Migos - Culture (2017)

No se podría vivir solo de mixtapes y un par de canciones así que gracias al exitoso 2013 y 2014 que tuvieron estos tres familiares cercanos de Georgia, Quavo, Takeoff y Offset decidieron ir directamente a lo seguro y a lo grande, su primer álbum de estudio. A lo que me refiero es que Young Rich Niggas, su último mixtape fue el que los hizo entrar en la lista de popularidad Billboard por primera vez y así crecer la masa de oyentes.
Luciendo joyas y con beats ásperos y moderación de Autotune en cada una de las voces, Migos presenta Culture, un álbum así como de entretenido también vulgar. Criticado intensamente por la vieja escuela del rap y por ser uno de los referentes mundiales más conocidos del Trap Rap y del estilo denominado "Mumble Rap" en forma despectiva por parte de los "verdaderos" raperos de antaño, Culture amasó una fortuna y volvió a la terna trapera en uno de los artistas más escuchados a nivel mundial, calidad no igual a popularidad.

Southern Hip Hop, Trap Rap
Quality Control

Migos cubre el estereotipo de cualquier rapero promedio de Atlanta y es que son un referente ideal quizás del mal camino mainstream que esta tomando la música cada vez más naturalizando las drogas, aunque ellos hallan declarado que no las consumen, y sexualizando a la mujer.

A pesar de toda la basura que se puede llegar a habla de Migos y de hasta como siempre incluyen hasta una repetición de lo que están cantando: - Raindrops, drop top (drop) ; My Bitch is Bad and Boujee (Bad) -. con un efecto de autotune repetitivo que a veces cansa, lo que hace tan caracteristico y tan discutido como controversial a Culture es que a pesar de ser un álbum un tanto vacío para unos, otros disfrutan del flow que sin duda tienen los tres, la gran producción por parte de Metro Boomin en una de sus mejores versiones junto a productores como Murda Beatz y OG Parker entre otros.

El álbum comienza con una especie de presetación con una de las personas más detestables del mundo musical actual como lo es DJ Khaled con la canción homónima, Culture. Ya la primera canción nos hace una sintesis de las partes más básicas del álbum, una base de lo que es el álbum y ellos en si o mejor dicho lo que transmiten en la mayoría de sus letras. La cultura del Hip Hop moderno, nueva escuela o "Mumble Rap" en gran parte es impuesta por ellos y si no lo ven así, la gente si debe notar que son lo más referencial actualmente con actos de pandillerio y de como cocinan y venden droga.

Las letras no son profundas, no son conscientes y hasta llegan a ser redundantes y vacilantes ("¿que podemos poner aca?", y terminan repitiendo estribillo unas tres hasta cinco veces) pero a pesar de eso performances como T-Shirt, la mejor del álbum y del trío como también Slippery con Gucci Mane el autodenominado creador del género Trap Rap con ya mucha pasta en el tema, "salvan" mucho la música de este álbum. La producción de ambas son muy buenas por encima del resto. T-Shirt presenta el perfil de una de las canciones más destacadas del género con una base feroz y densa pero que también recibe mucha ayuda del autotune pero sin frustrar a la canción sino que nivelando la ayuda del mismo con la performance del trío convirtiendo a la canción en moderna capaz de contrarrestar críticas. Por parte de Slippery, la canción es más lírica gracias a la ayuda de Mane y su pizca de vieja escuela que trae con el. Si hablamos de Culture no podemos no hablar de Bad and Boujee con Lil Uzi Vert (rapero que es nombrado varias veces en el álbum) se convirtió en una canción record en Youtube, y una de las más escuchadas en el mundo en Spotify y logró ubicarse en el puesto #1 del Billboard Hot 100, también como así de escuchada fue igual de criticada teniendo a Uzi como la frutilla sobre el postre en una de sus peores versiones que ni el verso de Offset pudo opacarlo.

Las últimas y quizás menos citadas canciones colaborativas son Kelly Price con Travis Scott y Deadz con 2 Chainz convirtiéndose en la peor del álbum debido a que es demasiada repetitiva.

Sin embargo Culture se convirtió para mí en un punto de inflexión del género reflejando la explotación de la moda e imponiendo un nuevo estilo que no todo el mundo acepta, tanto críticos como leyendas del rap.

Lista de Canciones:

1. Culture 2:33
2. T-Shirt 4:02
3. Call Casting 3:52
4. Bad and Boujee 5:43
5. Get Right Witcha 4:17
6. Slippery 5:04
7. Big on Big 4:50
8. What The Price 4:08
9. Brown Paper Bag 3:31
10. Deadz 4:34
11. All Ass 4:54
12. Kelly Price 6:03
13. Out Yo Way 4:48

Mi Calificación: 3 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: T-Shirt, Slippery, Brown Paper Bag

A$AP Rocky - Live.LoveA$AP (2011)

A$AP Rocky debuto como artista de forma digital al igual que muchos otros del género. El 31 de octubre de 2011 publicó su primer material oficial digital (ya había subido un demo titulado "Deep Purple") en donde recibió el apoyo de principio a fin de grandes productores underground hasta ese momento en la producción y realización del álbum Live.Love.A$AP como Smokeghostpurrp, Souflen3000 y Clams Casino como el más importante entre otros, también con la participación del grupo colectivo de rap al que pertenece A$AP MOB.
La aparición de Rocky fue repentina, si bien varios oyentes del rap underground lo esperaban con ansias, ni el más fiel se imaginaría la producción y el flow que trajo consigo este álbum. Por parte de Claims Casino, el beatmaker que facilitó la entrada del artista a la escena pública del rap y que también deslumbró con varios beats en canciones como "Palace" y "Bass" con bases áspeeras y de calidad justa donde se deja disfrutar de igual manera. Comenzar hablando por las bases y los beats junto con la calidad de sonido me parece lo más adecuado porque a pesar de no opacar al artista, llega a un punto donde se destaca sobre la voz de Rocky y como dije anteriormente, no es una producción cara sino sencilla y adecuada para un buen mixtape.

Quizás en teoría sus letras no varían tanto en toda su carrera pero a pesar de eso aqui Rocky se encontraba en un momento de inspiración plena personal debido a que no importa lo que se te ponga en frente y el apoyo de los demás, si el carisma artístico no sale de uno nada sirve. Live.Love enmarca la época más exitosa del artista, su comienzo. Siendo muy joven fue una gran promesa para el rap y el gangsta rap. Lo bueno que puedo destacar en este álbum es la mezcla de piscas de psicodelia agregadas, la aparición de la técnica Chopped & Screwed que por escucharla en el por primera vez fue genial pero A$AP abusó de eso hasta sacarle jugo y no cobró el mismo sentido. Un gran proyecto que me adentró mucho en el hip hop pero también me dejo la vara de la exigencia muy alta sobre el.

Lista de Canciones:

1. Palace 2:43
2. Peso 2:48
3. Bass 3:17
4. Wassup 2:38
5. Brand New Guy 4:48
6. Purple Swag 2:47
7. Get Lit 2:59
8. Trilla 4:04
9. Keep It G 3:50
10. Kissin' Pink 3:31
11. Houston Old Head 4:19
12. Acid Drip 2:44
13. Leaf 4:52
14. Roll One Up 2:40
15. Demons 3:01
16. Out of This World 2:48

Puntuación: 4 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: Palace; Peso; Bass; Keep It G; Kissin' Pink; Acid Drip

El Origen del Techno

El mundo de la música electrónica esta lleno de diferentes géneros y subgéneros, al contrario de lo que uno podría imaginarse hay cientos de artistas diferentes que se dedican a estos géneros, digo esto debido a que mucha gente piensa que el campo de la música electrónica es muy reducido a como es en realidad, y la realidad es que es una paleta llena de diferentes gamas donde los ritmos, vibraciones y conceptos relacionados son muy variados unos de otros. También seguramente habrás escuchado decir a alguien "Para mi es todo lo mismo, toda la misma música" refiriéndose y englobando todo como "Música Electrónica". Si bien no están errados porque si es electrónica y digital, de echo cometen un error fatal, igual se entiende por completo que muchas veces se usa en un modo despectivo donde también escuchamos cosas como "Un DJ no es un músico."
Es aquí donde nos vamos a profundizar en un género en especial, podemos hacer menciones honoríficas al House, IDM (Intelligence Dance Music), EDM (Electronic Dance Music), New Age, Trance, Psytrance, Dubstep, Drum and Bass entre otros que a propósito, estos últimos utilizan influencias de género que veremos a continuación: El TECHNO.

Las fiestas de música electrónica exclusivamente tienen una cultura del exceso muy naturalizada

El Techno nació del desarrollo de la música experimental electrónica europea con un gran sello "Powered By" Kraftwerk en el momento donde se hacía Techno y ni siquiera sabían que esa palabra existiría años después. El caso Kraftwerk es que utilizaron ritmos que serían la base primitiva del Techno y los sonidos de punto de partida del género, pero bien, el epicentro histórico del Techno no se halla en el Krautrock experimental de Alemania sino que posteriormente se situó en la ciudad de Detroit en los Estados Unidos a finales de los años ochenta gracias a un programa de radio bastante popular por aquella fecha que se titulaba The Electrifying Mojo en donde la programación era muy variada pero siempre llevaban la delantera Kraftwerk, música romántica y el Funk que por aquellos años era toda una innovación y una moda que incluía a la población afroamericana a lo ancho y largo de los Estados Unidos.

La experimentación entre estos géneros por parte de cuatro chicos afroamericanos de Detroit, Juan Atkins el más reconocido, Kevin Saunderson, Eddie Fowlker y Derrick May conocidos como "Los Cuatro de Bellville". La curiosidad los llevó a crear algo con mucha trascendencia, una obra de experimentación futurista que no solo se basaba en unos golpes y unos instrumentos sino que hasta tomaron términos de obras de ciencia ficción creando así atributos y características del Cyberpunk o el Steampunk, quiere decir, una visión futurista y/o ficticia mezclado con lo cotidiano. A una simple escucha de Techno no se nota que el Funk fue igual de esencial que el Krautrock para su desarrollo pero si lo fue o inclusive más aun, por ser un sonido más nuevo y tan vigente y cercano en esa época.

"Alleys of Your Mind" (1981) es considerado la primera canción del género echa por Derrick May bajo el seudónimo Rhythim Is Rhythim.

Juan Atkins

No le tomó mucho tiempo al Techno llegar a Europa y menos hacerse masivo. Su primera estación fue la isla española de Ibiza donde se haría de ahí popular en toda Europa gracias a DJs que reproducirían su música más que nada en el Reino Unido, lugar donde estos músicos experimentaron por primera vez en sus vidas con el ritmo del Techno y creando un sonido europeo del género por primera vez también obviamente. A todo esto nos encontramos a comienzo de los años noventa y durante un lustro el Techno tendría un desarrollo intenso en donde alcanzaría la gran popularidad.

Como he dicho, su masividad europea se debe a Ibiza y posteriormente el Reino Unido y es aquí donde surgirían subgéneros del Techno y muchos otros DJs que posteriormente serían conocidos en todo el globo, el mejor ejemplo es Aphex Twin, el mejor de todos, el más popular y el que fusionó el Techno con el estilo ambiental, menos bailable pero igual de disfrutable.

Para crear esta música se necesitan instrumentos y artefactos como:

Caja de Ritmos (Yamaha)

Sintetizador (Korg)

Sampler (Numark)

Artistas Populares

Juan Atkins; Aphex Twin; Moby; Autechre; Marco Carola; Carl Cox; Mike Banks; GAS; Monolake; Sandwell District; Ellen Allien; Armin Van Buuren; Paul Oakenfold; The Chemical Brothers

Subgéneros, Fusiones y Escenas Regionales

Detroit Techno, Ambient Techno, Hardtechno, Minimal Techno, Dub Techno, Microhouse, Progressive House*

*: Si bien el house es un género que se entrelaza en origen con el Techno debido a la cercanía espacio temporal que tienen, los subgéneros del house influenciados por el Techno son los mostrados arriba y debe tomarse ambos como dos géneros totalmente diferentes

Gorillaz - Demon Days (2005)

Luego de cuatro años de su presentación hacia el mundo de la música, Gorillaz, el que sería el proyecto y banda musical virtual más exitosa, lanzaría su segundo álbum el 24 de Mayo de 2005, Demon Days donde el sonido de la banda se vuelve aún más técnico y electrónico con un toque oscuro. El álbum es una obra conceptual, un álbum conceptual que hizo de la banda llegar al climax de su talento con importantes canciones como los singles "Feel Good Inc.", "Dirty Harry", "Dare" y "Kids With Guns". Damon Albarn desarrolló una historia en donde los personajes de Gorillaz viven en un mundo post apocalíptico destruido por la misma humanidad y que para sobrevivir utilizan la es música, el amor y el baile como principales sustentos.
El que una vez fue el salvador del Pop Rock británico contrastando los sonidos de bandas como Iron Maiden o Saxon entre muchas más, en esta oportunidad estaría creando un álbum fuera de la imaginación de su seguidor más fiel siendo el doble de inesperado que el álbum debut.

Demon Days es más completo y técnico que su predecesor con una gama de géneros que van desde el hip hop convencional, hip hop experimental hasta el rock alternativo y la muestra y el punto de fusión exacto es su más popular canción "Feel Good Inc." para muchos un clásico para otros no tanto pero lo cierto es que el modelo de canción que creo Damon y Hewlett (ilustrador de Gorillaz y también compositor) es sinceramente fantástico pero no todas las canciones son así obviamente.

El álbum comienza con una intro con sirenas y un loop seguido de una seguidilla de canciones, cinco para ser exactos, donde reluce el material y la idea electrónica del álbum con ayuda del órgano y sintetizadores logra cada canción atraparnos más: "Last Living Soul" con un ritmo hipnótico, "Kids With Guns" con una excelente producción en guitarras y sonido y por parte de Damon en su performance, "O Green World" como la más animada y rápida en comparación con sus predecesoras que gozan de un ritmo sereno y llegando al "Dirty Harry" jugando un papel coprotagonista en el álbum donde la letra nos habla de que la música es lo que los mantiene en pie a nuestros personajes después de una catástrofe a nivel mundial. La canción tiene esencia minimalista y goza de un sonido Dance combinado con un coro a cargo de San Fernando Valley Youth Chorus. Cerrando esta etapa del álbum donde nos demuestra una oscura, pero no tanta, realidad en la que están inmersos llega la brillante "Feel Good Inc."  mezclando lo que parecía ser una canción similar a "O Green World" pero con un par de revoluciones más con la voz de Albarn en lo-fi donde de repente y con furia aparece De La Soul para hacernos dar cuenta que lo que estamos escuchando es una canción más de Hip Hop de la banda.

Cerrando esta etapa un poco más electrónica que la segunda que no decae en habilidad pero quizás si en consistencia entre canción y canción pero podemos encontrar canciones como la somnolienta "Every Planet We Reach Is Dead", "November Has Come" con un encendido MF Doom donde entre verso y verso acompañado de una base a lo Gorillaz con un estribillo de Albarn la convierten en una de las mejores canciones con la etiqueta "Hip Hop" más interesantes de la banda que quizás se atreve a pasar en desapercibido. No podemos no nombrar a "Dare", el éxito de electropop de la banda teniendo una soltura y una alegría que no suele tener todo el álbum y destaca lo más electrónico del mismo.

Demon Days es un guiño a la destrucción, un guiño a la alienación que si los fans de Gorillaz no llegaron demasiado lejos con el primer álbum a darse cuenta de cual es el mensaje que transmite, quizás aquí al ponerlo como concepto principal quizás llega a los oyentes con más libertad y más facilmente. No es fácil hablar con certeza en que se concentra este gran álbum pero de algo que estoy seguro es de Damon fabrica trabajos conceptuales y conscientes con el fin de transmitir un mensaje final impactante.

Lista de Canciones

1. Intro 1:03
2. Last Living Souls 3:10
3. Kids With Guns 3:45
4. O Green World 4:31
5. Dirty Harry 3:43
6. Feel Good Inc. 3:41
7. El Mañana 3:50
8. Every Planet We Reach Is Dead 4:53
9. November Has Come 2:41
10. All Alone 3:30
11. White Light 2:08
12. Dare 4:04
13. Fire Coming Out of The Monkey's Head 3:16
14. Don't Get Lost in Heaven 2:00
15. Demon Days 4:28

Mi Calificación: 4,5 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: Last Living Souls, Kids With Guns, O Green World, Dirty Harry, Feel Good Inc.

Beach House - 7 (2018)

El 11 de Mayo de 2018 el dúo de Baltimore, Estados Unidos, Beach House publica su séptimo álbum llamado "7" con múltiples referencias numerológicas a este número. Victoria Legrand (voz) y Alex Scally juegan un papel de composiciones amorosas y etéreas con diferentes influencias que van desde el Shoegaze hasta el Vaporwave que aunque no parezca esta influyendo a muchos trabajos actualmente.

Dream Pop, Shoegaze
Sub Pop Records

El álbum a lo largo de la escucha es rico en bases espaciales y modernas teniendo un tinte quizás repetitivo que le dan lugar a la brillante voz de Legrand que nos ubica en historias seductoras de amor que se convierten considerablemente en relatos surrealistas. 7 tiene el arma perfecta para variar de canción en canción con un mismo repertorio sin que nos aburramos, no todo es perfecto y es casi imposible decir que lo es pero el arte que contiene el álbum es por momento envidiable, no es un álbum que contenga altibajos en lo general.
Mezclando los tintes del pop con esta instrumentalización envidiable encontramos trabajos como Dark Spring, la más rockera de todas como intro del álbum haciendo su trabajo que es que el oyente piense "no debo dejar de escucharlo, debo continuar". Scally hace un labor de bases compuesta por bajos, órgano, sintetizadores y una Fender Stratocaster con la colaboración de James Barone en batería y el productor Sonic Boom haciendo apego a la voz de la protagonista de la escena. El álbum es como una obra de teatro oscura que nos hace percibir y darnos cuenta del brillo del amor en la misma oscuridad (Lemon Glow, principal single del álbum), triángulos amorosos (Dive) y escalas lentas de sonidos armoniosos de lo mejor del Dream Pop. Si bien esta es solamente una etiqueta, encontramos una fusión electrónica de un artista pop de moda puesto a mejor calibre y con mayor clase. Entre otros puntos destacados del álbum podemos nombrar a la canción más envolvente, hipnótica y mejor producida que es Black Car, la contracara de Lemon Glow pero aún asi igual de buena. Las composiciones del álbum no son muy complejas, canciones con pocas lineas, algunas surrealistas y narrativamente espaciales, otras más melosas y seductoras.
Declaraciones propias del dúo proponen que su mística que rodea a 7 es lo que los hace característicos, hacer mística solo porque si, sin significado ni con un porque, solo para entretenernos.
Mucha gente puede pensar que el álbum es monótono pero a fin de cuentas puedo asegurar que 7 contiene la fusión entre algo mainstream y místico y lo mejor es que no es nuevo esto pero siempre sorprende de la mano de ellos, artistas referentes de la música de esta década.

Lista de Canciones:

1. Dark Spring 3:24
2. Pay No Mind 3:24
3. Lemon Glow 4:04
4. L'inconnue 4:24
5. Drunk In LA 3:59
6. Dive 4:25
7. Black Car 4:11
8. Lose Your Smile 4:09
9. Woo 4:14
10. Girl of The Year 3:51
11. Last Ride 6:59

Mi Calificación: 4 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: Dark Spring, Lemon Glow, Drunk In LA, Black Car

#6 del 2018

21 Savage - I Am > I Was (2018)

Si bien estamos acostumbrados a un sonido monótono por parte del rapero o mumble rapper de Atlanta 21 Savage, en esta entrega I Am > I Was el rapero desarrolla un sonido alternativo y formidable que lo ayuda a explayarse en profundidad en temas que bueno, si son repetitivos y que ya ha tocado o abordado. El cantante de ascendencia dominicana lanza el 21 de diciembre su cuarto álbum de larga duración.

¿Cuando dinero tiene usted? (mucho), ¿Cuántos problemas tiene usted? (muchos), así es como comienza Savage con un modo más introspectivo que salvaje, una manera de refinar su modo de hacer canciones que le dió un giro bastante importante a sus canciones y "A Lot" junto a J. Cole con un sorprendente verso, es el ejemplo perfecto, quizás la mejor del álbum como las más destacadas del artista por su gran versatilidad aunque cabe destacar que sigue teniendo una firma muy monotematica de componer canciones que se contrarresta con la gran prodccupro del album.
Posee canciones dispares, hedonistas y crueles como "a&t", "1.5" y "w/o you" entrr otras como himbos natutales y comunes de Savage siempre mostrando la misma y clasica postura del rapero amante de las mujeres y las armas pero esta vez en I Am > I Was el material tiene una variación de produccion que agiliza el trabajo de Savage y su música.

"Can't Leave Without It", "Out For The Night", "All My Friends", "Pad Lock" tienen bases muy buenas y de las mejores que pudo brindar Metro Boomin, Southside, Kid Hazel entre otros productores involucrados como de costumbre. Las bases graves y lentas le dan una comodidad enorme a Savage para su repertorio de armas y joyas y me doy la libertad de decir que si no fuese tan sátiro y directo con sus letras sería uno de los mejores raperos de la escena actual pero esto sera difícil de cambiar en una persona con la ideología de 21. Como repite Gambino, la plata y la fama lo hizo un monstruo.
feats: lil baby, post malone, offset, j cole, gunna, Childish Gambino, Schoolboy Q y Travis Scott

Lista de Canciones:

1. A Lot 4:48
2. Break da Law 2:47
3. a&t 3:31
4. Out for The Night 2:17
5. Gun Smoke 2:47
6. 1.5 2:28
7. All My Friends 3:31
8. Can't Leave Without It 3:25
9. ASMR 2:28
10. Ball w/o You 3:15
11. Good Day 4:02
12. Pad Lock 3:11
13. Monster 3:53
14. Letter 2 My Momma 3:14
15. 4L 4:48


Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas
Mejores canciones: Out for The Night, All My Friends, Pad Lock, Monster

XXXTentacion - Skins (2018)

XXXTentacion falleció el 18 de Junio de 2018 producto de un impacto de bala a causa de un intento de robo. El rapero de Florida estaba en su etapa más popular y en un pleno cambio de actitudes que lo llevaron por un mal camino. Al parecer la muerte del rapero dejo de legado material inédito y con la ayuda de Empire Records vieron con buenos ojos hacer un álbum póstumo con este material guardado y grandes ediciones de voz y de sonido por parte del estudio.
Skins, el primer álbum póstumo de Onfroy, fue lanzado el 7 de Diciembre de 2018.

Las grabaciones comenzaron inmediatamente después del fallecimiento del artista debido a que, en similitud con 2Pac por ejemplo, dejo varios fragmentos de canciones sin editar ni nada por el estilo que podrían utilizarse para un nuevo álbum. En sí podemos ver buenos álbumes póstumos en el mundo de la música aunque sean muy dispares a veces las opiniones con respecto a ellos.
En lo personal, Skins me parece una explotación, una aberración que mancha aún más esa parte mala de la personalidad del artista. Las voces robóticas de introducción nos da la impresión que todo ya es fictício o armado. Con "Guardian Angel" vemos la versión lado b de Jocelyn Flores donde se baja la revolución a la música y las bases corren en lado inverso. A la vez notamos nuevamente la voz de Tentacion como solíamos escucharla, bien fresca.
A pesar de todo, podríamos considerar algunos temas "buenos" del artista o que digamos que conservan la esencia primordial mientras se encontraba en vida como "Whoa (mind in awe)" y "Staring at The Sky" un tema en donde comienza con acordes lento en acústicos que se interrumpen por un beat destructor junto a un grito en el aire de Onfroy donde recuerda a canciones como Gospel o Floor 555 con su gran bestialidad y crueldad. Este reciclaje del artista no fue fortuito ni mucho menos favorable, ni siquiera los versos de Kanye West pudieron salvar un álbum que al ser un reciclaje no tiene una visión demasiada ordenada o con sentido.
En el cumpleaños del artista, hoy 23 de enero debo decir que recuerdo al artista como una persona con ganas de hacer que el rap se quede en las grandes masas por mucho tiempo siempre surgiendo de lo bajo pero Skins no es el ejemplo neto como lo fue "17", su mejor álbum.

Lista de Canciones:

1. Introduction 0:31
2. Guardian Angel 1:48
3. Train Food 2:44
4. Whoa (Mind In Awe) 2:37
5. Bad! 1:34
6. Staring at The Sky 1:25
7. One Minute 3:17
8. Difference (Interlude) 1:16
9. I Don't Let Go 2:01
10. What Are You So Afraid Of? 2:30

Mi Calificación: 1,5 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: Staring at The Sky

El Origen de Grandes Bandas Capitulo 15: Iron Maiden

Integrantes

• Steve Harris (bajo, teclados, coros)
• Dave Murray (guitarra) (1977 - presente)
• Adrian Smith (guitarra, coros) (1980 - 1990) (1999 - presente)
• Bruce Dickinson (vocalista principal) (1981 - 1993) (1999 - presente)
• Nicko Mcbrain (batería) (1982 - presente)
• Janick Gers (guitarra) (1990 - presente)

Antiguos:

• Paul Di'Anno (vocalista principal) (1977 - 1981)
• Paul Mario Day (vocalista principal) (1975 - 1976)
• Dennis Wilcock (vocalista principal) (1976 - 1977)
• Blaze Bayley (vocalista principal) (1994 - 1999)
• Terry Rance (guitarra) (1975 - 1976)
• Dave Sullivan (guitarra) (1975 - 1976)
• Ron Matthews (batería) (1975 - 1977)
• Bob Angelo (guitarra) (1976)
• Doug Sampson (batería) (1977 - 1980)
• Tony Moore (teclados) (1977)
• Terry Wapram (guitarra) (1977)
• Paul Cairns (guitarra) (1979)
• Paul Todd (guitarra) (1979)
• Tony Parsons (guitarra) (1979)
• Dennis Straton (guitarra) (1980)
• Clive Burr (batería) (1980 - 1982)

Géneros

Heavy Metal, Progressive Metal

Álbumes

• Iron Maiden (1980)
• Killers (1981)
• The Number of The Beast (1982)
• Piece of Mind (1983)
• Powerslave (1984)
• Somewhere In Time (1986)
• Seventh Son of a Seventh Son (1988)
• No Prayer For The Dying (1990)
• Fear Of The Dark (1992)
• The X Factor (1995)
• Virtual XI (1998)
• Brave New World (2000)
• Dance of Death (2003)
• A Matter of Life and Death (2006)
• The Final Frontier (2010)
• The Book of Souls (2015)

Iron Maiden fue fundada en el año 1975 en Londres, Inglaterra por Steve Harris, bajista y único integrante a lo largo de toda la historia de la banda hasta la actualidad, los demás integrantes siempre cambiaron o fueron reemplazados a los largo de los casi 44 años de la banda y sus 16 álbumes de estudio.

Iron Maiden tarda cinco años en realizar su álbum debut oficial y comercial y ya antes de su realización, la banda sufriría varios cambios de formación hasta encontrar su hilo convencional y su primera formación para un álbum. El joven Harris, tras año y medio en un proyecto con gente mayor que el, juntó la experiencia necesaria para formarse como músico y poder lanzar su propio proyecto. Es asi como nace este proyecto de Maiden con inicialmente músicos del barrio de Harris y sus cercanías. La primera formación constaba de Paul Day en la voz, Dave Sullivan y Terry Rance en guitarras y Ron Matthews en la batería y obviamente Harris en el bajo. Esta formación no llegó nada y ni siquiera fueron conocidos a través de grabaciones como un EP o Demo sino que solo tocaron en bares en vivo en Londres. El primero en rescindir con la banda fue el cantante Paul Day que fue reemplazado por el vocalista de la banda anterior de Harris llamada "Smiler", Dennis Wilcock que a su vez le recomendó al guitarrista Bob Angelo reemplazando las dos guitarras por una. 

Formación Inicial:

• Paul Day
• Steve Harris
• Dave Sullivan 
• Terry Rance
• Ron Matthews

Grabaciones: 0

2da Formación:

• Dennis Wilcock
• Steve Harris
• Bob Angelo
• Ron Matthews

Grabaciones: 0

Luego de esta formación llegaría su tercer vocalista pero su primer frontman de importancia para la banda y para la historia grande de la misma. En el año 1977 la banda nuevamente sufriría cambios y se instalarían músicos de mayor jerarquía sumándole que Harris se afianzaba como para un perfil profesional. Esta tercera formación llevaría a la banda a grabar un demo en los estudios Cambridge's Spaceward que el mismo les dio la posibilidad de grabar un EP al año siguiente. Este demo serían cuatro canciones: "Prowler", "Iron Maiden", "Invasion" y "Strange World". Como consecuencia y al igual que como el demo, el EP les abrió las puertas y las posibilidades de al año siguiente nuevamente grabar pero esta vez un álbum de estudio financiado y con producción un poco más trabajada que garantizaba el éxito. Maiden estaba al tanto del momento y pertenecía a la Nueva Ola del Heavy Metal Británico (NWOBHM por sus siglas en inglés) y con sus primeros álbumes se convertiría en los máximos referentes de dicho movimiento saltando un abismo en donde la popularidad y la calidad los llevaría hacia lo más alto. El cambio más radical para el EP y el álbum de estudio fue la voz nuevamente, al frente de la banda estaría Paul Di'anno, una voz mucho más áspera y menos sutil que daría a conocer el sonido de Maiden por primera vez.

Formación del primer álbum:

• Paul Di'Anno
• Steve Harris
• Dennis Stratton
• Dave Murray
• Clive Burr

Al año siguiente, Dennis Stratton abandona la banda y será reemplazado por Adrian Smith que sería uno de los dos integrantes en integrar dos etapas diferentes en la banda. Hoy pertenece a la formación actual de la banda desde 1999. Con Stratton grabaron Killers y ya saboreaban la popularidad que vino de forma meteórica en menos de cuatro años. Al año siguiente, en 1982, la banda grabaría su tercer álbum y el más popular de todos que llegó a ser su primer álbum número uno en las listas de Reino Unido  y también top 10 en varios paises europeos, "The Number of The Beast" que también supondría un cambio drástico en el sonido de la banda ya consolidando el sonido más popular con la voz del gran Bruce Dickinson y también sería el último álbum con el baterista Clive Burr. A partir de aquí comienza la gran era de la banda hasta la llegada del álbum "Seventh Son of a Seventh Son" podemos considerar que fueron sus años dorados y de máxima inspiración en calidad musical.

The Number of The Beast (1982)

Formación de The Number of The Beast:

• Bruce Dickinson
• Steve Harris
• Dave Murray
• Adrian Smith
• Clive Burr

System of a Down - Toxicity (2001)

Lanzado el 4 de Septiembre del año 2001, Toxicity es el segundo álbum de estudio de la banda estadounidense integrada unicamente por integrantes de ascendencia armenia, System of a Down.
Comenzaron su carrera con un álbum bastante dinámico y un tanto agresivo como lo fue su álbum debut y homónimo pero lo que vendría para ellos en los años siguientes y a comienzos del siglo XXI sería el clímax de la banda para ellos y para muchos fans que coinciden en que esta fue la mejor etapa de ya dicha banda.

Alternative Metal, Nu Metal
American Recordings

Toxicity tiene toda la potencia necesaria para ser considerada un clásico y es el símbolo representativo de la banda desde lejos. Toxicity ante que nada aparte de representar el sonido más clásico de la banda es el más crítico y el más humano de la banda, pretende demostrar el contexto social destruido o la parte destruida mejor dicho de la sociedad impune y llena de injusticias repudiando un sistema que tergiversa muchas actitudes humanas. Uso de drogas, sistema carcelario, injusticia judicial, ciencia y religión son algunos de los temas que abarca Toxicity convirtiendo a Serj Tankian (voz) y Daron Malakian (guitarra) en unos de los compositores mas inteligentes y dinámicos con los que me he encontrado. 

El trabajo de System siempre se trató de esto, de problemáticas que lleguen al oyente de forma que tomen conciencia de lo que están oyendo en el momento y debido a esto canciones como "Chop Suey!" durante su lanzamiento aconsejaban no pasarla en la radio debido a los recientes atentados en Estados Unidos el 11 de Septiembre de 2001, siete dias después del lanzamiento del álbum. Ahora bien, "Forest" y "Chop Suey!" abordan un tema más delicado como lo es la religión, la crucificción de jesus y el génesis y la creación, en caso de esta última tiene una temática bastante pesimista y triste haciendo referencias al suicidio. "Deer Dance" y "Aerials" son sin dudas liricamente las mejores composiciones del grupo y es que "Aerials" es un clásico del metal y mucho mejor que el comercial "Toxicity" siendo también la mejor canción de la banda en general.

El sonido de System aca se distingue sobre sus inicios por sus abruptos cambios dentro de una misma canción en un corto lapso de tiempo pero de una manera creativa y aceptable. La voz de Serj y los instrumentos pasan de ser suaves a riffs pesados y distorsionados de un segundo para el otro y es algo que se realiza en casi todas las canciones. Los riffs y los punteos agudos como en la mitad de "Psycho" se vuelven geniales y el sonido cada vez mejor. La melodía de la voz de Serj no me parecía tan agradables en "Peephole" o "Spiders" (canciones de System of a Down, 1998) como en "Needles" o "Forest".

En días donde bandas de Hard Rock todavía se encontraban entre lo más importante del panorama, Toxicity hizo de la banda famosa en todo el mundo convirtiéndose en un álbum multiplatino con 12 millones de copias vendidas y con varias nominaciones a Grammys. 

Lista de Canciones: 

1. Prison Song 3:22
2. Needles 3:13
3. Deer Dance 2:56
4. Jet Pilot 2:06
5. X 1:58
6. Chop Suey! 3:31
7. Bounce 1:55
8. Forest 4:01
9. ATWA 2:59
10. Science 2:43
11. Shimmy 1:52
12. Toxicity 3:39
13. Psycho 3:48
14. Aerials 3:56
15. Arto 2:17

Mi Calificación: 4,5 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: Needles; Forest; Toxicity; Psycho; Aerials

Rosalía - El Mal Querer (2018)

La cantante española Rosalía Vila, oriunda de la región de cataluña presentó en 2018 su segundo álbum de estudio tras dos años ya como artista y con material interesante como lo fue en 2017 su primer álbum "Los Ángeles", este año fue sin duda la sorpresa del mundo de la música hispanohablante estando en la mira y en los oídos mejor dicho de muchos países del mundo hasta los más importantes como Reino Unido y los Estados Unidos. Esta sorpresa fue El Mal Querer, un álbum demasiado ambicioso que creo que ni el primer fan ni el más experimentados de los fans de Rosalía desde su lanzamiento como artista, se lo imaginaba. El Mal Querer fue lanzado el 2 de Noviembre.

Flamenco Pop, Art Pop
Sony Music

El Mal Querer fusiona la base rítmica del Flamenco y sonidos típicos de la tradición española como también del género como las palmas que le dan el entusiasmo y el ritmo a este baile y género junto con la voz fuerte y apasionada, también desgarradora, que se utiliza en el flamenco, con sonidos electrónicos de órganos y bases modernas y suaves como en Malamente, Pienso en tu mirá y Di mi Nombre. También por momentos podemos encontrar, aparte de guitarras, instrumentos de cuerda como son los violines que ayudan a ambientar este álbum como si de algo divino se tratase, como lo indica la portada, como si Rosalía se tratase de una divinidad.

El álbum, a propósito y no es para menos, es un álbum conceptual en donde cada canción es un capítulo diferente conformando una historia y cada uno con un nombre diferente encerrando una historia de amor en donde este mismo provoca daño en donde el amor desmedido y la sobreprotección de la pareja de uno afecta a la misma pareja, en otras palabras, los celos y las relaciones tóxicas, de esto habla El Mal Querer. El álbum encierra la esencia y el poder de la mujer durante este siglo y esta década, si bien no se dedica de lleno a un tema feminista ni nada por especial, Rosalía como compositora nos da entender el sufrimiento de una mujer antes de su mismo empoderamiento y su querer personal. La temática del álbum puede ser de lo más importante para la década por lo que habla en si, si bien este tema está bien vigente hoy en dia, este álbum es otra forma de entender todos estos temas.

Rosalía es una buena compositora y letrista, sus canciones son poéticas y complejas. La música y la producción en El Mal Querer, recibió la ayuda del artista El Guincho como co-productor que lograron afianzar al trabajo con un sonido clásico por momentos y modernos por otro. Las palmas flamencas fusionadas con los sonidos de Malamante, la voz de la artistas con los acordes de guitarra acústica en Que No Salga La Luna, el rítmo moderno de Pienso En Tu Mirá, la linea de bajos en Bagdad y la hermosa base de Di Mi Nombre es el fruto de la fusión entre géneros tan diferentes entre sí con un resultado verdaderamente impactante e innovador. No creo ser el único que pide a Rosalía que nunca baje de su nube de creatividad y su nivel intelectual, por el momento disfrutemos de uno de los mejores lanzamientos en español del 2018.

Lista de Canciones:

1. Malamente (Cap.1: Augurio)
2. Que No Salga La Luna (Cap.2: Boda)
3. Pienso En Tu Mirá (Cap.3: Celos)
4. De Aquí No Sales (Cap.4: Disputa)
5. Reniego (Cap.5: Lamento)
6. Preso (Cap.6: Clausura)
7. Bagdad (Cap.7: Liturgia)
8. Di Mi Nombre (Cap.8: Éxtasis)
9. Nana (Cap.9: Concepción)
10. Maldición (Cap.10: Cordura)
11. A Ningún Hombre (Cap.11: Poder)

Mi Calificación: 4 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: Malamente, Pienso en tu Mirá, Bagdad, Di Mi Nombre