Travis Scott - Rodeo (2015)

Viniendo de años en donde de a poco el género explícito del Trap Rap se fue acrecentando sin hacer mucho ruido en ese entonces, en 2014 aparecería la figura de Travis Scott, un joven de Houston, Texas que daría para el género el salto más importante en la corta historia de este y que lo influenciaría hasta el dia de hoy.
En el año 2014, Travis Scott lanzaba "Days Before Rodeo" un mixtape que claramente mostraba que se avecinaba este álbum mostrando una base familiar a lo que sería el debut oficial pero sin tanto lujo. Para entender la magnitud de Rodeo dentro del género urbano desde el vamos hay que decir que no hubo uno igual, no lo considero el mejor pero si el más importante hasta el dia de hoy debido a que tiene características, recursos y estrategias en la producción que ningún otro álbum en el Trap lo tiene. Rodeo fue lanzado el 4 de Septiembre de 2015.

Trap Rap, Experimental Hip Hop
Epic Records, Grand Hustle

Mi Calificación: 4,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Oh My Dis Side, 3500, 90210, Nightcrawler, Maria I'm Drunk, Ok Alright (solo Deluxe Edition)

Muchos toman a Rodeo como un álbum conceptual y es que el concepto en si es la transformación de Jacques Webster (nombre de nacimiento) en Travis Scott, un sujeto que es multimillonario, lo presume con estilo, dice ser peligroso y disfruta de no obedecer al sistema corporativo y lucha contra el mismo, agregando que según el tampoco respeta la monogamia de manera algo intensa. Contándolo así, suena algo estúpido pero lo que realmente sucede es el despertar de su alter ego, Travis Scott, en otras palabras, simboliza el nacimiento de la carrera de Travis como rapero. A todo esto, Rodeo comienza comienza con una intro narrada por T.I. en donde detalla quien es el y que nos dejemos llevar por la ambición y que realmente suena muy convincente y surrealista, lo demasiado como para querer seguir escuchando.

Por un lado, lo banal que puede llegar a ser Travis Scott puede llegar a aburrir un poco pero mientras el detalla muchas cosas en sus canciones, hay muchas cosas que le juegan a favor aquí, inclusive si tiene autotune y esto es la forma de crear los versos, como juega con las colaboraciones y por sobre todo el manejo que tiene para formar diferentes tonos y voces mientras rapea, en otras palabras, su flow es muy bueno, teniendo como puntos más importantes a nivel vocal en Oh My Dis Side y Nightcrawler.

De lo que estoy seguro es que Rodeo es un álbum bastante importante gracias también a la buena participación de las colaboraciones, las mismas son de lujo cabe destacar. A pesar de que tiene la absurda cantidad de doce colaboradores (13 si contamos la versión Deluxe) es difícil criticarlas negativamente debido a que cada una ayuda con ganchos, estribillos, ad-libs o acotes bastantes dinámicos aportando a la versatilidad del álbum. En cierto punto, comparte lo que comparten muchos de los álbum de Trap que es la repetitiva ganancia autónoma que tiene cada rapero que puede llegar a lo absurdo pero en cambio, Rodeo esta respaldado por creatividad, por ambientación, por lujo e increíblemente por Pop. ¿Por qué? Porque estos son recursos música Pop. 

Rodeo vino acompañado de clásicos como "90210", "Antidote", "Piss On Your Grave" y "Maria I'm Drunk" tanto dentro del repertorio de canciones del artista como del género y las cuatro comparten algo que componen la parte más importante del álbum, la creatividad y la imaginación práctica a la hora de elaborar la canción y de generar los sampleos. 90210 es sin duda el momento más progresivo y creativo en la carrera del artista en donde en compañia de Kacy Hill, la canción se puede separar en dos partes completamente diferentes una de las otras en donde por primera vez Scott canta con melancolía en honor a la historia de una mujer prostituta; Antidote comparte una idea parecida a la canción anteriormente dicha y se convirtió en el primer hit mainstream del cantante; Piss On Your Grave mezcla sorpresivamente un sampleo de Rock Psicodélico con una canción explícita y sucia mientras que Maria I´m Drunk es sin duda la canción que mejores colaboraciones tiene, Justin Bieber y Young Thug cantando acerca de la cultura del alcohol.

Mis otras dos canciones claves son Oh My Dis Side y Nightcrawler mencionadas anteriormente. En la primera teniendo una de las mejores bases que he escuchado, con un sonido rítmico, oscuro, lento junto con la compañía de Quavo de forma genial, mientras que Nightcrawler, con Swae Lee y Chief Keef, es una canción más explícita acerca de lo que podría ser una noche de club brindada por el poder de la venta de drogas. Teniendo una base con un estilo industrial, esta canción goza de momentos repetitivos, momentos vocales geniales, versos algo más tradicionales y un autotune correcto que ayuda al sonido moderno y glamoroso del álbum.

La marca de Rodeo en general no tiene precedente dentro del subgénero, si bien este álbum y el género invita a muchos a reflexionar sobre la música actual, esto es de lo mejor dentro de lo explícito, mucha droga, mucho lujo con mucha música impactante. Rodeo tiene imaginación, es ambiental por momentos en casi todas sus canciones lo que lo hace sorprendente. Un impacto de lujo y flow prevalecente con referencias al juego de las drogas en todo momento. La psicodelia y el rap, nunca han estado tan cerca.

Perfume Genius - Learning (2010)

Perfume Genius es un proyecto en solitario del artista Mike Hadreas que con Learning comenzaría su discografía. El artista retrata un sonido de concreto de Chamber Pop y fuertes raices del Folk en la nueva década, es un trabajo formidable y sólido que desde el primer instante lo convierte en un artista inteligente y personalmente querido. Perfume Genius se encargó de que Learning sea lo suficientemente profundo dentro de un trabajo tan simple que carece de experimentación, muchos acordes, muchos arreglos y sobrecarga de elementos que podría poseer cualquier otro álbum.
El álbum fue lanzado el 22 de Junio de 2010.

Singer/Songwriter, Chamber Pop, Chamber Folk, Ambient Pop
Matador Records

Mi Calificación: 4 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Lookout, Lookout, Gay Angels, You Won't B Here, No Problem

Si bien Mike utiliza con su piano en casi la totalidad del álbum un sonido minimalista y repetitivo desde un comienzo, esto cuando se combina con la gran producción del álbum destinada a la ambientación generan canciones realmente agradables y melancólicas. El trabajo ambiental que desata en Learning es realmente único e infravalorado que a no ser que se lo reconozca nuevamente hoy en dia como uno de sus mejores proyectos, no voy a cambiar de parecer.

La faceta electrónica y moderna que presenta por un lado el álbum es fantástica y también lo es su voz en estilo Lo-Fi como en No Problem o lo influeyentes que se vuelven los sonidos de cuerda en Write To Your Brother y en When.

Perfectamente a la altura de la gran producción y la interpretación de los instrumentos, indudablemente se encuentra la lírica profunda y triste que abraza Mike que lo vuelve un artista totalmente apasionado que por momentos se convierte un poco surrealista pero siempre manteniendo un momento agridulce y triste. Esta es la esencia real de Learning que por más que parezca un poco deprimente, a lo que realmente trata de llegar es a cada uno de nosotros los oyentes con recursos muy simples pero con una gran manipulación de lo que quizás sean experiencias de vida del artista tanto en sus relaciones amorosas con otros hombres como sentimientos de turno en el fondo de Mike.

Ghost - Opus Eponymous (2010)

Ghost muestra ser una banda con un aspecto muy oscuro y controversial que a la hora de la escucha siempre deja algún que otro sorprendido debido a que no siempre es lo que parece debido a que por su apariencia se asemeja, con nombre y todo, mucho a una banda promedio o destacada del Black o Death Metal que en realidad solo suena como un Heavy Metal prodigio que por momentos hasta puede considerarse de una gran talla comercial es decir, su música y su apariencia no van de la mano. Cabe la aclaración debido a que Opus Eponymous es el álbum debut de la banda sueca que los muestra como un enclave totalmente valioso del Hard Rock y el Heavy Metal de hace tres décadas en nuestros días, o a lo sumo en esta última década. Esto se debe a que el sonido de Ghost es fácilmente distingible y no se asemeja ni al Nu Metal ni a los intentos fallidos de muchas bandas de hacer un buen álbum de rock moderno, analizemos que durante esta década hubieron muchas bandas con mucha trayectoria con buenos regresos como Ratt o Black Sabbath.

Hard Rock, Heavy Metal
Rise Above

Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Ritual, Elizabeth, Stand By Him

Llamativo es su sonido y su temática, la banda utiliza para cada integrante a excepción del vocalista el nombre de "Nameless Ghoul" (Necrófago sin nombre) y el vocalista Tobias Forge que es llamado el Papa Emeritus que dirige esta supuesta iglesia en honor a satán que a través de canciones con fuerte influencia de los años ochenta le rinden su culto (Ritual) y también nos describen letras de oscuridad y terror, como también la banda de Ozzy Osbourne lo ha hecho, como en Elizabeth contándonos la historia de la supuesta vampira y condesa de Hungría Elizabeth Bathory y la inclusión del martillo de brujas en Stand By Him.

La producción del álbum es realmente buena y el sonido tétrico que trata de emular Ghost muchas veces ambientado como en una iglesia gracias a los sintetizadores juntos con los riff pesados que provienen del Doom Metal forman canciones bastante dinámicas y entretenidas con solos muy formidables como el de Ritual, canción que se convirtió en un clásico de la banda por ende es la cuál más destaco, y los solos de Elizabeth y Death Knell que ni siquiera son del todo pesados dentro del Metal. Posee dos instrumentales, la primera canción Deus Culpa interpretada en un órgano etéreo y la última, Génesis más pesada y rockera con batería, guitarra y teclado.

Freddie Gibbs & Madlib - Piñata (2014)

El dúo de Hip Hop formado en 2011 por el grandioso beatmaker Madlib y el rapero de Indiana, tardó más de tres años en lanzar su primer álbum de estudio, Piñata, y la espera se hizo valer porque durante ese lapso, estuvieron casi los tres años y medio grabando pistas para el álbum, formando beats con ritmos grandiosos, rimas serias y crudas de características urbanas y criminales entre otras cosas que posee el álbum. Sin duda fue una larga espera para los más allegados a estos artistas y mas que nada viéndolo por el lado de Madlib debido a que Gibbs todavía estaba en el umbral de los primeros años como artista.
Piñata demostró de que era capaz el rapero de Indiana y reafirmó una postura consagrada ya con años de anterioridad del otro artista del álbum con un dinamismo increíble, con técnicas en beats que se podrían denominar progresistas en otro género musical y sobre todo, Piñata gozó de una gama de sonidos muy amplia que le permite al oyente no aburrirse después de las cinco veces escuchado el álbum. El álbum fue lanzado el 18 de Marzo de 2014

Gangsta Rap, Jazz Rap
Madlib Invazion

Mi Calificación 4,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Deeper, Get High, Thuggin, Uno, Broken, Harold's 

El álbum sin duda alguna es el referente más grande para lo denominado "Gangsta" y con lo denominado me refiero a todo lo que esto abarca ya sea la actitud, la persona y el género del Hip Hop, volviéndose rápidamente un enclave de las raíces de la "Vieja Escuela" del género en época de constantes cambios abruptos para el mismo, en otras palabras, es una joya de antaño que no podemos evitar ver que a la vez su sonido, es gracias a Madlib, totalmente modernista combinado con sampleos del sonido Funk, Soul y Jazz.
Madlib aportó lo suyo anteriormente mencionado pero la parte que todo el mundo se detiene, y debe analizar, es lo tan fuertemente introspectivo que por momentos Piñata puede llegar a ser, incluso tomándolo como un álbum en donde se ven a flor de piel los dolores y remordimientos más grandes de Gibbs que obvtuvo en su pasado antes, durante y después de que halla caído en prisión. Una vez ya fuera y ascendiendo rápidamente entre la escena, Freddie se detuvo en varias canciones para dedicarle letras a su pasado en donde afirma vender cocaína y encontrarse con la noticia de que su ex pareja estaba embarazada mientras el estaba en prisión, quizás unos de los momentos más profundos (Deeper) y más significantes para el rapero en su vida y esto es lo que tiene el álbum, una cruda y seria grandeza para los relatos de Gibbs que obviamente corren por cuenta del dúo y de las colaboraciones que también tuvieron la oportunidad de componer las letras del álbum. Si bien no es el único momento donde Freddie canta acerca de algo que lo impactó de lleno sino que Thuggin' también posee lineas en donde el artista se refiere a su oscuro pasado pero aquí con una connotación más drástica en donde al parecer Freddie no quiere dejar ir su pasado.
Es espectacular el relato de vida que podemos obtener y más la crudeza de como se habla acerca de situaciones callejeras, el juego de la droga (en especial la cocaína) y el posible arrepentimiento que el hombre podría presentar años después de vivir experiencias así. El dúo se dió el lujo hasta de hacer referencia al personaje ficticio Scarface invitando al rapero de mismo nombre, componiendo una canción con dicho nombre y con un pequeño guiño al mismo en el video de Thuggin'.
Sin embargo, Freddie seguramente se siente arrepentido de la mitad de las cosas diferenciando el gusto de la necesidad. Todas estas características componen un álbum que para el juego del Gangsta Rap para años futuros será realmente un referente del momento y de gran importancia en general gracias a la gran mezcla de componentes y el gran dinamismo y soltura. Las colaboraciones, que abundan por cierto, como Bj The Chicago Kid, Domo Genesis, Earl Sweatshirt, Danny Brown y Raekwon son realmente buenas y cumplen con la expectativa de lo que se espera de cada nombre.
En resúmen, Piñata posiblemente es una joya creada en retrospectiva con la frescura del gangsta rap de los años noventa como lo fue Wu-Tang Clan o Ice Cube entre otras figuras significativas del juego del rap callejero en aquel momento, pero en cambio a estos artistas lo que tiene este álbum es que esta respaldado por alguien como Madlib que logró elegir los sampleos a la perfección y una producción verdaderamente genial.

Ariana Grande - Sweetener (2018)

El 17 de agosto de 2018 Ariana Grande lanza su cuarto álbum, Sweetener, que la aleja de sus inicios del Teen Pop y de la figura que solía ser para los jóvenes para comenzar un rumbo mucho más maduro y es que esta es una de las características más importante hasta ese punto de su carrera, la redefinición de calidad y el salto emotivo en la producción que obtuvo en dicho momento.
Si bien Ariana Grande por lejos ya era una estrella pop no específicamente consagrada pero si famosa mundialmente, esta producción fue una variante casi en su totalidad y hay un factor muy importante que he dejado de lado hasta el comienzo de la reseña que sin dudas fue el ataque terrorista ocurrido en un concierto de ella en Manchester en mayo de 2017, hecho que la marcaría también en su carrera profesional

R&B Contemporáneo, Electropop
Republic Records

Mi Calificación: 3,5 / 5
Mejores Canciones: Blazed; God is a Woman; Get Well Soon

Sweetener fue producido en partes por ella misma, Max Martin, ILYA y por Pharrell Williams que para este álbum indudablemente es el nombre más importante luego de la mismisima Ariana obviamente y esto es debido a la gran destreza y apoyo también en la mayoría de las letras del álbum.
Volviendo al cambio de rumbo de la artista, Ariana comenzó a utilizar por primera vez letras explícitas y de doble sentido en varios versos que incitan a algo sexual aunque tampoco son detalles tan relevantes pero al hacerlo por primera vez, cobra más credibilidad e importancia.
Los sonidos y la música en Sweetener muchas veces puede sonar vacío como el absurdo sampleo en The Light Is Coming que canta junto con Nicki Minaj pero eso es lo que logra Sweetener, pasarte de una producción buena y un ritmo agradable a una canción aburrida pero en este transcurso sin duda Ariana trata de mantener el balance de todo con su soprano.
Por otro lado, me lleve muchas sorpresas como Blazed junto a Pharrell, R.E.M. de la que me quede totalmente enamorado, God Is A Woman que es aquí el poderoso sencillo lider del álbum donde para mi se juega con un concepto enorme y que tiene gran valentía y que más allá de todo me parece una performance muy seria y controversial que por más que sea una canción de índole sexual, no esta dejando de usar la palabra dios. Por otro lado, era inevitable la existencia de God Is A Woman en algún momento debido a la ola de moda del género. Luego de estas sorpresas, y en orden, siguen una serie de canciones electropop que definen totalmente la parte moderna del álbum. Sweetener es agradable, es explícito, es serio e ingenioso y esas cualidades solo se ven en desventaja por los errores de producción o por la calidad básica que en momentos presenta.
Por último, lo que terminó de hacerme dar cuenta que Ariana ya no es la misma figura pop solo para jóvenes (algo así como el cambio de Miley Cyrus pero con menos descontrol) fue Get Well Soon, la canción de cierre y debo decir hasta mi favorita. Sin dudas Get Well Soon es una canción casi confesionaria en donde la artista de Florida construye un relato edificante que sin duda alguna para mi es un mensaje de amor propio y valentía hacia ella misma y que realmente forma una hermosa balada.

St. Vincent - Marry Me (2007)

El 10 de Julio de 2007 la cantante y multiinstrumentalista estadounidense Annie Clark más conocida como St. Vincent lanza su álbum debut Marry Me. El álbum es una performance del todo suave y tranquila y se trata de una de las obras más polifacéticas del artista que como toda primera impresión hizo valer realmente la talla de artista que es. Marry Me presentó a la artista en el mundo musical como una persona inteligente, talentosa, interesante y por sobre todo muy buena receptora de la música en general que ella de inmediato lo transformaría en una interpretación gloriosa.

Indie Pop, Art Pop
Beggars Banquet

Mi Calificación: 4 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Your Lips Are Red; Paris Is Burning; Human Racing; What Me Worry

A pesar de conservar tanta influencia y poder transformarla a su esencia con su sello, Marry Me se mantiene como un álbum simple, suave y sin complejidad a pesar también de la gran cantidad de instrumentos que se implementó pero que fueron realmente elegidos de manera genial en cada compás y cada momento determinado del álbum y es que la referencia más grande va destinada a los instrumentos de cuerda que le dan el toque del Chamber Pop y el gran sonido barroco, cabe destacar que Clark llegó a tocar hasta 12 instrumentos logrando música no tan "cargada". A flor de piel quedan las influencias de diferentes artistas como lo podría ser su amigo Sufjan Stevens y de otros artistas de talla aún más grande como Bjork o David Bowie.

La composición en general dentro de Marry Me trata en profundidad sobre el amor, intensas canciones con metáforas dulces como en Your Lips Are Red o All My Stars Aligned mientras que otras son mucho más profundas en tema de relaciones intrapersonales como Marry Me y Human Racing. 

Marry Me realmente fue un gran debut sólido y talentoso para una artista que se convertiría en una de las figuras femeninas más importantes del nuevo siglo. Simple y meloso, este álbum es una gran entrega de poder a los oídos de cualquiera.

Juice WRLD - Goodbye & Good Riddance (2018)

Goodbye & Good Riddance es el álbum debut del rapero nacido en Chicago, Juice WRLD. La idea se centra más que nada en una figura de estilo público que combina los factores de moda en la escena regional y mundial del género, una forma de redimirse al mundo pop y mainstream de forma rápida y hasta magistral debido a la gran rapidéz del mismo para adentrarse en este circuito tan grande de la música.
Si bien tiene todas las cualidades para poder ser una futura promesa del medio o de la música tanto Pop como Rap, carece de habilidad alguna para la composición por solitario de letras profundas y/o filosóficas aunque mucho eso no se ven en el foco mainstream en el cual se adentró gracias a Lucid Dreams, el punto más popular e importante dentro de este álbum, el cual se convirtió en un hit y una canción muy escuchada alrededor del mundo como también una de las mejores del artistas a pesar de su densa composición. Alcanzó el puesto #2 en su posición más alta en el Billboard Hot 100.

Trap Rap, Emo Trap
Interscope Records

Mi Calificación: 2,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: All Girls Are The Same, Lucid Dreams, Armed and Dangerous

La producción muestra realmente unos beats lentos, densos y sobretodo ásperos y malos en su mayoría aunque interesantes por pocos momentos en los que se destacan Black & White y la mejore del álbum All Girls Are The Same. Los ritmos y el flow de Juice son muy repetitivos y nada dinámicos siempre manteniendo una tendencia a repetir versos en la mayoría de sus canciones como recurso típico de "mumble rapper" como en el verso principal de Lean Wit Me, canción en donde reflexiona acerca de sus adicciones, y I´ll Fine como ejemplos más claros. Si Juice se hizo destacar y famoso en poco tiempo sin duda es gracias al repertorio de la moda y las canciones pegadizas de radio como lo fue Lucid Dreams que dentro de todo va teniendo una de las mejores líricas del cantante hasta que nos encontramos con All Girls Are The Same que es aquí realmente la mejor como he dicho pero no la más popular. Por lo menos aquí, el cantante juega con un beat más rítmico y la letra que de por si es pesimista, no tiende a ser tan trágica y exagerada como lo es el álbum absurdamente en otros momentos.

Esta tendencia de realizar un álbum con casi un sonido de crooner automático con desiluciones y cuentos de corazones rotos últimamente se esta haciendo mucho más frencuente dentro de una masa grisacea que sigue sin encontrar rumbo de calidad. A pesar de esto, los momentos agridulces del álbum lo veo en las canciones recientemente mencionadas que son las que más fuerza tienen y un ritmo más propicio.

Convengamos que las historias introspectivas de Juice WRLD acerca del amor y su dependencia de las drogas a causa del fracaso con este anterior sentimiento, son básicamente excusas de un dolor y/o forma de expresar una dependencia o un acto de comportamiento totalmente propio y con decisiones de uno mismo pero es interesante la pizca introspectiva que trae Goodbye & Good Riddance.

El álbum esta producido por Don Rob, Mitch Mula, Benny Blanco, Nick Mira y Cardo lo que me da a entender que de tantos productores no se pudo sacar una producción limpia y agradable por más que esté todo el billete arriba de la mesa, o quizás estamos prejuzgando también y como último detalle, solo posee una colaboración, Wasted con Lil Uzi Vert, una de las peores performance de Uzi en un tema repetitivo, banal y aburrido.

Moby - Play (1999)

La carrera de Moby venía realmente en picada, de ambas partes tanto de su parte solista como de la parte grupal con The Pork Guys, su banda Punk. En sus inicios, el propiamente Dj Moby se dedicó a componer canciones de Techno, Acid Techno y Dance entre los géneros más recurrentes del artista que aún así a finales de los noventa no conseguía éxito alguno. Sin ninguna chance de rendirse, el estilo de Moby cambió radicalmente comenzando por su álbum "Everything Is Wrong" y llegando a su cúspide como artista con este álbum, Play.
El álbum es una faceta mucho más profunda del artista y este mismo le debe las gracias a la voluntad de Moby de poder remontar una difícil situación que transcurría como artista. Moby pasó de elegir el Punk por un lado y el Techno por otro para volcarse de lleno en un campo mucho más experimental, el Downtempo.
Sin Embargo, no todo se trata del giro musical que dio Moby, sino de la viveza y el truco que se le ocurrió a Moby para saltar desesperadamente al mundo pop que fue licenciar todas las canciones para que estén aptas para aparecer en comerciales, películas y series, así Moby se encontraría suciamente por todos lados pero sin dudas cosechando un éxito comercial con un álbum, no en su totalidad pero si en su mayoría, de electrónica, algo que no es muy habitual. Por ese entonces, el artista creció enormemente tanto en lo comercial como en lo musical. También se han promocionado nueve sencillos del álbum.

Downtempo, Ambient Pop, House
Little Idiot, BMG

Mi Calificación: 4,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Natural Blues, Porcelain, Why Does My Heart Feel So Bad?, Rushing

El álbum tiene fusión, ritmo, modernidad y hasta simpleza en los sonidos suaves como también ritmos rápidos y propicios, de alguna manera el álbum de Moby lo reformó nuevamente por completo.

Las canciones de mezcla blues-electronica son realmente novedosas e inesperadas por parte del artista sampleando sonidos muy viejos con un ritmo breakbeat apreciable. Las conocidas "Natural Blues", "Porcelain" y "Why Does My Heart Feel So Bad?" junto con la instrumental de piano "Rushing" son sin dudas los platos fuertes del menú creativo de Play. Un menú que mostró a Moby entre los artistas mas populares y marcando grandes clásicos del género a final de década, clásicos que serán escuchados por varios años.

"Porcelain" es genial por la voz que practica Moby que obviamente en esta oportunidad es suya y no se trata de un sampleo pero se vuelve algo repetitiva a lo mismo que el álbum que lo puede llegar a deslucir un poco pero a pesar de esto es genial la ambientación que genera, los sonidos de cuerdas del inicio y el outro (final) de la canción sostenido por un tenue piano forman una canción Ambient Pop trascendental con cierto sonido comercial. Las puramente electrónicas como Machete o Bodyrock se asemeja a sus principios del Techno y Breakbeat.

Uno de los lanzamientos más curiosos y completos de 1999.

El Origen de Grandes Bandas Capítulo 16: The Velvet Underground

The Velvet Underground fue una de las bandas que mostró la faceta más oscura de la psicodelia de los sesenta, una banda vanguardista y oscura con ideales revolucionarios y manifestantes en el contexto ideal y propicio para mostrarse hacia el mundo, en otras palabras, The Velvet Underground fue arte Punk cuando el Punk no se llamaba así. La banda fue clave para el desarrollo posterior del Pop y el Rock.
Originada en la ciudad de Nueva York en el año 1964, fue fundada por Lou Reed y John Cale. Reed y Cale se conocieron en Pickwick Records en donde Reed componía y lugar al que asistía Cale por parte de sus estudios de música, cabe destacar que Cale se mudó desde Gales para aprender música en norteamérica. Juntos formarían un grupo junto con Walter DeMaria y Tony Conrand llamado The Primitives que es de donde salen las primeras grabaciones como músicos de los cuatro, cabe destacar que Reed tenía canciones compuestas desde hace varios meses de la creación de este cuarteto.
Los únicos dos que seguirían un proyecto musical serían Cale y Reed, devuelta solos por el abandono de los otros dos músicos, se les unen el guitarrista Sterling Morrison y en la batería Angus McLise que duró pocos meses hasta que la banda comenzó a cobrar por presentación y reemplazado por Maureen Tucker, novedosa e inusual baterista con métodos extraordinarios a la hora de tocar. Para ese entonces ya no era The Primitives sino que se llamaban The Warlocks y luego The Falling Spikes. Finalmente el grupo sería rebautizado como, The Velvet Underground, nombre extraído de un libro de sadomasoquismo de Michael Leigh.

La banda comenzó a comercializarse como diría McLise y comenzó a entrar en bares importantes de la Gran Manzana teniendo como gran contacto a Al Aronowitz que luego de varias presentaciones les consiguió un lugar como banda principal en Café Bizarre en donde esa noche les llegó la fortuna, esa noche Andy Warhol, el productor, pintor y cineasta, estaba presente y los haría saltar a la fama sin que ellos supieran. La verdad era que Andy había ido allí para ver bandas de Rock, elegir una y llevarla consigo a su ambicioso proyecto llamado The Exploding Plastic Inevitable.

The Velvet Underground con la cantante Nico

Asi es como se formó esta bohemia y oscura banda que luego formaría parte de este proyecto de Warhol en el cual sugirió que la cantante alemana Nico, que residía en Estados Unidos por ser parte de dicho proyecto, se les uniese para un álbum en conjunto luego de ver el tremendo potencial de la cantante. Reed que comandaba la banda, dijo que era mala idea y todos concordaron pero a fin de cuentas y de conveniencia aceptó y surgió uno de los trabajos más celebres de la música pop. Reed aceptó por conveniencia en cierto punto porque si perdían el apoyo de Warhol, perderían dinero, producción, probabilidades del salto al estrellato y demás cosas. The Velvet Underground & Nico lanzado en 1967 se convirtió en el álbum debut de la banda con la compañia de dicha cantante. En el se incluyen canciones que Reed compuso hace ya varios años a esa altura y que fueron interpretadas por Nico, en su totalidad en algunos casos como "All Tomorrow's Parties", y que sorpresivamente quedaron tan bien como si las hubieran compuesto realmente en ese momento. Otras de las canciones que fue compuesta años antes fue "European Son".

Aphex Twin - Cheetah EP (2016)

Luego del sorprendente y triunfante cuarto álbum del Dj más experimentado en el Intelligent Dance Music (IDM), Syro lanzado en el año 2014 y con dos años de ausencia, vuelve Richard D. James con un trabajo corto y es que de aquí en más hasta el día de hoy es a lo que nos tiene acostumbrados, solo puros lanzamientos en formato EP, sin embargo, Cheetah EP tiene una duración de casi 34 minutos y tranquilamente se lo podría haber presentado como un álbum nuevo de estudio.
Cheetah contiene 7 canciones en donde la primera parte presenta cuatro canciones que comienzan con el nombre Cheetah y difiere en su final. El nombre del álbum rinde tributo a Cheetah Marketing, una empresa británica que realizaba instrumentos musicales electrónicos y periféricos para computadoras en los años ochenta, uno de sus instrumentos era el MS800 como se titula una de las canciones y el que utiliza en todo momento es decir, el álbum esta enteramente masterizado con un Cheetah MS800, uno de tantos juguetes que ha tenido Richard en su haber como artista.

IDM, Techno
Warp Records

La primera parte del álbum es realmente densa en donde el ritmo influenciado por el Techno es muy lento con poco dinamismo y solo podemos ver un sonido ecléctico en "CHEETAH7B" mientras que la introducción es lenta aburrida y densa. En el medio nos encontramos con "CHEETAH77B" "CHEETA1b ms800" en donde cada una dura menos de un minuto y funcionan como parte de transición a la segunda parte del álbum donde se encuentra lo más interesante, "CIRKLON3" y "CIRKLON 1" dos de las mejores canciones de los últimos años del artista, muchas veces subestimadas y criticadas por ser aburridas o banales o al punto de llamarlas básicas. Respectivamente, la primera es rítmica y moderna con sonidos agudos y cortos acompañados de un sintetizador tenue de fondo que gana protagonismo al ritmo techno al final de la canción, la segunda canción se vuelve un poco más repetitiva pero con un buen y tranquilo ritmo. Con "2X202-ST5", las lineas de bajos se saturan y las disfruta al máximo nuevamente como en la canción anterior.
Sin embargo, mucha gente e inclusive yo esperaba algo más de un artista de tal talla que en esta oportunidad nos entregó un trabajo que por momento aburre y por otros muestra su lado vanguardista que lo llevó al lugar por el que es recordado hoy en día. Denso, repetitivo pero inclusive bailable hasta por momentos.

Lista de Canciones:

1. CHEETAH2 [LD spectrum] 5:53
2. CHEETAH7b 6:43
3. CHEETA1b ms800 0:27
4. CHEETA2 ms800 0:37
5. CIRKLON3 8:13
6. CIRKLON 1 7:17
7. 2X202-ST5 4:39

Mi Calificación: 3 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: CIRKLON3; CIRKLON 1