Dillom - Post mortem (2021)

 Dillom es un rapero argentino con un contenido picante y humorístico desde sus comienzos por allá hace casi cinco años. Visto en la industria como un artista trivial o banal por este mismo contenido que lanzaba, y sin hablar peyorativamente, logra en 2021 ponerse entre los artistas mas reveladores y tentadores de Latinoamérica gracias a su avance como letrista, compositor y hasta haciendo las veces de productor. Si alguien había puesto muchas fichas en el avance de este joven porteño de 22 años, hoy tiene la certeza de decir "lo dije", pues bien Post mortem, su álbum debut, ha llevado su popularidad a crecer y derrocar estigmas que algunos han tenido sobre el, supongo tomando ciertos riesgos. Dylan León Masa lanzó Post mortem el 1 de Diciembre de 2021 con su sello independiente y con mas de una sorpresa dentro del mismo.

Pop Rap, Hip Hop Hardcore, Horrorcore

Bohemian Groove

Mejores Canciones: Hegemónica, Post mortem, Bicicleta, Piso 13, Rili Rili, Rocketpowers

Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas

 

 

 

Dillom creció en todos los aspectos como artista ante este álbum que toca mas que nada el tema de la muerte y el temor a la misma. Líricamente puede verse como conserva su toque vulgar y humorístico que lo maneja desde el comienzo de su carrera, véase la sesión suya con Bizarrap. Se abre un debate en donde se cuestiona si estamos delante de un álbum conceptual o no, pero no me voy a poner fino en eso.

Post mortem contiene la ambivalencia de tener momentos oscuros como también coloridos, mezclando varios estilos y géneros como el Horrorcore, Pop Punk, Emo Rap, Pop y hasta RKT con su colaboración con el extravagante L-Gante, siendo de esta manera, el primer género mencionado el que a mi parecer, se lo ve más familiarizado. Partiendo de esto, vemos que este trabajo es funcional y responde a cada uno de los intentos de mezcolanza intencional que hay en el mismo, manteniendo siempre un orden lógico, o por lo menos, ordenado. Goza de una gran producción por parte de Evar, Lamadrid, Fermín y el mismísimo protagonista.

Mencionando situaciones angustiantes a nivel personal, el artista de la capital argentina sabe referenciar dichas situaciones y disfrazarlas dentro de una avalancha humorística e ingeniosa de rimas violentas, intrigantes y vulgares que ni presentan doble sentido alguno, es decir, mezcla la introspección de situaciones casi traumantes con situaciones graciosas y absurdas rozando las intenciones de lo que algunas vez fue Tyler, The Creator. Reiterando, se nota su desempeño en las rimas tétricas y agresivas como en Piso 13, con una producción algo industrial, la canción homónima al álbum que mezcla la crítica vulgar con dolencias y asesinato.

 No se dejan de lado las costumbres del género de la imagen, la superación (quizás falsa y usada solo como imagen exterior) y la jactancia de la habilidad que obtiene como rapero que lo muestra en SIDE y Coach con Muerejoven, entre otras canciones. Se observa también un afinado uso del Pop como en La primera, Bicicleta y 220, donde se encuentra el contraste sonoro del proyecto y agrega la ambivalencia mencionada con gran afinidad.

Personalmente creo que, si bien Dillom es ingenioso y gracioso a la hora de escribir, su crecimiento y su gran valoración pública y reciente se debe a un trabajo muy bien ornamentado y con gran valioso orden, dado que el álbum ha podido ser un desastre, se muestra una calidad impecable en la producción en base a los beats y los sampleos. La inclusión de los colaboradores, incluyendo a Mario Pergolini en un interludio que habla del alter ego de Dillom, Demian, sus colaboradores se encuentran absolutamente a la par, entre ellos mismos y con el ingenioso rapero. Abarcando críticas de forma banal, hechos sexuales de forma vulgar, violencia de forma cruda, Post mortem se perfiló merecidamente para ser uno de los atractivos más interesantes en el Hip Hop latino de esta nueva generación. Formar una identidad con una crudeza reconocida tardíamente.

 

Kraftwerk - The Man Machine (1978)

Kraftwerk comenzó con la fama ya a nivel internacional y europeo con Autobahn hace ya cuatro años y durante estos años desarrollarían lo que sería la perfección y el avance del sonido del género Krautrock, la sección alemana del rock que combinaba estos sonidos rockeros con sonidos electrónicos de poca monta hasta el momento en donde Kraftwerk se definió como uno de los mejores grupos de Alemania. Evolucionarían de este Krautrock a ser ya solamente un sonido netamente electrónico y progresivo en esta ocasión. The Man Machine se convertiría en un icono nada más ni nada menos para la industria de la música popular y electrónica llevándolos ya al pico máximo de experiencia debido a que es su más grande obra, su alter ego y el álbum por el que uno hoy en día los identifica más como los robots de la música. Esos cuatro que se querían parecer y ser robots y que algún día lo fueron, esa idea, esa transformación y posesión nació acá en El Hombre Máquina, título que recibe en español por cierto.

Podemos dividir el álbum fácilmente en dos partes y es que la primera se basa en las primeras tres canciones en donde cada una rinde homenaje a una película de ficción diferente como para establecer la mística del grupo en grande de una vez por todas. La primera parte se interpreta como el nacimiento de los robots - The Robots - y nuestros esfuerzos de poder comprender criaturas como ellos aunque, en un primer momento ellos nos sirven a nosotros, para Schneider y los demás integrantes nos hicieron algo semejante a una película de ciencia ficción en donde esta nueva raza emergida durante los primeros tres temas del álbum emergente, gracias a la inteligencia del hombre, se termina apoderando de este para siempre, que es en esto lo que consta la segunda parte de este álbum místico.

Spacelab y Metrópolis presentan varias similitudes. Las encargadas de cerrar la primera parte del álbum ambas se refieren a características o lugares futurísticos dentro de la cultura de la ciencia ficción y muestra el desarrollo de maquinarias con inteligencia artificial. Ambas canciones tienen unas introducciones complejas y esplendidas, la primera con una cascada de sonidos agudos esparcidos en estéreo que da lugar a la imaginación de un laboratorio espacial y la segunda con un sonido más fuerte e intenso que da lugar a una canción más repetitiva y es que ambas no tienen letra lo único que se repite es el nombre de la canción, suena increíblemente aburrido pero no lo es.

Como apertura de la segunda parte abre el tema icónico de ellos y el que será el más conocido por generaciones gracias a su radiocompatibilidad, y a que es dentro de los estándares de la música, la canción más pop de la banda, The Model. Liricamente fuera de contexto y que nos hace poner los pies en la tierra por un rato sin pensar a futuro.

Neon Lights y The Man Machine también con poca letra remarcan características de este hombre máquina, de este sentimiento robótico ya llegando a su fin con sus visiones futuristas, uno detalla su ambiente alrededor y el otro a si mismo lo que es el hombre máquina, este cyborg, esta persona dejada llevar por la raza ficticia de los robots que los llevó a esta fusión.

Kraftwerk creó un lazo entre el concepto de las máquinas y el hombre con la música análoga electrónica que los seguiría literalmente hasta sus escenarios.

Lista de Canciones

1. The Robots 6:09
2. Spacelab 5:56
3. Metropolis 5:59
4. The Model 3:39
5. Neon Lights 9:05
6. The Man Machine 5:25

Mi Calificación: 5 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: Spacelab; Metropolis; The Model

La Muerte de los Artistas, Capítulo 1: John Lennon

 John Lennon, compositor, vocalista y guitarrista ex The Beatles, reconocido por muchos como uno de los mejores compositores de la música Pop, fue asesinado el 8 de Diciembre de 1980 en frente del Edificio Dakota en Manhattan, Nueva York, Estados Unidos. Artista ultra famoso conocido por su pasado artístico y su ideología anti bélica que se encontraba muy presente en los últimos años de su vida, vivía en dicho edificio con su esposa Yoko Ono, la cantante y artista experimental y plástica japonesa. Esa noche, un fan decidió acabar con su vida con total impunidad.

Esa misma tarde, a las 17:00 hs (hora local), bajaron de su departamento en el Edificio Dakota para dirigirse al estudio Plant Records para grabar la canción "Walking on The Thing Ice" de Ono donde Lennon tocaría la guitarra, momento en el cual, como era muy común, varios fans los esperaban para que Lennon les realice autógrafos en sus CDs o vinilos o cualquier otro merchandising. Entre estos fans, se encontraba Mark David Chapman, quien le dio una copia de su álbum Double Fantasy y le solicitó un autógrafo. Amablemente John aceptó hasta preguntándole "¿No quieres nada mas?", respondiéndole el fan de forma negativa. Hay una foto de este encuentro en donde el fan y fotógrafo amateur Paul Goresh los retrató juntos (foto de fondo).

Devuelta del estudio, a las 22:50 hs, en la puerta del edificio, Yoko se adelanta unos metros e ingresa sola al edificio, momento en el cual el portero le abre la entrada. Lennon en cambio, fue sorprendido por una voz masculina citando su nombre y con un revolver .38 Special de la compañía Charter Arms ya desfundado en dirección al cantante británico. Era Mark Chapman que se encontraba entre las columnas del edificio en la parte frontal que forman la entrada del mismo, escondido esperando al ex Beatle. En ese momento le proporcionó cinco disparos de forma inmediata, cuatro en la espalda y uno en el hombro izquierdo, contados por relato propio del asesino.

Ya Lennon desvanecido y Chapman arrodillado con el revolver en la mano bajo la lluvia, el portero procede a patear el arma lejos y a llamar a la policía. Primero arribaron dos a pie y luego un patrullero transportaría lo mas rápido posible al artista al Hospital Roosevelt. Chapman, en el cordón de la vereda se encontraba, según algunas versiones, leyendo "El Guardián Entre el Centeno" de J.D. Salinger. Dudosa la versión de que se encontraba leyéndolo pero si es oficial que lo llevaba consigo.

Al llegar al Hospital, ya sin pulso fue declarado fallecido a las 23:15 hs por el Dr. Lynn. Minutos mas tarde, el Dr. Elliott Gross, Jefe del Servicio Médico Forense de dicho establecimiento declara a la policía que era casi un milagro que alguien sobreviva mas tiempo de lo que su cuerpo resistió a ese tipo de heridas de bala debido que le rodearon el corazón y canales vitales del sistema circulatorio informando así que fue declarado muerto a raíz de un hipovolemia por múltiples heridas de bala, reformulando, murió desangrado.

Lennon no recibió un funeral en su honor siguiendo lo pedido por el que siempre mencionaba que el no quisiera uno en su honor, en cambio, sus restos fueron cremados en el Ferncliff Cementery en Westchester, Nueva York. Miles de fans se juntaron en varios puntos alrededor del mundo para conmemorar su muerte al día siguiente. Desde el 26 de Marzo de 1981, en Central Park, existe un monumento en honor al artista británico, en donde cada año la gente se junta en su honor. Yoko Ono donó una gran suma para que esto sea posible. En dicho lugar, pasados los años, varios famosos y cantantes tienen fotografías visitando el lugar. 

Por otro lado, Mark Chapman fue condenado a cadena perpetua con petición opcional de salidas transitoras a partir del año 2000. Desde dicho año hasta hoy en día, se le fue negado dicha oportunidad unas doce veces, justificando la justicia norteamericana que "no es un individuo que garantice la paz social". En Septiembre de 2020, el victimario ha declarado que hizo lo que hizo por la gloria personal, por el objetivo de volverse alguien y que sabe que puede pasar el resto de su vida en la cárcel, también y de forma tardía, el asesino declara estar arrepentido y pidió disculpas a la familia Lennon-Ono.

Nipsey Hussle - Victory Lap (2018)

 Nipsey Hussle, rapero nacido en Crenshaw, Los Ángeles, es un ejemplo mas de que la perseveración con dedicación y esfuerzo, tarde o temprano triunfa. Su caso es un tanto curioso, el artista de esta reseña tiene una carrera como cantante urbano de trece años en el ámbito underground del circuito del Hip Hop norteamericano, es decir, estuvo por quince años lanzando mixtapes y EPs hasta que por fin el 16 de febrero de 2018, logró una de sus metas más grandes, realizar un álbum que lo enarbolara y reflejara como el artista al que aspiró y por el que tanto se sacrificó. Tras idas y venidas con diferentes firmas discográficas y tras diferentes causas, su álbum debut, Victory Lap, se publicó finalmente el dia mencionado. Parece que todo esto serían contras, pero no, Ermias Asghedom, bajo el nombre por el que nació, vería una fama y un éxito desgraciadamente casi fugaz con su álbum debut.

West Coast Hip Hop, Gangsta Rap

Atlantic Records

Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: Victory Lap, Rap Niggas, Young Nigga, Dedication, Blue Laces 2, Succa Proof, Loaded Bases.

 

 

Reiterando, Victory Lap es un relato de triunfo, uno de tantos álbumes de este género en donde podemos escuchar el artista alardear su fama,  y esta vez, de buena fe. Hussle fue una persona emprendedora desde muy joven, trabajó en la calle lustrando zapatos hasta tener sus propios locales invirtiendo dinero que iría ganando con ingresos más allá de las ventas en el under. Considerado un empresario como Jay-Z, rapero al que conoció de una manera muy curiosa debido a que este le compró cien ejemplares de un mixtape suyo a cien dólares cada uno (demasiado caro para ser un rapero semiprofesional) en un solo día, su valentía y arrogancia lo llevo a relacionarse con figuras grandes que apoyaron este álbum como el ya mencionado artista, Kendrick Lamar, Rick Ross y Puff Daddy entre otros.

 Concentrándome puramente en lo musical, este álbum debut es un proyecto muy bien producido con un sonido muy rítmico y limpio, sin agresividad desbordante, con momentos que recuerdan el R&B de los comienzos de milenio con la justa y dedicada voz de Nipsey con una creación de barras audaces y para nada exageradas. El trabajo entero celebra el sacrificio de un ser humano que hizo lo que amó.Victory Lap funciona como una buena apertura con dedicación, Young Niggas ha de ser un tema con toda la energía conjunta del álbum con la colaboración de Puff Daddy, convirtiéndose así en la mejor del trabajo, Dedication con Kendrick Lamar en doble sentido de la palabra, una dedicación propia a Hussle con guiño a próceres del género para ellos como 2Pac y Snoop Dogg, haciendo el rapero de Compton perfectamente lo que sabe hacer.

 Producido por varias figuras no tan celebradas en el ámbito, incluso producido por el propio hermano del protagonista, las canciones no se encuentran del todo adictivas ni eufóricas pero juntan un sonido nocturno, rítmico, a veces etéreo como en Blue Laces 2 pero sobre todo algo versátil. Esto convierte al álbum en llevadero, a pesar de que la más grande desventaja es que sea algo largo de duración, pero sobre todo destaca en algo que no siempre se ve en el Hip Hop gracias a la ya nombrada versatilidad.Cierto es que, varias de las canciones de la segunda parte se sienten algo innecesarias y de relleno, pero incluso estas, como Grinding All My Life, Million While You Young o Right Hand 2 God, respetan el hilo general del álbum y a la personalidad original que Nipsey nos muestra como artista y su penetrante ideología.

 Con poco más que decir, Victory Lap se siente realmente como, al fin, una última vuelta victoriosa en donde podemos ver que nuestras convicciones si son firmes, nos pueden llevar lejos. Sin compartir vanguardia ni algo innovador con varios lanzamientos de esta época dentro del Hip Hop, estamos delante a un entretenido álbum ordenado y prolijo para ser un debut. La vuelta victoriosa de Hussle fue una de las últimas pero para dejar una huella dentro del circuito a donde perteneció.

El Origen del Shoegaze

Muchos entienden y tienen por aceptado que la creación y evolución de los subgéneros de música se producen muchas veces por un efecto domino a nivel social o exclusivamente por hechos que suceden dentro del ámbito musical, y el surgimiento del Shoegaze no fue la excepcion0. El Shoegaze surge a mediados de los ochenta en el ámbito underground en Reino Unido como evolución del sonido Post-Punk y el Madchester que luego también daría lugar al Britpop, Grunge y Rock Alternativo en todo su esplendor. Estos últimos mencionados, en cuestiones de popularidad, marginarían al Shoegaze, como me gusta decir a mí, quizás convertirlo en lo alternativo de lo alternativo.

Su nombre deriva de Shoe (zapato) y Gaze (Mirar) debido a que en un principio, para crear el sonido típico del genero, se utilizaban en abuso, pedaleras para la distorsión del sonido de las guitarras y otras técnicas como la guitarra deslizante que utilizaba Kevin Shields, líder de My Bloody Valentine, para distorsionar el sonido de fondo conjunto con la melodía para crear un sonido noisy, etéreo, melancólico o psicodélico. Para realizar esto, músicos que no estaban tan acostumbrados a utilizar esto con frecuencia, recurrían al tocar en vivo a mirar constantemente el piso y donde se ubicaban las pedaleras. Adentrándonos un poco más en las características del mismo, el Shoegaze es un género que habla de desamor, sentimientos, romances y en menor medida pensamientos depresivos y negativos contrastando a su manera, totalmente el contenido brindado por el Rock en la década anterior.

 

 

 

Por otro lado, con el Shoegaze apenas un poco más desarrollado, el Grunge puntualmente, compartiría esta visión de corromper la mirada maximalista que tenía el Glam y el Hard Rock que reinaban antes que ellos pero con un punto de vista más depresivo, sonido más violento y un notorio empleo de vivencias dentro del mundo de las drogas y el nihilismo que el Shoegaze en su origen no compartió. Esto hizo que, por mas olvidado que se hallaba en ese momento, el mundo de la música convertía su mirada ideológica hacia otro lado, mas allá de la falsa gloria que mostraban algunas bandas durante la década de los ochenta.

My Bloody Valentine y Slowdive, casi sin querer, dibujaron un camino para muchas bandas que fueron copiando su estilo paulatinamente. Al ser la música tan dinámica y a veces condescendiente, quierase o no, el carácter meloso del género tomo fuerza. Sin embargo, no fue hasta décadas después donde se vio el real valor de estas virtuosas bandas que fueron olvidadas por muchos amantes de la música y la crítica en general.  Padres y abuelos del Dream Pop, las bandas de Shoegaze supieron hacer una combinación nunca antes vista que a muchos los conquisto y es que, es la parte más intima de todo el Rock obteniendo influencias de la electrónica y el Rock Psicodélico y puntualmente de bandas como The Jesus and Mary Chain, Joy Division, Brian Eno, Cocoteau Twins y The Velvet Underground entre otros nombres.

 

 

 

 

Otra notoria característica podría ser la presencia vocal de mujeres en algunas bandas y no olvido nombrar su legado como género que dio lugar, aparte del Dream Pop, a géneros como el Blackgaze, el Slowcore, la Neo-Psicodelia y el propiamente dicho Indie Rock y Pop que muchas veces se vuelve confuso determinar su origen especifico. El lugar más humano y sentimental del Rock yace en bandas de jóvenes que buscaban convertir el sonido vacio de bandas ultra famosas.