sweatshirt sin duda alguna es la sorpresa de esta segunda mitad del año y por lo esperado y lo quizás controversial que resultó el contenido de este álbum y la faceta de Earl que presenta un presente oscuro del artista, agobiado, agotado, triste, melancólico y hasta resignado y es por eso que es el álbum más profundo del artista.


Los loops y samples predominan, variados y numerosos, en lo-fi y en aleatorio quizás forman beats que llevan a Some Rap Songs  a la discordia. Earl ambiciona con los arreglos de estudio, hermosos samples que sin duda es el centro quizás del album al formarlo en algo tan jazzero y tan abstracto y surrealista que siempre concluye con la voz del artista. Some Rap Songs es corto pero no simple, la embriagadora voz de Earl pero dolorosa demuestra un profundo sentimiento de tristeza.
Uno de los términos y temas más importantes sin duda es la muerte en general y la ausencia de su padre que falleció a comienzo de año por lo que podemos decir que el álbum aún es considerado parte de su luto, eso solo lo sabra el igualmente.
Muchas veces se refiere al momento crítico de un artista como en aquel que puede revivir las esperanzas creativas del mismo, Earl tomo un camino abstracto y no convencional, el álbum no es para todos los oidos y todo tiene su gran transfondo. Ironicamente el lugar más intimo para identificarnos como Earl es en "Nowhere2go" donde nos habla desde su parte más humana y transmite como fue vivir la depresión para el en donde no tiene ni a quien ni lugar al cual recurrir, una de las canciones que simbolizan y representan bien el álbum como también su sonido en general haciendo la veces de sencillo también. Destaco también como la pista también más importante a "December 24" en donde encontramos el mejor beat lo-fi funcionando detrás de unas metáforas formadas por Earl cuestionando el por que y la importancia del papel que juega la muerte.
Some Rap Songs es una entrega distinta que combina grandes cosas del jazz y hasta me animo a decir que detrás de este trabajo hay largas horas intentando con bases etéreas con gran influencia de Vaporwave. Un trabajo muy característico de estos años, la tristeza vuelva a tomar el poder en la mente de un rapero americano.

Lista de Canciones:

  1. Shattered Dreams 2:21
  2. Red Water 1:44
  3. Cold Summers 1:06
  4. Nowhere2go 1:53
  5. December 24 1:46
  6. Ontheway! 1:41
  7. The Mint 2:45
  8. The Bends 1:34
  9. Loosie 0:59
  10. Azucar 1:25
  11. Eclipse 1:33
  12. Veins 1:59
  13. Playing Possum 1:34
  14. Peanut 1:13
  15. Riot! 1:06
Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas


Mejores Canciones: Nowhere2go; December 24: Azucar

viernes, 30 de noviembre de 2018

Nuevos Lanzamientos: Noviembre 2018

Ya nos acercamos a fin de año, se aproximan los resúmenes de lo mejor de lo mejor y estos lanzamientos son los antepenúltimos del año. El mes once nos dejo estos siguientes álbumes (se muestran los más relevantes):

Viernes 02

Marianne Faithfull - Negative Capability


Géneros: Cantautor/Solista, Chamber Pop
Duración: 42:31
Calificación Allmusic: 3,5 / 5 Estrellas
Calificación Rate Your Music: 3.50 / 5.00

Rosalía - El Mal Querer (DESTACADO)


Géneros: Flamenco Nuevo, Flamenco Pop
Duración: 30:14
Calificación Allmusic: 4 / 5 Estrellas
Calificación Rate Your Music: 3.58 / 5.00

Dead Can Dance - Dionysus (DESTACADO)


Géneros: Música Tradicional Griega, Balcánica, New Age Neoclásico
Duración: 36:10
Calificación Allmusic: 4 / 5 Estrellas
Calificación Rate Your Music: 3.40 / 5.00

Sun Kil Moon - This Is My Dinner


Géneros: Cantautor, Jazz Rock
Duración: 89:35
Calificación Allmusic: 2,5 / 5 Estrellas
Calificación Rate Your Music: 3.19 / 5.00

Tenacious D - Post-Apocalypto


Géneros: Comedia, Hard Rock
Duración: 30:38
Calificación Allmusic: 2 / 5 Estrellas
Calificación Rate Your Music: 2.63 / 5.00

Viernes 09

Imagine Dragons - Origins


Géneros: Pop Rock, Electropop
Duración: 40:02
Calificación Allmusic: 3,5 / 5 Estrellas
Calificación Rate Your Music: 1.38 / 5.00

Muse - Simulation Theory


Géneros: Pop Rock, Electropop
Duración: 42:02
Calificación Allmusic: 4 / 5 Estrellas
Calificación Rate Your Music: 2.23 / 5.00

Boygenius - Boygenius


Géneros: Indie Rock, Indie Folk
Calificación Allmusic: / 5 Estrellas
Calificación Rate Your Music: 3.42 / 5.00

Lil Peep - Come Over When You're Sober Pt.2


Géneros: Emo Rap, Trap Rap
Duración: 38:06
Calificación Allmusic: 4 / 5 Estrellas
Calificación Rate Your Music: 2.66 / 5.00

Viernes 16

Mumford & Sons - Delta


Géneros: Pop Rock
Duración: 62:52
Calificación Allmusic: 2,5 / 5 Estrellas
Calificación Rate Your Music: 2.34 / 5.00

Mariah Carey - Caution (DESTACADO)


Géneros: R&B
Duración: 38:26
Calificación Allmusic: 4 / 5 Estrellas
Calificación Rate Your Music: 3.46 / 5.00

The Good, The Bad & The Queen - Merrie Land


Géneros: Art Rock, Chamber Pop
Duración: 37:25
Calificación Allmusic: 4 / 5 Estrellas
Calificación Rate Your Music: 3.41 / 5.00

Michael Bublé - Love


Géneros: Vocal Jazz, Pop
Duración: 38:23
Calificación Allmusic: 4 / 5 Estrellas
Calificación Rate Your Music: 2.97 / 5.00

Anderson .Paak - Oxnard (DESTACADO)


Géneros: Hip Hop, Funk, Neo-Soul
Calificación Rate Your Music: 3.38 / 5.00


Viernes 23

Rita Ora - Phoenix


Géneros: Electropop, Dance-pop
Duración: 20:32
Calificación Allmusic: 4 / 5 Estrellas
Calificación Rate Your Music: 2.55 / 5.00

Viernes 30

Earl Sweatshirt - Some Rap Songs (DESTACADO)


Géneros: Experimental Hip Hop, Abstract Hip Hop
Duración: 24:39
Calificación Rate Your Music: 3.84 / 5.00

Meek Mill - Championships


Géneros: Trap Rap
Duración: 69:00
Calificación Rate Your Music: 3.13 / 5.00


Ski Mask the Slump God - Stokeley


Géneros: Trap Rap, Pop Rap
Calificación Rate Your Music: 2.92 / 5.00

The 1975 - A Brief Inquiry Into Online Relationships (DESTACADO)


Géneros: Art Pop, Pop Rock
Duración: 58:23
Calificación Allmusic: 3 / 5 Estrellas
Calificación Rate Your Music: 2.87 / 5.00



















jueves, 29 de noviembre de 2018

El origen de la etiqueta "Parental Advisory"

Parental Advisory: Explicit Content es esa etiqueta de advertencia que encontramos en películas y en la música en la portada o contraportada de los álbumes de muchos artistas alrededor del mundo. La hemos visto infinidades de veces seguramente en sus artistas favoritos o quizás en artistas que no escuches tan a menudo pero en fin, la etiqueta en blanco y negro ya es un ícono de la cultura moderna en donde nos advierte de algo importante: lo que estas por escuchar o ver a continuación tiene un lenguaje y/o imágenes de contenido explícito que puede ir desde el doble sentido hasta el lenguaje mas misógino o crudo en la música.
Como ya he dicho, seguramente la mayoría la conoce pero...¿Cuál es su origen? ¿Cómo y por qué se empezó a etiquetar diferentes álbumes con esta etiqueta?


Nos situamos primero a comienzo de los años ochenta donde el Heavy Metal venía con todo y desembocaría en casi una moda totalitaria donde diferentes grupos, algunos más independientes que otros empezaron a llevar al metal a lo más alto en cuanto a popularidad y eso consigo trajo el repudio de gente que no admitía el lenguaje ni la temática del género como tampoco la forma de vida que tenían las denominadas estrellas de rock o Rockstars del Glam Rock o Light Metal como les gustaba decirles a las bandas menos comerciales a estas mucho más comerciales como Twisted Sister, Kiss, Motley Crue, Ratt, Quiet Riot entre otras. Estas bandas durante toda la década fueron tendencia en muchos países y estuvieron en boca en boca de padres que no querían que sus hijos los idolatren ni aspiren a ser uno de ellos. Hay que hacer una pausa y decir que no solo fue el Rock y Metal los géneros afectados sino que con la creciente ola masiva de Rap en el país de los cincuenta estados, este también se vió afectado por la apología a las drogas y el misoginio.
En Estados Unidos en el año 1984 la segunda dama del país, la esposa del vicepresidente, Tipper Gore le llamó la atención la letra de la cancion de Prince "Darling Nikki" del álbum Purple Rain, soundtrack de la película homónima y decidió que esto no iba para más, literalmente estaba dispuesta a censurar para siempre al Heavy Metal y a las canciones de rock que tengan contenido no apto para jóvenes desde su punto de vista o explícito como se indicaría luego. A causa de esto, Tipper organizó con las esposas de los gobernadores y los políticos más poderosos de Norteamérica una organización en contra de esta música a la que luego se unirían miles de padres y también los políticos, es así como en el año 1985 funda PMRC (Parents Music Resource Center / Centro de Recursos Musicales de Padres).

Fragmento de Darling Nikki:
Conocí una chica llamada Nikki
Supongo que se podría decir que era una fanática del sexo
La conocí en el vestíbulo de un hotel
Masturbándose con una revista
Ella dijo si me gustaría perder un poco de tiempo
Y no pude resistir cuando la vi a Nikki moler


Esta asociación de padres hasta se tomó el tiempo de hacer una lista llamada "Las Quince Asquerosas" que eran las que querían censurar para siempre:


  1. Prince - "Darling Nikki"
  2. Sheena Easton - "Sugar Walls"
  3. Judas Priest - "Eat Me Alive"
  4. Vanity - "Strap On Robbie Baby"
  5. Motley Crue - "Bastard"
  6. AC/DC - "Let Me Put My Love Into You"
  7. Twisted Sisters -"We're Gonna Take It" (en protesta contra la PMRC)
  8. Madonna - "Dress You Up" 
  9. W.A.S.P. - "Animal (Fuck Like a Beast)"
  10. Def Leppard - "High n Dry"
  11. Mercyful Fate - Into The Coven
  12. Black Sabbath - "Trashed"
  13. Mary Jane Girls - "In My House"
  14. Venom - "Possesed"
  15. Cyndi Lauper - "She Bop"
Ejemplo con Slipknot (1999)


Ya en agosto de 1985, diecinueve discográficas acordaron con la RIAA (Recording Industry Association of America), gracias a esta asociación de padres, poner una etiqueta de contenido de advertencia y moderar las portadas explícitas que se quieran sacar al mercado. También el dichoso comité tenía entre manos censurar videoclips y calificar películas pero esa es otra historia.
Al mes siguiente se produciría un juicio en el senado donde de un lado se encontraba la PMRC reunida e importantes figuras del rock del otro lado como Dee Snider, vocalista de Twisted Sister y Frank Zappa haciéndoles frente a los padres y defendiendo la música. 
Dee Snider declaró ser totalmente abstemio y una persona totalmente sana que hacía rock con su banda por amor a la música y que la figura de ser una estrella de rock no siempre tenía que ver con las drogas, la fiesta, los excesos y demás. Como dije antes no solo el rock lo sufrió sino que también el rap y es que los Geto Boys tuvieron su propio juicio y lograron también ganarlo donde querían prohibirlos de todas las radios del país y que no pudieran hacer recitales masivos debido a la misoginia de sus letras.
Hubo gente en contra de este comité que se manifestaron en los siguientes años como la asociación de Padres a favor del Rock y el Rap fundada al año siguiente y diferentes bandas como NOFX, Megadeth y Rage Against The Machine entre las más destacadas.

domingo, 25 de noviembre de 2018

Gorillaz - Gorillaz (2001)

Gorillaz es un proyecto ambicioso y digital creado por el vocalista británico de la banda de Rock Alternativo Blur en conjunto con Jamie Hewlett un historietista que tenía hasta el momento como creación principal su cómic Tank Girl. La idea y el proyecto fue siempre muy ambicioso. Gorillaz es un proyecto donde la banda tiene como protagonista a cuatro personajes ficticios que hacen su aparición en recitales como personajes totalmente digitales, es por esto que se la considera una banda digital y la más triunfante y exitosa hasta el momento.
La banda se formó en el año 1998 con los integrantes 2-D, Noodle, Murdoc Niccals y Russel Hobbs el cual cada integrante también gozaría de carácter, gustos e historia ficticia propia.
El primer álbum de Gorillaz de larga duración llega en el año 2001 mezclando una impresionante gama de géneros en un mismo trabajo tales como el Hip Hop, el Rock Alternativo y la Música Electrónica entre otros.


El álbum podría considerarse como una prueba de fuego que de haber salido mal quizás no se repetiría ni se seguiría llevando a cabo pero tuvo una crítica bastante positiva y demandó mucho trabajo, no es facil mezclar todo esto y que encima nos salga y se forme una linea conjunta de sonidos definidos como lo es el álbum.
A pesar de todas las combinaciones que forma Gorillaz, predomina suave y disimuladamente las estructuras electrónicas que forma Trip Hop, ya con un comienzo ecléctico e infravalorado con Re-Hash y 5/4 en donde podemos ver mucho de la banda aquí en una sola canción: guitarra, sintetizadores, agresividad y arreglos y clímax electrónico. Los sencillos del álbum fueron Rock The House, Clint Eastwood, 19-2000 y Tomorrow Comes Today, esta última como quizás el alter ego del álbum y de los primeros años de la banda conociéndose como una de las canciones más destacadas del álbum con una composición fácil, cuidadosa y que en pocas palabras te convence del todo junto con el beat rítmico que le de una cara mucho más urbana al álbum. Por otro lado, el sencillo más popular, Clint Eastwood, es también el sencillo más popular de este trabajo. Con la ayuda de Del Tha Funkee Homosapien que también aporta sus estrofas de rap en Rock The House, la canción de actor es una clara referencia a uno de los temas abarcativos más importantes que se manifiestan en las canciones: El futuro y la alienación, algo que al parecer Damon quiere que despertemos y nos alejemos de ella (Punk es otro claro ejemplo), Del Tha en el videoclip del sencillo es un fantasma que poseyó el cuerpo de Russel y como el despertó, nos habla de que en realidad nosotros también tenemos algo por ver en el futuro y en la vida que llevamos a cabo.
La segunda parte del álbum es un poco más oscura donde gana terreno lo instrumental del Trip Hop. Pasajes de beats acompañados de órganos y sintetizadores es música para los oidos de algunas personas más exigentes pero están también los éxitos pop como Rock The House y 19-2000 y la sorpresa para mí, el toque latino en todo esto y la frutilla del postre de la variación de subgéneros Latin Simone (Que Pasa Contigo) una hermosa balada "jazzera" con influencia caribeña que rompe el orden entre una pista y otra.

Lista de Canciones
  1. Re-Hash 3:40
  2. 5/4 2:42
  3. Tomorrow Comes Today 3:14
  4. New Genious (Brother) 4:00
  5. Clint Eastwood 5:44
  6. Man Research (Clapper) 4:33
  7. Punk 1:38
  8. Sound Check (Gravity) 4:43
  9. Double Bass 4:47
  10. Rock The House 4:11
  11. 19-2000 3:30
  12. Latin Simone (Que Pasa Contigo) 3:39
  13. Starshine 3:33
  14. Slow Country 3:38
  15. M1 A1 4:01
  16. Clint Eastwood (Ed Case / Sweetie Irie Re-Fix) (Edit) 3:44
  17. 19-2000 (Soulchild Remix) 3:27
Mi Calificación: 4 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: Re-Hash; Tomorrow Never Comes; Clint Eastwood; Latin Simone (Que Pasa Contigo)






Lana del Rey - Lust For Life (2017)

Lana del rey publica el 21 de agosto de 2017 su quinto álbum de estudio con su clásico estilo vintage preponderante manifestado desde su inicio de su carrera. Lust For Life es su álbum más extenso y tiene un carácter menos dinámica y más unísono, algo denso para lo que uno esta acostumbrado a escuchar de ella.


Si bien la producción de Lana siempre fue algo sorprendente para mi incluso desde su tambaleante inicio para otros, a mi siempre me pareció a ser destinada una figura pop de jerarquía que sin embargo aquí por momentos me dejan dudas, esto se aleja mucho de lo que fue su figura somnolienta y del Dream Pop de Ultraviolence o de Honeymoon, a pesar de que la ambientación melosa de las canciones tiene un sonido algo variado hay ocasiones en donde decepciona sobre todo el momento fuera de contexto del álbum donde con Playboi Carti y A$AP Rocky donde se dedican a elaborar dos canciones interesantes a pesar de ser repetitivas ambas tienen una buena lírica y lo que logró Lana con ellos dos es mezclar dos factores en la música: su estilo de composición característico melancólico de Lana con lo que uno esta consumiendo demasiado por estos tiempos, una base de Trap suave con la estrofa potente de un rapero como Rocky, persona con la que ya esta acostumbrada a trabajar.
Volviendo a las canciones tradicionales de la cantante, Lust For Life tuvo como sencillos a Love, la igual titulada y decepcionante Lust For Life con The Weeknd y la mejor de los tres, White Mustang. En Love, como introducción al álbum encontramos uno de los sencillos más promedios de Lana que nos llevarían a decir la frase "bah, más de lo mismo" aunque la canción es un ligero calmante y es cuidadosa en cada verso que le asigna la cantante. El ya nombrado título con The Weeknd era el que quería que me sorprendiera y me termina decepcionando debido a ser una canción que para mi parecer no es del nivel de Lana pero deja bien en claro el mensaje de la lujuria de vida.
Para analizar las grandes canciones del álbum hay que dirigirse a Cherry como una de las canciones mejores estructuradas de la artista neoyorkina, White Mustang como uno de sus sencillos más trascendentes, Coachella - Woodstock In My Mind como una metáfora de un paraíso inalcanzable al que Lana recurre comparándolo como uno de los festivales más populares del mundo seguramente debido a sus energías positivas y por último hay que nombrar a la política Get Free a la que Radiohead le pidió sus créditos por ser aparentemente una copia de Creep; en fín, en su mayoría es una canción en donde la cantante asegura desahogarse para siempre y renovar sus energías abandonando el camino que la llevo a combinar malas y buenas vibras.
Por muchos año, Del Rey va quedar en el recuerdo de muchos americanos por ser un simbolismo de la canción nacional pop al ser tan demostrativa con su nación que la tiene muy presente siempre ya sea en canciones - God Bless America - And All The Beautiful Women In It - y tiene decidida ser constante con eso. Lana es un ícono americano que a través de todo su estilismo para su material lo deja bien plantado. Es quizás este un trabajo no tan deslumbrante como otros que tiene ya en su haber, pero nunca pierde esta esencia que la hace tan reconocible, una mujer que vela por amores fallidos y/o historias melancólicas que hacen abrir el oído y el corazón a mas de uno.

Lista de Canciones
  1. Love 4:32
  2. Lust for Life 4:24
  3. 13 Beaches 4:55
  4. Cherry 3:00
  5. White Mustang 2:44
  6. Summer Bummer 4:20
  7. Groupie Love 4:24
  8. In My Feelings 3:58
  9. Coachella - Woodstock In My Mind 4:18
  10. God Bless America - And All Beautiful Women In It 4:36
  11. When The World at War We Kept Dancing 4:35
  12. Beautiful People Beautiful Problems 4:13
  13. Tomorrow Never Came 5:07
  14. Heroin 5:55
  15. Change 5:21
  16. Get Free 5:34
Mi Calificación: 3 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: Cherry; White Mustang; Coachella - Woodstock In My Mind

miércoles, 21 de noviembre de 2018

Tyler, The Creator - Bastard (2009)

Tyler, The Creator, el fundador del colectivo de Hip Hop Odd Future, fue desde un principio el artista más destacado de la camada de sus amigos en donde supo destacarse poco a poco de los demás. Bastard es su primer mixtape lanzado digitalmente y independientemente. En 2009 llamó la atención de muchos en la crítica con una lengua y un dialecto demasiado crudo y frío como para el año en donde estaba situado y el momento que transcurría el Rap. Amoldando todo a un rap mucho más pop y ya naturalizado, esa esencia cruda del Gangsta Rap se estaba perdiendo, aunque Tyler no es un Gangsta ni quiere parecerlo ni serlo al parecer, nos recuerda mucho al estilo gracias a la frialdad que presentó desde en primero momento.


Bastard sin duda es una aventura terrorífica con un poco hasta de aspecto esquizofrénico donde apreciamos a Tyler hablando con su terapeuta que también podemos interpretarlo como una simple parte de su inconsciente ya en un proceso madurativo más avanzado donde se replantea algunos aspectos de su vida. Tyler sin duda alguna si no hubiera sido cantante podría haber sido un locutor, su voz raspante y grave acompañado de la producción lúgubre del álbum forman así un camino de altibajos a lo largo del álbum bastante variado.
Por ser un trabajo independiente y el primero del artista, la producción es bastante aceptable a pesar de los distorsionado y repetitivo que se puede llegar a escuchar French! y lo insoportable que puede llegar a ser VCR porque a pesar de deslices como esos los sintetizadores están apropiadamente integrados a cada canción, atributo que no sucede en Goblin (2011) y que está dentro de una de las características que llamó la atención de la crítica. Tyler, The Creator rapea a lo largo del álbum no de dinero, lujos y como quiere llegar a ser de grande, famoso y multimillonario como todo rapero quiere, no. Aca la diferencia que marca el MC es que la temática del álbum es totalmente inclinada al horror: violencia, violación, bullying, olvido, melancolía, odio y drogas. La frialdad que se encuentra en Bastard y del modo en que está relatada se ha visto pocas veces pero la necesidad inmediata de hacer un estilo de catarsis por parte de Tyler parecía inminente porque esto se trata de el no se trata de violencia en las calles, Bastard es egocentrísta, nos enfocamos en un joven que anda en su bmx que tiene una forma extraña de componer pero que con su frialdad y boca sucia se puso entre ceja y ceja de muchos. El abandono de su padre por otro lado lo afectó demasiado y creo en el un odio profundo que queda estipulado en varias canciones.
Tyler es amante del horror y si Edgar Allan Poe sería un rapero, definitivamente sería el autor de esta gran ofrenda básica del Horrorcore.

Lista de Canciones

  1. Bastard 6:09
  2. Seven 3:29
  3. Odd Toddlers 3:36
  4. French! 4:03
  5. Blow 2:55
  6. Pigs Fly 3:35
  7. Parade 2:23
  8. Slow It Down 3:08
  9. Assmilk 3:40
  10. VCR/Wheels 3:28
  11. Sessions 3:29
  12. Sarah 4:47
  13. Jack and The Beanstalk 3:51
  14. Tina 3:07
  15. Inglorious 4:04
Mi Calificación: 2,5 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: Bastard; Odd Toddlers; Pigs Fly

martes, 20 de noviembre de 2018

Drake & Future - What Time To Be Alive (2015)

Drake y Future tenían en mente años antes hacer un material juntos hasta que al fin en 2015 surgió. A pesar de conocerse, este sería su primer trabajo juntos y el único hasta el momento, el álbum fue lanzado digitalmente por lo que es calificado bajo el nombre de Mixtape o colaboración debido a que dos son los autores. La producción del álbum estuvo a cargo de diferentes productores y beatmakers como Metro Boomin y Noah 40 entre los ejecutivos y Southside, Allen Ritter, Neenyo, Frank Dukes y Boi-1da como los restantes participantes en la producción, si es lo que estas pensando, si, es innecesario creo desde el punto de partida tener tantos productores para un solo trabajo, algo realmente desbordante pero típico en los trabajos mediocres del género



Metro Boomin como detallé anteriormente sería uno de los dos productores ejecutivos y aparte sería el productor que coescribiría todas las canciones con los raperos y el que produce la mayoría de las canciones a excepción de "Plastic Bag", "Change Locations" y "30 For 30 Freestyle" y el pequeño detalle que tiene aca el productor es que tiene una participación totalmente decepcionante. Si bien es uno de los productores más populares del género en este momento, Boomin hizo del álbum un asco, bases secas sin un golpe grave y sorprendente como si se puede escuchar de el con otros artistas, el álbum tiene un sonido etereo pero repetitivo y bastante áspero y desagradable. Los arreglos no sirven de nada pero no toda la culpa es de el debido a que en varias canciones hay más de un productor que no lograron definir un sonido atrapante.
Las canciones a lo largo del álbum son bastante mediocres con algunas excepciones a destacar sobre la manada de estupideces que se nombran acerca de la vida nocturna de los MC's claramente. Si debería empezar por lo bueno que tiene What Time es lo dinámico que puede ser a su antojo Drake porque el talento rítmico lo tiene pero le recomendaría que no se dediquen, los dos, a componer más canciones de las que ya hicieron. Ambos presentan un complejo de superioridad el que los obliga a querer que juguemos con ellos sino estamos perdidos, sino somos los perdedores frente a ellos - Big Rings -. A pesar de esto, se ve que tuvieron cierto envión de suerte para convertirse en un vecino de Beverly Hills o algo por el estilo porque la voz sollozante de Future y la repetitividad de Drake no te dejan en paz. El álbum es agresivo pero podemos ver como los dos raperos llegan a un punto en donde muestran una de sus debilidades en Diamonds Dancing donde podemos ver el lamento y el dolor de una ruptura amorosa donde nos recuerdan de nuevo que ellos son los mejores, una canción que cambia un poco el ámbiente.
Muchas de las letras no son profundas por eso he destacado esta anterior canción, menos si comparas tu performance y estilo de vida con un enchufe - I'm The Plug - por lo que ambos tienen que crecer como compositores para poder superar una forma estándar y promedio de comparaciones y acotes del hip hop.

Lista de Canciones

  1. Diamond Dash 3:51
  2. Big Rings 3:37
  3. Live From The Gutter 3:31
  4. Diamonds Dancing 5:14
  5. Scholarships 3:29
  6. Plastic Bag 3:22
  7. I'm The Plug 3:00
  8. Change Locations 3:40
  9. Jumpman 3:25
  10. Jersey 3:08
  11. 30 To 30 Freestyle 4:13
Mi Calificación: 2 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: Diamond Dancing; Plastic Bag