Radiohead - A Moon Shaped Pool (2016)

A Moon Shaped Pool es el noveno álbum de estudio de la popular banda británica, Radiohead. El álbum presenta un gran contraste en lo que habíamos venido escuchando de la banda, si bien tuvo diferentes épocas marcadas por diferentes sonidos, en esta última instancia, su último álbum The King of Limbs, lanzado en el 2011 con un sonido y un pitch demasiado artificial que aún mantenía la esencia de sonidos viejos de la banda como de Amnesiac o Kid A.
Sin embargo, este trabajo presento una dinámica de trabajo en grabación con técnicas nuevas y viejas en simultaneo según los integrantes de la banda, lo que le dió al álbum la fuerza cualitativa de la que goza. El álbum fue lanzado el 8 de Mayo de 2016 y presenta 11 canciones ordenadas alfabéticamente.

Art Rock, Art Pop, Chamber Pop
XL Recordings

Mi Calficación: 4,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Burn The Witch, Decks Dark, Glass Eyes, Identikit, The Numbers, Present Tense

Este álbum presenta la particularidad característica de sus métodos de grabación, en donde se mezcla un sonido electrónico palpitante y moderno con hermosos pasajes de música clásica moderna compuesta por el guitarrista de la banda, Jonny Greenwood, que recordemos que en su proyecto solista, se dedica a componer música clásica para película. Esta característica, mezclada la música que contiene la esencia Radiohead, crea un álbum totalmente original y complejo en donde a cada paso del álbum se pueden notar nuevas texturas. La conjertura de todo el álbum la defino así, compleja. El accionar de esta música junto con los momentos ambientales y digitales que goza el álbum se transforma sin duda en algo originalmente uniforme y cabe destacar que en el famoso Kid A ha pasado algo parecido y comparar a este álbum con su obra mayor y una de las mejores de todos los tiempos, es todo un honor para este álbum.

La creatividad estuvo a la orden del día creo yo, a pesar de que halla canciones que datan de otras épocas de la banda, A Moon Shaped Pool renueva la visión pesimista de Radiohead para convertirla en algo más dulce pero triste y desolada, algo a lo que ya nos tiene acostumbrados pero por alguna razón, no me aburre, sino que aún así, admiro la mayoría de las letras de las canciones aquí.

Burn The Witch suena al toque innecesariamente comercial que suele tener un álbum pero acompañada de una progresión talentosa mostrando los primero destellos del Chamber Pop vigente aquí. Por otro lado, el otro sencillo, Daydreaming, pieza ambiental, lúgubre y poética, me ha aburrido un poco y no me parece tan brillante como ha de querer presentarse, aún así, el final progresivo que presenta, en donde la canción se va a un contexto mucho más surrealista, me termina de poner en duda si en realidad es o no el punto flojo del álbum. No podría resumir la grandeza de las canciones del álbum en pocos párrafos pero hay cosas sobresalientes en el álbum que no se pueden omitir.

Decks Dark se remite un poco al sentido de la alienación y el sentimiento de querer escapar de algo atroz como el sistema con la compañía de un piano brillante pero monótono al principio que deriva en un poder de producción de los mejores de los últimos años de la banda, es una canción genial gracias también a como juega el piano final y más grave. Ful Stop es el toque oscuro del álbum, es el remordimiento y la pena dentro de la tristeza eficaz en el álbum sin duda alguna, mostrándose algo más rockera de lo que se venía mostrando, es el momento de no olvidarse la base fundamental de la banda.

Para el momento en que tengo que describir Glass Eyes debo hacer una parada muy especial. Realmente no hay canción que se compare a esta en términos de ambientación, duda, alienación, cuestionamiento, fortaleza y el vacío existencial escalofriante que te puede hacer sentir, es decir, es la única en todos estos factores, una canción que al álbum lo hace muy grande y una de las mejores composiciones de Jonny que he escuchado. El sentimiento de no pertenencia a la sociedad de Thom Yorke, vuelve. Estos dos tipos de miradas de Radiohead, la depresión social y el pesimismo y frío romanticismo, notese el gran contraste con la canción siguiente (Identikit), son la dualidad vigente en este trabajo tan rico en sentimientos.

Radiohead tiene un poder de profundidad muy increíble por eso se ha formado como una de las alineaciones de músicos más importante en la historia de la música Rock y Pop. Sin ellos, la vanguardia esperaría por alguien que consiga lo que ellos hicieron, sin éxito alguno.

Gojira - Magma (2013)

Magma es el sexto y último álbum de estudio de la banda francesa de Metal, Gojira, lanzado el 17 de Junio de 2016. La banda ha sabido como evolucionar la música progresiva dentro del Heavy Metal con importantes lanzamientos que la llevaron a ser una de las agrupaciones más importantes en este último siglo y en esta última oportunidad la banda ha formado un álbum con una fuerte base esotérica y espiritual mostrando un nuevo lado totalmente sombrío y sorpresivo.

Groove Metal, Metal Progresivo
Roadrunner Records

Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: The Shooting Star, The Cell, Magma, Only Pain

Magma es un álbum oscuro en el que a mi punto de vista se ve separado por dos partes, separadas por el instrumental Yellow Stone ubicado justo en el medio del álbum, que separa la primera parte más pesimista líricamente con la parte más sombría y distorsionada que se encuentra al final. En su totalidad, Magma tiene una filosofía muy nihilista y deprimente como también muy exigente a nivel personal según el contenido de sus letras. Esto se fortalece gracias a su sonido y sus arreglos por momentos brutales y otros relajados como en la última canción llamada Liberation como cierre con algo Folk y místico para contrastar el álbum con su sombría y dura voracidad. La producción del álbum, a cargo de Joe Duplantier, vocalista de la banda, se concentra en ecos a favor del mismo y un sonido de repetidas distorsiones junto con una brillante percusión. La misma no es ni tan simple ni compleja sino que es sumamente justa y complementaria.

The Shooting Star y The Cell se presentan como las canciones más entretenidas de la primera parte, esta última con una batería envidiable. El resto depende mucho de Magma, la canción homónima y estrella del álbum, probablemente la que contiene características más progresivas junto a Stranded y la que simboliza la ideología de carácter espiritual a nivel personal del álbum. Sin embargo, Only Pain, no se queda atrás gozando de exactamente los mismos acordes que la ya mencionada Stranded, en la introducción de la canción y siendo un poco más repetitiva.

Magma es una catarsis muy demostrativa de una visión pesimista espiritual que convirtió a Gojira en una de las bandas con más persistencia hasta sus últimas canciones, por ahora. Como opinión impopular sostengo que encuentro más atractivo este álbum que el anterior de ellos, L'enfant Sauvage.

Marina - Love + Fear (2019)

Luego de tres importantes álbumes para el Pop moderno bajo el nombre de Marina and The Diamonds, la artista decide ilustrar su nombre en solitario y dejar en las sombras los nombres de producción y músicos de sesión para hacerse ver como un proyecto ultra personal. Esta nueva etapa se vería marcada por un cambio muy grande en el estilo de su música. Love + Fear es un álbum doble y conceptual donde abarca los conceptos de estas dos emociones, el amor y el miedo. El álbum ha sido lanzado el 26 de Abril de 2019, mientras que su primera parte que solo contenía las primeras ocho canciones, "Love", fue lanzado el 4 de Abril.

Electropop, Dance-pop
Atlantic Records

Mi Calificación: 2,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Handmade Heaven, End of The Earth, You, Karma

La primera parte del álbum, basada en la difusión y concepto del amor, es el momento y el perfil optimista y positivo del álbum en donde observamos a Marina por primera vez en mucho tiempo dentro de la música y logramos sacar muchas conclusiones ya de una sola pasada. Las composiciones en sus canciones, desde la producción hasta la letra, han cambiado de una forma rotunda pasando de hacer un Pop entretenido y electrizante hacia una música con sentido más espiritual, maduro, profético y tranquilo. Las canciones son apoyadas en ritmos suaves con una Marina serena que no pierde los estribos ni le entusiasma la idea de un Pop glamoroso y salvaje como antes solíamos escuchar. Sin embargo, esta mirada más inquieta e interrogante que ha presentado aquí la artista dejaron grandes muestras de poder como Handmade Heaven y End of The Earth. Mientras que Handmade Heaven es el reflejo de la nueva e introspectiva Marina, excelente guiño para ser la canción que abre todo el proyecto por cierto, Orange Trees demuestra que Marina esta hablando de sí misma en la mayoría del álbum dando a entender que en esta transición se siente más feliz consigo misma a pesar de que esta etapa no le halla brindado lo mejor de su creatividad. El intento de canción exitosa latina de club como lo es Baby junto con Luis Fonsi, hunde por completo lo que ha venido haciendo hasta esta instancia donde la peor parte del reparto se la lleva los versos del latino que no concuerda con la volatilidad de Marina ni loco. Como he dicho, parte del plato fuerte aquí se lo llevó End of Earth, siendo la canción con rasgos más parecidos a su pasado en cuanto a producción con una Marina más dulce y menos pensativa.

Por otro lado, la segunda parte titulada Fear, no presenta canciones tan dispares en cuanto a persistencia musical, se muestra una Marina mucho mas desconfiada y sentimental dejando atrás el relato de persona renovada para meterse en las historias de amor que han de, o podrían, ser trágicas y tristes a causa de no ser correspondidos, indicando la relación con el títulado de esta segunda parte.

Las canciones liricamente toman un poco más de fuerza que las anteriores al ser agridulces debido a la gran esperanza que se crea en Marina y la mayor facilidad que posee en crear letras como estas acompañado de que son canciones más rítmicas con rasgos nocturnos como Karma y Emotional Machine.

A pesar de esto, Marina ha tomado un sonido altamente corriente y común en su Electropop, hecho que nunca ha sucedido nunca a pesar de pertenecer a un género que no prospera de la misma manera en la que se consume. En otros momentos, se ha podido tomar la producción que acompaña a la artista como un modelo a seguir, hoy quizás es lo que tendrías que evitar repetir.

The Black Keys - El Camino (2011)

Luego de uno de los años más importantes en su carrera como lo fue el 2010 con su emblemático álbum "Brothers", The Black Keys no se despegaría de los circuitos musicales trayendo en un año y medio uno de los álbumes, junto a este anteriormente mencionado, más ambiciosos del Rock moderno y de la última década, El Camino. Un camino, en sentido figurado, que contiene grandes fusiones del Blues Rock de antaño junto con una producción moderna y ajustada a tiempos un poco menos rockeros. El séptimo álbum del dúo de Oklahoma se lanzó el 6 de Diciembre de 2011.

Blues Rock, Garage Rock
Nonesuch Records

Mi Calificación: 4 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Dead and Gone, Gold on the Ceiling, Money Maker, Sister

Sin dudas el dúo entre Dan Auerbach y Patrick Carney se ha vuelto cada vez más fuerte con el pasar de los años, hasta este punto. El Camino es un álbum que encuentra un punto casi perfecto de relación entre ritmos ácidos y de Blues Rock con una impronta moderna y un sello comercial casi por completo que no logra deslucir lo que el álbum quiere transmitir, es decir, El Camino se fortalece del conjunto de factores que define su propio sonido. Estos dos músicos lograron crear un catálogo de canciones con las ya dichas relaciones entre los sonidos definidos de los géneros, con un ritmo y una forma pegadiza increíble.

Dead and Gone y Gold on the Ceiling son un pasaje de canciones surrealistas donde aquí determinan el ritmo rico de todo el álbum en su máximo potencial. Si bien el álbum comienza con Lonely Boy, realmente no me gusta para nada, teniéndola en cuenta desde hace ya años, la canción se me hace vacía y corriente por lo que representa un punto bajo en el trabajo en cuestión.

No hay que olvidar algo muy importante y fundamental del trabajo, que es quizás una de las causas de porque es un álbum tan rítmico y a veces repetitivo, como también puede ser que no tenga relación. Esta posible causa y pieza fundamental fue la participación de Danger Mouse en el álbum como productor, si, el asistente refinador de bases y presencia urbana en el álbum puede explicar muchas cosas. Es aquí que, digo esto con seguridad, el sonido moderno lo provee dicho productor mientras que el dúo busco fusionar esto con un Rock and Roll tradicional, admirable y cotidiano. 

La producción es genial y esto da por hecho que Mouse y la banda han hecho un buen trabajo.

La segunda parte del álbum ha sido tomado por varios como repetitiva y algo ya densa pero en lo que a mi respecta, esconde de lo mejor del álbum como las rítmicas piezas de Run Right Back y Sister como también la dolida Nova Baby.

Si bien El Camino tiene oculta sus influencias del siglo pasado en diversos trayectos del mismo, mostró muy bien su poder de joya moderna en el mundo del Rock and Roll.

Billie Eilish - Don't Smile at Me (2017)

Indudablemente en los últimos meses, ni siquiera años diría, Billie Eilish es una de las artistas que mas ha crecido a nivel mundial repitiendo el perfil de artista nuevo, revelación y joven, siendo esta menor de edad como muchos de los artistas más populares alrededor del mundo en este momento. Eilish consiguió su primer contrato discográfico con la discográfica Interscope Records a partir de una grabación amateur de su tema "Ocean Eyes", aquí presente y reeditado como una canción y sencillo oficial donde ya dió el presentimiento de ser una futura sensación en el mundo del Pop.
Don't Smile at Me, su EP debut, se lanzó el 11 de Agosto de 2017.

Electropop, Alternative R&B, Pop Soul
Interscope Records

Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Copycat, Idontwannabeyouanymore, My Boy, Ocean Eyes

Como todos sospechan obviamente, Billie gozó de una sabiduría musical temprana, inmersa en una familia de músicos y actores como sus padres y su hermano, Billie desarrollo destreza y oído a temprana edad lo que la llevaría a este EP introductorio en su reciente carrera musical.

Don't Smile At Me es un álbum sentimental, profundo y pasional el cual superó mis expectativas por el calibre de la artista, la seriedad y la solidez que tiene al cantar todo el tiempo en solitario, reformulando, el EP posee una colaboración al final con Vince Staples pero no me refiero a eso sino que Billie se lleva por completo la mejor parte y toda la atención opacando totalmente la música en mi opinión. El brillo en solitario que me ha presentado esta artista supera la atmósfera del álbum que de por sí es muy buena y poco compleja volviéndolo al mismo, un álbum con recursos poco numerosos y una escucha fácil y agradable para muchos oyentes.

A pesar de esto, puede ser que la fortaleza de Eilish se vea afectada en momentos por segundos de Electropop con alto sonido comercial y es que dentro de los sonidos recurrentes que posee el álbum, hay momentos en donde presentan una flaqueza grande para el mismo, la canción Watch es el ejemplo por excelencia.

Sin embargo, y volviendo al párrafo superior, vulgaridades de la producción han sido totalmente aplastadas por la destreza vocal y soprana de Billie, algo que no me cansaría de remarcar teniendo como prueba cada una de sus canciones aquí. Si bien, esto no es una apreciación gigante a una artista pequeña aún, es un reconocimiento al mérito bien merecido. Sus expresiones vocales en Idontwannabeyouanymore, la crítica balada del álbum y mejor canción aquí, son por lejos dignas de una figura trascendental futura para el género. 

Involucrando al plano actual de la música, Billie muestra el lado triste y frágil de esta generación desde la visión femenina, la visión de una mujer que experimenta el dolor interno del amor en el cual desea cambiar radicalmente para mostrar otra faceta. Mientras que otras mujeres cantantes se han perfilado para un lado más explícito, prepotente y empoderado, Eilish refleja aún lo profundo que todavía puede ser la caída en un pozo emocional en manos de otra persona de manera sorprendente.

Old School vs New School (Debate sobre la evolución del Hip Hop) Parte II

A pesar de que la primera parte sea un poco (mucho) pesimista acerca de la nueva escuela del Rap, solo estuve analizando allí mas que nada la parte mainstream o más que nada el Mumbble Rap y el Trap. El Mumbble Rap es un término despectivo utilizado por los tradicionalistas y conservadores del género que determina cuando un artista es repetitivo y poco creativo haciendo referencia con el verbo "mumbble" que significa "balbucear" en español, a ese ritmo repetitivo en las rimas que es arrastrado en toda la canción e incluso en algunos casos repitiendo el mismo ritmo en diferentes canciones del mismo artista, este caso es el de Trippie Redd por ejemplo en donde comparte rítmica muy similar en diferentes canciones propias hasta de diferentes álbumes entre sí. Otro de los porques que se definió así a esta clase de artistas, es su definido acento sureño que afecta a la interpretación de las canciones y por el cual Migos ha tenido problemas hasta en público y frente a la televisión.

Sacando de contexto el Mumbble Rap, en el siglo XXI y la última década para ser más precisos, se han elaborado algunos de los álbumes más importantes del género, de los cuales en este momento he de nombrar solo dos porque creo que con eso basta. Estos álbumes han de ser My Dark Twisted Fantasy de Kanye West y To Pimp a Butterfly de Kendrick Lamar. Aclamados por todo el mundo, ambos simbolizan el poderío del género frente a otros hoy en día. Mientras que West creó el encuentro perfecto entre la música Pop y el Rap, Lamar ha creado una obra prolifera de poesía moderna encasillando muchos años de música "negra" dentro del mismo.

Detrás de estos dos álbumes se encuentran decenas de trabajos y canciones que omiten este tipo de Rap en bucle y juegan a favor de la creatividad humana conforme con el género y la música. Entre los mejores artistas de la nueva escuela junto con sus atributos más influyentes y notorios se encuentran Tyler, The Creator con su extrovertido relato, Travis Scott con la manía de combinar la música psicodélica con el Trap, Denzel Curry ganando por demás en el área del doble tempo, Young Thug y Future mostrando sólidas características del Trap a comparación de los demás, Earl Sweatshirt con su relato casi autobiográfico pesimista, Run The Jewels con su producción de vanguardia, el dúo Death Grips con la gran combinación de factores para crear música industrial completa y detallada revolucionando la escena del "Under", Madlib con sus características producciones ambiciosas, Freddie Gibbs con su introspectiva visión de las calles, JPEGMAFIA con una experimentación orientada también a Death Grips, el liberal colectivo Brockhampton, Danny Brown y su constante dinamismo y Kendrick Lamar contando una historia de vida prácticamente en cada uno de sus álbumes volviendo su discografía más ambiciosa aún, entre otros. 

Solo estos atributos son algunos de todo lo que realmente se puede encontrar en el género. Sin emabrgo, los nombrados fueron suficientes para representar la nueva generación en la historia grande del género conviriéndo algunos de sus álbumes en futuros clásicos. 

Hoy en día, la mayoría de estos raperos se los denomina "Lyirical Rappers" los cuales en cada canción, explayan aún más el relato y lo vuelven mas dinámico, es decir, todo lo contrario a un "Mumbble Rapper".

Old School vs New School (Debate sobre la evolución del Hip Hop) Parte I

En todo género musical se van formando diferentes ramas y bandos de fans en donde tienen algo de disputa en cuanto a pensamiento musical el uno contra los otros, como si de una rivalidad dura y deportiva se tratase, estos fans siempre proponen que el género o subgénero al que están a favor o al que están acostumbrados a escuchar, es mejor que el otro. No solo pasa en el ámbito del Rap como explicaré aquí, es más, sucede más profundamente y con un odio más crítico en el Heavy Metal contra las nuevas bandas del género o también contra otros géneros que hoy en día están de moda y le robaron protagonismo. Esta actitud tomada por el oyente se conoce como Purismo Musical, pero eso es tema de charla para otra publicación. Ahora, veremos las diferencias entre el Hip Hop moderno contra las de la llamada vieja escuela o Old School como es más conocida que engloba la música dentro del género hasta la década pasada.

Comenzando por las bases y la cultura del sampleo, la vieja escuela se caracteriza por tener bases más creativas y algo más largas, es decir, en realidad el uso del sampleo es mucho más bueno que el de hoy en día basándose en rítmos pegadizos para la adicción del oyente por la misma canción mientras que el nuevo Hip Hop, en parte a causa de la gran ola masiva del éxito del Trap, toma un sonido más minimalista y repetitivo. Aunque varias de las canciones han sido muy bien producidas en esta época, no se puede comparar que lo que se está haciendo aquí es nada más que simplificar búsqueda, talento y análisis de música para utilizarla en las bases y sampleos de la misma.

Así es como esta parte de la genialidad de la producción de la canción fue decayendo para algunos mientras que para otros solo son épocas en donde se utilizan estrategias más modernas y de moda.

Por otro lado tenemos la letra de estas canciones que en el pasado solían ser más rítmicas, explayadas y largas mientras que hoy en día, el juego de versos y rimas se convierte en algo mucho más simple como repetir la misma palabra alrededor de más de cinco veces o repetir la rima del final de un verso en casi toda la canción. Objetivamente me parece algo que carece de poder de creatividad, como ha dicho el cantante puertorriqueño el año pasado: "La música esta perdiendo creatividad" y es que si bien cuando hay cinco artistas para refutar ese hecho, hay veinte que lo avalan repitiendo en sus versos las mismas rimas con bases simplificadas y situación de las que hay un sin fin de canciones como "Dark Knight Dummo" de Trippie Redd, "Messi" de Neo Pistea, "Gucci Gang" y "Racks on Racks" de Lil Pump, "Bank Account" de 21 Savage, casi todas las canciones de Migos y 6ix9ine, "Panda" de Desiigner, "Magnolia" y "Lookin" entre otras de Playboi Carti y no nos olvidemos del Trap Latino que abusa de esta característica como también de las letras explícitas.

Tyler, The Creator - Flower Boy (2017)

Luego de una etapa de dos años en donde Tyler no parecía brillar como en el principio como lo supo hacer a temprana edad junto con Odd Future en sus mixtapes y más que nada en algunos sencillos y colaboraciones, en el año 2017, Tyler presentaría un álbum que haría un cambio radical en su perspectiva y en la perspectiva de los oyentes hacia el mismo artista dando así un giro de 180° en donde dejo en claro muchas cosas de su intimidad, su potencial aún vigente y sobre todo la talla de artista que ha podido llegar a ser. Este álbum es Flower Boy, el cuarto álbum en su carrera profesional publicado el 21 de Julio de 2017.

Hip Hop, Neo-Soul, Hip Hop Experimental
Columbia Records

Mi Calificación: 4,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: 911/Mr Lonely, Foreword, Boredom, See You Again, November, Glitter

En lo personal, he visto que Tyler venía de presentar un material flojo como lo fue Cherry Bomb en 2015 donde quizás uno que otro momento logró atraparme pero ni siquiera una canción de principio a fin, todo lo contrario quizás a lo que pasa aquí. He dicho que este álbum sería un cambio radical en la carrera del artista y es que sí, prefiero empezar por aquí diciendo que, en su mayoría, estos casi 47 minutos son totalmente alucinantes. Quedé sorprendido desde el inicio con Foreword y la base sintetizada casi de ensueño, con la colaboración de Rex Orange County en donde Tyler parece vertír versos de auto-respuesta en cada uno, sin una letra significante pero con gran cuidado y sin exageraciones llega a ser una introducción impactante. Siguiendo el orden del álbum, cada canción tiene algo especial que hace que la constancia del álbum no se pierda, incluso las canciones que sirven de intervalo como Sometimes.., el psicodélico Garden Shed, el canábico Dropping Seeds con Lil Wayne y el repetitivo instrumental final Enjoy Right Now, Today. A propósito, quiero decir que todas las colaboraciones principales que no he nombrado aún, fueron geniales, siendo esto raro debido a que es muy dificil coordinar cierto nivel y simpleza en la contribución de todas las colaboraciones en un álbum. 911 / Mr. Lonely es una de mis canciones favoritas y junto con Boredom, rap sutilmente acompañado de una ambientación R&B y violines, son dos piezas vitales en el álbum. 911 se separa en dos partes como muestra su título, la primera con un Neo-Soul totalmente rítmico y rico en el cambio de los mismos por parte de la producción, en donde el artista asegura que a pesar de la fama, nuevamente carece de alguien cercano en lo sentimental y la segunda es más oscura y rapera manteniendo la misma ideología en la canción que en el principio.
De principio a fin es un acto armado de forma equitativa en donde Tyler muestra algunas de sus mejores canciones con ritmos mejorados y versos superiores. Flower Boy no es el primer álbum personal del artista, ni mucho menos el primer álbum que lo describe tanto en su personalidad como describir hechos por los que ha pasado anteriormente, pero por lejos si es el primer álbum que desentraña y desenmascara el verdadero Tyler, Flower Boy lo hizo renacer como bien nombra en Where This Flower Blooms, obteniendo un joven sensible, aparentemente bi o homosexual que sufre de la soledad amorosa y está en busca de una compañía afectiva, situación que relata en más de una canción. Lejos de eso, esto no estigmatiza para nada el artista debido a que la calidad del álbum la estoy centrando en la música, la producción, el ritmo y colorido y ambicioso proyecto del que se esta tratando. Tyler no solo simbólicamente renace, si no que musicalmente, también lo hizo pasando en siete años de cantar acerca de machismo y suicidio a cantar acerca del amor, la intimidad y la soledad. El cambio que presenta este álbum es en dos ambientes muy distintos que aquí se complementan como uno solo, el cambio profesional y el cambio personal es inminente y llevaron al fundador de Odd Future a elaborar un futuro clásico y una pieza fundamental en el Hip Hop lírico moderno.

Daughters - You Won't Get What You Want (2018)

La banda de Providence, Estados Unidos, está devuelta luego de un largo "break up" tras 8 largos años en los que la banda ha cambiado parcialmente su estilo en su vuelta al plano musical involucrándose esta vez en You Won't Get What You Want en un sonido mucho más oscuro y abrasador cambiando su estilo Mathcore, y con mucha mas distancia de su estilo inicial del Grindcore, hacia el Rock Industrial influenciado por el Noise.
You Won't Get ha sido nombrado por varios críticos como uno de los álbumes más sólidos, cualitativos, completos y sorpresivos del pasado año, el mismo ha sido lanzado el 26 de Octubre de 2018.

Rock Industrial, Noise Rock, Post-Hardcore
Ipecac Records

Mi Calificación: 4 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: City Song, Satan In The Wait, The Reason They Hate Me, Ocean Song

La banda ha producido un hiato que la fortaleció sin dudas y es que Daughters llegó para marcar un álbum ambicioso pero oscuro que lo que menos quiere es ganar algo en si. La frase del título del álbum juega perfectamente, No obtendrás lo que quieres, como sería su traducción al español, son 48 minutos de una mirada fría, degradante y pesimista frente a la mente y el poder humano convirtiéndose así en una pieza profunda que en cada canción y con cada verso sorprende aún más. Alexis Marshall, el principal compositor y cantante de la banda, se ha convertido en un visionario de la lírica oscura y tétrica que junto con su voz de carácter profético demostró una fortaleza muy grande, pero no el álbum se sostiene solo gracias a esto sino que la producción, el sonido industrial mecánico, la percusión en general y el juego de distorsión de guitarras encuadra todo de manera vanguardista.

La mirada fría del álbum juega como una presentación de una banda la cual se muestra sin vueltas algunas, no, todo lo que escucharás aquí es, a pesar de ser algo pesimista y extremista, algo directo y doloroso. Por ejemplo, City Song es una de las canciones más densas en cuanto a lírica convirtiéndose en la apertura perfecta junto con los golpes secos iniciales y terminando la misma con Marshall en solitario profetizando la letra, dictándola en vez de cantando (-. Los fuegos están apagados, las aguas están quietas .-). Además de esto, analizando las canciones, el álbum tiene varios momentos sorprendentes como Satan In The Wait, la mejor canción de la banda en su carrera, ofrece una canción con un Marshall agotado hablando con metáforas algo crudas donde es acompañado de un solo de sintetizador erizante y descolocador que se convierte en un momento de climax total para toda la banda llegando a ser inclusive, el punto más alto del álbum, una canción digna de estudiar gracias a su estructura.

Por otro lado, el otro punto que es capaz de desafiar a Satan In The Wait, es su otro sencillo, The Reason They Hate Me que a comparación de las otras canciones con el ritmo áspero, esta es arrazadora y mucho más llevadera de lo que uno puede pensar. Sin duda no habría que dejar casi ninguna canción fuera de este proyecto enorme pero, canciones como The Flammable Man y The Lords Song me parecieron estruendosas más que feroces y poderosas como las demás. Estas figuran como un enclave repetitivo y molesto dentro de grandes canciones.

Sin duda, ha de ser un muy buen trabajo en donde "las hijas" desarrollaron un potencial vanguardista dentro de la música extrema que venían utilizando. Quizás por lo lírico se puede asociar con algo que han hecho anteriormente pero partiendo de la base musical, esto es algo totalmente nuevo que te va convencer que no todo lo que quieras, lo tendrás.

Robyn - Body Talk Pt.1 (2010)

Body Talk Pt. 1 es el comienzo de un proyecto, que consiste en dos álbumes de estudio y un EP, de la artista de Electropop sueca, Robyn. El álbum significó para la carrera de la artista, su arrivo y llegada al mercado casi mundial y la llegada a los oyentes de Norteamérica conformándose así uno de los puntos más importantes en la carrera de la misma. Body Talk es un álbum simpáitco con un sonido alegre y divertido pero que a veces puede llegar a ser esto un poco insignificante al lado del real significado de la imagen que quiere dar y transmitir el mismo. El álbum ha sido publicado el 14 de Junio de 2010.

Electropop, Dance Pop
Konichiwa Records

Mi Calificación: 3 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Don't Fucking Tell Me What to Do, Dancing on My Own

Robyn se muestra independiente y fuerte pero el sonido del álbum por momentos la desluce, desluce el sonido juguetón e infantil junto con su voz simpática hacen que lo bueno del álbum se derrumbe en un segundo.

A pesar de esto, la fortuita manera de Robyn de manejarse con los ritmos electrónicos son meramente dispersos y creativos desde la base y producción nocturna y áspera de la autoritaria Don't Fucking Tell Me What to Do hasta el creativo tributo al género caribeño en Dancehall Queen sorprendiendo de manera consistente y sólida. De por si, la artista ha demostrado ser una artista de talla global y con gran facilidad para crear muy buenos rítmos tanto minimalistas como más complejos. En None of Dem, la producción quedó a cargo del dúo sueco Royksopp que le agregó una pizca de futurismo en el sonido al álbum y teniendo la cierta consistencia de música de club nocturno junto a una Robyn  Orgullosa e insatisfecha frente a situaciones de diferente ámbito.

El álbum da un cierre con flaqueza con Hang With Me cantada en acústico y acompañada de violines y con Jag Vet En Dejlig Rosa, una canción tradicional sueca en donde la canta en su idioma nativo.

Sorpresivamente, Body Talk tiene aquellas desventajas que se ven poco profesionales e infantiles pero  a fin de cuentas demuestra cierta fortaleza en el manejo de un Pop confortable.