Selbst - Relatos de Angustia (2020)

Selbst es una banda de Black Metal formada en Venezuela el año 2010, actualmente radicada en Santiago de Chile. La banda ha de ser desde un primer momento una de las revelaciones de dicho género en la región conservando un perfil bajo pero una gran reputación en las comunidades de la internet. 

El 7 de Agosto de 2020 lanzó su segundo álbum de larga duración, Relatos de Angustia, grabado mitad en Chile y mitad en Madrid, España. La realidad es que la banda se compone del multinstrumentista "N" o "N. Onfray" junto al baterista de sesión quien se hace llamar JPC grabando la batería por separado del resto, incluida la voz, que se ocupa N. A pesar de esto, JPC es un baterista acreditado, es decir, de sesión.

Debemur Morti Productions

Black Metal, Depressive Black Metal

Mejores Canciones: The Depths of Selfishness, Silent Soul Throes, The Weight of Breathing

Sculpting The Dirtiness of Its Existence

Mi Calificación: 4 / 5 Estrellas

Honestamente me he encontrado con una de las joyas ocultas del 2020, de esas que cuesta encontrarlas debido a la poca popularidad de este proyecto y al gran alcance influyente que puede llegar a mostrar dentro del género en estos años y mas que nada en la región de Latinoamérica.

Selbst adapta los sonidos del Black Metal del centro de Europa de bandas como Behemoth, Deathspell Omega y MGLA haciendo un gran uso de las técnicas bestiales que estos referentes utilizan mostrando pasajes sonoros tranquilos con la voz épica de N que parece desgarrarse de fondo como también momentos de clímax total en donde el sonido de las cuerdas arrasan con todo el pensamiento y toda la reflexión de las grandes letras que también contiene este materiales, momentos en los cuales se asemejan más a la banda francesa.

Varias cosas han de sorprender al momento de analizar el álbum varias veces y es que, al no saber nada de dicho multinstrumentista anteriormente, sorprende más esa primera impresión en la cual te encontras con varios atributos a favor como por ejemplo, los cambios disonantes de guitarra, la introducción que pone directamente la escucha en suspenso desde el primer segundo, la producción limpia que permite apreciar cada cuerda y hasta los blast beats suenan con claridad punto a favor que muchos proyectos del género a veces hacen saturar los oídos. Además, los cambios abruptos de las canciones están muy bien pensados como Deafening Wailing of The Desperates Ones cuando se le agrega un riff violento y corto con la segunda guitarra, el cambio rotundo que tiene en el medio Silent Soul Throes consagrándose como el mejor momento musical del álbum y por otro lado también puede ser mencionado el final de la última canción que parece hacer honor a su nombre, Let The Pain Run Through.

Por otro lado, las letras en su mayoría abarcan contextos apocalípticos siendo la mayoría de ellos ubicados en un inframundo en el cual se habla de dolor, desesperación, arrepentimiento y muerte. Posiblemente estas letras no traigan nada nuevo pero por partes, el álbum se vuelve un poco más íntimo y personal sin hacer referencias al sufrimiento en general ni a algo apocalíptico sino que a un enclave personal, a dolencias causadas por lo social poniendo en juego a la depresión y haciéndola protagonista por momentos.

Relatos de Angustia es un álbum que le escapa a la tan presente monotonía caótica que a veces desluce las canciones de este género con ingeniosos riff y una gran producción que logra que las canciones encajen perfectamente unas con las otras. Gran evidencia del poder latinoamericano haciendo referencia a varios genios natos del ámbito. 

Oneohtrix Point Never - Magic Oneohtrix Point Never (2020)

 Oneohtrix Point Never es el proyecto de Electrónica Progresiva y Experimental del artista Daniel Lopatin. Conocido también por interpretar y producir soundtracks de películas aclamadas por la crítica y por ser uno de los productores "de culto" más destacados de la actualidad. En esta oportunidad, nos trae Magic Oneohtrix Point Never, su decimosegundo álbum de estudio bajo este alias y sin contar los álbumes colaborativos con otros artistas, es decir, también es un productor ya con una larga trayectoria, la cual es ampliamente reconocida. El álbum ha sido lanzado el 30 de Octubre de 2020 y tiene un remix de la canción Lost But Never Alone como único sencillo.

Warp Records

Progressive Electronic, Neo-Psychedelia, Sound Collage, Ambient,

Mi Calificación: 3 / 5

Mejores Canciones: Long Road Home, I Don't Love Me Anymore, Lost But Never Alone

Magic Oneohtrix Point Never es un álbum un tanto enigmático. Es un álbum conceptual en el que rige la temática de la evolución y crecimiento de los seres humanos con las visiones a futuros y sueños rotos del pasado tratando de desentrañar el cambio y pensamiento de los mismos. Asimismo, el álbum posee diferentes pistas en las que las canciones son demostraciones de segundos de radio al aire hablando acerca de lo recién mencionado. Este concepto el señor Lopatin lo hizo propio para el álbum en consecuencia al presente en el que se vive y por su amor a la radio, es decir, quiso dejar reflejado la radio como un objeto de unión entre las personas, en medio de una pandemia que aisló a casi todas las sociedades del mundo. Su gran amor por la radio llevó a que el álbum se pueda convertir en una paleta de diversos género que conviven dentro de un mismo proyecto sin perder un hilo en común.

Magic tiene el agrado de presentar colaboradores como The Weeknd, Carolina Polachek y Arca entre los más destacados. Teniendo en cuenta que el álbum posee un gran "staff" de artistas que se destacan por contribuir de manera significante a la música actual, no veo alguna correlación entre sus colaboraciones para transformar esto en un proyecto trascendental. Las apariciones de The Weeknd y Arca, altamente modificadas a nivel vocal por sintetizadores, son de alguna manera muy forzosas y artificiales. Si bien Magic puede parecer algo así como una utopía tecnológica, las apariciones de dichas personalidades no han de destacarse.

Si es que la intención de Lopatin fue revivir gran parte del Synthpop de hace casi cuarenta años en un viaje inmerso en psicodelia misteriosa, lo ha logrado. Gran parte del álbum esta inspirado en Synthpop y hasta en baladas y sonidos Post-Punk de los ochenta como lo podemos ver en I Don't Love Me Anymore y Lost But Never Alone, siendo esta última la mejor del álbum gracias a su entusiasmo, su producción, su desarrollo y su obvia trascendencia dentro de las pistas del trabajo. Cabe destacar también al moderno Chamber Pop de Long Road Home donde aparece Polachek mezclando una visión clásica de la canción con sintetizadores minimalistas del hoy.

Gracias a estos grandes momentos que posee Magic, no se convierte en un trabajo denso y/o monótono debido a que los cortes de radio que aparecen junto a canciones como Bow Ecco, The Whether Channel y Shifting, lo vuelven aburrido. En realidad suele ser esto bastante irónico porque en dichas pistas es donde más se aprecia la Electrónica Progresiva característica del artista, pero aún así, Oneohtrix no ha llegado a ser esta vez lo que ha sabido ejecutar en muchas otras ocasiones cuando su sonido ha dependido en mayor medida del Vaporwave. A pesar de esto, es un álbum que se convierte en importante a la hora de analizar la soledad y las distancias. 

Thundercat - It Is What It Is (2020)

Thundercat es un artista que en los últimos años se ha redimido por completo en cuanto a su carrera musical se hable, es decir, ha pasado de integrar una banda de Metal como Suicidal Tendencies tocando el Bajo, a ser uno de los referentes mas grandes de la música Soul y Jazz, una evolución de carácter sorprendente si también contamos que también ha trabajado como productor musical y ha servido de gran influencia a otros géneros como el Pop y el Hip Hop. Literalmente esto no tiene nada de malo, aunque suene algo extraño y versátil como ha demostrado poder ser el artista de Los Ángeles abarcando varios géneros musicales tan distantes unos de los otros.

Este ingenioso artista llega al punto más alto de su carrera con su pacífico álbum It Is What It Is lanzado el 3 de Abril de 2020 y lanzando como sencillo las canciones Innerstellar Love, Dragonball Durag, King of The Hill y Fair Chance. 

Brainfeeder Records

Soul Psicodelico, Neo Soul, Jazz Fusión

Mejores Canciones: Innerstellar Love, Black Qualls, Funny Thing, Dragonball Durag, King of The Hill

Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas

El cuarto álbum de Thundercat no trae demasiadas sorpresas sino que por el contrario, el álbum sigue utilizando conceptos ya familiares en las canciones del artista como el amor, paisajes abstractos relacionados con el espacio y una temática de carácter muy meditativo y algo filosófico, pero de alguna manera logra combinar este conocido repertorio con la suave y cálida producción del álbum de principio a fin.

Nuestro anfitrión tiene invitados de lujo como Flying Lotus como productor, Kamasi Washington con su saxofón haciendo las veces de artista de sesión en canciones como Innerstellar Love y Black Qualls y el trío BADBADNOTGOOD en co-producción en King of The Hill, que es por lejos, la pista más destacada del álbum componiendo la que quizás sea la parte mas nocturna y serena del trabajo. Aparecen como colaboradores Steve Lacy, Steve Arrington, Childish Gambino, Lil B y Ty Dolla $ign entre otros, que igualmente se encargan de poner su esencia y vibra pero no llega ni por cerca a sentirse su presencia como la Thundercat.

El álbum esta fuertemente influenciado por la tragedia y el desamor teniendo así como en las mayorías de sus canciones, esperanza para que algo sólido se concrete a fin de cuentas, sin contar que en varios momentos puntuales, aparecen momentos cómicos que son algo triviales y deslucen el trabajo, como lo es en el caso de Dragonball Durag que podría haber sido mucha mejor canción de lo que ya se la aclama. Por otro lado, la soledad se siente cuando Bruner canta y por algo en especial, y es que el trabajo en gran medida se ve influenciado por la muerte de su cercano amigo Mac Miller. La canción Fair Chance habla sobre el y varias lineas en todo el álbum se pueden tomar como cierto doble sentido, posiblemente citando al rapero que nos dejó en Septiembre de 2018.

It Is What It Is ha sido un gran álbum teniendo a Black Qualls como su pista de baile candente, a Innerstellar Love como la introducción a las ideas abstractas de Thunder, Funny Thing y Overseas como las canciones amigables que mas abrazan el sonido Funk de antaño, Dragon Ball Durag como la estrella mediática en donde Bruner se luce en destreza vocal marcando una canción muy rítmica y a King of The Hill como la fruta del postre siendo una canción corta pero la mejor pensada gracias a la ayuda de los productores presente, marcando un ambiente oscuro y versos que hasta podrían etiquetarse como políticos. 

Thundercat sigue siendo uno de los artistas de esos que si querés que las cosas realmente salgan bien, lo tendrías que tener de productor o de colaborador. Stephen Bruner se sigue empeñando como una de las figuras más sobresalientes del Soul y Jazz de nuestros días. 

070 Shake - Modus Vivendi (2020)

 070 Shake es una cantante norteamericana de 23 años que salto a la fama no tan mediática gracias a sus colaboraciones en Ghost Town y Violent Crimes, ambas canciones de Kanye West en el álbum ye (2018) como también una pequeña colaboración con Pusha T en ese mismo año. En otras palabras, la misma integra el colectivo y discográfica G.O.O.D. Music y el grupo 070 donde varios artistas son denominados con ese número, tal y como son los ASAP. Siendo tan joven, es la más reconocida de dicho colectivo y la mas activa. El 17 de Enero de 2020 lanza su álbum debut, Modus Vivendi, en donde nos adentra en su utopía amorosa y melancólica. De dicho álbum se desprenden los sencillos Morrow, Guilty Conscience, Nice to Have y Under The Moon. 

Alternative R&B, Pop Rap, Synthpop

G.O.O.D Music

Mi Calificación: 3 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: Morrow, Microdosing, Under The Moon

Modus Vivendi es un álbum que se dedica de lleno a hablar sobre relaciones amorosas, en su mayoría intentos frustrados de una unión amorosa con arreglos ambientales y ornamentales de tintes futuristas con una producción bastante débil para lo que se pretende. Desde el minuto 0, Shake describe el trabajo de su álbum, la expresión "Modus Vivendi" es una locusión latina que significa un tratado de paz entre ambas partes, utilizado históricamente para conflictos bélicos, aquí se aplica para la paz mental de dos personas las cuales podrían encontrarse en una relación cíclica o tóxica. En Morrow, la cantante se la escucha bastante optimista en frente al retorno y la sanación de una pareja, mientras que en canciones como Guilty Conscience, Divorce y The Pines, se describe ya a una ruptura amorosa consumada, que por cierto la primera de estas se ve como la peor del álbum creando en mi un desequilibrio bastante desfavaroble para el mismo. Por otro lado, siguiendo a favor de la monogamia, Nice to Have ha de ser de las canciones más sutiles y dulces del álbum describiendo sentimientos mutuos y profundos en una pareja con una producción bastante más ambiental que el resto sintiéndose así bastante cálida. Acercándose al final nos encontramos con Under The Moon, una canción sorpendentemente bastante Pop y Daydreamin' con un contexto mucho más urbano siendo esta el enclave del Trap de tendencia dentro del álbum. Modus abre y cierra con los mismos sonidos ásperos de sintetizadores.

El contexto en el cual está interiorizado el álbum es sumamente interesante y la idea es ambiciosa pero lo que se queda corto es el poder de lucir dicha idea dentro de la producción, teniendo como resultado, una producción bastante relajante y aspirante a grandes sonidos. Sin embargo, llega a formarse ese Synthpop / R&B "futurista". Los puntos más interesantes en cuanto a esta producción melosa se pueden encontrar en Morrow, Rocketship y Microdosing. Shake juega vocalmente con esto formando una especie de voz andrógina y/o robótica en varios de los puntos del álbum sin deslucir su poder inicial como cantante. El álbum toma varias influencias como el Pop de la década de los ochenta, el trap vigente hoy en día, el Soul y el propio R&B más tradicional. 

Teniendo un grupo de ingenieros en sonido, productores y escritores destacados como los hay aquí, el logro de la artista pudo haber sido mucho mejor, no ha de ser un trabajo deslumbrante pero es aceptable para un debut en el mundo Pop. 

Sewerslvt - Draining Love Story (2020)

 Sewerslvt es una DJ underground e independiente australiana que viene presentando sus proyectos y su música desde el año 2017 a través de Bandcamp y Soundcloud entre otras plataformas de streaming, pero su contenido nunca ha golpeado tan contundentemente en el ambiente como el año pasado con su tercer album, Draining Love Story. Dicho esto, debemos reconocer que es una artista que no es conocida físicamente más allá de sus representación femenina en dibujos como se muestra en la portada de todos sus proyectos, incluyendo este. El álbum ha sido lanzado independientemente el 25 de Enero de 2020.

SWRLST

Atmospheric Drum and Bass, Breakbeat, Space Ambient

Mejores Canciones: Newlove, Yandere Complex, Ecifircas, Mr. Kill Myself, Down The Drain

Mi Calificación: 4 / 5 Estrellas

Draining Love Story es un álbum que guarda mucho valor, tiene mucho para ser un álbum de club, de fiesta y a la par es un álbum introspectivo y oscuro que no pretende ser para un paladar u oido muy generoso. En la poca lírica que guarda en si, Sewerslvt abarca temas como el amor, el suicidio, la depresión, el pasado, la alienación y la infelicidad. Si bien nos guiaríamos solo por sus letras, no podría ser designado un álbum de fiesta nunca a pesar de su ritmo típico de Drum and Bass, pero sus atractivos golpes, que suelen ser repetitivos, junto con la ambientación nocturna y espacial lo convierten en un trabajo totalmente interesante.

Newlove se convierte en uno de los sencillos mas identificativos de la artista y de los mas interesantes con su golpe más denso y ambiente más meditativo que el de la mayoría de las canciones. La velocidad la deja para canciones como Yandere Complex, la cual toma influencias obvias del Acid Trance; Ecifircas -al revés significa sacrificio en inglés- en donde se samplea un relato donde un hombre se queja del ritmo y monotonía de su vida en general con un ritmo totalmente siniestro en el climax de la canción, lo que la hace una de las mejores. 

Sin embargo, en el resto de las canciones mezcla la ambientación espacial y nocturna con la velocidad versátil del Drum and Bass. Swimming in His Cell, Mr. Kill Myself y Down The Drain componen esta segunda parte más psicodelica e introspectiva. Down The Drain, con su relato también sampleado, sirve como una especie de descarga y catarsis final en la que el protagonista habla de un pasado casi irreparable.

Seguramente llame mucho la atención este tipo de aclamaciones pero este álbum independiente puede convertirse en una de las escuchas mas atractivas del 2020, buena manera de canalizar sentimientos tan profundos con piezas dinámicas hasta bailables. 

Charli XCX - How I'm Feeling Now (2020)

 How I'm Feeling Now es el cuarto álbum de estudio de la artista Pop británica, Charli XCX. La misma establece aquí un Pop electrónico, adictivo y rítmico con el que describe su situación personal actual y su relación con la vida en cuarentena, en otras palabras, este álbum es un trabajo de pura cuarentena. El trabajo está producido por la misma Charli en acompañamiento y apoyo de BJ Burton, AG Cook, Dijon, Benjamin Keating y Dylan Brady (100 Gecs), todos productores del colectivo PC Music al que pertenece la cantante, tan distinguible por su gran aporte al nuevo Pop electrónico de hoy en dia como lo es el Bubblegum Bass y Glitch Pop entre otros estilos novedosos. El álbum ha sido publicado el 15 de Mayo de 2020 y del mismo se desprenden los sencillos Forever, Claws, Enemy y I Finally Understand.

Electropop, Glitch Pop, Bubblegum Bass

Atlantic Records

Mejores Canciones: Pink Diamond, Forever, Claws, 7 Years, Enemy, Visions

Mi Calificación: 4,5 / 5 

Charli hace ya varios años viene siendo una de las artistas femeninas más activas y no solo eso, sino que también de las que más aportaron a la evolución y crecimiento de la música Pop y Electropop en sí, es decir, se ha vuelto progresivamente una pieza fundamental de la música de hoy en día, y esta no sera ninguna excepción.

How I'm Feeling Now posiblemente tiene la tarea de aparentar ser un proyecto sencillo y paradójicamente tratarse de un encuentro cercano entre la música y ella misma en tiempos de distanciamiento, pero no es solo esto, sino que es una joya del Pop moderno con aspiraciones futuristas y contextualizada en la situación del presente. La cantante detalla como vivir relaciones a distancias, como se siente la soledad en la nueva modalidad de vida, una rutina apagada y el miedo al futuro incierto luego de la pandemia, aunque tratando de tapar esos miedos. El álbum no es ambicioso ni toma un carácter intelectual o muy vanguardista pero la producción de las canciones con sus golpes duros, oscuros y rítmicos, son totalmente favorables con el acompañamiento de un Charli sincera, transparente y solitaria. Hablemos de que en realidad, es un álbum íntimo, creado con el mismo espíritu y creatividad como si se fuese a trabajar con muchas personas y productores al mismo tiempo y en el mismo lugar pero desde el lugar mas íntimo del artista y en su casi completa soledad, compañía que juega un rol muy importante. Los factores sociales no jugaron ninguna contra para que Charli pueda elaborar el mejor álbum pop del año desde el patio de su casa desafiando a los estándares de musica de hoy en día, con poco siempre se pudo hacer mucho.

Los Highlights de How I'm Feeling Now son varios, entre ellos, Forever, la balada moderna con una increíble producción siendo el punto más íntimo y trascendente del álbum, Claws, una canción reprtitiva y adictiva que presenta una activa influencia de Sophie y 100 Gecs entre otros, 7 years haciendo brillar a Burton como productor, Anthems, como la canción de club que muestra que tan rutinaria se puede volver nuestro confinamiento en pandemia transmitiendo lo que mas de uno seguro sintió y Visions como el cierre épico e hipnótico de un álbum de club nocturno como también lo puede ser este.

Charli hoy sin duda lidera una forma de hacer Pop que puede atraer a amantes de otros géneros y mezclarse con estas canciones tan adictivas. 

Thy Catafalque - Naiv (2020)

Naiv es el noveno álbum de la banda húngara de Metal, Thy Catafalque. La misma esta solo integrada por Tamás Kátai y sus músicos de sesión. 

Este álbum es un viaje armado y pensado en la convivencia de ambientes oscuros junto a ambientes psicodelicos brindados por un sonidos folclórico húngaro.

El álbum fue publicado el 24 de enero de 2020 y del mismo se desprenden los sencillos Tsitushka, Embersolyom y Szélvész.

Metal Progresivo, Avant-Garde Metal, Música Húngara Folclórica

Season of Mist

Mejores Canciones: A Bolyongás Ideje, Tsitushka, Embersolyom, Szélvész

Mi Calificación: 3,5 / 5

Naiv (ingenuo en español) es un álbum lleno de sorpresas y texturas por descubrir a medida que se repiten las reproducciones. Kálai retoma la idea de incluir la música tradicional húngara en su música y asi formar una mezcla en conjunto con el sonido de su pesada guitarra y la ambientación oscura y también electrónica. Si bien esta idea la dispuso en Geometria (2018), la idea no habia quedado muy bien marcada ni siquiera el fin ni el propósito de la misma, es decir, en Naiv vuelve a apostar por sus raíces de una manera totalmente efectiva, la música húngara colorea esos paisajes oscuros que ha de proporcionar su guitarra creando una atmósfera envidiable.

Sus letras son cortas, poéticas y profundas haciendo referencia a la melancolía y sobre todo a la evolución del ser a través del tiempo pasando por etapas como la ilusión y el sufrimiento.

Al gozar de canciones con letras cortas, también se encuentran tres instrumentales: Tsitushka que probablemente es el encuentro mas arduo entre la música de Kátai con la conexión ambiental y psicodelica (en este caso) utilizando los tintes de su región, Számtalan Színek que crea un relajante viaje entre guitarra y otros instrumentos de cuerda y Kék Madár (Négy Kep) como el instrumental rítmico y rápido que deja fluir su música en el sonido del laud y la flauta con un final electrónico reflexivo.

Estas tres piezas son fundamentales para entender la magia que queria demostrar el multiintrumentista. Por otro lado, y no menos importante, el artista eligió a Martina Hovarth para ser la voz principal junto a el, la cual causó que las canciones tomen un rumbo hasta algo ritualistas, siendo esto, una virtud. 

Naiv se convierte en uno de los álbumes mas completos y mejores pensados del álbum causando que la etiqueta de vanguardista no suene densa ni tan difícil de entender, sino que haciendo una mezcla poco frecuente de estilos, la convierte en entretenida. 

Vampire Weekend - Modern Vampires of the City (2013)

El 14 de Mayo de 2013, Vampire Weekend publica su tercer álbum de estudio, Modern Vampires of the City estableciendo un nuevo sonido Pop dentro de la banda. La banda integraría un sonido más sofisticado, suave y redireccionaría su música a un sonido más de cámara con la participación de músicos de sesión que participarían tocando el violin, trombón, saxofón, tuba, trompeta y piano lo que haría de Modern Vampires un álbum bastante completo en cuanto a instrumentos y sonidos. Del mismo se desprenden los sencillos Obvious Bicycle, Step, Hannah Hunt, Everlasting Arms y Hudson.

Indie Pop, Chamber Pop

XL Recordings

Mejores Canciones: Unbelievers, Hannah Hunt, Hudson

Mi Calificación: 3 / 5

Sin duda alguna, el lanzamiento del álbum favoreció abiertamente al perfil de Rostam y Ezra Koenig, productor como encargado de la mayoría de los instrumentos y vocalista respectivamente, como músicos ya que significó un avance notorio en la manera de componer y crear canciones con un estilo mas jerárquico y sofisticado. Si bien el álbum anterior de la banda, Contra (2010), ha sido totalmente aburrido y poco significativo para el Pop de los 2010s, Modern Vampires significo el reconocimiento casi definitivo de la banda norteamericana en el ambiente del género.

Sin embargo y desde mi punto de vista, no todas son rosas. El trabajo parte de una base de un Pop muy suave y aburrido que a veces no sabe canalizar la música con su grandes letras que quizás es lo más importante en todo el trabajo. Canciones como Hannah Hunt y Step son méritos grandes y aportes significativos para el Pop del siglo XXI y asi las recuerdo como canciones brillantes dentro de un álbum que tiene un sonido comercial y genérico aún latente desde la formación de este cuarteto.

Aparentemente, la banda se esfuerza en convertir su sonido en algo más romántico con un sentido más cálido y clásico pero lo único que logro en mi fue crear un ambiente sonoro rígido y dificil de digerir. Como ya he mencionado, las letras le escapan a la creatividad corta del sonido, sin desmerecer trabajo alguno, el trabajo entero carece de actitud preoponderante y brillante.

La canción Step está compuesta gracias a una revisión de Step to My Girl del grupo de Hip Hop Souls of Mischief; Hudson quizás es la canción mas política del álbum manteniendo una pequeña esencia del álbum anterior y tambien tenemos la sorpresa en la que se han basado para crear Diane Young, ritmos y tiempo del Surf y el Punk de comienzos de los ochenta.

No es un trabajo aburrido, tampoco es malo, pero quizás esperaba algo más luego de ver como tanto se lo ha querido a un álbum Pop de dicha manera. Modern Vampires of The City igualmente es la parte mas sincera de Koenig y Rostam y el gran libertinaje que tuvieron para mostrarse como escritores de canciones.  

Parquet Courts - Light Up Gold (2012)

 Parquet Courts en una banda de Indie Rock y Post-Punk de Nueva York. En 2011 lanzaron un álbum debut, American Specialties (2011) que solo se limitó en primera instancia a un lanzamiento de limitados números solo en formato cassette. Luego de esta rara y underground presentación de la banda vendría la apertura de telón verdadera que sería Light Up Gold con la discográfica Savage´s Dull Tools y What's Your Rapture? posteriormente. El álbum ha sido lanzado el 15 de Agosto de 2012 y sitúa a la banda como un conjunto prometedor de Punk Revival norteamericano.

Indie Rock, Post-Punk, Garage Rock

Savage's Dull Tools // What's Your Rapture?

Mi Calificación: 3 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: Master of My Craft, Borrowed Time, N Dakota, No Ideas

La banda se destaca ampliamente por ser una gran crítica a nivel social teniendo en cuenta la lucha de clases y los abusos de poder. Las canciones no son rebuscadas ni filosóficas pero son muy conscientes y versátiles, es decir, al tocar un tema político no se vuelve un álbum denso ni menos aburrido, se las han ingeniado mucho para tener la gran visión fría que obtienen acá frente a la sociedad.

Sin embargo, a pesar de ser compositores (Andrew Savage y Austin Brown en su mayoría) y músicos talentosos, su debut musicalmente se vuelve por lapsos algo repetitivo y predictivo. Ya sabemos como terminará cada canción y los acordes parecen convertirse en patrones. Esto crea un contraste productivo que muchas veces solo sale favorecido la gran dotación vocal de los principales compositores nombrados anteriormente, como por ejemplo, en Master of My Craft, No Ideas y Caster of Worthless Spells. 

El ojo crítico de Parquet Courts que muestra la vida de los más adinerados al estilo la película "El Lobo de Wall Street" (2013) en canciones como Master of My Craft y Yonder is Closer to The Heart, también es capaz de ver la vida urbana de la gente trabajadora con tiempo libre que utiliza estupefacientes de modo recreativo como lo hace en Stoned and Starving, una de las mejores canciones en la segunda etapa del álbum. Es decir, logran englobar un gran problema social como son las drogas y la desigualdad social. 

El álbum ha de ser un gran intento por revivir la llama política de lo que fue el Punk y si, mal y pronto es un logro, que se ve opacado varias veces por ser un álbum muy monótono en cuanto a la utilización de los instrumentos. Mas allá de eso, Parquet Courts quedó favorecido por la crítica convencional dentro del contexto musical y se proyectó como una de las escuchas nuevas más interesantes del género. 

Drake - Take Care (2011)

 Take Care es el segundo álbum de estudio del rapero canadiense, Drake. Lanzado el 15 de Noviembre de 2011, el álbum demostró y garantizó al rapero como una promesa del circuito como también mostrándolo como el presente y futuro de la forma mas popular del Rap en todo el globo. Asimismo, el álbum muestra una gran fortaleza del artista en canciones con fórmulas de R&B, música más atmosférica en cuanto a su primer trabajo y la gran y buena disposición de su equipo de producción liderado por Lil Wayne que ha rendido con creces en cuanto a Thank Me Later (2010). El álbum ha vendido alrededor de más de 2 millones de copias a nivel mundial y debutó en N°1 en la lista Billboard posicionando al artista en lo más alto del ambiente mainstream.

Pop Rap, Contemporary R&B

Cash Money Records // Young Money Records

Mi Calificación: 4 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: Shot For Me, Crew Love, Marvin's Room, We'll Be Fine, Lord Knows, The Real Her

Drake hizo un trabajo muy meditativo líricamente al llevar a cabo este álbum. Take Care se muestra como una carta de presentación sentimental del cantante en donde el mismo se manifiesta de forma dolorosa y sincera frente a relaciones amorosas que no le han funcionado, como también manifiesta el cambio de su vida al entrar en la fama (que al parecer lo mantiene igual de vacío por dentro), poca fanfarronería pero clave cuando la hay y una mirada mas dócil e inocente dentro del mundo del Rap en donde también esta consciente de que ha de ser un rapero que ha venido del ámbito de la actuación, o por lo menos crea varias referencia hacia ese pasado en varias canciones. La forma en que Drake enlaza las canciones melancólicas y agridulces es totalmente destacable por la postura que es capaz de tomar en cada canción de forma mucho más completa y profunda que en su debut, el cual ha dejado de ganas de mucho más o por el contrario de poca expectativa para lo que se venía. Si bien no es un visionario de las letras, las composiciones de las canciones han de tener un trasfondo algo profundo e interesante.

Por otra parte, el álbum presenta buen nivel de colaboradores como la tierna Rihanna en Take Care, la canción principal del álbum en la cual podría decirse que se trata de una pareja adolescente, el estratégico The Weeknd en Crew Love que destroza a Drake en lo vocal, el interludio riguroso de Kendrick Lamar, los adictivos versos de Birdman en We'll Be Fine y Nicki Minaj en Make Me Proud, el imponente Rick Ross en la extraordinaria Lord Knows, André 3000 junto a Lil Wayne en The Real Her y este último también en HYFR completando el elenco que forman parte de un equipo esencial a la hora de realizar un análisis de las canciones.

El artista de Toronto supo como mostrarse como un hombre débil, apenado y enamorado en Marvin's Room como también supo mostrarse como una promesa explosiva en el mundo del Rap en Lord Knows. En este proceso un tanto versátil se encuentra la clave del álbum y la diferencia que sabe hacer sobre el resto de los trabajos suyos. 

El punto fuerte real del álbum por lejos y por unanimidad ha de ser la producción, la cual se ve influida por el magnum opus de Kanye West, My Dark Twisted Fantasy a simple escucha. La misma se ve enmarcada y caracterizada por múltiples capas de sonido electrónico y sintetizado mezclado con instrumentos como la armónica y el piano en algunas canciones que ha de ser algo que le da un aspecto mas completo, pacífico, atmosférico y sobre todo algo más elaborado y mejor pensado para acompañar el sentimiento manifestado en las canciones.

El álbum es un trabajo elegante e íntimo elaborado por un numeroso equipo en racha que han de proyectar una de las carreras musicales más exitosas de todos los tiempos con la contraproducencia que han de demostrar que Drake es más que el producto más vendido del mapa musical, o que a futuro lo sería. Este es el momento en donde demostró que sabe hacer R&B.