Darkthrone - Transilvanian Hunger (1994)

 Luego del éxito de sus tres primeros álbumes, Darktrhone, banda influyente de Black Metal de Noruega, lanza Transilvanian Hunger el 17 de Febrero de 1994, en medio de una escena bastante candénte y hasta política dentro del pais escandinavo pero mas allá de eso se forjó en la cima del nivel mediático que esta mantuvo. Dicho trabajo cambio mucho el sonido de la banda en su calidad, es decir, estuvo intencionalmente sometido a un sonido lo-fi de comienzo a fin con una pobre fidelidad con el fin de crear una atmósfera aún mas oscura que sus anteriores trabajos. 

Mayhem Records

Black Metal

Mejores Canciones: Transilvanian Hunger, Over Fjell Og Gjennom Torner, Slottet I Det Fjerne, As Flittermice as Satans Spys.

Mi Calificación: 4 / 5 Estrellas

 Sinceramente, ni imagino que Fenriz y Nocturno Culto, los dos integrantes activos en este album, se preocuparan demasiado en como el lo-fi y la estetica mucho mas de culto de este album en comparacion a los anteriores, impactara en los fans y los seguidores del movimiento del Black Metal Noruego, es decir, veo a este trabajo como un intento de crear algo mucho mas siniestro pero con menos frutos o menos tecnica y complejidad a lo que venian haciendo hasta el momento, y si, los riffs son totalmente repetitivos pero, y es un pero muy importante, se vuelve automaticamente adictivos. Transilvanian Hunger tiene el poder de hundirte consigo una vez que lo escuchas, por mas que mucho no entiendas de que va el album, es una faceta que difiere en lo ya cotidiano en la banda. Sumergidos en una total oscuridad minimalista, es una oferta diferente. Sin embargo, la gran pasion y potencia de estos dos seres han descolocado la escena totalmente y han influenciado por mucho tiempo, seguramente hasta el dia de hoy, a varios artistas del genero como tambien del Post-Metal gracias a su ambiente tan cauteloso a pesar de todo.

El àlbum se ejecuta como una inmediata consecuencia despues de la muerte de Per Yngve Ohlin, cantante de Mayhem, siendo como un hecho casi colateral, mas que nada teniendo en referencia que la cancion homonima del album abarca el tema de su muerte. Cabe destacar que sus ultimas cuatro canciones estan escritas por Varg Vikernes de Burzum como para adornar este trabajo que cierra con la trilogia impia o trinidad impia haciendo alusion a la santisima trinidad. El contenido lirico del trabajo no es poesia ni cerca, Vikernes ha de ser el mejor compositor comparandolo con Fenriz y aporta imagenes mas descriptivas y crueles describiendo de igual manera a la oscuridad, el bosque, el ser nordico, la violencia, la frialdad y la crueldad. Por lejos se resalta el amor al bosque, a los lugares reconditos desolados que nos hacen acordar a las tierras de donde proviene estos hombres.

Muchos riffs parecen ser similares como el de Transilvanian Hunger con Graven Takeheimens Saler, o con Slottet i det Fjerne que es tocado con mas agresividad. La voz de Nocturno Culto es mucho mas limpia a comparacion de otros casos, teniendo aun asi lo-fi consigo, y consigue mezclarla con las cuerdas resquebrajeantes de manera exitosa en todo momento del trabajo. Puedo destacar un guiño percusivo a Slayer en Over Fjell og Gjennom Torner que si se le presta solo un poco de atencion es algo totalmente obvio.

He aqui un album de culto que se une a los trabajos mas mediaticos, mejores pensados y mas populares de la segunda ola del Black Metal, siendo tambien uno de los mas importantes, no apto para todo publico. 

 

Moby - Play (1999)

La carrera de Moby venía realmente en picada, de ambas partes tanto de su parte solista como de la parte grupal con The Pork Guys, su banda Punk. En sus inicios, el propiamente Dj Moby se dedicó a componer canciones de Techno, Acid Techno y Dance entre los géneros más recurrentes del artista que aún así a finales de los noventa no conseguía éxito alguno. Sin ninguna chance de rendirse, el estilo de Moby cambió radicalmente comenzando por su álbum "Everything Is Wrong" y llegando a su cúspide como artista con este álbum, Play.
El álbum es una faceta mucho más profunda del artista y este mismo le debe las gracias a la voluntad de Moby de poder remontar una difícil situación que transcurría como artista. Moby pasó de elegir el Punk por un lado y el Techno por otro para volcarse de lleno en un campo mucho más experimental, el Downtempo.
Sin Embargo, no todo se trata del giro musical que dio Moby, sino de la viveza y el truco que se le ocurrió a Moby para saltar desesperadamente al mundo pop que fue licenciar todas las canciones para que estén aptas para aparecer en comerciales, películas y series, así Moby se encontraría suciamente por todos lados pero sin dudas cosechando un éxito comercial con un álbum, no en su totalidad pero si en su mayoría, de electrónica, algo que no es muy habitual. Por ese entonces, el artista creció enormemente tanto en lo comercial como en lo musical. También se han promocionado nueve sencillos del álbum.

Downtempo, Ambient Pop, House
Little Idiot, BMG

Mi Calificación: 4,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Natural Blues, Porcelain, Why Does My Heart Feel So Bad?, Rushing

El álbum tiene fusión, ritmo, modernidad y hasta simpleza en los sonidos suaves como también ritmos rápidos y propicios, de alguna manera el álbum de Moby lo reformó nuevamente por completo.

Las canciones de mezcla blues-electronica son realmente novedosas e inesperadas por parte del artista sampleando sonidos muy viejos con un ritmo breakbeat apreciable. Las conocidas "Natural Blues", "Porcelain" y "Why Does My Heart Feel So Bad?" junto con la instrumental de piano "Rushing" son sin dudas los platos fuertes del menú creativo de Play. Un menú que mostró a Moby entre los artistas mas populares y marcando grandes clásicos del género a final de década, clásicos que serán escuchados por varios años.

"Porcelain" es genial por la voz que practica Moby que obviamente en esta oportunidad es suya y no se trata de un sampleo pero se vuelve algo repetitiva a lo mismo que el álbum que lo puede llegar a deslucir un poco pero a pesar de esto es genial la ambientación que genera, los sonidos de cuerdas del inicio y el outro (final) de la canción sostenido por un tenue piano forman una canción Ambient Pop trascendental con cierto sonido comercial. Las puramente electrónicas como Machete o Bodyrock se asemeja a sus principios del Techno y Breakbeat.

Uno de los lanzamientos más curiosos y completos de 1999.

Muse - Showbiz (1999)

La banda británica Muse publica el 4 de octubre de 1999 su primer álbum después de haber publicado dos EPs que los ayudaron a crecer en listas de popularidad tanto en el país insular como en los Estados Unidos. El comienzo de Muse igualmente no fue del todo fácil, varias discográficas se mostraron firmes y estrictas con el sonido de la banda y rechazaban contratarla para entonces debido a su estilo no tan convincente para sus expectativas.
A pesar de esto, Showbiz fue acompañado de ya una gran popularidad en el país norteamericano dentro del ámbito musical debido a que matuvieron charlas y encuentros con personas y productores de la escena, entre ellos el gran productor Rick Rubin.

Showbiz es quizás el disco más inmaduro de la banda, una forma de avance latente dentro de éstos jóvenes británicos en donde las letras, a propósito todas escritas por Matthew Bellamy, se enfocan en las relaciones personales y en la razón social del ser humano. Resaltando el papel de Bellamy, también acompañaba a su voz en algunas canciones de Showbiz, partes en donde toca el piano interpretadas por el en donde contrasta el poder enérgico de otras canciones como Cave.
En sí, los recursos progresivos de Showbiz como las estructuras de las canciones son buenos y convincentes, muestran un poder real y rockero sin la necesidad de ser estruendoso ni mucho menos convencional. Las partes lentas vuelven al álbum un tanto espacial como Falling Down o momentos en Sunburn o Fillip.
Las letras son simples, directas y sin metáforas donde desinteresadamente la banda crea una performance en base a relatos de amor casi surrealistas. Showbiz fue el camino hacia un proyecto de carácter más profesional y con mayor apoyo auditivo y de producción a futuro, debo decir que fue un buen comienzo que solamente le faltó mucha energía. Sunburn y Cave mis favoritas.

Lista de Canciones:

1. Sunbrn 3:56
2. Muscle Museum 4:24
3. Fillip 3:57
4. Falling Down 4:35
5. Cave 4:47
6. Showbiz 5:18
7. Unintended 3:59
8. Uno 3:40
9. Sober 4:05
10. Escape 3:23
11. Overdue 2:28
12. Hate This & I'll Love You 5:16

Mi Calificación: 3 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: Sunburn, Cave

No Te Va Gustar - Sólo de Noche (1999)

No Te Va Gustar debutó en el mercado musical en diciembre de 1999 cuando se lanzó su álbum debut, Sólo de Noche. La banda comenzó a ganar popularidad en la capital uruguaya luego de ganar el 3° Festival de la Canción de Montevideo y se les abrieron las puertas para lograr grabar un álbum que los hiciera realmente una banda profesional.
Desde sus comienzos siempre incluyeron muchas influencias en sus canciones como ritmos del reggae, la música latina, el ska y hasta la murga. Es así que en este cálido Sólo de Noche podemos encontrar influencias de algunos de estos géneros con el acompañamiento a las guitarras de saxos y trompetas y trombones - Nada Para Ver - formando un ritmo parecido a lo que es el Reggae sin perder la estructura del Rock Latino.

Rock Latino, Murga, Ska

La mayoría de las canciones del álbum son básicas aunque algunas sean clásicas de la banda siguen siendo malas tal es el caso de Nadie Duerme, Yrigoyen y No Era Cierto. El álbum es denso y aburrido sin mencionar el intento de murga de Viá Volvé y el intento bélico de Yalala la la m m.

A pesar de que desde el primer momento me pareció un álbum muy vacío hasta en lo lírico, las pocas cosas que pueden hacer la diferencia acá es la apertura Déjame Bailar y Nada Para Ver. Las estructuras de ambas son más rockeras y profesionales en donde enseguida se nota la diferencia con el resto, hasta la voz de Emilio Brancciari suena mucho mejor en ambas y es que sin dudas los verdaderos clásicos para mí son estos.

Sólo de Noche tiene la esencia de ser un álbum muy humilde, con producción simple y un sonido real que por momento es un poco crítico con la sociedad uruguaya dirigiéndose en sus canciones varias veces a la inmigración y a las villas de emergencia.

En resumen, las canciones más rockeras del álbum son las mejores y es que de a poco la banda irá cortando los lazos con las influencias del reggae, ska y la murga que convirtieron el álbum muy denso. A pesar de esto, la banda fue muy favorecida gracias a su álbum debut.

Lista de Canciones:

1. Dejame Bailar
2. Nada Para Ver
3. Yrigoyen
4. Llevame contigo
5. No Era Cierto
6. Quemala 
7. Yalala la la m m m
8. La Ciudad de los Pibes Sin Calma
9. Viá Volvé
10. Sólo de Día
11. A la Villa
12. ---
13. No Se Les Da
14. Cosa Linda

Mi Calificación: 2 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: Dejame Bailar, Nada Para Ver

Babasónicos - Miami (1999)

Miami es el quinto álbum de estudio de Babasónicos y uno de los más variados en cuanto a lo musical. Babasónicos juega con géneros como el Trip Hop, Boleros y Baladas, el Rock alternativo, Art Rock y la psicodelia bien aplicada en todos estos pasajes bastantes etéreos que se encuentran en el disco. Publicado el 23 de Abril de 1999, Miami también se caracteriza por ser uno de los álbumes con más doble sentido político dentro de la banda haciendo referencia a la actualidad del pueblo Argentino en ese momento y a lo largo de la década de los noventa.

Demasiado es compararlo con un álbum como Ré de Café Tacvba y "The White Album" de The Beatles obviamente pero si me lleva a ellos la variedad de música que puede enfocar en un solo trabajo y sin asi salirse de la linea y el límite que estipula hacer un álbum de estudio con un solo concepto.
El otro atributo más importante y ya nombrado es lo político (reflejado en la portada) y lo lírico que también es bastante variado. En contenido de letras, aquí se encuentran las mejores canciones de la banda y es que es así este fue el climax sin duda de la banda de pop rock de la segunda parte de la década de los años noventa con un Adrián Dargelos y con la banda inspirada componiendo las mejores canciones de la banda y también las más profundas como Gustavo Show, Valle de Valium, Drag Dealer y El Playboy. Miami es un antes y un después por dos cosas en una banda que se inclina definitivamente para el pop en la década de los 2000s. La primera y fundamental causa sería el abandono de la banda por parte del DJ Peggyn por diferencias artísticas y la segunda sería que Babasónicos nunca más volvería al climax de Miami. En lo personal declaro el álbum es un icono de la década de los noventa en Argentina.

Lista de Canciones:

1. 4 AM 4:04
2. Desfachatados 3:55
3. El Ringo 3:25
4. El Sumum 2:28
5. La Roncha 4:13
6. Paraguayana 3:41
7. Valle de Valium 2:43
8. Bardo de Estrella 1:37
9. El Playboy 3:40
10. Drag Dealer 3:20
11. Gustavo Show 4:26
12. Combustible 3:25
13. Charada 2:54
14. Grand Prix 3:40
15. Colgado 2:16
16. Mal Viaje 2:24
17. El Shopping 2:55
18. Casualidad 3:37

Mi Calificación: 4 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: Valle de Valium; Bardo de Estrella; Drag Dealer; Gustavo Show

Nirvana - In Utero (1993)

Siempre se tuvo una enorme expectativa por el tercer álbum de Nirvana debido que ya habían saltado al éxito y popularidad mundial con su anterior álbum y los oyentes querían más, como siempre obviamente. El 21 de Septiembre de 1993 se lanza el tercer álbum, In Utero, con una fachada y un sonido mucho más oscuro que sus sucesores, si bien Bleach fue el reflejo de la ruidosa juventud que llevaban dentro los integrantes y más que nada Kurt, que al ser el compositor de las canciones uno tiende a reflejar las letras en el, luego vino Nevermind con críticas y sobre todo un nivel un poco más optimista y complejo que el primer álbum, pero aquí la situación cambia.

In Utero tiene un sonido más realista, menos producido y pulido aunque la calidad del estudio es buena, los instrumentos muchas veces interrumpen inadecuadamente aunque eso era parte del plan según la banda y realmente no queda mal pero crea un ambiente un poco lúgubre.
A pesar de la reciente fama, es difícil desentrañar que pasaba por la cabeza de Cobain, una persona tan seria como impredecible y complicada como también puede ser simple debido a que muchas veces declaro que las letras de sus canciones solo los fans le ponen el significado y que el solo las escribía sin más preámbulo aunque no siempre fue así. La banda fue bien clara en que proyecto iban a presentar, describieron canciones oscuras - Scentless Apprentice, Rape Me, Very Ape, Radio Friendly Unit Shifter - y melosas - Heart-Shaped Box, Dumb, Pennyroyal Tea, All Apologies - creando una dualidad dentro del disco con los sentimientos encontrados de Kurt.
Lo bueno del álbum es que trabaja de nuevo en bases naturales y a veces estruendosas y/o ruidosas donde sale el carácter más fuerte de la banda pero hay canciones que lo obstaculizan y no lo dejan desarrollar del todo incumpliéndose así un sonido más uniforme pero sin embargo, In Utero, es la despedida y la catarsis de la banda porque sin dudas, Kurt se veía venir este fin ya anunciado tanto de el como de la banda, un genio sin precedentes que pudo haber llegado aún a más y quien sabe hasta donde pero igualmente fue trascendental para el género y la música popular en general.
Resumiendo, In Utero tiene un sonido más directo, pesimista, natural y oscuro con la intención de volver a esa etapa alternativa escapando de la fama y la radiofórmula de Nevermind.

Lista de Canciones

1. Serve The Servants 3:34
2. Scentless Apprentice 3:47
3. Heart-Shaped Box 4:39
4. Rape Me 2:49
5. Frances Farmer Will Have Her Revenge on Seattle 4:07
6. Dumb 2:29
7. Very Ape 1:55
8. Milk It 3:52
9. Pennyroyal Tea 3:36
10. Radio Friendly Unit Shifter 4:49
11. Tourette's 1:33
12. All Apologies 3:50

Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: Scentless Apprentice; Heart-Shaped Box; Dumb; All Apologies

Hermética - Ácido Argentino (1991)

La banda de Heavy y Thrash Metal argentino en el año 1991 lanzaba lo que pasaría a ser un clásico en la historia del género en el ámbito nacional. La banda, conocida popularmente también como "La H", gozó de una reputación y popularidad en auge luego de dicho álbum. Ácido Argentino logró convertirse en el primer disco de oro de la banda.

En Ácido Argentino se mejoró mucho la calidad de sonido y producción aunque a pesar de esto, aun no era del todo clara y seguía siendo estruendosa y alborotada pero gracias a un presupuesto más propicio y numeroso la banda logró mejorar el sonido comparándolo con el primer álbum.
La H siempre fue compuesta por patriotismo y nacionalismo también mostrándose muy aferrados a las convicciones que destacaban en ellos como por ejemplo el rechazo al colonialismo, el imperialismo y el neoliberalismo o el libre mercado. Sus letras muestran la dura viveza de un pueblo muchas veces entre la espada y la pared, una población oprimida y recientemente golpeada. Ricardo Iorio, bajista y principal compositor, se luce como uno de los mejores compositores que el suelo argentino pudo haber producido, un compositor espiritista con ganas de volcar todo lo que el veía en el mundo de las personas que sufren injusticias día a día y no de la manera simple. La estructura de las letras de Hermética muchas veces ofrecen al oyente características inusuales como abarcar temas como magia, religión y ciencias ocultas al mismo tiempo mezclándolo con lo cotidiano argentino y lo originario del país como lo fueron los pueblos indígenas a los que a veces se remiten.
Renombraría Ácido Argentino por Mística Argentina, mística que se observa por parte de una mente como la de Iorio que siempre se refiere al escape, al viaje y al cambio constante. Álbum clave en la historia del heavy metal argentino, el mejor solo por detrás de su primer lanzamiento y líricamente el mejor sin dudas.

Lista de Canciones

1. Robo Un Auto 3:42
2. La Revancha de América 3:37
3. Memoria de Siglos 5:47
4. Predicción 3:26
5. Atravesando Todo Límite 4:00
6. Horizonte Perdido 1:48
7. Vientos de Poder 4:17
8. Del Camionero 4:29
9. Gil Trabajador 3:08
10. Evitando El Ablande 2:52
11. En Las Calles de Liniers 3:28
12. De Pismanta a Baucacheta 3:10

Mi Calificación: 4 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: La Revancha de América; Predicción; Vientos de Poder

Wu-Tang Clan - Enter The Wu-Tang Clan 36 Chambers (1993)

Wu-Tang Clan es un colectivo de Rap compuesto originalmente por los raperos: RZA, GZA, Ol' Dirty Bastard, Method Man, Raekwon, Ghostface Killah, U-God e Inspectah Deck formando lo que sería no uno si no el más influyente colectivo en la historia del Hip Hop. Posteriormente, los miembros de Wu-Tang formarían sus respectivas carreras solistas pero el objetivo en sí era hacerse conocido mediante este colectivo.
Pusieron la idea en marcha y el 9 de Noviembre de 1993 se publicó por Loud Records "Enter The Wu-Tang Clan 36 Chamber. Precisamente no es un álbum conceptual pero si un álbum con una temática centrada en especial, dinámica, interesante, revolucionaria y hasta alternativa.

La forma en que manejaría la producción del álbum iría en contra de todo lo que estaba llevándose a cabo en ese momento a comienzos de la década de los 1990s donde el hip hop se había vuelto algo ya popular, música pop. RZA optó por tomar decisiones alternativas, su hip hop nunca se baso en las ventas, el reconocimiento, el alcance y mucho menos la fama. Wu-Tang Clan fue revolucionario por crear una atmósfera oscura y underground gracias a la lírica y los sampleos de fondo, canciones explícitas que para ser joyas no necesitaban estar en la radio o en los oídos de todos.

A pesar de esto, la inevitable repercusión del álbum llegó y se convirtieron vitales para lo que sería la vuelta de la costa este (West Coast Hip Hop) a la corona de la cultura ya dicha y no solo eso sino también fueron una de las influencias más grandes dentro del subgénero del Hardcore Hip Hop.

Realmente la unión vimos que hizo la fuerza con artistas de este tamaño, la energía que emana esta música nunca fue igualada por sus carreras solistas, ni por asomo. Enter The Wu-Tang Clan es único en lírica y beats, increiblemente los sampleos no hay nada que desear de ellos, notas de piano y Funk en minimalismo es de lo más edificante combinado con ese sonido oscuro. He leído por ahí que textualmente ponían -"Este álbum pudo haber sido un fracaso"- y es que realmente con un proyecto que presente tanto collage como este trabajo pudo haber salido cualquier cosa.

RZA se encargó de volcar la influencia de la cultura asiática dentro del álbum y la banda, la influencia va desde el nombre de la banda hasta sampleos de partes de películas de artes marciales dentro de las canciones y referencias al Kung Fu y el Islam. Dentro del álbum podemos escuchar sampleos de diálogos y lucha de las películas de artes marciales "Enter the Dragon" (1973) y "The 36 Chambers of Shaolin" (1978).

 -"El estilo de Wu-Tang si lo que usted dice es cierto, puede ser muy peligroso ¿Cree que la espada Wu-Tang puede vencerme?" - (Bring Da Ruckus).

 Los integrantes igualmente ya se relacionaban con estas culturas anteriormente. RZA produjo el álbum en su mayoría acreditándose posiblemente la novedad de lo que era Wu-Tang.

Por otro lado, no se puede ignorar la destreza que tuvieron estos raperos entre verso y verso que es difícil elegir uno "mejor que otro" entre los 9 integrantes. Cada uno tiene una manera de corromper los versos de forma diferente, un estilo único como raperos como Kanye West o Jay-Z.

Lista de Canciones

1. Bring da Ruckus 4:10
2. Shame on a Nigga 2:57
3. Clan in da Front 4:33
4. Wu-Tang: 7th Chamber 6:05
5. Can It Be All so Simple/ Intermission 6:53
6. Da Mystery of Chessboxin' 4:48
7. Wu-Tang Clan Ain't Nuthing F*ck Wit 3:36
8. C.R.E.A.M. 4:12
9. Method Man 5:50
10. Protect Ya Neck 4:52
11. Tearz 4:17
12. Wu-Tang: 7th Chambers: Part II 6:10

Mi Calificación: 5/5 Estrellas

Bjork - Post (1995)

Desde su álbum debut pudimos ver que Bjork es una de las artistas más polifacéticas que podemos encontrar en el mundo de la música, esto toma más relevancia aún con este álbum, Post, publicado el 15 de Junio de 1995, es su segundo álbum de estudio y uno de los más aclamado por la crítica.

En esta oportunidad. la cantante islandesa con la ayuda del productor Nelle Hooper y el productor Graham Massey y de ella misma también haciendo las veces de productora, se profundizó y cambió el estilo de las bases y los beats electrónicos de fondo en las canciones, volviéndolo un sonido más oscuro y fuerte como en "Army of Me" o "The Modern Things" entre otras canciones.

Podemos describir al álbum como algo más serio y sereno con más baladas que su antecesor y quizás algo más comercial pero eso se debe a ya una popularidad impuesta. En cuanto a diversidad musical, Bjork en este álbum incluye una versión Swing/Jazz de la canción "Blow a Fuse" de Betty Hutton de la época de las big band donde suenan diferentes instrumentos de orquesta, en "I Miss You" juega con las fusiones de sonido de un acordeón y los beats a los que se le suman trompetas y tambores haciéndolo uno de los temas más experimentales de la cantante y también así una de sus grandes creaciones. Las raíces del sonido industrial, lo experimental, la electrónica y siempre su vibrante voz se puede encontrar todo aquí en Post, un álbum sumamente dinámico.

Si bien se tiene en cuenta la acción de los productores para la creación del trasfondo orquestal de Bjork, la cantante y sus composiciones sentimentales que se asemejan a pequeños pasajes poéticos son un rompecabezas inimaginable, palabras hermosas con descripciones abstractas con bases de Trip Hop, solo ella lo podía haber echo, es la escencia de Bjork

Lista De Canciones

1. "Army of Me" 3:54
2. "Hyper-Ballad" 5:21
3. "The Modern Things" 4:10
4. "It's Oh So Quiet" 3:38
5. "Enjoy" 3:57
6. "You've Been Filrting Again" 2:29
7. "Isobel" 5:47
8. "Possibly Maybe" 5:06
9. "I Miss You" 4:03
10. "Cover Me" 2:06
11. "Headphones" 5:40

Mi Calificación: 5/5 Estrellas

Foo Fighters - Foo Fighters (1995)

Foo Fighters es el proyecto post-nirvana comenzado por Dave Grohl, el baterista de Nirvana hasta el momento de la muerte del cantante de la banda de grunge, Kurt Cobain. El álbum fue publicado el 4 de julio de 1995 y grabado cinco meses antes en Seattle en el estuido independiente de Grohl. A pesar de que el proyecto sería formar una banda, aquí Dave hizo absolutamente todo el trabajo desde guitarra y bajo hasta batería y coproducción con Barrett Jones. Si bien Kris Novoselic, su antiguo compañero en Nirvana participaría en la canción "Big Me", los créditos se los llevaría el baterista.

El álbum tiene un comienzo buenos y las primeras canciones son las mejores, un trabajo tan arduo para una sola persona tampoco sería facil obviamente, muchas de estas canciones Dave las compuso años antes, en los años de Nirvana tal vez asi que eso no sería problema. Apreciamos muchas guitarras distorsionadas en las mayoría de las canciones que la melodía de ellas son diversas, violentas y un tanto repetitivas que lo hace algo dificilmente disfrutable, como también distorsiona su voz como en "Weenie Beenie" que me recuerda a "Territorial Pissings".

Como compositor Grohl nos muestra que no es amante de largas composiciones, la mayoría son cortas, nos muestra el arrepentimiento en la fuerte "I'll Stick Around" y en la gran balada "Big Me" y la fragilidad en "Alone + Easy Target" que por cierto lejos es la mejor del álbum enteramente en letra y música.

Por otro lado en "For All The Cows" observo algo mucho más personal que en las demás canciones, sentimientos profundos quizás de Grohl al componer, también otra canción lenta en el álbum pero que presenta un climax un tanto Thrash característico de estas segunda parte del trabajo, canciones de las cuales solo se destaca "Exhausted", el cierre paulatino que me recuerda nuevamente que Grohl es un ex Nirvana. El sonido amateur y underground esta vivo en la música a lo largo de toda la reproducción llegando a ser una débil continuación de Nirvana. En general, aceptable para ser un debut.

Lista de Canciones

1. "This Is A Call" 3:53
2. "I'll Stick Around" 3:52
3. "Big Me" 2:12
4. "Alone + Easy Target" 4:05
5. "Good Grief" 4:01
6. "Floaty" 4:30
7. "Weenie Beenie" 2:45
8. "Oh, George" 3:00
9. "For All The Cows" 3:30
10. "X-Static" 4:13
11. "Wattershed" 2:15
12. "Exhausted" 5:45

Mi Calificación: 3,5/5 Estrellas

Los Piojos - Chactuchac (1992)

Los Piojos ya tenía 3 años en pequeños recitales y giras tanto nacionales en Argentina por la costa atlántica y capital como por europa cuando se fueron a Francia. Ya era hora de recopilar todas esas canciones y volcarlas en un disco de estudio.

Al ser una especie de recopilatorio de los primeros años de la banda, el panorama estaba bien claro para este proyecto. Con casi todo listo, Los piojos pusieron primera y elaboraron un trabajo con mucha influencia Stone y Ricotera (Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, banda que los apadrinó desde sus comienzos debido a la llamada de atención que les provocaron Los Piojos llegando inclusive a nombrarlos "banda revelación".

Encontramos varias canciones con lírica muy parafrasera y metafórica pero que ciertamente no es tan profunda, no es un álbum tan abstracto a pesar de esto. Imagino algunas canciones conjugar con la portada de este álbum volviéndolo un tanto urbano y oscuro como la marginalidad nombrada en la excelente canción "Los Mocosos" con un riff muy bueno y un relato que me remite directamente hacia la foto. Por otro lado tenemos la inclusión de la armónica que sería recurrente en Andrés "Ciro" Martinez, el vocalista, que la incluye en "Tan Solo" una de las baladas mas seductoras de la banda que posteriormente se volvería un clásico.

Pero esto no es todo lo que Los Piojos nos presentó. La banda se animó a hacer una versión del tango de Enrique Discépolo "Yira Yira", una versión rockera en donde la batería y la guitarra forman sin duda el mejor tema del álbum. La banda sería un conjunto que aparte de tocar rock tocaría candombe y tango, costumbre que dejo una influencia debido a que más adelante otras bandas Argentinas harían lo mismo, como Callejeros.

Chactuchac forjó a la banda y la consolidaría en una discografía firme de la banda Más alla de instrumentos un poco tapados por otros y una producción un tanto noble, Chactuchac es un álbum rico en diferentes rítmos. 

Lista de Canciones

1. "Llévatelo" 5:33
2. "Chac tu Chac" 3:36
3. "Tan Solo" 3:57
4. "Cancheros" 4:49
5. "Los Mocosos" 4:58
6. "A Veces" 3:46
7. "Blues del Traje Gris" 2:53
8. "Yira - Yira" 2:57
9. "Pega - Pega" 3:39
10. "Siempre Bajando" 4:46
11. "Cruel" 4:06

Mi Calificación: 3,5/5 Estrellas

System of a Down - System of a Down (1998)

El debut de System con una gran disquera después de varios intentos fallidos de demos no populares y poco distribuidos en el mercado. Publicado el 30 de Junio de 1998, System of a Down es un álbum bastante caótico y dinámico pero a la hora de analizar líricamente también debemos acordarnos que nuestro compositor y vocalista Serj Tankian, practicaba muy bien la poesía. El estuvo a cargo de todas las canciones de la banda mientras que la composición musical en su mayoría pero no toda, esta atribuida al guitarrista principal Daron Malakian.

Era 1998 y System nos presentaba este fuerte metal alternativo con rasgos Avant-Grade y fuertes riffs no del todo armoniosos y alguno que otro aburrido que nos hacen pensar hasta en ruidos típicos de circo que podría significar alguna influencia regional de armenia pero conserva una gran fuerza que no debe ser para nada subestimada, una potencia entrañable en la áspera voz de Serj y la guitarra de Malakian. De System se desprendieron tres sencillos: la extraña y más popular por aquellos años "Sugar", la gran y surrealista visión de vida de "Spiders" y la anecdótica y política "War?". A partir de aquí la banda centraría un concepto más político y global dentro de las letras pero habría que esperar. Lo cierto es que con este lanzamiento, la banda de ascendencia armenia con sus rasgos góticos iría ganando terreno poco a poco con sencillos de calidad que la acercan a ser una de las mejores bandas del movimiento del Nu Metal.
La portada retrata una mano abierta que similar a la del Partido Comunista Alemán que estaba en contra del Tercer Reich Adolf Hitler, esta mano fue tomada de referencia para el poema que hay dentro del libro del album donde se encuentra un poema de Tankian donde recita que con cinco manos es muy facil crear y destruir. La banda tuvo consigo un gran productor como Rick Rubin que también toco el piano como músico de sesión.

Lista De Canciones:

1. "Suite-Pee" 2:32
2. "Know" 2:56
3. "Sugar" 2:34
4. "Suggestions" 2:44
5. "Spiders" 3:35
6. "DDevil" 1:44
7. "Soil" 3:25
8. "War?" 2:40
9. "Mind" 6:18
10. "Peephole" 4:04
11. "CUBErt" 1:49
12. "Darts" 2:42
13. "P.L.U.C.K." 3:38

Mi Calificación: 3,5/5 Estrellas 

Radiohead - OK Computer (1997)

Radiohead se renueva, lanza su tercer album con una faceta no antes vista de ellos y con un ojo crítico profundo atentando contra el sistema capitalista y su aliado el consumismo y la vida en la postmodernidad. OK Computer cambio la banda por completo, fue un trabajo de transición de alto nivel que hizo que la banda pasara de ser un gran banda británica a uno de los mejores artistas del momento y de la historia. El álbum fue grabado en Inglaterra, luego de la estresante gira correspondiente a The Bends, y lanzado el 21 de mayo de 1997.

OK Computer goza de un sonido muy diferente a sus antecesores con un genial virtuosismo utilizado en la mayoría de las canciones. Las críticas hacia la sociedad de este trabajo y hasta su portada y libro interior aparentan mas a una obra conceptual de Art Rock que de Rock Alternativo, pero Radiohead sigue gozando de canciones con guitarras duras como lo son "Airbag", "Climbing Up The Walls", "Subterranean Homesick Alien" (en honor a Bob Dylan), y "Paranoid Android".

Luego de su segundo álbum, los integrantes de la banda decidieron que las canciones, la lírica y el estilo de la banda cambiaría por completo para su tercer lanzamiento y cuando se referían a todo era literalmente a todo debido a que la banda grabó el álbum en un estudio casero y rural con equipos de grabación comprados por ellos mismo, la banda era aún más subversiva que lo aparenta ser en el álbum, aborrecía completamente un sistema dominante.

El álbum esta en constante relación con lo electrónico (composición del álbum e instrumentos usados) y la tecnología (pros y contras que tiene sobre nosotros en un mundo consumista) algo así como el mito de Prometeo cuando decide entregarle el fuego a los humanos para su beneficio, aunque estos no lo hallan usado así en su totalidad. el vocalista Thom Yorke tomo un punto de vista muy negativo de la vida moderna que llevamos todos los días, algo que hoy por hoy en el Siglo XXI es mucho peor que por aquellos días en 1997 y eso es algo que suma mucho a este trabajo, ese increible imperialismo social inculcado en nosotros sigue vigente hoy, como si el disco se tratase de algún trabajo grabado hace unos meses, y no, ya han pasado 20 años y seguirá sonando igual de actual a no ser que nuestra sociedad de un giro radical.

Dificil que en el futuro esta obra pueda ser superada más que nada por la consciencia que transmite al escucharla, un trabajo único y revelador

Posición en listas importantes:

#45 en "Los 100 albumes mas grandes de todos los tiempos" de Blender

#10 en "Top 100 albumes de siempre" de Consequence of Sound

#1 en "Los 100 mejores albumes de los 90's" de Ink Blot

#1 en "Top 100 grabaciones favoritas de los 90's" de Pitchfork

#162 en "Los 500 mejores albumes de todos los tiempos" de Rolling Stone

Nombrado mejor álbum de todos los tiempos por los usuarios de la página Rate Your Music

Lista De Canciones

1. "Airbag" 4:44
2. "Paranoid Android" 6:23
3. "Subterranean Homesick Alien" 4:27
4. "Exit Music (For A Film)" 4:24
5. "Let Down" 4:59
6. "Karma Police" 4:21
7. "Fitter Happier" 1:57
8. "Electioneering" 3:50
9. "Climbing Up The Walls" 4:45
10. "No Surprises" 3:48
11. "Lucky" 4:19
12. "The Tourist" 5:24

Mi Califiación: 5/5 Estrellas

Bjork - Debut (1993)

Bjork Gudmunsdottir, mas conocida como Bjork, es la artista islandesa por excelencia. Después de su paso por la banda de Rock Alternativo, The Sugarcubes, lanza en 1993 su segundo álbum como solista a sus 28 años que lo declara como bien dice el álbum su debut oficial solista aunque a los 11 años ella ya había editado un álbum con ayuda de su padrastro pero esa es historia.

Como solista, Bjork demostraría una amplia gama de género que están también presentes en este álbum como el house, electropop y dance-pop. La voz de Bjork es simple y sencilla, una voz que en Europa durante los años 1990s marcaría una época. Líricamente hablando el álbum es muy melancólico, no sabemos con certeza si la artista que lo canta es en realidad una joven o ya una mujer madura consciente de sus actos. El productor Nellee Hooper coescribió cinco canciones del álbum con Bjork.

Por momentos nos podemos encontrar con su relajante voz melancólica persistente acompañada de cuerdas o instrumentos de percusión con golpes tenues - "Venus as a boy"; "Like Someone In Love"; "Crying" - pero sin duda lo grandioso que tiene este álbum es sus canciones acompañadas de sintetizadores y ritmos electrónicos propios de la época -"There's More Life Than This"; "Violently Happy"; "One Day" -. Este intercambio de ideas y características entre los géneros a los que Bjork se vio acostumbrada, sorprendió rápidamente entre los interesados del mundo de la música. Estos dos tipos de momentos se van alternando durante toda la casi hora completa que tiene de duración. El carisma de la artista y la facilidad con la que conjuga diferentes géneros y gamas en la música. Venus As A Boy es la canción que la saltó al prematuro estrellato entre los profesionales y también una de las canciones que marca la primera parte de su carrera siendo altamente alabada. Subjetivamente, la canción es una de las mejores de ella junto con Human Behaviour y Come To Me. The Anchor Song es un ejemplo de que la artista no olvido sus raíces, haciendo referencia al mar junto a Islandia y a su niñez mientras que la más novedosa Play Dead que se encuentra como un Bonus Track, es la que mejor ritmo electrónico contiene mezclándose con una pequeña orquesta y ya mostrando una de sus primeras canciones en donde mezcla el Chamber Pop con el Trip Hop, una idea de producción de la que se abusaría años después.

Sin dudas Debut es una demostración de lo que una mujer como Bjork es capaz de hacer en la música pop influyendo también la música electrónica.

Lista De Canciones: 

1. "Human Behaviour" 4:12
2. "Crying" 4:49
3. "Venus as a Boy" 4:41
4. "There's more life than this" 3:21
5. "Like someone in love" 4:33
6. "Big time sensuality" 3:56
7. "One Day" 5:24
8. "Aeroplane" 3:54
9. "Come To Me" 4:55
10. "Violently Happy" 4:58
11. "The Anchor Song" 3:32
12. "Play Dead" 3:57

Mi Calificación: 4/5 Estrellas 

Aphex Twin - Selected Ambient Works 85-92 (1992)

Aphex Twin es Richard David James. Un dj que desde primer momento y desde su adolescencia supo mantener esa mística, calidad y profesionalismo musical. Selected Ambient Works 85-92 es lanzado el 12 de Enero del año 1992 y como bien su nombre lo indica es una recopilación de 13 trabajos ambientales realizados desde el año 1985 hasta ese entonces, cabe destacar que en el año 1985 Richard tenía apenas 14 años.
A tan temprana edad Richard supo producir ambient techno e IDM (Intelligent Dance Music) y no solo eso sino que elaboró uno de los álbumes más importantes en la electrónica moderna. Selected Ambient Works acentó las bases de muchos otros artistas de la década de los 1990s y los años 2000s también. Si bien los primeros años como artistas bajo el pseudónimo de Aphex Twin, no fueron tan aclamados por el público y la popularidad si lo fueron por la crítica.
Selected se puede describir como un nuevo punto de partida en la música ambiental con prominentes influencias de Acid House y un gran aporte a la electrónica. Su calidad sonora quizás no es la mejor pero eso pasa a ser un simple detalle al lado de grandes piezas con hermosos sonidos graves (Tha, We Are The Music Makers, Hedphelym) aunque no se si es justo quedarse solo con algunas debido a que cada pista y su ambientación dan a nuestra imaginación una puerta a un sin fin de situaciones que podria ambientar dicha música.

Empieza con Xtal y una tranquila intro en donde de a poco aparecen diversos sonidos que nos van enseñando de a poco el trabajo de Aphex, Tha debería catalogarse como la canción de Ambient Techno por excelencia gracias el constante golpe y el juego de sintetizadores acompañados a lo lejos de conversaciones entre personas que es lo que le da una gran sutileza que no posee todas las pistas del álbum. También se destacan "Ageispolis" con graves de fondo y golpes agudos nítidos y agradables en un primer plano con un ritmo muy tranquilo, "We Are The Music Makers" con fragmento del poema Oda con una linea de graves realmente sorprendente y "Delphium" que nos deja efectos de bombos o algún instrumento de percusión que se suma a los graves de Richard.

Selected Ambient Work indiscutiblemente un clásico de la música electrónica.

Lista De Canciones:

1. "Xtal" 4:54
2. "Tha" 9:06
3. "Pulsewidth" 3:46
4. "Ageispolis" 5:23
5. "I" 1:17
6. "Green Calx" 6:05
7. "Heliosphan" 4:51
8. "We Are The Music Makers" 7:43
9. "Schottkey 7th Path" 5:08
10. "Ptolemy" 7:10
11. "Hedphelym" 6:00
12. "Delphium" 5:26
13. "Actium" 7:32

Mi Calificación: 5/5 Estrellas

Radiohead - The Bends (1995)

Luego de su primer álbum con una crítica un tanto variada, Radiohead necesitaba fortalecerse como banda y demostrar que en realidad, la banda tenía mas para dar que Pablo Honey. La banda entendió a la perfección y en este álbum comenzaron a mostrar su auténtico rock alternativo.
The Bends - "Las Curvas" en español - fue publicado el 13 de Marzo del año 1995 con la discográfica Parlophone. Rindiéndole tributo al Soft Rock, The bends tiene la característica de ser por momentos, largos momentos, tranquilo y con un sonido un tanto suave pero esto es solo parte del álbum ya que es un material mucho mas estructurado que el anterior y lo podemos notar en el cambio de ritmos que se produce en sus canciones.

Radiohead ya estaba entrando en los corazones de muchos oyentes con este trabajo y mas que nada, en el ojo de la crítica mundial que a la postre, la calificaría como una de las mejores banda de la década y de todos los tiempos. Dicho material en sí es ideal y digno de enseñar a todo aquel que no ha escuchado la banda, muestra la simpleza y a su vez el gran progreso de la banda que llegaría para quedarse. Los sencillos de The Bends son "High&Dry/Planet Telex", "Fake Plastic Trees", "Just" y "Street Spirit (Fade Out)".

Cabe destacar que la temática de las mayorías de las canciones de la banda siguen reflejando letras tristes y melancólicas mas que nada mencionando el ejemplo de "Fake Plastic Trees" como una hermosa y triste de balada de una pareja no del todo feliz. Otras cosas a destacar son el gran Riff de "Street Spirit (Fade Out)", el rítmo que toma "Nice Dream" gracias a la voz de Thom Yorke y la sorprendente "Just" 

Nos encontramos hablando de un material de transición en la banda donde se vendrá grandes cambios pero The Bends sigue siendo auténtico a los primeros años de la banda pero con una mejoría como grupo innegable. Tomado en cuenta como uno de los mejores trabajos musicales de la década de los 1990's, este es uno de esos álbumes que podríamos escuchar nuevamente una y otra vez

Lista De Canciones:

1. "Planet Telex" 4;19
2. "The Bends" 4:06
3. "High&Dry" 4:17
4. "Fake Plastic Trees" 4:50
5. "Bones" 3:09
6. "(Nice Dream)" 3:53
7. "Just" 3:54
8. "My Iron Lung" 4:36
9. "Bullet Proof...I Wish I Was" 3:28
10. "Black Star" 4:07
11. "Sulk" 3:42
12. "Street Spirit (Fade Out)" 4:12

Mi Calificación: 5/5 Estrellas 

Radiohead - Pablo Honey (1993)

Rock Alternativo en estado puro, Pablo Honey fue el LP debut de la banda británica Radiohead, publicado el 22 de febrero de 1993 el disco nos adentra en una de las mejores bandas de todos los tiempos, pero, fue un comienzo adecuado? tuvo el éxito esperado? fue un paso en falso?
La verdad que no lo fue a ciencia cierta, pero estamos delante de un material discográfico de Radiohead bastante diferente a los demás y por cierto, es un poco mas difícil digerirlo.

El álbum a lo largo de su reproducción va perdiendo gradualmente la rítmica y melodía que contienen sus primeras canciones, al solo reproducirlo, con "You" cualquiera se imaginaría que Radiohead se convertiría en una banda de rock mas pesado sin juzgar por la portada del álbum, lo que necesitaba Pablo Honey para ser perfecto es la consistencia que tienen la ya mencionada canción y "Creep".
Esta canción es un caso especial en el álbum, es lo mejor de el, es lo mejor del comienzo de la banda y el reflejo del progreso que significó este LP para ellos pasando de ser "On a Friday" a "Radiohead".
"Creep" esta valorada como una de las mejores canciones de rock de los años 1990's - "Todo el que la escuchaba se volvía loco" - declaraban los hermanos Greenwood, integrantes de la banda, pero es cierto que hasta esta canción fue un fracaso comercial al principio pero luego tomó bastante popularidad y buena aceptación por parte de la crítica y los oyentes.
Letras tristes y un tanto empalagosas, acordes distorsionados pero sin ritmo por parte de "Stop Whispering", Pablo Honey deja al descubierto su influencia por el Grunge Rock y el Pop Británico que por partes del LP sigue intacto y nos muestra como fue la inmadurez de una banda y su posterior evolución. Como sucede con muchas bandas, a lo largo del tiempo van cambiando su estilo y esto es solo el comienzo para lo que se vendría con la banda de Yorke, aunque dejo en claro nuevamente que este álbum no depende solo de "Creep".
Pablo Honey fue reconocido por diferentes organizaciones como ser el puesto n° 100 en la lista de los "Mejores álbumes de todo los tiempos" por Virgin; n° 35 en la lista de los "50 mejores álbumes del año 1993" por New Musical Express y se clasifico entre los "20 mejores álbumes del año 1993" por Metal Hammer
Lista De Canciones:

1. "You" 3:29
2. "Creep" 3:56
3. "How Do You?" 2:12
4. "Stop Whispering" 5:26
5. "Thinking About You" 2:41
6. "Anyone Can Play Guitar" 3:38
7. "Ripcord" 3:10
8. "Vegetable" 3:13
9. "Prove Yourself" 2:25
10. "I Can´t" 4:13
11. "Lurgee" 3:08
12. "Blow Out" 4:40

Mi Calficación: 3,5/5 Estrellas 

Slipknot - Slipknot (1999) + análisis de la banda

La banda de "Nu (nuevo) Metal" del estado de Iowa, Estados Unidos, Slipknot presenta el 29 de junio de 1999 su disco debut homónimo, si bien cabe la aclaración de que la banda tres años antes presento un EP llamado "Mate.Feed.Kill.Repeat" pero la banda no lo considera álbum oficial  sino solo un demo donde incluso el vocalista principal Corey Taylor, en esta maqueta solo canta una canción al igual que el bajista Paul Gray que tiene participación vocal. En este demo el front man de la banda era Anders Colsefini.

Antes de dar una opinión clara sobre este álbum hay que destacar que Slipknot es una banda que sigue cierta temática tanto en aspecto y máscaras de sus integrantes como la enumeración de los mismos. Esto hace que la banda sea reconocida con facilidad aunque el fin de las máscaras no sea este. La banda proviene de un pueblo llamado "Des Moines" -en español "los monjes" - el cual era fuertemente religioso y juzgaban a la banda de satánica por lo cual se vieron obligados a esconder su rostros tras distintas máscaras que irian cambiando a medida que lanzaran nuevos álbumes. Posiblemente cada máscara represente algo para cada integrante de la banda
En ese momento los integrantes de la banda que participaron del álbum debut fueron:
#0 Sid Wilson - DJ
#1 Joey Jordison - Batería
#2 Paul Gray - Bajo
#3 Chris Fehn - Percusión, Coros
#4 Josh Brainard - Guitarra (en "Purity" y "Me Inside" sustituido por Jim Root)
#5 Craig Jones - Sampler, Teclados
#6 Shawn Crahan - Percusión, Coros
#7 Mick Thomson - Guitarra
#8 Corey Taylor - Voz
Dejando de lado la información acerca de la banda y sus características y centrándonos mas en el contenido del álbum.
Etiquetado como un álbum pesimista, lúgubre, sangriento y deprimente, este álbum puede sacar el lado mas agresivo de un aspirante a ser un "rockstar". Pieza fundamental del subgénero nu metal y mostrando la fuerza del rap metal con la voz de taylor al frente, Slipknot nos reafirma el porque de sus máscaras y su apariencia con letras desgarradoras y crueles ("Todo es una blasfemia tridimensional") // ("maldita mierda, estoy harto de esto") que podrían ser típicas de un adolescente en crisis pero que con el trasfondo de estas guitarras distorsionadas y un tocadiscos bastante incierto crean lo que podría ser una de las atmósferas más oscuras de este dicho subgénero. El LP comienza con " 742617000027", una pista donde se escucha un sample acelerado de fondo distorsionando su velocidad. La banda tendrá la costumbre de hacer este tipo de intros en todos sus LP's. Seguido por (sic) con una buena introducción acompañada de una percusión sin igual. Sigue Eyeless donde se sigue utilizando por parte del dj estos ritmos distorsionados seguido de tiempos de batería y la cruda voz de taylor que parece estar agonizando. "Wait and Bleed", la canción sencillo de este álbum es la siguiente y una de las que los llevo a la popularidad debido a que estuvo nominada al "Grammy por mejor interpretación Metal" aunque no lo ganaría. Sin mucho que decir de esta canción es un clásico de la banda donde vemos el otro lado de la voz de taylor, su lado calmo y sereno mezclado con su ya escuchado lado desgarrador.

Mas adelante escuchamos "Spit it out" donde vemos de nuevo la misma técnica de Taylor de mezclar estas dos partes, esta vez, de manera sublime. "Purity" y "Diluted" quedan como destacadas de la segunda parte y tiene  algo que comparten esencial en este primer álbum: la rítmica y la percusión. Sabemos que al hablar de percusión y ritmos agradables, Slipknot sabe lo que hace, si bien no estoy diciendo que son los mejores, este podría ser el atributo mas favorable de la banda. "Scissors": Cierre muy errado

Lista De Canciones: 

1. "742617000027"  0:36
2. "(Sic)" 3:19
3. "Eyeless" 3:56
4. "Wait and Bleed" 2:27
5. "Surfacing" 3:38
6. "Spit It Out" 2:39
7. "Tattered and Torn" 2:54
8. "Frail Limb Nursery" 0:45
9. "Purity" 4:14 
10. "Liberate" 3:06
11. "Prosthetics" 4:58
12. "No life" 2:47
13. "Diluted" 3:23
14. "Only One" 2:26
15. "Scissors" 19:16

Mi Puntuación: 4/5 Estrellas