Pink Floyd - More (1969)

Pink Floyd ya estaba consagrada como una de las bandas pioneras en esto del Rock Psicodélico en Inglaterra, comenzando su carrera discográfica con dos favorables y ácidos álbumes manteniendo así una gran calidad en material. Ahora bien, el 27 de Julio de 1969, los floyd publican "More" o "Music For The Film More" debido a que este álbum es completamente un soundtrack de la película  homónima francesa de Barbet Schroeder que relata la historia de dos jóvenes envueltos en el amor libre y las drogas. La idea era buenisima, una película que muestra detalladamente lo que sucedía en aquellos tiempos teniendo de fondo a una de las bandas más asociadas al Movimiento Hippie.

No dejemos de lado que es el primer trabajo discográfico en el cual ya se ausentan Syd Barrett, debido a su grave problema con los psicotrópicos, y su productor Norman Smith. A esto hay que sumarle que quedaron a flor de piel la inmadurez artística que padecían estos jóvenes todavía. Sin duda alguna, More es uno de los trabajos más irrelevantes de la banda donde nos encontramos con piezas ambientales, temas lentos y densos, folk rock y típicas improvisaciones ácidas fieles a su estilo. A pesar de ser un álbum bastante difícil de digerir, incluye temas que para los años subsiguientes fueron importantes para presentaciones en vivo como "The Nile Song", "Cymbaline" y "Green Is The Colour"

Lista De Canciones:

1. "Cirrus Minor" 5:17
2. "The Nile Song" 3:27
3. "Crying Song" 3:33
4. "Up The Khyber" 2:13
5. "Green Is The Colour" 2:59
6. "Cymbaline" 4:50
7. "Party Sequence" 1:09
8. "Main Theme" 5:26
9. "Ibiza Bar" 3:19
10. "More Blues" 2:13
11. "Quicksilver" 7:14
12. "A Spanish Piece" 1:05
13. "Dramatic Theme" 2:16

Mi Calificación: 2/5 Estrellas

Led Zeppelin - Led Zeppelin III (1970)

La crítica fue diversa y en ese caso personalmente no será mala. Pero Led Zeppelin con sus dos trabajos anteriores causó que la crítica sea muy exigente en cuanto a sus trabajos se refiere. Los Zeppelin publicaron su tercer álbum el 5 de octubre de 1970. Fue grabado en parte en una granja lejos de las ciudades como método de relajación, en Hampshire y por último en Londres
Ya presenciamos diversos métodos e inclusión del Folk Rock en canciones anteriores de Led Zeppelin pero en este caso, esto se acentuaría aún más. Es un trabajo más tranquilo, en lo que a ellos se refiere porque nadie puede estar tranquilo al escuchar la guitarra de Page, con temas Funk (Out On The Tiles), Folk (Bron-Y-Aur Stomp) y Blues (Since I've Been Loving You).

A diferencia de las bestialidad que resultaron sus primeros dos trabajos, aparte de presentar a su manera el Folk y el Funk en este trabajo también podemos resaltar que la mayoría de sus temas están realizados sobre una base acústica impresionante que le da un toque sin igual al recorrido de todo este álbum. Led Zeppelin seguía demostrando que eran pioneros en material musical en dicho momento a pesar de la gran competencia de bandas que podría encontrarse en ese momento. Esto no era todo, aún quedaba por venir la frutilla del postre.

Lista De Canciones:

1. "Inmigrant Song" 2:24
2. "Friends" 3:54
3. "Celebration Day" 3:30
4. "Since I've Been Loving You" 7:23
5. "Out On The Tiles" 4:07
6. "Gallows Pole" 5:00
7. "Tangerine" 3:11
8. "That´s The Way" 5:40
9. "Bron-Y-Aur Stomp" 4:17
10. "Hats Off to (Roy) Harper" 3:40

Mi Calificación: 4,5/5 Estrellas 

Patricio Rey y Sus Redonditos de Ricota - Oktubre (1986)

En contexto, el mejor álbum conceptual del Rock Nacional Argentino, presenciando una distopía que tiene como eje principal la revolución rusa de 1917 y los diferentes sucesos presentes por aquel entonces en la Guerra Fría y la sociedad Argentina.
Patricio Rey se embarcó directamente al éxito nacional al momento de la publicación de este álbum gracias a su trascendencia, de la cual hay que de nuevo repetir que son una banda totalmente independiente tanto en publicación como lo eran en presentación en bares al nivel de que su representante y productora ejecutiva, "La negra" Poli, se llegaba a preguntar - "Como convocan tanta gente si el único medio que lo hacen es del famoso boca en boca" - por esto, la banda se caracterizaba en sus inicios. Oktubre se presentó el 4 de octubre de 1986 en Paladium y se publicó seis dias después a la venta. El álbum fue una total innovación, el trabajo se volcó más al Post-Punk y al Pop. La Argentina volvía a la democracia y los redondos decidieron crear un material crudo con aires de venganza y revolución mas que plenitud.

Como di a entender, es un disco meramente político, en este caso el Indio Solari quizo rendirle tributo a todas aquellas lucha de masas y clases a lo largo de la historia, la palabra clave aca es "Revolución". Rapidamente el álbum y todo el contenido gráfico en su haber se convirtieron en un icono del rock nacional. Controversialmente en su contratapa se puede observar arder la catedral de la plata y dentro de la caja podemos encontrar un dibujo de la personificación de la palabra libertad. Todo es obra del artista plástico Ricardo Cohen, más conocido como Rocámbole, que se encarga de todas sus portadas, pero en este caso no es algo más sino que es una simbología de Bolchevique en honor a los dos grandes conceptos anteriormente mencionados.

Volviendo a lo musical y las ideologías, en primer plano a pesar de tener mucho de contexto internacional, sus letras también describe nuestra sociedad argentina y al rock por aquel momento que se sentía aprisionado en libertad, aprisionado por un pop en gran auge en una sociedad que recientemente sale de la dictadura más sangrienta que ha visto en su historia. En general, el álbum no es optimista en lo que se refiere a la situación socio-económica de Argentina. Por parte de Solari, su parafraseo y composición en letras son sumamente excelentes y sobre todo críticas al totalitarismo y al orden sistémico.

Oktubre contiene varios de los temas más conocidos de los redondos: "Preso de mi Ciudad", "Música Para Pastillas", "Motorpsico" y "Jijiji". Figura en el puesto #4 en la lista de los "100 mejores álbumes del rock argentino" de la revista Rolling Stone. No hay gran presencia destacada de los bajos, la percusión, los solos de guitarra y sobre todo el saxofón son sonidos sumamentes frescos e innovadores con respecto a su primer álbum Gulp!. Oktubre es una gran obra subversiva.

Lista de Canciones: 

1. "Fuegos de Oktubre" 3:42
2. "Preso de mi Ciudad" 4:08
3. "Música Para Pastillas" 4:36
4. "Semen-Up" 5:26
5. "Divina tv. Fuhrer" 3:03
6. "Motorpsico" 4:58
7. "Jijiji" 5:36
8. "Canción Para Naufragios" 6:02
9. "Ya Nadie Va A Escuchar Tu Remera" 4:02

Mi Calificación: 5/5 Estrellas

El Origen de Grandes Bandas: Capítulo 3: The Rolling Stones

Para llegar al momento donde The Rolling Stones tenía originalmente seis integrantes y cuando empezaron a utilizar ese nombre por primera vez, nos tenemos que remontar unos años antes a Dartford, Sudeste de Inglaterra a una horas de Londres. Ahi nacieron Keith Richards (guitarrista principal) y Mick Jagger (vocalista).

Mick y Keith fueron compañeros en Wentworth Country Primary School hasta que la familia del guitarrista se mudara a Londres. Años después, Mick conseguiría una beca en la secundaria para ingresar a la London School of Economics donde en 1960 se cruzaría en una estación de tren de nuevo con Keith. En ese momento Mick tenia una banda llamada Little Boy Blue and The Blue Boys en la que tambien participaba Dick Taylor, compañero de Keith tambien oriundo de Dartford, a la que le ofreció a Keith que se uniera. Volviendo a Mick, el abandonaría la universidad.

Centro peatonal de Dartford

A principios de 1962 los tres fueron a ver a una banda de Jazz y R&B en el Ealing Jazz Club que tenia entre otros integrantes a Brian Jones (guitarrista), Geoff Bradford (guitarrista) y Ian Stewart (pianista). Los tres se unirian a Mick, Keith y Dick para formar definitivamente una banda. 

Comenzaron a usar el nombre The Rolling Stones gracias a Brian Jones después de escuchar la canción del cantante de Blues Muddy Waters llamada "Rollin' Stone". Se presentaron con ese nombre por primera vez el 12 de julio de 1962 con Mick Avory en la batería, futuro batero de The Kinks, recomendados por Alexis Korner tocaron en el Marquee Club. De allí en más irian recorriendo bares cual banda amateur, un trabajo de 8 meses en el Crawdaddy Club hasta ganar un puñado de fans.

Gracias a Tony Chapman, en diciembre del 1962 llegaría a la banda Bill Wyman, y por último en enero de 1963 llegaría Charlie Watts en la batería completando la primera alineación oficial. 

Desde un principio los Stones tuvo la ayuda de la crítica y el apoyo de otros artistas como The Beatles que les recomendaron los estudios Decca en Londres, estudio que no aceptó firmar contrato con los de Liverpool, y hasta les compusieron canciones que los volvieron muy populares como por ejemplo "I Wanna Be Your Man". Su manager quería que los Rolling mostraran la otra cara de lo que son los Beatles, refiriéndose a que tocarían lados b o canciones de ellos escritas para los Rollings. En primer momento fue así pero no solo se diferenciaron en eso sino que ellos mostrarían lo que sería un sonido más duro en el rock y también una apariencia contrastada con la de los de Liverpool. Ellos elegantes peinados de saco y corbata, los Rollings, salvajes, ropa informal, pelo largo y un sonido más intenso para la sociedad. El 7 de junio de 1963 presentarían su primer single que sería una versión del tema "Come On" de Chuck Berry tienendo como lado b a "I Want To Be Loved".

En 1969 Brian Jones fue despedido de la banda y semanas después falleció, este sería reemplazado por Mick Taylor y a su vez este en 1975 sería reemplazado por Ronnie Wood que es integrante de la banda hasta el día de hoy.

Los Stones mostraron su cara mas productiva a partir de la época del verano del amor hasta mediados de los años 1970s grabando algunos de los álbumes mas importantes en la historia del rock y en la historia de la música: Between The Buttons (1967), Their Satanic Majesties Request (1967), Beggars Banquet (1968), Let It Bleed (1969), Sticky Fingers (1971) y Exile On Main Street (1972).

Formación actual: de izq. a der.: Charlie Watts, Keith Richards, Ronnie Wood y Mick Jagger.

Metallica - Ride The Lightning (1984)

Metallica publica el 27 de junio de 1987 lo que sería su segundo álbum, "Ride The Lightning". Metallica consigue en este álbum un sonido más rítmico, compases más sofisticados y una disminución del Speed Metal que iría desapareciendo poco a poco para volcarse de lleno a lo que sería el Thrash Metal. Al hablar de esto también hay que decir que estamos en frente del trabajo más innovador del cuarteto de Los Ángeles.

Se nota un gran crecimiento de Hetfield como guitarrista rítmico sin desacreditar a Burton ni propiamente a Ulrich que también muestran un cambio de técnicas. En el caso de Hammett, que en lo personal es uno de los mejores guitarristas, quiero pensar que aún estaba en un crecimiento profesional a pesar de lo bueno que es, de todos modos este álbum fue un trabajo bastante creativo y fue un paso gigante para lo que seguía, la fama mundial con Master of Puppets. Al hablar de creativo e innovador hago referencia a los recursos acústicos usados en "Fight Fire With Fire", "Fade To Black" en lo acústico y enteramente como faceta de una depresiva balada e inclusive en la introducción del cierre del álbum en el instrumental "The Call of Ktulu" de casi 9 minutos de duración. Aunque tambien sigue manteniendo rasgos de Kill Em All como los solos de "Trapped Under Ice" y "Creeping Death". Por otro lado, personalmente las canciones "Ride The Lightning" y "Escape" son las que más gozan de esta rítmica que se diferencia de su álbum debut, piezas claves en este segundo trabajo.
Ride The Lightning significó asi algo mucho más amplio y una demostración de que Metallica podía arrasar con todo lo que se encontraba, justo lo que necesitaban para convertirse en la banda por excelencia del Thrash.

Lista De Canciones:

1. "Fight Fire With Fire" 4:45
2. "Ride The Lightning" 6:36
3. "For Whom The Bell Tolls" 5:10
4. "Fade To Black" 6:56
5. "Trapped Under Ice" 4:03
6. "Escape" 4:23
7. "Creeping Death" 6:36
8. "The Call of Ktulu" 8:52

Mi Calificación: 5/5 Estrellas

Lista De Conciertos Más Importantes En Sudamérica 2018

En este post daré a conocer los conciertos que se vienen de los más grandes artistas nacionales e internacionales que estén recorriendo Sudamérica en sus respectivas giras a partir del día de la fecha, 11 de marzo de 2018 hasta el fin de año. La lista se vuelve extensa por los diferentes países. Verán que en diferentes paises se pueden llegar a repetir artistas debido a su gira sudamericana.

Argentina

• Lollapalooza (3 días, 16, 17, 18 de marzo) Hipódromo de San Isidro; Gran Buenos Aires. Bandas según los días en la imagen

• LCD Soundsystem: 20 de Marzo, Teatro Vorterix, CABA

• Bonobo: 22 de Marzo, Niceto Club, CABA

• Soundhearts Festival: 14 de Abril; Tecnópolis, CABA

• Jason Derulo: 6 de Mayo, Estadio Luna Park, CABA

• Ozzy Osbourne: 11 de Mayo, Estadio GEBA, CABA

• No Te Va Gustar: 7 de abril en el Salón Metropolitano, Rosario; 11 de mayo en Plaza De La Música, Córdoba y 8 de Septiembre en Directv Arena, Gran Buenos Aires 

• Roger Waters: 6 de Noviembre, Estadio Único de La Plata, La Plata. 

Chile

• Lollapalooza 16, 17, 18 de Marzo, Parque O´Higgins. Bandas según los días en imagen.

• Gorillaz: 20 de Marzo, Movistar Arena

• Depeche Mode: 21 de Marzo, Estadio Nacional.

• Thundercat: 8 de mayo, Teatro Nescafé de las Artes.

• Bad Bunny: 11 de mayo, Movistar Arena

• Napalm Death y Cannibal Corpse: 26 de septiembre, Teatro Caupolicán

Napalm Death

Cannibal Corpse

• Joan Manuel Serrat: 21 y 22 de Noviembre, Teatro Nescafé de las Artes

  Uruguay

• Phill Collins: 17 de Marzo, Estadio Nacional

• Festival Lago encantado: 29, 30, 31 de Marzo

• Babasónicos: 12 de Abril, La Trastienda Samsung

Brasil

• Katy Perry: 17 de marzo, Allianz Parque

• Harry Styles: 29 de Mayo, Espaco das Americas

• Soundhearts Festival: 20 de Abril en Rio y 22 de Abril en Sao Paulo (ficha en imagen más arriba en sección "Argentina")
• Demi Lovato: 21 de Abril, Jeunesse Arena, Rio

• Ozzy Osbourne: 20 de mayo, Jeunesse Arena.
• Roger Waters: 24 de Octubre, Estadio Maracana
• Napalm Death y Cannibal Corpse: 14 de Septiembre, Circo Voador

Paraguay

• Asuncionico: 20, 21 y 27 de marzo. Bandas en imagen.

• Life In Color: 22 de Abril, Jockey Club, Asunción. Bandas en imagen

• Ricardo Arjona: 7 de Abril, Jockey Club

                                   

Bolivia

• No he encontrado las fechas pero artistas como Bad Bunny, Marco Antonio Solís, Ricardo Arjona, Chayanne y Wisin están confirmados para este 2018

Perú

• 17 de Abril: Soundhearts Festival (Ficha e imagen en la sección "Argentina") en Estadio Nacional De Lima.
• Mayhem: 22 de junio, Lima
• Dalevuelta (nacional): 10 de marzo Hensley de barranco, Lima; 16 de marzo en Ecco's Lounge, Puno y 17 de Marzo en La Bóveda, Arequipa
• Steven Hackett: 15 de Marzo, Gran Teatro Nacional, Lima

Colombia

• Soundhearts Festival: 25 de Abril, Parque Deportivo, Bogotá (ver "Argentina")
• Depeche Mode: 16 de Marzo, Parque Simón Bolívar, Bogotá
• Festival Estéreo Picnic: 23, 24, 25 de Marzo, Parque deportivo, Bogotá. Bandas y artistas según los días en imagen.

El Origen del Hip-Hop

No se puede tomar solo al Hip-Hop como un género de música sino que, es una cultura compuesta por música, graffitti, baile y rap. Obviamente me enfocaré en el origen de su música.
El Hip-Hop como género está construido gracias al arte de rapear dentro las canciones de este teniendo de fondo una base rítmica que puede ser propia de un Dj o sampleada, es decir, el uso repetitivo de una parte de una canción que componga la base de este otro tema de rap. El género tiene sus raices en el Funk, música Disco, Soul, Rhythm and Blues (R&B) y hasta Reggae. El movimiento se originó en la costa este de Estados Unidos a mediados y fines de la década de los años '70, más específicamente en los barrios de Bronx y Harlem, los barrios con menos recursos de Nueva York que se convertirían en foco importantisimo del crecimiento de los primeros Mcs o maestros de ceremonia. Pandillas, delitos, pobreza y fiestas nocturnas era lo que rodeaba al Bronx.

Bronx en los años '70

Inicialmente el Hip-Hop nacería como manifiesto con descontento de la gente de estos barrios, como lo fue el punk en inglaterra lo mismo estaba pasando en norteamérica, se usaría la música como vocero de la comunidad negra y del Bronx.

La música disco reinaba en Nueva York mientras que en el Bronx, donde nada era risas como lo era en el centro de la ciudad, llegaba una serie de personas que realizaría fiestas nocturnas con vinilos de música disco, funk, y soul. El primero en hacerlo fue el Dj Kool Herc llamado "el padre del hip-hop" donde pinchaba y hacía breaks repetitivos (rallarlos) con los discos de los mencionados géneros. Con ese ritmo la gente hacia Breakdancing y hacia rimas al ritmo de Kool Herc desafiando a otras pandillas del barrio. Esto fue pasando de boca en boca en las manzanas del Bronx haciéndose cada vez mas popular al nivel que algunos decidieron seguir los pasos de Kool y hacer lo mismo como Afrika Bambaataa, Red Alert y Grandmaster Flash. En poco tiempo, la música, el rap, la competencia y el baile paso de ser en fiestas a ser algo recurrente en las plazas del Bronx donde los djs enchufaban sus tocadiscos y amplificadores en las farolas.

Invitación de Kool Herc

Ya consolidado el Hip-Hop en fiestas y plazas, las fiestas ya se organizaban por pandillas, no necesariamente con conflictos sino que al contrario, el Hip-Hop había nacido para poder unificar a todos estos jóvenes y disipar la violencia que habia entre todas esas pandillas, creanme, había demasiadas. Afrika Bambaataa fundó la Zulu Nation compuesta por los lideres de las diferentes pandillas, con ellos empezaría a organizar fiestas y eventos. Grandmaster Flash perfeccionaría todo esto con técnicas nuevas e ideas innovadoras que después se verían reflejadas en uno de los primeros temas grabados de hip-hop de la historia y también de los más populares y hablando de los primeros temas grabados hay una controversia acerca de esto.

Grandmaster Flash

El Hip-Hop saltó de las calles al estudio en primer lugar gracias al trio The Sugarhill Gang y Sylvia y Joe Robinson, una pareja inversionista que al escuchar a Wonder Mike, Big Bank Hank y Master Gee que en realidad no eran tan conocidos por rapear debido a que en realidad dedicaban su tiempo a otra cosa, pero al escucharlos, invirtieron en ellos, fundaron un estudio y nació lo que sería el primer sencillo del género "Rapper's Delight" en 1979. La contradicción yace en que al mismo tiempo se habría publicado otro sencillo llamado "King Tim III" de "The Fatback Band" y en que el rítmo y una que otra rima de "Rapper's Delight" en realidad parece pertenecer a Grandmaster Caz, en aquel momento miembro de The Cold Crush Brothers el cuál nunca le dieron crédito de la canción. Irónicamente la canción en una línea dice: "Nunca dejes que un Mc robe tu ritmo". A pesar de esto, esta fue la canción que dio el primer gran salto comercial del Hip-Hop.

Esta cultura y música nació en el lugar adecuado para generar unión entre jóvenes y personas que lo necesitaban. Muchas organizaciones en el Bronx buscaban lo mismo como las religiones y hasta el partido de las panteras negras pero siempre lo lograban con parcialidad. Al surgir el Hip-Hop, todos estaban construyendo una misma causa.

The Strokes - Is This It (2001)

Conquistando desde el primer instante tanto a su primer mánager que decidió cambiar su trabajo por ellos, como a su público de turno en Nueva York. Is This It es el álbum debut de la banda estadounidense The Strokes liderada por el vocalista Julian Casablancas y amigos de la infancia como Nick Valensi (guitarra), Albert Hammond Jr, (guitarra), Nikolai Fraiture (bajo) y Fabrizio Moretti (batería) publicado a comienzo del nuevo milenio el 20 de agosto de 2001. De repercusión inmediata gracias a su primer sencillo "The Modern Age" lanzado meses antes, Is This It para muchos presentó una faceta nueva del Garage Rock en este milenio pero que digamos, no fue demoledora. Al fin y al cabo este álbum se puede encontrar mucha crítica contradictoria acerca de su calidad, pero lo cierto es que siempre tuvo y tendrá aires de grandeza, importancia e influencia en subgéneros del rock que son innegables y que no por nada se los denominó los "Salvadores Del Rock".
Gracias a su rápido rítmo de mezclas del indie hasta el thrash  y letras típicas de vivencias de la mesoadolescencia, Is This It se colocó en el corazón de más de uno tanto en el público como en la crítica. Paso a ser un álbum referente de los últimos años del rock y de la modernidad de este. El trabajo de los Strokes es pegadizo, duro y hasta por partes bailable, realmente brillante a pesar de muchos va y vienes y criticas que vendían pescado podrido. El álbum contiene de las canciones más importantes de la banda como "Is This It", "Soma", "Someday", "Barely Legal" Y "Last Nite".

Segunda portada

Portada original 

Is This It fue un capítulo bastante accidentado en la historia de The Strokes si contamos que debió cambiar la portada del álbum y que debió modificar el orden de sus canciones y la censura de "New York City Cops", canción que en su estribillo insistía en que los policías de Nueva York no eran lo suficientemente listos. Estos cambios se debieron al posterior atentado del 11 de septiembre al World Trade Center justo en la ciudad de los Strokes. La gente no estaba como para tolerar un estribillo denigratorio. Is This It utiliza a lo largo de todo el álbum compases 4/4 del Garage Rock lo que lo identifica como un sonido fuerte y juvenil con la potente voz de Casablancas con la ayuda de arreglos lo-fi por parte de la producción que convierte a las canciones como "The Modern Age" en joyas. The Strokes podrían ser considerados como uno de los últimos en tener ideas originales con respecto al Rock.

Lista De Canciones:

1. "Is This It" 2:31
2. "The Modern Age" 3:28
3. "Soma" 2:34
4. "Barely Legal" 3:55
5. "Someday" 3:04
6. "Alone, Together" 3:09
7. "Last Nite" 3:14
8. "Hard To Explain" 3:44
9. "New York City Cops" 3:31
10. "Trying Your Luck" 3:23
11. "Take It or Leave It" 3:16

Mi Calificación: 5/5 Estrellas

The Mamas & The Papas - If You Can Believe Your Eyes and Ears (1966)

Mostrando la cara más resplandeciente de California hacia el mundo, como The Beach Boys, The Mamas & The Papas debutaron en los estudios con rotundos éxitos y reconocimientos gracias a esta fusión alegre del Pop, Folk y Soul caracterizados por sus alternaciones vocales masculina-femenina.
If You Can Believe realmente fue uno de esos sellos característicos del movimiento hippie y el verano del amor al año siguiente, importante en lo social tanto como en lo musical debido a que de aquí en mas, el cuarteto nunca recuperaría ese envión artístico de calidad con el que arrancaron al hacer este álbum.

Rico en baladas y canciones acerca de amoríos, If You Can Believe turna canciones donde en algunas la voz dominante es la de Denny Doherty o John Phillips y en otras son las de Michelle Phillips y Cass Elliot apoyándose en coros de las restantes. Es importante no olvidarse de que el álbum contiene los éxitos más importantes del cuarteto como "Monday Monday" o la mítica "California Dreamin'" la cual se convirtió en símbolo referente de la banda y de la década. Se le acredita mucho el éxito lírico a John Phillips el cuál es el compositor principal un tanto subestimado en ese momento, esto sin desacreditar las persistentes voces de todo el cuarteto.

Lista De Canciones:

1. "Monday, Monday" 3:27
2. "Straight Shooter" 3:27
3. "Got a Feelin'" 2:31
4. "I Call Your Name" 2:39
5. "Do You Wanna Dance?" 2:57
6. "Go Were You Wanna Go" 2:30
7. "California Dreamin'" 2:41
8. "Spanish Harlem" 3:21
9. "Somebody Groovy" 3:15
10. "Hey Girl" 2:27
11. "You Baby" 2:19
12. "The "In" Crowd" 3:10

Mi Calificación: 4/5 Estrellas 

La Siniestra Historia de Silencer y Su Vocalista Nattramn

Esta bien claro que la región de Escandinavia en el norte de Europa (Finlandia, Suecia, Noruega, Dinamarca) es la región con más bandas de metal per cápita del mundo, es decir, allí se acenta más el metal pero con otras características: letras acerca del suicidio, depresión, sufrimiento, oscuridad, ateísmo e incluso satanismo. Allí crecieron más las ramas de los subgéneros como el Death Metal o Black Metal.
Dicho esto, Silencer fue una banda formada en Vaxjo, Suecia en 1995 que tocaba estos géneros tan populares en dicho país. Solo la integraban su vocalista Mikael Nilsson mas conocido como Nattramn y el guitarrista Andreas Casado o Leere como se hacía conocer. La banda originó una mística propia que posteriormente a la desaparición de la banda y gracias al episodio de Nattramn se haría conocida en muchos lugares del mundo aunque nunca hallan dado un concierto o siquiera una entrevista. La banda graba en julio del año 2000 su único material discográfico llamado "Death - Pierce Me"el cual poseía dos lados dentro del cd, el lado Kill (mátate) y el lado Yourself (tú mismo) con tres canciones cada uno.

Las letras eran compuestas por Nattramn que trataban acerca de suicidio, sangre, muerte, automutilación y odio por la humanidad. El vocalista durante las sesiones de grabación para conseguir un tono cada vez más alto en su voz, se automutilaba cortándose los brazos y los dedos. En una ocasión se despedazó los dedos y los reemplazó por patas de cerdo sujetándolas con bendas ensangrentadas en sus manos y por todo su cuerpo. Nattramn poseía un alto descontrol mental y una fuerte esquizofrenia que lo obligaba tomar antidepresivos y otros fuertes fármacos que al parecer no eran suficientes para la locura de este artista. Nattramn estaba en un plano totalmente diferente a una persona promedio, veía las cosas de diferente manera.

A la brevedad de la publicación del álbum, Nattramn fue internado en un hospital psiquiátrico por su problemas mentales que padecía. De aquí en más a excepción del álbum siguiente, son todos rumores debido al poder de divulgación de la internet, queda en ustedes creer o no.

Actualmente, Nattramn esta libre y no se sabe mucho de el, tuvo colaboraciones en 2010 con dos bandas del mismo género pero por lo que siempre será recordado en el mundo del rock y en la internet será por el episodio que vemos en la imagen.