Hermética - Hermética (1989)

Tras la separación de V8, la banda que inició el Heavy Metal en la Argentina, todos sus integrantes tarde o temprano se encontraron ligados a un nuevo proyecto del Metal argentino. Tal es el caso que el bajista Ricardo Iorio formaría Hermética en el año 1988 y posteriormente ya el año siguiente grabarían su primer álbum de estudio homónimo.

En el año 1989 firman contrato con Radio Trípoli al haber llamado la atención de estos, cabe destacar que Iorio ya era conocido y esta banda estaba digamos destinada a ser mediática sea mala o buena su música. Desde ya sus inicios, las letras de Hermética serían características con un rasgo distintivo que hace las veces de hasta un tipo de sentimiento de culto digamos. Las letras y composiciones de Hermética van de críticas sociales pasando por la negligencia humana, la religión, la corrupción y hay un constante nombramiento hacia el destierro de los aborígenes, el repudio contra el imperialismo y colonialismo por parte de la conquista de América. Hermética toca con pasión e impotencia en cada tema que habla sobre esto.

La producción y calidad de sonido no son de las mejores debido al poco presupuesto que presentaban y las pocas horas en el estudio que disponían, aunque es muy admirable que la mayoría de las canciones se grabaron en primera toma. La voz del vocalista Claudio O'Connor es un barítono áspero que puede no agradarle a todos. En lo instrumental, Hermética esta lleno de buenos compases y solos exquisitos ("Cráneo Candente"; "Tu Eres su Seguridad"; "Yo No lo Haré"). 

El Thrash Metal presente en este álbum es sin dudas de nivel norteaméricano, es sorprendente. El álbum les brindó alta popularidad tanto en todo el país como en Latinoamérica. Uno de los trabajos más sorprendentes del Heavy Metal Hispanoamericano.

Lista De Canciones

1. "Craneo Candente" 4:14
2. "Masa Anestesiada" 4:42
3. "Desterrando a Los Obscurantistas" 2:31
4. "Victimas Del Vaciamiento" 3:42
5. "Tu Eres Su Seguridad" 5:00
6. "Sepulcro Civil" 2:55
7. "Vida Impersonal" 3:22
8. "Desde El Oeste" 3:19
9. "Para Que No Caigas" 3:01
10. "Deja De Robar" 3:11
11. "Yo No Lo Haré" 3:54

Mi Calificación: 4,5/5 Estrellas

Los Piojos - Chactuchac (1992)

Los Piojos ya tenía 3 años en pequeños recitales y giras tanto nacionales en Argentina por la costa atlántica y capital como por europa cuando se fueron a Francia. Ya era hora de recopilar todas esas canciones y volcarlas en un disco de estudio.

Al ser una especie de recopilatorio de los primeros años de la banda, el panorama estaba bien claro para este proyecto. Con casi todo listo, Los piojos pusieron primera y elaboraron un trabajo con mucha influencia Stone y Ricotera (Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, banda que los apadrinó desde sus comienzos debido a la llamada de atención que les provocaron Los Piojos llegando inclusive a nombrarlos "banda revelación".

Encontramos varias canciones con lírica muy parafrasera y metafórica pero que ciertamente no es tan profunda, no es un álbum tan abstracto a pesar de esto. Imagino algunas canciones conjugar con la portada de este álbum volviéndolo un tanto urbano y oscuro como la marginalidad nombrada en la excelente canción "Los Mocosos" con un riff muy bueno y un relato que me remite directamente hacia la foto. Por otro lado tenemos la inclusión de la armónica que sería recurrente en Andrés "Ciro" Martinez, el vocalista, que la incluye en "Tan Solo" una de las baladas mas seductoras de la banda que posteriormente se volvería un clásico.

Pero esto no es todo lo que Los Piojos nos presentó. La banda se animó a hacer una versión del tango de Enrique Discépolo "Yira Yira", una versión rockera en donde la batería y la guitarra forman sin duda el mejor tema del álbum. La banda sería un conjunto que aparte de tocar rock tocaría candombe y tango, costumbre que dejo una influencia debido a que más adelante otras bandas Argentinas harían lo mismo, como Callejeros.

Chactuchac forjó a la banda y la consolidaría en una discografía firme de la banda Más alla de instrumentos un poco tapados por otros y una producción un tanto noble, Chactuchac es un álbum rico en diferentes rítmos. 

Lista de Canciones

1. "Llévatelo" 5:33
2. "Chac tu Chac" 3:36
3. "Tan Solo" 3:57
4. "Cancheros" 4:49
5. "Los Mocosos" 4:58
6. "A Veces" 3:46
7. "Blues del Traje Gris" 2:53
8. "Yira - Yira" 2:57
9. "Pega - Pega" 3:39
10. "Siempre Bajando" 4:46
11. "Cruel" 4:06

Mi Calificación: 3,5/5 Estrellas

Diferencias entre álbum de estudio, EP y single

Álbum de estudio o LP (Long Play) , EP (Extended Play) y Single o Sencillo por su traducción del inglés son los diferentes principales lanzamientos que puede crear y/o lanzar y comercializar un artista en la industria de la música. Aquí abajo dejaré marcadas sus diferencias y que significan cada uno. Si bien algunos son fáciles de diferenciarlos, haré un repaso igualmente.

Tuff Gong en Jamaica. Estudio de grabación y discográfica fundada por Bob Marley & The Wailers y donde obviamente se grabó toda su discografía

Álbum de estudio

Un álbum de estudio es un trabajo discográfico echo en un estudio con la totalidad de canciones nuevas distiguiendose de álbumes recopilatorios, EPs y Singles y álbumes de remixes dependiendo del artista, acompañado de arreglos tanto corales y vocales como instrumentales. La mayoría de las veces contiene seis o más canciones con una duración de más de media hora.
En el siglo XX, con la ausencia de la tecnología que gozamos hoy en día y del formato del cd (Compact Disc o Disco Compacto) , se los llamó LP o Long Play y se grababan en vinilos de 12 pulgadas. El vinilo poseía una capacidad de 22 minutos de grabación en cada cara por lo que los álbumes si duraban más de 44 minutos, se vendía como un doble CD (como The White Album de The Beatles en 1968) o hasta triple (Sandinista de The Clash en 1980).
Con la llegada del CD, los artistas se volcaron inmediatamente a este nuevo formato que se usa hasta el día de hoy y que tiene como capacidad hasta 80 minutos de grabación donde solo se utiliza una sola cara.

Vinilo de 12" (pulgadas) de Miles Davis.

EP

Los EP (Extended Play) al igual que los albumes, en el siglo XX se grababan en vinilos pero de menor tamaño, en vinilos de 7 pulgadas en donde cada cara tenía la capacidad de grabar doce minutos y medio. El EP es algo más rebuscado de definir, no es tan simple como parece debido a que en el siglo pasado se grababan en estos mencionados vinilos y eran distribuidos comercialmente a las radios y rockolas de distintos paises como "extractos" pequeños de los álbumes de estudio.

Hoy por hoy se graban en CD donde el disco compacto posee una sola capacidad disponible, la antes mencionada de 80 minutos y el artista puede definir la duración del mismo sin llegar a la duración de un álbum. Heather McDonald lo define como un trabajo que es demasiado extenso para considerarse sencillo y corto para considerarse álbum de estudio. Muchas veces, al igual que los sencillos, se los considera una especie de "adelanto" al próximo álbum del artista en cuestión. Contienen entre 3 y 5 pistas. 

Vinilo de 7" de The Beatles

Portada EP de Pixies - Come on Pilgrim 

Sencillo - Single

Un sencillo puede estar compuesto de una sola canción hasta tres. Durante el siglo XX también se grababa en vinilo de 7 pulgadas con una duración de hasta 10 minutos. Los singles en cambio al EP, tiene una característica más comercial. Los singles son elegidos como las canciones que representen al artista en la radio, plataformas de streaming, comerciales, etc. Son conocidos como las canciones más escuchadas del artistas y ejemplos hay y miles como "Paranoid Android" (Radiohead), "Only Shallow" (My Bloody Valentine), "Paranoid / The Wizard" (Black Sabbath), "Teardrop" (Massive Attack), "Hello, Goodbye/ I Am The Walrus" (The Beatles) etc.

Frank Ocean - Channel ORANGE (2012)

Frank Ocean publica su álbum de estudio debut en junio de 2012 con ya un mixtape digital y colaboraciones con grandes artistas como Jay Z & Kanye West y Tyler, The Creator el año anterior y de más esta decir que también es reconocido por pertenecer al colectivo de hip-hop OFWGKTA (Odd Future Wolf Gang Kill Them All) del cual Tyler fue el fundador.

Ciertamente Frank fue el primero en destacarse en tanto a calidad. Ocean con Channel Orange impuso un estilo de nuevo Soul y R&B muy destacado. El álbum es simple, suave, con una hermosa instrumentalización que presenta dos facetas: sintetizadores y bajos y violines por otro lado, a veces Frank juega usando las dos ("Pyramids" - "Lost") y en otras ocasiones prefiere ser clásico ("Thinkin Bout You"). Channel Orange es un álbum conceptual, Frank esta sentado en el sillón haciendo zapping, lo cual se puede apreciar en pistas que sirven de intervalo como ("Fertilizer" - "Not Just Money") pero cada vez que el canta, nos encontramos en Channel ORANGE y esta idea fue francamente genial, adentrarnos en un ambiente así para poder sintonizar el canal en donde Frank se libera como persona.

El álbum debut de este artista sirvió como catarsis un tanto personal, un desahogo, una libertad grande para el artista y eso quizás hizo que lo haga de tan buena manera haciendo un trabajo tan melódico, poético y hasta un tanto introspectivo. Cuando me refiero a un desahogo es debido a que el álbum se lo tomó como una confesión de la bisexualidad de Frank al admitir en algún documento que el estaba pasando por un mal momento en un relación que el estaba teniendo con un hombre. Al explicar esto quizás nos cierre un poco alguna de sus letras como "Thinkin Bout You" aclarando que habla de un hombre o la triste "Bad Religion" una de las canciones mas hermosas de su carrera y de este álbum en donde tristemente nos habla acerca de un amor no correspondido pero tampoco el álbum se limita solo a eso, sino que toca temas sociales como la riqueza y ambición, el abuso del crack y por supuesto, el amor. 

No sabemos a fondo si este álbum lo hizo en un momento muy triste de su vida porque nunca podemos asimilar lo que transmite un artista con lo que siente en ese preciso momento, pero Ocean demostró dolor y tristeza en este hermoso trabajo con arreglos instrumentales a destacar con ayuda de Pharrell Williams, Malay y Om'mas como co-productores pero la facilidad de llegar a las notas altas del barítono de nuestro cantante, no se queda atras.

Realmente hace años no se veía un progreso tan grande en un género como el R&B pero estos últimos años la mecha se esta volviendo a encender. Channel ORANGE fue el despegue de un gran artista como Ocean.

Lista De Canciones: 

1. "Start" 0:46
2. "Thinkin Bout You" 3:22
3. "Fertilizer" 0:40
4. "Sierra Leone" 2:29
5. "Sweet Life" 4:23
6. "Not Just Money" 1:00
7. "Super Rich Kids" 5:05
8. "Pilot Jones" 3:04
9. "Crack Rock" 3:44
10. "Pyramids" 9:53
11. "Lost" 3:54
12. "White" 1:16
13. "Monks" 3:20
14. "Bad Religion" 2:55
15. "Pink Matter" 4:29
16. "Forrest Gump" 3:15
17. "End/Golden Girl" 8:43

Mi Calificación: 4,5/5 Estrellas

Los Álbumes Más Vendidos del 2017

Hoy les mostraré los 10 álbumes más vendidos el año pasado. Como todos los años, el sitio alemán Mediatraffic, con ayuda de la Federación Internacional de la Industria Fonográfica (IFPI), mide las ventas a nivel global del álbumes musicales combinando un resultado entre ventas tanto físicas como digitales. La tecnología ha cambiado tanto que ya no se pueden contar solo las ventas físicas debido a que tener un álbum digitalmente es una venta totalmente similar a una física, vamos con el ránking.

Nota: Donde se indique entre paréntesis el año significa el año en que fueron editados pero que en 2017 siguieron efectuando este número de ventas, es decir, en promedio en estos últimos años, serían los más vendidos aunque el número mostrado es SOLO la cantidad vendidos en 2017. El número de la derecha indica el número de ventas efectuadas.

20. Harry Styles - Harry Styles // 1.386.000

Género: Pop Rock

19. Khalid - American Teen // 1.402.000

Género: Alternative R&B

18. La La Land - Banda Sonora (2016)  // 1.406.000

Género: Jazz Pop, Vocal Jazz

17. Exo - The War // 1.411.000

Género: K-pop, Dance Pop

16. The Chainsmokers - Memories...Do Not Open // 1.471.000

Género: Electropop

15. Adele - 25 (2015) // 1.517.000

Género: Pop Soul, Neo-Soul

14. Migos - Culture // 1.542.000

Género: Hardcore Rap, Trap Rap

13. Ed Sheeran - X (2014) // 1.569.000

Género: Pop

12. Namie Amuro - Finally // 1.834.000

Género: J-Pop

11. Imagine Dragons - Evolve // 1.863.000

Género: Electronic Rock, Pop Rock 

10. Pink - Beautiful Trauma // 1.948.000

Género: Pop, Dance Pop

9. Post Malone - Stoney (2016)  // 2.073.000

Género: Alternative R&B, Pop Rap

8. Rag'n'Bone Man - Human // 2.087.000

Género: Pop Soul

7. Moana - Banda Sonora // 2.270.000

Género: World Music, Soul

6. The Weeknd - Starboy (2016) // 2.479.000

Género: Electropop, Alternative R&B

5. Bruno Mars - 24K Magic (2016) // 2.645.000

Género: Alternative R&B, Funk, Dance Pop

4. Taylor Swift - Reputation // 2.981.000

Género: Electropop, Contemporary R&B

3. Drake - More Life // 3.102.000

Género: Pop Rap, Alternative R&B

2. Kendrick Lamar - Damn. // 3.653.000

Género: Conscious Hip Hop, Pop Rap 

1. Ed Sheeran - Divide // 9.636.000

Género: Pop

Slipknot - Iowa (2001)

Al hacer un álbum debut tan impactante como fue su disco homónimo en el año 1999, Slipknot decidió apostar por más. Luego del gran éxito y de convertirse en el primer disco de platino de la discográfica Roadrunner Records, lográndolo en Canadá y Estados Unidos, y luego de extensas girar, se ponen a trabajar de nuevo en un álbum más volcado al resentimiento y odio pero siendo igual de brutal que su antecesor. Iowa fue un triunfo tanto publicitario y comercial como a nivel musical.

Iowa recibe el nombre por el estado de donde provienen los integrantes de la banda y que a menudo se inspiran en el para sus canciones. Iowa es de lo más oscuro de la banda y refleja justamente el espíritu que tenía por aquel entonces, oscuro, con remordimiento y un sentimiento de odio. La banda pasaba por su peor época, no se ponían de acuerdo, discusiones y sesiones silenciosas momentos previos a grabar.

En lo musical, Iowa es de lo más brutal que podemos encontrar de Slipknot, la voz desgarradora de Corey Taylor esta vez acompañada de arreglos corales brutales y efectos de sonidos atroces como gritos por lo bajo y guitarras distorsionadas, también podemos encontrar su voz melódica y a comparación del primer trabajo, la percusión no se luce lo que no quiere decir que no sea buena sino quiere decir que en el primer álbum fue francamente envidiable.

A decir verdad las letras son demasiado gráficas y en casos gore como en Disasterpiece y otras un tanto metafóricas con un aura bastante depresiva como en el caso de Left Behind y My Plague. Inmediatamente gracias a Iowa, Slipknot se convertiría en lo que sería una banda líder y referente tanto de la nueva ola de metal americano como del Nu Metal y/o Rap Metal arrazando a bandas como Limp Biskit y Linkin Park y tomando un perfil mas similar a Korn.

Taylor y su banda decidieron doblegar la apuesta y el resultado fue este buen álbum que a pesar de ser un tanto monótono por lo temas a tratar, se trata de un álbum profundo y abstracto.

Iowa fue top 10 en nueve paises y Left Behind fue nominada al Grammy por mejor interpretación de Metal.

Lista De Canciones

1. "(515)" 1:00
2. "People = Shit" 3:36
3. "Disasterpiece" 5:08
4. "My Plague" 3:40
5. "Everything Ends" 4:14
6. "The Heretic Anthem" 4:14
7. "Gently" 4:54
8. "Left Behind" 4:01
9. "The Shape" 3:38
10. "I Am Hated" 2:38
11. "Skin Ticket" 6:41
12. "New Abortion" 3:37
13. "Metabolic" 3:59
14. "Iowa" 15:05

Mi Calificación: 3,5/5 Estrellas

Arcade Fire - Funeral (2004)

La banda canadiense Arcade Fire compuesta por la pareja matrimonial de vocalistas Win Butler y Régine Chassagne, el hermano de Win, William, Richard Parry, Jeremy Gala y Tim Kingsbury debutaría con un álbum de estudio con Funeral publicado el 14 de septiembre de 2004 que como bien indica su nombre esta obra entre otros profundos temas como la melancolía, la madurez y el pasar de los años, incluye a la muerte.
Para ser sincero me tomo tiempo entender un álbum tan profundo como Funeral, y eso es lo desesperante, no entenderlo a la primera me inquietó realmente porque un álbum como este fue tan trascendental tanto para la audiencia como para la crítica especializada. Fue nombrado por muchos medios el mejor álbum del año 2004 e incluso entre los mejores de la historia ya sea por Rolling Stone, Blender, NME etc.

La música de Arcade Fire es Indie, es decir, independiente. Gracias a su profesionalismo y carisma en el escenario, amplia gama de géneros abarcados musicalmente y de gran calidad musical, el éxito de Arcade Fire a pesar de no firmar con una discográfica importante, fue inmediato, en tres años ya eran reconocidos internacionalmente y todo gracias a Funeral, aclamados hasta por artistas como U2 y David Bowie que tuvieron la oportunidad de interpretar temas con ellos en aquellos años.

El álbum posee una instrumentación bastante brusca y diversa como ya dije antes, presenta hermosos violines, piano, chelo, acordeón y arpa que hacen que por poco nos olvidaramos que se trata realmente de una banda de rock/pop, pero Arcade Fire se formó para mostrar que las etiquetas en la música a veces están de más. Funeral decorado con todos estos instrumentos se lo puede catalogar como Pop Barroco o como hoy en dia se lo menciona, Chamber Pop. Las letras son muy profundas y melancólicas, entendemos que los protagonistas de esta historia están tristes, extrañan, quieren y aman. Esto es una dedicatoria para los parientes cercanos de los vocalistas que justamente fallecieron durante la grabación de este trabajo.

Volviendo a la parte lírica del álbum, un recurso muy recurrente, aparte de la muerte, es la soledad, la oscuridad y una tormenta, que se refiere a una tormenta de nieve polar ocurrida en Norteamérica pocos años antes del lanzamiento del álbum. Cada canción nos detalla un momento de soledad o de abandono. El cuarteto de canciones del vecindario "Neighborhood #1, #2, #3 y #4 con sus respectivos nombres, es algo sumamente placentero de escuchar y es junto con Haiti (cortesía de Regine) y Wake Up los platos fuertes del disco y también los de más variación musical. Por otra parte, la no tan entretenida "Crown of Love" rellena esa falta de carisma con una de las letras más hermosa que halla podido escribir la banda.

Arcade Fire fue un proyecto sumamente innovador, si años antes The Strokes fue el golpe, Arcade Fire fue el remate de la paliza llamada Indie Rock.

Lista De Canciones: 

1. "Neighborhood #1 (Tunnels)" 4:48
2. "Neighborhood #2 (Laika)" 3:32
3. "Une Anée Sans Lumiére" 3:40
4. "Neighborhood #3 (Power Out)" 5:12
5. "Neighborhood #4 (7 Kettles)" 4:49
6. "Crown of Love" 4:42
7. "Wake Up" 5:35
8. "Haiti" 4:07
9. "Rebellion (lies)" 5:10
10. "In The Backseat" 6:20

Mi Calificación: 4,5/5 Estrellas

El asesinato de Dimebag Darrell

Dimebag Darrell fue uno de los más grandes guitarristas del Heavy Metal y también uno de los más reconocidos gracias a las habilidades y facilidades que poseía a tocar dicho instrumento. Dimebag nació bajo el nombre de Darrell Lance Abbott el 20 de agosto en el año 1966 en Arlington, estado de Texas.
Su padre también fue músico dentro del género country y gracias a el empezó a agarrar la guitarra o mejor dicho en primer lugar la batería hasta decidirse por la viola. Darrell fundó, con su hermano Vinnie Paul en la batería, la banda Pantera en el año 1981. En 1993 se empezaría a autoproclamarse como Dimebag Darrell como nombre artístico. Pantera fue su primera banda con la que triunfó y lanzaron nueve discos de estudio, entre ellos los clásicos "Cowboys From Hell" (1990) y "Vulgar Display of Power" (1992), hasta su disolución en el año 2003. Durante el desarrollo de Pantera, Darrell tenía un proyecto en paralelo llamado "Rebel Meets Rebel".

En 2003 Pantera se separa pero todo parecía indicar que solo era una pausa que no era algo definitivo, el proyecto había quedado en "Stand By" por decirlo así, sus integrantes quisieron trabajar en otro proyectos durante ese tiempo entonces decidieron dar un paso al costado con Pantera. En el caso de Darrell y su hermano el que estuvo presente en todos sus proyectos, formaron Damageplan, banda con la que sacaron un solo álbum de estudio meses antes de que se produjera la tragedia.

El 8 de diciembre de 2004, Damageplan se presentó en el club nocturno "Alrosa Villa" en Columbus, estado de Ohio, EE.UU. cuando el ex marino y jugador semiprofesional de fútbol americano Nathan Gale decidió asisitir con un solo objetivo, asesinar a Darrell. Gale entró ilícitamente al establecimiento trepando un portón metálico de tres metros de alto. Al entrar, la seguridad lo vio y lo persiguió sin éxito a lo que Gale logró llegar al escenario del lado izquierdo y dispararle cinco veces a Darrell asesinándolo en pleno concierto que había empezado solo hace un par de minutos.
Nathan también mato a otras tres personas e hirió a dos. Finalmente, el asesino tomo como rehén al técnico de batería de la banda por unos minutos hasta que el oficial James Niggemeyer lo asesinó de un disparo de su escopeta calibre 12 en la nuca del asesino. El rock estaba de luto un 8 de diciembre una vez más, recordemos que el 8 de diciembre de 1980 Mark David Chapman asesinaba también a quemarropa a John Lennon.

Según investigaciones, Nathan Gale el año anterior a esta tragedia, fue excluido de la marina por haberle diagnosticado esquizofrenia. Gale estaba obsesionado con la banda, escuchaba Pantera antes de cada partido en los vestuarios y hasta ha llegado a decirle a conocidos que Darrell y su banda les estaba robando las letras para sus canciones. El crimen desató política y fue mediatizado en los medios de comunicación debido a la política de que tan facil es poseer un arma en Estados Unidos independientemente de tu salud mental.

Los restos de Darrell yacen en Arlington, Texas.

The Beatles - A Hard Day's Night (1964)

Era 1964 en plena Beatlemanía y sonaban los cuatro de Liverpool hasta cuando ibas al baño. El 10 de Julio de 1964 mediante la compañia discográfica Parlaphone, The Beatles lanza su tercer álbum de estudio lo que sería la banda sonora de la película homónima del grupo. Originalmente en esa fecha se lanzó el álbum de estudio y más adelante lo que sería la real banda sonora que a diferencia del álbum solo tiene las mismas canciones en otro orden, en el que van apareciendo en la película.
Los Beatles llegaron al tercer álbum convirtiéndolo en el primero donde todas sus canciones son de autoría propia, como ya hemos vistos en diferents discos de Led Zeppelin y en The Rolling Stones, antes era muy común incluir en trabajos discográficos, canciones de Rock And Roll y Rhythm And Blues que pertenezcan a otros autores como Bo Diddley y Willie Dixon, pero este no sería el caso, A Hard Day's Night mostró un catálogo enteramente compuesto por la dupla "Lennon-McCartney"indistintamente de quien sea el vocalista principal de la canción en el álbum. Así estos dos genios dejaban plasmada ya la mejor dupla de compositores de la historia de la música con todo lo que estaba por venirse.

Lo que lograron con este álbum The Beatles entre otras cosas era reafirmar que eran una de las bandas mas trabajadoras del mundo. entre otras cosas era mas A Hard Year's album que A Hard Day's Night debido a la amplia gama de trabajos presentados en ese momento como conciertos, EP y sencillos y a esto se le sumaba este gran trabajo y película.

Bueno bien, a comparación de "With The Beatles" y su primer trabajo, este tercer álbum tiene un sonido más rítmico, algo más rápido y aún más alegre y bailable que los demás, el mejor de los tres por lejos, esto mostraba un gran avance en la banda pero todavia teniendo ese ritmo de rock and roll, Pop Rock y Merseybeat por sobre todo. A Hard Day's Night contiene el doble de instrumentos que sus antecesores como piano, pandereta, armónica, bongos y cencerro entre otros que son utilizados en el momento justo.

Como cada álbum de ellos tenemos el álter ego indiscutible del lanzamiento ("A Hard Day's Night"), una canción alegre y bailable que se volvería muy popular ("Can't Buy My Love"), una hermosa balada o quizás dos en este caso ("If I Fell", "And I Love Her") que tengo a destacar los tiempos marcados en la primera balada por la batería de Ringo es simplemente armonioso y los acordes en la segunda vuelve a la canción dramaticamente hermosa. Por otro lado y por último también no podemos dejar de lado la parte más rockera y dura del álbum con "Any Time At All" y "I'll Cry Instead".

Lista De Canciones

1. "A Hard Day's Night" 2:34
2. "I Should Have Know Better" 2:44
3. "If I Fell" 2:23
4. "I'm Happy Just To Dance With You" 1:57
5. "And I Love Her" 2:34
6. "Tell Me Why" 2:11
7. "Can't Buy My Love" 2:16
8. "Any Time At All" 2:14
9. "I'll Cry Instead" 1:45
10. "Things We Said Today" 2:40
11. "When I Get Home" 2:15
12. "You Can't Do That" 2:40
13. "I'll Be Back" 2:23

Mi Calificación: 5/5 Estrellas

El Origen de Grandes Bandas Capítulo 5: Led Zeppelin

Led Zeppelin se forma en Julio de 1968 en Londres, Reino Unido, a comparación de otras bandas ya vistas, Led Zeppelin siempre mantuvo su formación original hasta su separación a comienzos de los años 1980s.
La banda surge como consecuencia de la separación de The Yardbirds ese mismo año, en donde por un tiempo formaron parte grandes músicos como lo fueron Jeff Beck y Eric Clapton pero nos enfocamos en Jimmy Page y Chris Dreja que son los que darían vida al dirigible aunque luego Dreja abandonaría la idea. Por otro lado y en menor medida también es una consecuencia de la separación de Band of Joy, de donde esta banda obtendría su cantante y a su baterista: Robert Plant y John Bonham respectivamente.

Page (izq.), Bonham (med.), Jones (arriba) y Plant (der.)

Page en solitario reclutó en orden cronológico al bajista John Paul Jones, a Robert Plant, que originalmente el no pertenecía a la idea sino que este fue recomendado por otro vocalista que rechazó esta oferta, y por última John Bonham, compañero y amigo íntimo de Plant, es decir, este lo recomendó. Jimmy el guitarrista, quizo llamar al grupo "The New Yardbirds" y así es como corrían los rumores por la prensa "La nueva banda de Jimmy Page luego de su marcha de The Yardbirds". El origen de Led Zeppelin quizás es un comienzo un tanto diferente a lo de una banda promedio, pero dio sus frutos gracias a que Page ya era reconocido en el medio como un gran artista y músico de sesión y la banda gozó también de dicha popularidad.

Debutaron en escenarios en Escandinavia en 1968 bajo el nombre de The New Yardbirds, mas específicamente en Copenhague, Dinamarca y volvieron a terminar la gira en ese mismo año en Gran Bretaña, gira de la cual existe material inédito y no autorizado, la banda tocaba temas de los Yardbirds y uno que otros propios que estarían presentes en los primeros dos discos.

Ya para finales de 1968, el plan de Page de triunfar con otra gran banda estaría terminado al contactar con el productor musical ejecutivo y futuro manager de la banda Peter Grant y al firmar con Atlantic Records que dejaría de ser una discográfica de música R&B y Soul en su mayoría y se expandiría al Rock y Pop con Led Zeppelin con un contrato millonario (200 mil dólares en su momento) que los llevaría a la cima, la fama y los excesos. Para firmar con Atlantic cambiaron su nombre por Led Zeppelin del cual hay distintas versiones de su origen:

 1) Keith Moon el baterista de The Who le comentó a Page que la banda fracasaría y se hundiría como un zeppelin de plomo (Lead Zeppelin) por lo que Grant decidió suprimirle solo la e para mejor pronunciación.

 2) Por otro lado, el bajista de The Who, John Entwistle, meses antes de la aparición de este grupo nuevo de Page, en un encuentro con un productor de Atlantic Records, le detalló la idea de formar un grupo llamado Led Zeppelin con el zeppelin Hidenburg en llamas de portada en su primer álbum. Según John, la idea fue completamente robada, basicamente el acto de Plagio persiguió a los Zeppelin desde la cuna aunque sin embargo, si la banda hubiese sido liderada por alguno de estos en cambio de Page, la historia no hubiese sido la misma.

1969 fue el año quizás con mas trabajo para Led Zeppelin. Estuvieron cómodos desde un principio y no sabían lo que era crecer como banda, nacieron siendo conocidos gracias a Page. En este año, la banda publicaría dos álbumes, dos sencillos y dos EP con canciones en su mayoría grabadas el año anterior y algunas que ya habían sido tocadas bajo el nombre de The New Yardbirds, es decir que en finales de los 70 y con solo tres años de formación, la banda tenía al mundo musical en sus pies con sus canciones de amor, melancolía, mitología nórdica y mensajes subliminales según conspiranoicos.

Lo cierto es que el Hard Rock era sinónimo de Led Zeppelin y la banda llegó para opacar bandas como los beach boys y el peor periodo de The Beatles haciendo nacer un estilo de música más moderno y pesado como también lo harían otras bandas como Deep Purple y Black Sabbath. A comparación de estas, Zeppelin tiene un mística especial que no pude encontrar en cualquier otra banda.

Primera portada de Led Zeppelin, fotografía de Chris Dreja.
El accidente del Zeppelin Hidenburg el 6 de Mayo de 1937