Joji - Ballads 1 (2018)

George Kusunoki Miller, más conocido por su nombre artístico Joji, es un cantante japones actualmente residente norteamericano que supo hacerse conocer al mundo en primera instancia como un Youtuber comediante el cual bajo el alias de Pink Guy ya había editado música de comedia para su canal (dos álbumes digitales y un EP). . El mismo es conocido en Japón y gran parte del mundo por sus sketches y vídeos como ya he dicho, ahora bien, su carrera artística tomaría un giro drástico llegado el año 2017 en donde lanza su EP, In Tongues, primer trabajo ya bajo la firma de la discográfica 88Rising.

El proyecto no fue deslumbrante pero fue intrigante, con rasgos R&B profundos y pesados mezclados con una atmósfera melancólica y electrónica con sonidos Trip Hop, algo muy serio en cuanto al hombre que hasta el año anterior encarnaba a un meme viviente. Aparentemente, este EP fue no más que una introducción a lo que iba a ser al año siguiente su álbum debut. Ballads 1 lanzado el 26 de Octubre de 2018 se convirtió en su primer trabajo de larga duración en donde participaron productores como Clams Casino, Shlohmo, D33J, John Durham y Patrick Wimberly entre otros.

Alternative R&B, Pop Rap, Cloud Rap

88Rising // 12Tone Music

Mi Calificación: 2,5 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: Slow Dancing In The Dark, Test Drive, Yeah Right, R.I.P.

Ballads 1 es un álbum muy melancólico, Joji se encuentra en situaciones en donde necesita ser deseado, ser querido y nos describe que sus relaciones no funcionaron o no prosperaron como el creía y quería. El problema central del álbum no se centra más en nada que en eso y se vuelve algo tedioso, es decir, en cuanto a contenido lírico no es tan completo debido a que literalmente no hay otra que decir acerca del mismo, todo parece ser un circulo vicioso cuando Joji nos va contando que falla sus relaciones y le rompieron el corazón. Algo que hace interesante este tipo de álbumes es la forma en que esto se lo retransmite al oyente, en este caso, las metáforas no son muy bien pensadas ni profundas, a excepción de Slow Dancing in The Dark y Wanted U que quizás el artista se luce un poco más con los sentimientos dentro de las letras.

La producción le sienta bien a Joji, en esta oportunidad deja que la voz se convierta en el obvio protagonista de la cuestión junto a las bases Lo-Fi, algunas inspiradas en el Hip Hop más moderno y en el Trap, otras algo más melancólicas y meditativas siguiendo con la corriente reflexiva y melancólica del álbum. No siento un gran esfuerzo por la misma pero aún así ha crecido en cuestiones de producción siendo las producidas por el las de mejor calibre. Canciones como Attention, Test Drive y No Fun, dejan al descubierto a pesar de cuales sean las situaciones, la poca confianza que concentra el artista en sí mismo y es algo que daña al autoestima del mismo.

Slow Dancing in the Dark se destaca como la joya del álbum siendo por lejos la canción mejor compuesta y mejor producida. Canción la cual goza con una especie de beat switch en su clímax que ayuda a Joji a expresar sus emociones desmedidas acerca de una relación amorosa la cual siente muy lejana y ve desmoronada, entre la parte del coro y los demás versos. Se deja mostrar como la canción con más pasión que interpreta el cantante. Si más de una canción podría seguirle el ritmo a Slow Dancing, Ballads 1 sería otro tipo de álbum. Siguen sus pasos igualmente sin poder igualarla, Test Drive con una precaria metáfora acerca del amor sin compromiso, Yeah Right que también se ha convertido en un sencillo exitoso del artista, con un piano tan intermitente como atractivo y un golpe de bajo adictivo acompañan al artista a describir un momento en el que no piensa en otra cosa que "joderse la vida" ya que a nadie de sus conocidos ni de sus relaciones, le interesan, algo ya repetitivo. 

Su única colaboración vocal la encontramos en R.I.P., Trippie Redd participa de la misma con su esencia depresiva que le da un toque diferente al que le venía dando Joji. 

Muchas veces, el álbum termina siendo muy drástico sin ser profundo o atractivo en cuanto al relato pero a pesar de eso, es un álbum Lo-Fi oscuro, apto para escuchar una solitaria noche de lluvia. Un álbum que es más melódico que rítmico, nos muestra que tan tedioso puede ser que te rompan el corazón.

Top 20 Canciones Favoritas de The Beatles

[20] It Won't Be Long

[19]  For No One

[18] I Should Have Known Better

[17] Ticket to Ride

[16] She Loves You

[15] Taxman

[14] With a Little Help From My Friends

[13] If I Fell 

[12] Getting Better

[11] I'm Only Sleeping

[10] I Am The Walrus

[9] Love You To

[8] Michelle

[7] I Want to Hold Your Hand 

[6] Hey Jude

[5] Within You Without You

[4] While My Guitar Gently Weeps

[3] Yesterday

[2] Strawberry Fields Forever 

[1] A Day In The Life 

Converge - All We Love We Leave Behind (2012)

 Converge es una banda ya legendaria en el ámbito de la música pesada y gutural como lo es el Metalcore. Llevan a la fecha de hoy 30 años juntos y en ninguna parte de su carrera ha tenido tiempos de poco interés ni periodos en los que han pasado por desapercibido, no por nada son uno de los más reconocidos en su labor. Con esta consistencia llega el momento de abrir paso a su tercera década juntos luego de un triunfal periodo en donde lanzan los míticos Jane Doe (2001) y You Fail Me (2004) y su predecesor inmediato, el pasional Axe to Fall (2009), álbumes que mostraron el carácter agresivo pero técnico de la banda con gran poder de determinación, fusión e inclusión a la hora de usar los sonidos del Hardcore Punk y por escándalo del Mathcore, tarea que no suena fácil. 

All We Leave Behind es lanzado el 9 de Octubre de 2012 y ha determinado que la banda estadounidense no se encuentra atrapada en un sonido repetitivo ni oxidada, algo que habla demasiado bien de sus músicos. Este álbum se muestra como una conjugación más melódica por parte del cantante, Jacob Bannon, y de ciertos guiños hacia un sonido un poco más oscuro propio del Doom Metal.

Metalcore, Post-Hardcore

Epitaph Records

Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: Aimless Arrow, Trespasses, Sandnes Come Home, Coral Blue

All We Love es un álbum existencial y pesimista el cual mira con recelo el futuro y añora el pasado. Su composición lírica se encontró totalmente a cargo del cantante de la banda, Jacob Bannon, el cual se expresa de manera muy personal mostrando una postura reacia hacia el avance del ser humano en el tiempo (véase la portada) hacia la vejez o hacia un lugar donde no podrá concluir con las metas que se ha propuesto de joven. Hay que entender que los integrantes de la banda han estado mucho tiempo en el circuito de la música y tiene bastante coherencia que este álbum sea un tanto directo y depresivo en ese aspecto. La mayoría de las canciones del mismo hablan sobre esto desde una perspectiva diferente, la genial entrada dinámica de Aimless Arrow dictamina que para lograr algunas cosas abandonamos otras y con ellas abandonamos seres queridos en el camino siéndose requerido o no, en Trespasses no se encuentra esperanza alguna a pesar de que progresemos, Empty on The Inside como bien lo manifiesta el título, presenta un vacío a pesar de que la vida siga su curso y en la canción de mismo título que el álbum, evidentemente se habla de dejar atrás una relación amorosa y seguir con el ritmo de vida. Si bien el panorama no es bueno, el terreno en donde estas letras describen las situaciones es dentro de canciones técnicas y bien balanceadas, es decir, no son densas líricamente y se convierten sin duda en lo mejor del álbum.

La producción estuvo a cargo del guitarrista, Kurt Ballou, el cual determinó un álbum muy técnico con un sonido áspero que logra convertirse en oscuro rindiendo tributo al Blues Rock y al Doom Metal. Se implementan riff de estos géneros en momentos claves como en el comienzo seductor de Sadness Come Home o en la totalidad de la genial y oscura balada de Coral Blue, la mejor del álbum. 

Mas allá de esto, hay momentos en donde los cambios de ritmos son geniales como en la canción de introducción y su sucesora, Trespasses. Por último, queda destacar que junto con Coral Blue, en la segunda parte del álbum se encuentra el lento instrumental de Precipice  que le da el pie a la canción homónima del álbum. Estas formulas fueron esenciales para, a mi gusto, variarlas con los golpes repetitivos y técnicos ya conocido del Metalcore, haciéndolo un álbum muy atractivo y entretenido. Una razón más por la que Converge es una de las bandas más perseverantes de la escena y una obra en donde Bannon nos muestra un lado bastante personal. 

Rick Ross - Teflon Don (2010)

 Teflon Don es el cuarto álbum del rapero oriundo de Clarksdale (Estados Unidos), Rick Ross. Viniendo de una base un poco más pulida con su álbum Deeper Than Rap (2009), a comparación de sus comienzos sin pena ni gloria sin brillo y con poca atención de la crítica, Ross afronta un nuevo horizonte. A partir de aquí, su carrera comenzaría a tomar otro rumbo y el primero paso fue el lanzamiento de este álbum. Lanzado el 20 de Julio de 2010, Don sigue representando gran parte de los logros hechos por el rapero hasta el día de hoy, un álbum quizás mas infravalorado que tenido en cuenta. 

Hip Hop, Gangsta Rap

Def Jam Recordings

Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: Maybach Music III, Live Fast, Die Young, MC Hammer, Aston Martin Music

El álbum esta compuesto por 11 canciones encargadas a 11 productores, entre ellos el mismo Rick Rozay como se hace llamar a veces. La producción es un punto en auge muy importante a la hora de hablar de este álbum, entre estos productores el que más destaco increíblemente fueron los chicos de J.U.S.T.I.C.E. League, que en pocas palabras, estuvieron a cargo de las canciones mas significativas como "I'm Not a Star", la épica "Maybach Music III"  y "Aston Martin Music".  Mas allá de eso, la producción representa un logro significativo gracias a su suavidad y versatilidad, la gran adicción que presentan los sampleos y la idea genial de instrumentos como violines, chelo, guitarra y trombones junto a las voces de los artistas.

Ahora bien, más profundamente hablando, Rick Ross se muestra muy meditativo acerca del éxito que estaba afrontando en ese momento, nos cuenta esa típica historia triunfante del gueto en donde sus padres no tenían la plata suficiente para brindarle todo a Rick y de un dia para el otro, los tres manejan un capital innumerable gracias a el. Rick afronta la fama pasando por un periodo de negación como lo demuestra en "I´m Not Star" en donde se ve mas como un traficante que como un artista, todo imagen.

La sorprendente "Maybach Music III" resulta ser una aplanadora para sus sucesoras. Ross con T.I., Jadakiss y el estribillo de Erykah Badu, presentan la canción más reflexiva del álbum y de las más icónicas de la carrera de Rozay. 

Por otro lado, si les pareció algo confuso que al principio no se considere un artista, más descolocante es el trato que tiene el rapero en la canción "Live Fast, Die Young", una canción de fiesta, alegría, excesos y supremacía. Kanye West hace lo suyo convirtiéndose en una de las colaboraciones más destacadas del álbum gracias a sus barras y su coro en el estribillo. Al parecer, después de todo Ross no se arrepiente de no aparentar ser una estrella cuando menciona que podría ayudar a la gente pobre pero no lo hace porque es dinero sucio. El último punto importante para mi ha de ser "MC Hammer" con Gucci Mane como colaborador, si bien nombre "Aston Martin Music" me parece que es una canción bella por solo mera producción y no por letra. El caso de "MC Hammer" es claro y facil de analizar. Es una de la canciones más conocidas de Ross también y la preferida de los oyentes de este álbum. Una canción con una estructura sonora de Trap en los tiempos donde muy pocos lo hacían, y los que lo hacían, están presente en este álbum. Es una canción que podría ser un himno callejero, cocaína, armas y las mejores barras que Rick elaboró a pesar de su crudo lenguaje, tan así que para mi modo de ver, Mane está de sobra, dificil de decirlo pero fácil de comprobarlo.

Teflon Don fue uno de los álbumes urbanos más completos de dicho año, buenos ganchos, buenos estribillos, numerosas colaboraciones en donde la mayoría mantuvo su nivel, envidiable producción y algunos toques de introspección personal por parte del anfitrión que nunca dudó de su potencial. Un manual para aquellos jóvenes de la calle que quieren triunfar, aunque deberían hacerlo por las buenas. 

El Origen del Rock Industrial

 El Rock Industrial nace en la segunda parte de la década del 70, siendo mas específicos, a fines de esta misma enfocándose la escena en primer lugar en Inglaterra sin ser un lugar exclusivo de la misma igualmente. Este género alternativo difiere de los demás subgéneros del Rock por tener la presencia de cajas de ritmos, sintetizadores oscuros y ambientaciones con sonidos ásperos y electrónicos que acompañan a la estructura tradicional del Rock (voz - guitarra - batería - bajo), frecuentemente se utilizan sonidos de elementos metálicos u "objetos utilizados en fábricas".

Nine Inch Nails, banda pionera del género, en vivo.

Hay muchos antecedentes aislados que influyeron al primer caudal de artistas denominados bajo el ala del Rock Industrial, algunos de estos antecedentes fueron la puesta en escena de la banda experimental Cromagnon en 1969 con su álbum "Orgasm", en ocasiones la música de David Bowie que con el tiempo pasaría de ser una influencia para el género a ser influenciado por el mismo solo por mero carácter de la determinación del género, el sonido de la escena del Krautrock más específicamente las performances de NEU! y Can entre otros. Pero estas influencias pueden llegar a un punto de ser relativas a comparación de los grandes pilares de la música industrial: Cabaret Voltaire y Throbbing Gristle.

Ambas bandas inglesas, ambas bandas vanguardistas para la épocas, ambos grupos que ocasionaron varios disturbios en sus presentaciones y ambos proyectos bastantes abstractos y alternativos en cuanto a la música del momento. En cuanto a los Gristles, ellos utilizaban hasta martillos eléctricos en sus presentaciones que ocasionaban daños en el escenarios y alteraban el público. El surrealismo presente en la música y la hostilidad con la que se la realizaba en ambos grupos les dio reconocimiento único y distinguible en el ámbito underground.

Podemos separar los primeros años del Rock Industrial en tres etapas: La década del 70 en su temprano desarrollo y aparición como un género híbrido, la década del 80 como su invasión en los estilos como el Post-Punk y bandas de Rock Gótico y la década del 90 como su consolidación hasta el nivel comercial gracias a Nine Inch Nails y Marilyn Manson.

Algunos de los grupos de la década de los 80 que tomaron como estilo de música principal la industrial fueron Killing Joke, Swans que logra combinarlo a un punto mas surreal con el No Wave y el Noise Rock (banda la cual hoy en día es una de las más reconocidas a nivel mundial en el Rock Alternativo), el grupo suizo The Young Gods con sampleos en suplantación a guitarras reales y Ministry entre los más relevantes. 

De más esta decir que estos dos proyectos puntuales que dieron nacimiento a la posterior escena, tienen un sonido muy primitivo y desarticulado como el que tiene el Rock industrial en los años 80 y 90. Algunas de las canciones más oscuras de Cabaret Voltaire suenan a una locura, una locura psicodélica y es que hay influencia de carácter ácido y sesentero en todo esto gracias a que los integrantes de Cabaret fueron incluyendo hasta herramientas del Rock Progresivo de Frank Zappa como también de la psicodelia de los Floyd y de Jimi Hendrix. El tiempo sigue su curso y cada vez más en esa época se han de aprovechar los recursos tecnológicos e innovadores que dieron lugar a nuevos procesos y sucesos en la música. 

Chvrches - The Bones of What You Believe (2013)

Chvrches es un trío escocés que tiene la particularidad de tener sus tres integrantes: Iain Cook (sintetizadores, bajo, coros), Lauren Mayberry (vocalista, sintetizadores) y Martin Doherty (sintetizadores, batería, coros) con bases y pasados rockeros o por lo menos como intérpretes de Pop Rock, pero sin embargo, la estructura de esta banda no se basó desde un principio en estos géneros, véase incluso como los tres participan vocalmente. 

The Bones of What You Believe, lanzado el 23 de Septiembre de 2013 es su álbum debut en el cual estos viejos conocidos de Glasgow, Escocia, demostraron un gran potencial impulsando un sonido ochentoso de Synthpop acaramelado y melancólico con una producción digna de cualquier banda de reconocimiento mundial.

Synthpop, Electropop

Glassnote Entertainment Group

Mi Calificación: 4 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: The Mother We Share, Tether, Lies, Under The Tide, Lungs

Hablando un poco de la historia del origen del álbum, Cook experimentó muchos meses con sintetizadores y llevó la idea a sus otros dos compañeros que al comienzo de todo, les parecía descabellado pero que con los meses y ensayos, les encantó convertir casi la totalidad de su música, en música electrónica.

El álbum ha de ser todo una travesía por lluvia de sintetizadores intensas, momentos limpios y concretos en cuanto a bases de sonidos que desbordan también de ambición por aún demostrar más destreza y con que facilidad se puede hacer un buen Pop, y si, es muy fácil afirmar que por lo menos les parece algo no complicado de lograr y se explica canción a canción. Momento en donde las letras de amor juvenil se cubren y al mismo tiempo son atravesadas por gamas de sonido melancólicas, serias, extrovertidas y firmes, es decir, el álbum posee una gran versatilidad en su sonido y sus letras en donde parece mostrar altibajos emocionales sin mostrar esto mismo en su calidad.

Lauren Mayberry se presenta como una vocalista muy variada y ágil donde rápidamente puede pasar del dolor hacia una alegría sin miedos y sincera. A pesar de ser la vocalista principal y la que a simple vista para nuestros oídos puede ser la anfitriona de esta obra, Doherty no lo hizo nada mal en "Under The Tide" y la adolescente "You Caught The Light". La intrigante "The Mother We Share", que fue el sencillo que le abrió muchas puertas a la banda, es junto a "Tether" las mejores pistas y las más demostrativas. Esta última cierra con un clímax progresivo centrado en una atmósfera puramente Dance y logra una transición importante para la proxima canción, "Lies", que retoma la energía que le cede esta primera.

 Sinceramente no estuve convencido hasta cierto punto de Chvrches pero luego de escuchas, uno puede encontrar texturas nuevas y descubrir nuevos pasajes sonoros dentro de sus canciones. Realmente es algo contraproducente decir que una de las grandes joyas de nuestros tiempos sea un álbum que sangra y luce su admiración por grandes del Pop de los ochenta como la gran comparativa que tuvieron con Depeche Mode pero la música es así y The Bones of What You Believe rinde un homenaje al Pop de dicha época de manera deslumbrante. 

Top 50 Mejores Álbumes Favoritos de 2018

 

30 Años de Canción Animal: El máximo rugido de Soda Stereo

Canción Animal es el quinto álbum de estudio de Soda Stereo lanzado el 7 de Agosto de 1990, un álbum con un sonido rústico, más agresivo y duro en comparación a los estilos anteriormente utilizados por la banda hasta el momento. Significó para la banda un sonido renovado y una etapa de consagración absoluta en muchos aspectos tanto técnicos como comerciales. El álbum fue grabado en Criteria Studios en Miami, Estados Unidos y su sonido se inspiró en grandes bandas del Rock Nacional de los años '70

 Era el año 1990, el comienzo de otra década y un periodo crítico para la economía Argentina, hay que resaltar dicho hecho debido a que el mismo afecto a la estructura de la música Argentina en ese momento y a las discográficas y respectivas bandas. Canción Animal fue uno de los principales responsables en cortar el caudal Pop Rock, New Wave y Ska de la época, que irónicamente también practicó y se destacó Soda Stereo, para entrar en una etapa más rockera a nivel nacional. Junto a otros estilos como el Blues Rock, volverían a predominar en la escena de nuestro país y no solo eso sino que además se convertiría en uno de los referentes más importantes del Rock a nivel hispanohablante siendo muy reconocido también en el ámbito del Rock Español. 

Canción Animal pasó a ser un icono de la cultura musical de la Argentina y Latinoamérica. Su gira fue de las más peculiares e innovadoras para una banda hispanohablante, más propiamente dicho la Gira Animal (1990 - 1991) abarcó ciudades de la Argentina muy poco frecuentemente visitadas por bandas de la talla de Soda como fueron Puerto Iguazú, Clorinda, Chascomús, Trenque Lauquen, Olavarría y Pergamino entre otras llegando a un total de 30 ciudades en el país más catorce funciones en el Luna Park, Buenos Aires, llegando a la conclusión de que todo esto fue un trabajo adelantado para su época aunque Soda venía siendo una banda "adelantada" desde el lanzamiento de su anterior álbum, Signos.

De su playlist no deja nada que desear, su sonido más agresivo y maduro se manifiesta en los diferentes y más numerosos riffs de guitarra en las canciones junto a las letras un poco menos retóricas. La mayoría de las canciones han de ser de las más conocidas de la banda y también se encuentra su Magnum Opus, De Música Ligera. Himno del Rock Nacional reconocida a nivel internacional que demuestra la euforia misma del álbum. Entre otras canciones se encuentra (En) El Séptimo Día, con una métrica poco convencional, Canción Animal con el título homónimo que abarca sobre un lema más explícito haciendo referencia al deseo sexual del ser humano, Hombre al Agua que muestra a una persona enfrentándose a una nueva etapa de su vida luego de una posible ruptura amorosa y Té Para Tres, el momento melancólico del álbum y canción que le dedica Cerati a su padre luego de haberse enterado de la enfermedad terminal que tenía el mismo. 

Deftones - Koi No Yokan (2012)

Luego de Diamond Eyes, un álbum explícito con un sonido áspero pero bastante entretenido y agitado, la propuesta de Chino Moreno, vocalista de la banda, fue que la banda tomara de nuevo un sonido más experimental para el nuevo proyecto que tenían entre manos. La banda decidió de nuevo tomar las influencias tenues y conmovedoras del Shoegaze y el Post-Metal para formar un álbum en donde supieron mezclar grandes corrientes de sonidos y sentimientos en cada una de las canciones. Este proyecto fue Koi No Yokan (expresión propia del japones que significa presentimiento del amor), el séptimo álbum de la banda de Sacramento que recuerda e iguala los mejores momento de una de las mejores bandas del Metal Alternativo. El álbum ha sido lanzado el 13 de Noviembre de 2012. Sus sencillos fueron las canciones Swerve city, Romantic Dreams, Leather y Tempest.

Metal Alternativo, Post-Metal, Shoegaze
Reprise Records

Mi Calificación: 4,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Romantic Dreams, Leathers, Graphic Nature, Tempest, Rosemary

Mucho se ha dicho por críticos reiteradas veces acerca de la volatilidad del álbum, y es que en un grito unánime, el elogio general de este proyecto es que Deftones encuentra el punto justo para mezclar la marea alta con la baja, la tormenta con la calma, el éxtasis con la plenitud ambiental misteriosa que rodea a Koi No Yokan. La ambientación del álbum varía de momentos de clímax con repentinos y grandiosos pasajes sonoros ambientales donde se deja ver la desnudez del álbum en si. 

Esto hace que el álbum sea totalmente atrapante y envuelva al oyente de lleno, supieron como comportarse en torno a un álbum de Metal que supo ser ambiental. Estos momentos son claves y sen encuentran al comienzo y final de la mayoría de las canciones creando un hilo correlativo casi perfecto en donde sitúa al climax ruidoso de cada canción en el núcleo de cada una hasta cerrarlas progresivamente hasta un punto experimental como si de una pequeña reflexión se tratara, una estrategia de producción algo vanguardista y sorprendente.

La sinceridad de este álbum es grande, Moreno se ha vuelto un poco más poético y las canciones muestran varias facciones de la personalidad de una mujer, el deseo hacia mismas y la lujuria pero aún así, el romanticismo se sobrepone como una acción natural y sincera.

Koi No Yokan si duda es un álbum con mucho carácter donde la guitarra no suele ser gozada en solos sino que como un ingrediente más (no menos importante) dentro de un álbum que fue forjado como un trabajo en conjunto y hermético. El manejo de ritmos del vocalista aun me impacta, más en canciones como Romantic Dreams, Leathers y Graphic Nature, una de las canciones más descriptivas y mejores escritas por la banda hasta el día de hoy.

Beach House - Teen Dream (2010)

Luego del despertar amateur de Beach House en sus primeros dos álbumes de bajo rango y bajo perfil como lo fueron su álbum homónimo y su segundo álbum "Devotion", el dúo canadiense tuvo las puertas abiertas a nuevos oyentes y nuevas críticas como también le valió la oportunidad de grabar su primer álbum en una discográfica grande y renombrada. Teen Dream es el álbum que los lanzó de una vez por todas a lo que son hoy en día, a partir de este álbum comenzaron a ser descriptos como uno de los conjuntos y proyectos con mayor capacidad de plasmar sentimientos en música Pop alternativa de forma muy profesional y serena.
Beach House comenzó a principios de la década a crecer a pasos agigantados para los críticos y para la gente que le encanta la música melosa. La voz de Victoria Legrand y el apoyo productivo de Alex Scally estaban a punto de sofisticar y modernizar hasta hoy en día las canciones para un de los subgéneros mas crecientes en los últimos años, el Dream Pop. Teen Dream fue lanzado el 25 de Enero de 2010 a través de la discográfica Sub Pop (discográfica que alojó a Nirvana en sus tiempos), producido por ellos mismos y por el productor Chris Coady siendo este el que dio la iniciativa de grabarlo en Dreamland Records, construido sobre una iglesia abandonada.

Dream Pop, Indie Pop
Sub Pop Records

Mi Calificación: 4 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Zebra, Silver Soul, Walk in the Park, Lover of Mine, 10 Mile Stereo

Realmente Teen Dream es un sueño fragmentado álgido e íntimo. La forma de plasmar los sentimientos por parte de los dos compositores siempre ha sido buena y cada vez que se me presenta la oportunidad trato de detallar porque, y es que la realidad es que la gran libertad dinámica que parece presentarse en sus canciones mejoran cuando es interpretada musicalmente. Teen Dream fue cuidadosamente conjugado y producido, cajas de ritmos serenas y que logran ponernos en un juicio amoroso y resquebrajeante al unísono en cada una de sus canciones sin aburrirnos. 

La apertura con Zebra describe un amor juvenil, una idolatría hacia una persona que podría ser no correspondida para el perfil de la cantante siendo el mero reflejo de cuando una persona idealiza a otra cuando se enamora de esta, sencilla pero con metáfora. Esta misma da paso a una de las canciones más extrovertidas del álbum, una de las canciones quizás más revolucionarias en el catálogo total de la banda como lo es Silver Soul. Momento en donde la sofisticación suave del álbum se deshace totalmente gracias al riff embriagador de por parte de Scally convirtiéndose también en una de las composiciones más rebuscadas y con las mejores metáforas a aquello que nos hace producir serotonina, el amor.

Algunas canciones pueden sonar algo monótonas sin sonar aburridas en el álbum como surgen los casos de Norway y Used to Be (canción que data del año 2008) pero que igualmente no deslucen la gran imagen y paraje sonoro producido durante todo el álbum. Por otro lado, se remiten a esta descorazonada situación las canciones como Walk in the Park y Lover of Mine, canciones en las que Legrand pasa a ser una especie de gurú amorosa gracias a su talento vocal mientras que en Lover of Mine destacada el sintetizador agudo y levantador que convierte a la canción un tanto pegadiza y adictiva en el gancho, algo demasiado Pop. 

La mayoría de los atributos y críticas que ganó Teen Dream es por la buena realización del álbum ya que sin embargo no pertenece a una gama de álbumes innovadores o de vanguardia pero la sencillez de su proliferación en el relato amoroso es demasiado buena. Hay desarrollo profesional por donde se vea, Alex Scally ha sido el gran músico responsable de la ambientación de la mayoría del álbum destacando en Silver Soul, Walk in The Park, Lover of Mine, Better Times y 10 Mile Stereo. 

Sin duda alguna hasta el momento fue el álbum más completo de Beach House agregando más contenido a su paleta de sonidos con el cual desarrollan las canciones. Muchos sostienen que este es el mejor álbum de ellos y mi opinión es que no lo es. Teen Dream recibe ese título debido al momento en el que fue lanzado, si en este momento gratificante de la banda se habría encontrado otro álbum sería otro el que lo reemplazara pero igualmente, este es uno de los mejores momentos Pop de los años 2010s.