Danny Brown - XXX (2011)

 Danny Brown, rapero crecido y criado en la ciudad de Detroit, lanza el 15 de Agosto de 2011 su segundo album de estudio titulado XXX, haciendo referencia a su cumpleaños numero 30 y a un lenguaje explicito. El bien titulado triple equis nos mete en un largo viaje adictivo, oscuro, mecanico, secuencial y frio en el cual podemos encontrarnos muchas alusiones a las drogas como un modo de vida, la fiesta, la rutina adulta y el suicidio entre muchas otras situaciones relacionadas a ellas. 

Hardcore Hip Hop, Experimental Hip Hop

Fool's Gold 

Mi Calificacion: 4 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: XXX, Die Like a Rockstar, Pac Blood, Nosebleeds, Party All The Time, EWNESW, Fields.

 

Danny Brown desde el inicio de su carrera se distinguió por ser un rapero muy diferente estéticamente hablando a comparación de lo que el género pretendía vender en ese momento, caso similar al de Kanye West en sus inicios. Esta problemática llevo a distinguirse aun mas del montón, sellar sus lanzamientos de forma independiente, marcar una definida brecha entre los comerciales y el sin contar también el talento habido que lo califica como un rapero mucho más capaz a comparación de muchos. Este proyecto también es esto, a comparación de su primer mixture lanzado en 2010, The Hybrid en el que mantuvo un sonido más urbano y menos prolifero, en esta oportunidad, Brown demostró cuanto prevalecido su ideología y estilo de hacer y pensar la música.

Este trabajo presenta casi diez productores diferentes que se encargaron, según las ideas del artista, a engrandecer y enarbolar las canciones del mismo. Entre ellos se destacan Frank Dukes, Paul White, Quelle Chris y Skywlkr teniendo un papel esencial transformando al trabajo en algo totalmente oscuro, algo caótico y sobre todo frio adjudicando también a Danny una característica a su carrera como rapero que lo haría ser conocido como uno de los raperos con los beats mas extraños y versátiles hasta hoy en día, teniendo en cuenta sus álbumes posteriores a este. Teniendo una producción tan oscura y técnica, así Brown nos ofrece relatos de su infancia, pensamiento ideológico que arremete contra el sistema, enojo y consciencia social pero sobre todo el abuso de drogas en la adolescencia  en cada una de sus canciones.

El álbum se extiende por casi una hora con diecinueve canciones, diecinueve canciones en las cuales se enseñan situaciones ligada al abuso, a la fiesta, a la noche, a la crudeza, quizás un poco también alusión al crimen, siendo de las mejores canciones retratadas aquí Nosebleeds, Die Like a Rockstar con influencias rockeras, Pac’s Blood, Radio Song siendo una canción totalmente opuesta a lo que anuncia, Party all The Time siendo quizás la más existencial de XXX, EWNESW y Fields.

Treinta, como también se conoce al álbum, puso en lo más alto de la critica a un artista ya adulto pero con una carrera muy underground que supo cómo mantener ese nivel de intelecto y talento para mantener su perfil en lo mas alto del hip hop, siendo con los años nombrado como uno de los más destacados de la ultima década.

 

 

Clipping - CLPPNG (2014)

 Clipping es un trio de Hip Hop Experimental oriundo de Los Ángeles formado a comienzo de la década pasada fusionando música experimental, collages de grabaciones y música noisy con el Hip Hop teniendo de vocalista a Daveed Diggs y a William Hutson y Jonathan Snipes como productores y encargados del sonido y arreglos en general, formando de por si un trío no tan comun tomando solo en cuenta los nombres y trabajos de cada uno. Debutan en el año 2013 con el mixtape digital Midcity y ya para el año 2014 lanzan su album debut con la discográfica Sub Pop en donde crean un material con varias similitudes al primero pero con un trato mucho mas crudo, frio y algo mucho mas denso. El álbum ha sido lanzado el 10 de Junio de 2014. 

Sub Pop

Experimental Hip Hop, Industrial Hip Hop, Abstract Hip Hop

Mejores Canciones: Body & Blood, Work Work, Ends

Mi Calificación: 3 / 5 Estrellas

Clipping no es un álbum muy dinámico y el problema real es que la idea de este trío, o por lo que me imagino, es que querían llegar a un nivel de dinamismo o versatilidad que todavía no podían explotar. Al presente de ellos me remito refiriéndome a esto, con el tiempo irían creciendo pero este álbum posee sampleos y momentos de mixing entre Diggs y la música que no combinan en lo absoluto y varias veces, las mejores canciones suelen contradecir este dicho debido a que no suele pasar en todo el trabajo. Canciones como Body and Blood y Ends tienen otro tipo de estilo, rozando el Avant-Garde, que te hacen creer que si todo el àlbum se hubiera producido de tal manera, sería un clásico moderno para el Hip Hop. Aùn asi, asombra el estilo que adquirió y que demuestra Clipping siendo un estilo altamente influenciado por el meteórico golpe de Death Grips en la escena de dichos subgéneros.

Se produce un obstáculo muy grande entre canciones como Summertime, Taking Off y Dream o el odioso Get Up, y el oyente que seguramente siempre va a desear que la canción y la producción de la misma se rompa a la mitad para comenzar con un climax o algo por el estilo. Estas estrategias y molduras de las canciones llevan a que el trabajo sea totalmente un montón de minutos con agresividad incesante o canciones que no transmiten lo suficiente. Sin embargo, la música experimental muchas veces ha sonado asi en defensa de lo que al trío respecta, a diferencia de que no suele aburrir tanto como por momentos lo hace CLPPNG. En cuanto a los MC colaboradores que se encuentran aquí como Cocc Pistol Cree, King T, Gangsta Boo, Mariel Jacoda, Guce, Tom Erbe que parece como si hubieran sido elegidos al azar, solo Boo ha de demostrar de donde vino y quien es marcando la diferencia amplia en los versos. 

Diggs encontrará la tecnica, como en Body & Blood, y los tiempos necesarios años despues que lo transformarían en un MC prolífero pero por el momento, el trío tuvo que esperar años para dar el golpe de gracia.

Vampire Weekend - Modern Vampires of the City (2013)

El 14 de Mayo de 2013, Vampire Weekend publica su tercer álbum de estudio, Modern Vampires of the City estableciendo un nuevo sonido Pop dentro de la banda. La banda integraría un sonido más sofisticado, suave y redireccionaría su música a un sonido más de cámara con la participación de músicos de sesión que participarían tocando el violin, trombón, saxofón, tuba, trompeta y piano lo que haría de Modern Vampires un álbum bastante completo en cuanto a instrumentos y sonidos. Del mismo se desprenden los sencillos Obvious Bicycle, Step, Hannah Hunt, Everlasting Arms y Hudson.

Indie Pop, Chamber Pop

XL Recordings

Mejores Canciones: Unbelievers, Hannah Hunt, Hudson

Mi Calificación: 3 / 5

Sin duda alguna, el lanzamiento del álbum favoreció abiertamente al perfil de Rostam y Ezra Koenig, productor como encargado de la mayoría de los instrumentos y vocalista respectivamente, como músicos ya que significó un avance notorio en la manera de componer y crear canciones con un estilo mas jerárquico y sofisticado. Si bien el álbum anterior de la banda, Contra (2010), ha sido totalmente aburrido y poco significativo para el Pop de los 2010s, Modern Vampires significo el reconocimiento casi definitivo de la banda norteamericana en el ambiente del género.

Sin embargo y desde mi punto de vista, no todas son rosas. El trabajo parte de una base de un Pop muy suave y aburrido que a veces no sabe canalizar la música con su grandes letras que quizás es lo más importante en todo el trabajo. Canciones como Hannah Hunt y Step son méritos grandes y aportes significativos para el Pop del siglo XXI y asi las recuerdo como canciones brillantes dentro de un álbum que tiene un sonido comercial y genérico aún latente desde la formación de este cuarteto.

Aparentemente, la banda se esfuerza en convertir su sonido en algo más romántico con un sentido más cálido y clásico pero lo único que logro en mi fue crear un ambiente sonoro rígido y dificil de digerir. Como ya he mencionado, las letras le escapan a la creatividad corta del sonido, sin desmerecer trabajo alguno, el trabajo entero carece de actitud preoponderante y brillante.

La canción Step está compuesta gracias a una revisión de Step to My Girl del grupo de Hip Hop Souls of Mischief; Hudson quizás es la canción mas política del álbum manteniendo una pequeña esencia del álbum anterior y tambien tenemos la sorpresa en la que se han basado para crear Diane Young, ritmos y tiempo del Surf y el Punk de comienzos de los ochenta.

No es un trabajo aburrido, tampoco es malo, pero quizás esperaba algo más luego de ver como tanto se lo ha querido a un álbum Pop de dicha manera. Modern Vampires of The City igualmente es la parte mas sincera de Koenig y Rostam y el gran libertinaje que tuvieron para mostrarse como escritores de canciones.  

Parquet Courts - Light Up Gold (2012)

 Parquet Courts en una banda de Indie Rock y Post-Punk de Nueva York. En 2011 lanzaron un álbum debut, American Specialties (2011) que solo se limitó en primera instancia a un lanzamiento de limitados números solo en formato cassette. Luego de esta rara y underground presentación de la banda vendría la apertura de telón verdadera que sería Light Up Gold con la discográfica Savage´s Dull Tools y What's Your Rapture? posteriormente. El álbum ha sido lanzado el 15 de Agosto de 2012 y sitúa a la banda como un conjunto prometedor de Punk Revival norteamericano.

Indie Rock, Post-Punk, Garage Rock

Savage's Dull Tools // What's Your Rapture?

Mi Calificación: 3 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: Master of My Craft, Borrowed Time, N Dakota, No Ideas

La banda se destaca ampliamente por ser una gran crítica a nivel social teniendo en cuenta la lucha de clases y los abusos de poder. Las canciones no son rebuscadas ni filosóficas pero son muy conscientes y versátiles, es decir, al tocar un tema político no se vuelve un álbum denso ni menos aburrido, se las han ingeniado mucho para tener la gran visión fría que obtienen acá frente a la sociedad.

Sin embargo, a pesar de ser compositores (Andrew Savage y Austin Brown en su mayoría) y músicos talentosos, su debut musicalmente se vuelve por lapsos algo repetitivo y predictivo. Ya sabemos como terminará cada canción y los acordes parecen convertirse en patrones. Esto crea un contraste productivo que muchas veces solo sale favorecido la gran dotación vocal de los principales compositores nombrados anteriormente, como por ejemplo, en Master of My Craft, No Ideas y Caster of Worthless Spells. 

El ojo crítico de Parquet Courts que muestra la vida de los más adinerados al estilo la película "El Lobo de Wall Street" (2013) en canciones como Master of My Craft y Yonder is Closer to The Heart, también es capaz de ver la vida urbana de la gente trabajadora con tiempo libre que utiliza estupefacientes de modo recreativo como lo hace en Stoned and Starving, una de las mejores canciones en la segunda etapa del álbum. Es decir, logran englobar un gran problema social como son las drogas y la desigualdad social. 

El álbum ha de ser un gran intento por revivir la llama política de lo que fue el Punk y si, mal y pronto es un logro, que se ve opacado varias veces por ser un álbum muy monótono en cuanto a la utilización de los instrumentos. Mas allá de eso, Parquet Courts quedó favorecido por la crítica convencional dentro del contexto musical y se proyectó como una de las escuchas nuevas más interesantes del género. 

Drake - Take Care (2011)

 Take Care es el segundo álbum de estudio del rapero canadiense, Drake. Lanzado el 15 de Noviembre de 2011, el álbum demostró y garantizó al rapero como una promesa del circuito como también mostrándolo como el presente y futuro de la forma mas popular del Rap en todo el globo. Asimismo, el álbum muestra una gran fortaleza del artista en canciones con fórmulas de R&B, música más atmosférica en cuanto a su primer trabajo y la gran y buena disposición de su equipo de producción liderado por Lil Wayne que ha rendido con creces en cuanto a Thank Me Later (2010). El álbum ha vendido alrededor de más de 2 millones de copias a nivel mundial y debutó en N°1 en la lista Billboard posicionando al artista en lo más alto del ambiente mainstream.

Pop Rap, Contemporary R&B

Cash Money Records // Young Money Records

Mi Calificación: 4 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: Shot For Me, Crew Love, Marvin's Room, We'll Be Fine, Lord Knows, The Real Her

Drake hizo un trabajo muy meditativo líricamente al llevar a cabo este álbum. Take Care se muestra como una carta de presentación sentimental del cantante en donde el mismo se manifiesta de forma dolorosa y sincera frente a relaciones amorosas que no le han funcionado, como también manifiesta el cambio de su vida al entrar en la fama (que al parecer lo mantiene igual de vacío por dentro), poca fanfarronería pero clave cuando la hay y una mirada mas dócil e inocente dentro del mundo del Rap en donde también esta consciente de que ha de ser un rapero que ha venido del ámbito de la actuación, o por lo menos crea varias referencia hacia ese pasado en varias canciones. La forma en que Drake enlaza las canciones melancólicas y agridulces es totalmente destacable por la postura que es capaz de tomar en cada canción de forma mucho más completa y profunda que en su debut, el cual ha dejado de ganas de mucho más o por el contrario de poca expectativa para lo que se venía. Si bien no es un visionario de las letras, las composiciones de las canciones han de tener un trasfondo algo profundo e interesante.

Por otra parte, el álbum presenta buen nivel de colaboradores como la tierna Rihanna en Take Care, la canción principal del álbum en la cual podría decirse que se trata de una pareja adolescente, el estratégico The Weeknd en Crew Love que destroza a Drake en lo vocal, el interludio riguroso de Kendrick Lamar, los adictivos versos de Birdman en We'll Be Fine y Nicki Minaj en Make Me Proud, el imponente Rick Ross en la extraordinaria Lord Knows, André 3000 junto a Lil Wayne en The Real Her y este último también en HYFR completando el elenco que forman parte de un equipo esencial a la hora de realizar un análisis de las canciones.

El artista de Toronto supo como mostrarse como un hombre débil, apenado y enamorado en Marvin's Room como también supo mostrarse como una promesa explosiva en el mundo del Rap en Lord Knows. En este proceso un tanto versátil se encuentra la clave del álbum y la diferencia que sabe hacer sobre el resto de los trabajos suyos. 

El punto fuerte real del álbum por lejos y por unanimidad ha de ser la producción, la cual se ve influida por el magnum opus de Kanye West, My Dark Twisted Fantasy a simple escucha. La misma se ve enmarcada y caracterizada por múltiples capas de sonido electrónico y sintetizado mezclado con instrumentos como la armónica y el piano en algunas canciones que ha de ser algo que le da un aspecto mas completo, pacífico, atmosférico y sobre todo algo más elaborado y mejor pensado para acompañar el sentimiento manifestado en las canciones.

El álbum es un trabajo elegante e íntimo elaborado por un numeroso equipo en racha que han de proyectar una de las carreras musicales más exitosas de todos los tiempos con la contraproducencia que han de demostrar que Drake es más que el producto más vendido del mapa musical, o que a futuro lo sería. Este es el momento en donde demostró que sabe hacer R&B.

Code Orange Kids - Love is Love / Return to Dust (2012)

 Love is Love / Return to Dust es el álbum de larga duración debut de la banda Hardcore Punk de Pennsylvania, Code Orange Kids que con el tiempo pasarían a conocerse solo como Code Orange.

Luego de algunos EPs prometedores llegaría el momento del primer álbum realmente importante para la banda. Una banda que se mostró muy técnica, pasional y dedicada al trabajo de un álbum muy oscuro y de pensamientos muy nihilistas. El trabajo ha sido mas que interesante en lo que a mi respecta y formó una gran expectativa para el presente y futuro de la banda dentro del ambiente del Punk y del Metalcore. El álbum ha sido lanzado el 19 de Noviembre de 2012. 

Hardcore Punk, Metalcore, Sludge Metal

Death Wish Records

Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: Sleep (I've Been Slipping), Liars // Trudge, Colors (Into Nothing)

Este proyecto muestra una mirada muy pesimista de la vida y esta fuertemente compuesto por contenido poético a pesar de todo. Muchas de las letras son algo básicas y depresivas, pero también encontramos este estilo de poesía trágica que fascina y hace las canciones de otra cualidad. El pensamiento nihilista se encuentra a través de todo el álbum haciendo alusión al suicidio, el ahorcamiento y la muerte. Sin embargo, esto el autor posiblemente lo ve como un renacimiento hacia otra vida como un "florecimiento" también el compositor, que la banda no aclara quien es, hace referencia al estado de composición del ser humano y a la etapa del limbo después de la vida, situaciones un tanto turbias que mezcladas con la música de la banda quedan muy bien.

El álbum es un tanto caótico, posee voces guturales y un tanto distorsionadas de Eric Balderose junto a un pequeño aporte vocal del resto de la banda en algunos momentos del álbum (se destaca las vocales de Reba Meyers en Liars // Trudge), grandes influencias en acordes del Sludge Metal mezclado con el sonido característico del Metalcore sin recurrir a canciones con golpes y acordes repetitivos en la mayoría de las canciones, lo cual permite que sea un álbum entretenido y no monótono.

Las canciones son de corta duración siendo la última, Bloom (Return to Dust) la mas duradera y la única que dura más de 4 minutos. En la canción Liars // Trudge podemos observar el primer cambio de decibeles. En el fin de esta canción, la misma cambia el ritmo del álbum totalmente para convertirse en el primer punto de quiebre en donde se vuelve una canción mucho más lenta con voces limpias y tenues. El segundo punto de quiebre lo encontramos adrede en Calm // Breathe simbolizando el último respiro antes del último golpe de este álbum algo necrófilo utilizando una gran y sorprendente influencia del Shoegaze. Bloom (Return to Dust) es un gran resumen de este álbum como un último golpe solo que acentúa un poco más el autodesprecio que se tiene el cantante. No muchos se atreven a cantar de manera tan sincera sobre la vida y la muerte. 

Jon Hopkins - Immunity (2013)

 Jon Hopkins ha comenzado la década pasada con trabajos con el artista folk King Creosote, cantante con el cual desarrolló un EP y presentó una colaboración con tintes diferentes a los que venía teniendo al comienzo de su carrera. Realmente estos trabajos electrónicos y vocales fueron buenos pero no han de ser muy relevantes y destacados sobre los muchos artistas del género, es decir, en opiniones prontas y frias, Hopkins siempre me ha parecido un artista interesante solo hasta cierto punto. Canciones cálidas gracias a la voz del cantante irlandés, pasajes ambientales y varias canciones de IDM algo incoherentes y poco entretenidas es lo que había observado hasta los años 2008 - 2010 de su carrera.

Sin embargo, en el 2013 se vendría un cambio totalmente radical para su música. Su afán por las canciones diseñadas y compuestas en detenimiento, frialdad y puntualidad se volvió absoluto. En dicho año presentó su cuarto álbum, Immunity, que intensificó por lejos todo lo que venía haciendo y componiendo. Immunity fue en ese momento uno de los álbumes más esperados y prometedores del año en el género, y no falló. El álbum ha sido publicado el 3 de Junio de 2013 y es considerado uno de los álbumes más influyentes en la música electrónica de la década pasada y de la música ambiental en general. 

Domino Records

Microhouse, IDM, Ambient

Mi Calificación: 4,5 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: We Disappear, Open Eye Signal, Breathe This Air, Immunity

El álbum significa un comienzo nuevo para el artista en donde se muestra a Hopkins mucho más habilidoso, táctico y perfeccionista. El álbum es un trabajo que logró mezclar sonidos orgánicos de carácter y fin ambiental con el filoso y atacante sonido de los sintetizadores que convierten a las canciones en piezas de club como en el tridente del comienzo del álbum que es en donde más se presenta este sonido y es también la mejor parte del proyecto. 

Teniendo a influencias evidentes como Brian Eno, el sonido de Immunity suena muy complejo y futurista al mismo tiempo. We Disappear y Open Eye Signal muestran momentos intensos de baile en donde dejan un paso a la imaginación para adentrarte en una utopía digital, y agregando que Open Eye Signal goza de un ritmo y un climax realmente sorprendente. En contraposición, encontramos pasajes y momentos de tensión alivianada con suaves pianos permitiendo desagotar toda esa corriente digital y manteniendo la esencia de sus anteriores trabajos como Diamond Mine con Creosote, en canciones como en Breathe This Air, Abandon Window e Immunity. Dichas partes son claves para mostrar la fusión de música de club con la serenidad de la parte ambiental del álbum.

Si bien el álbum esta basado enteramente en experiencias nocturas, Immunity es un proyecto destacado gracias a su gran conformidad a pesar de los extremos que maneja y contiene, manteniéndose siempre diverso pero sólido, es una de las escuchas más atractivas de la música electrónica de baile y de tipo ambiental. Ha dejado por escrito cuan talentoso se ha vuelto Jon detrás de los sintetizadores y a la hora de idealizar un paisaje agradable para la imaginación del oyente. 

Joji - Ballads 1 (2018)

George Kusunoki Miller, más conocido por su nombre artístico Joji, es un cantante japones actualmente residente norteamericano que supo hacerse conocer al mundo en primera instancia como un Youtuber comediante el cual bajo el alias de Pink Guy ya había editado música de comedia para su canal (dos álbumes digitales y un EP). . El mismo es conocido en Japón y gran parte del mundo por sus sketches y vídeos como ya he dicho, ahora bien, su carrera artística tomaría un giro drástico llegado el año 2017 en donde lanza su EP, In Tongues, primer trabajo ya bajo la firma de la discográfica 88Rising.

El proyecto no fue deslumbrante pero fue intrigante, con rasgos R&B profundos y pesados mezclados con una atmósfera melancólica y electrónica con sonidos Trip Hop, algo muy serio en cuanto al hombre que hasta el año anterior encarnaba a un meme viviente. Aparentemente, este EP fue no más que una introducción a lo que iba a ser al año siguiente su álbum debut. Ballads 1 lanzado el 26 de Octubre de 2018 se convirtió en su primer trabajo de larga duración en donde participaron productores como Clams Casino, Shlohmo, D33J, John Durham y Patrick Wimberly entre otros.

Alternative R&B, Pop Rap, Cloud Rap

88Rising // 12Tone Music

Mi Calificación: 2,5 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: Slow Dancing In The Dark, Test Drive, Yeah Right, R.I.P.

Ballads 1 es un álbum muy melancólico, Joji se encuentra en situaciones en donde necesita ser deseado, ser querido y nos describe que sus relaciones no funcionaron o no prosperaron como el creía y quería. El problema central del álbum no se centra más en nada que en eso y se vuelve algo tedioso, es decir, en cuanto a contenido lírico no es tan completo debido a que literalmente no hay otra que decir acerca del mismo, todo parece ser un circulo vicioso cuando Joji nos va contando que falla sus relaciones y le rompieron el corazón. Algo que hace interesante este tipo de álbumes es la forma en que esto se lo retransmite al oyente, en este caso, las metáforas no son muy bien pensadas ni profundas, a excepción de Slow Dancing in The Dark y Wanted U que quizás el artista se luce un poco más con los sentimientos dentro de las letras.

La producción le sienta bien a Joji, en esta oportunidad deja que la voz se convierta en el obvio protagonista de la cuestión junto a las bases Lo-Fi, algunas inspiradas en el Hip Hop más moderno y en el Trap, otras algo más melancólicas y meditativas siguiendo con la corriente reflexiva y melancólica del álbum. No siento un gran esfuerzo por la misma pero aún así ha crecido en cuestiones de producción siendo las producidas por el las de mejor calibre. Canciones como Attention, Test Drive y No Fun, dejan al descubierto a pesar de cuales sean las situaciones, la poca confianza que concentra el artista en sí mismo y es algo que daña al autoestima del mismo.

Slow Dancing in the Dark se destaca como la joya del álbum siendo por lejos la canción mejor compuesta y mejor producida. Canción la cual goza con una especie de beat switch en su clímax que ayuda a Joji a expresar sus emociones desmedidas acerca de una relación amorosa la cual siente muy lejana y ve desmoronada, entre la parte del coro y los demás versos. Se deja mostrar como la canción con más pasión que interpreta el cantante. Si más de una canción podría seguirle el ritmo a Slow Dancing, Ballads 1 sería otro tipo de álbum. Siguen sus pasos igualmente sin poder igualarla, Test Drive con una precaria metáfora acerca del amor sin compromiso, Yeah Right que también se ha convertido en un sencillo exitoso del artista, con un piano tan intermitente como atractivo y un golpe de bajo adictivo acompañan al artista a describir un momento en el que no piensa en otra cosa que "joderse la vida" ya que a nadie de sus conocidos ni de sus relaciones, le interesan, algo ya repetitivo. 

Su única colaboración vocal la encontramos en R.I.P., Trippie Redd participa de la misma con su esencia depresiva que le da un toque diferente al que le venía dando Joji. 

Muchas veces, el álbum termina siendo muy drástico sin ser profundo o atractivo en cuanto al relato pero a pesar de eso, es un álbum Lo-Fi oscuro, apto para escuchar una solitaria noche de lluvia. Un álbum que es más melódico que rítmico, nos muestra que tan tedioso puede ser que te rompan el corazón.

Converge - All We Love We Leave Behind (2012)

 Converge es una banda ya legendaria en el ámbito de la música pesada y gutural como lo es el Metalcore. Llevan a la fecha de hoy 30 años juntos y en ninguna parte de su carrera ha tenido tiempos de poco interés ni periodos en los que han pasado por desapercibido, no por nada son uno de los más reconocidos en su labor. Con esta consistencia llega el momento de abrir paso a su tercera década juntos luego de un triunfal periodo en donde lanzan los míticos Jane Doe (2001) y You Fail Me (2004) y su predecesor inmediato, el pasional Axe to Fall (2009), álbumes que mostraron el carácter agresivo pero técnico de la banda con gran poder de determinación, fusión e inclusión a la hora de usar los sonidos del Hardcore Punk y por escándalo del Mathcore, tarea que no suena fácil. 

All We Leave Behind es lanzado el 9 de Octubre de 2012 y ha determinado que la banda estadounidense no se encuentra atrapada en un sonido repetitivo ni oxidada, algo que habla demasiado bien de sus músicos. Este álbum se muestra como una conjugación más melódica por parte del cantante, Jacob Bannon, y de ciertos guiños hacia un sonido un poco más oscuro propio del Doom Metal.

Metalcore, Post-Hardcore

Epitaph Records

Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: Aimless Arrow, Trespasses, Sandnes Come Home, Coral Blue

All We Love es un álbum existencial y pesimista el cual mira con recelo el futuro y añora el pasado. Su composición lírica se encontró totalmente a cargo del cantante de la banda, Jacob Bannon, el cual se expresa de manera muy personal mostrando una postura reacia hacia el avance del ser humano en el tiempo (véase la portada) hacia la vejez o hacia un lugar donde no podrá concluir con las metas que se ha propuesto de joven. Hay que entender que los integrantes de la banda han estado mucho tiempo en el circuito de la música y tiene bastante coherencia que este álbum sea un tanto directo y depresivo en ese aspecto. La mayoría de las canciones del mismo hablan sobre esto desde una perspectiva diferente, la genial entrada dinámica de Aimless Arrow dictamina que para lograr algunas cosas abandonamos otras y con ellas abandonamos seres queridos en el camino siéndose requerido o no, en Trespasses no se encuentra esperanza alguna a pesar de que progresemos, Empty on The Inside como bien lo manifiesta el título, presenta un vacío a pesar de que la vida siga su curso y en la canción de mismo título que el álbum, evidentemente se habla de dejar atrás una relación amorosa y seguir con el ritmo de vida. Si bien el panorama no es bueno, el terreno en donde estas letras describen las situaciones es dentro de canciones técnicas y bien balanceadas, es decir, no son densas líricamente y se convierten sin duda en lo mejor del álbum.

La producción estuvo a cargo del guitarrista, Kurt Ballou, el cual determinó un álbum muy técnico con un sonido áspero que logra convertirse en oscuro rindiendo tributo al Blues Rock y al Doom Metal. Se implementan riff de estos géneros en momentos claves como en el comienzo seductor de Sadness Come Home o en la totalidad de la genial y oscura balada de Coral Blue, la mejor del álbum. 

Mas allá de esto, hay momentos en donde los cambios de ritmos son geniales como en la canción de introducción y su sucesora, Trespasses. Por último, queda destacar que junto con Coral Blue, en la segunda parte del álbum se encuentra el lento instrumental de Precipice  que le da el pie a la canción homónima del álbum. Estas formulas fueron esenciales para, a mi gusto, variarlas con los golpes repetitivos y técnicos ya conocido del Metalcore, haciéndolo un álbum muy atractivo y entretenido. Una razón más por la que Converge es una de las bandas más perseverantes de la escena y una obra en donde Bannon nos muestra un lado bastante personal. 

Rick Ross - Teflon Don (2010)

 Teflon Don es el cuarto álbum del rapero oriundo de Clarksdale (Estados Unidos), Rick Ross. Viniendo de una base un poco más pulida con su álbum Deeper Than Rap (2009), a comparación de sus comienzos sin pena ni gloria sin brillo y con poca atención de la crítica, Ross afronta un nuevo horizonte. A partir de aquí, su carrera comenzaría a tomar otro rumbo y el primero paso fue el lanzamiento de este álbum. Lanzado el 20 de Julio de 2010, Don sigue representando gran parte de los logros hechos por el rapero hasta el día de hoy, un álbum quizás mas infravalorado que tenido en cuenta. 

Hip Hop, Gangsta Rap

Def Jam Recordings

Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: Maybach Music III, Live Fast, Die Young, MC Hammer, Aston Martin Music

El álbum esta compuesto por 11 canciones encargadas a 11 productores, entre ellos el mismo Rick Rozay como se hace llamar a veces. La producción es un punto en auge muy importante a la hora de hablar de este álbum, entre estos productores el que más destaco increíblemente fueron los chicos de J.U.S.T.I.C.E. League, que en pocas palabras, estuvieron a cargo de las canciones mas significativas como "I'm Not a Star", la épica "Maybach Music III"  y "Aston Martin Music".  Mas allá de eso, la producción representa un logro significativo gracias a su suavidad y versatilidad, la gran adicción que presentan los sampleos y la idea genial de instrumentos como violines, chelo, guitarra y trombones junto a las voces de los artistas.

Ahora bien, más profundamente hablando, Rick Ross se muestra muy meditativo acerca del éxito que estaba afrontando en ese momento, nos cuenta esa típica historia triunfante del gueto en donde sus padres no tenían la plata suficiente para brindarle todo a Rick y de un dia para el otro, los tres manejan un capital innumerable gracias a el. Rick afronta la fama pasando por un periodo de negación como lo demuestra en "I´m Not Star" en donde se ve mas como un traficante que como un artista, todo imagen.

La sorprendente "Maybach Music III" resulta ser una aplanadora para sus sucesoras. Ross con T.I., Jadakiss y el estribillo de Erykah Badu, presentan la canción más reflexiva del álbum y de las más icónicas de la carrera de Rozay. 

Por otro lado, si les pareció algo confuso que al principio no se considere un artista, más descolocante es el trato que tiene el rapero en la canción "Live Fast, Die Young", una canción de fiesta, alegría, excesos y supremacía. Kanye West hace lo suyo convirtiéndose en una de las colaboraciones más destacadas del álbum gracias a sus barras y su coro en el estribillo. Al parecer, después de todo Ross no se arrepiente de no aparentar ser una estrella cuando menciona que podría ayudar a la gente pobre pero no lo hace porque es dinero sucio. El último punto importante para mi ha de ser "MC Hammer" con Gucci Mane como colaborador, si bien nombre "Aston Martin Music" me parece que es una canción bella por solo mera producción y no por letra. El caso de "MC Hammer" es claro y facil de analizar. Es una de la canciones más conocidas de Ross también y la preferida de los oyentes de este álbum. Una canción con una estructura sonora de Trap en los tiempos donde muy pocos lo hacían, y los que lo hacían, están presente en este álbum. Es una canción que podría ser un himno callejero, cocaína, armas y las mejores barras que Rick elaboró a pesar de su crudo lenguaje, tan así que para mi modo de ver, Mane está de sobra, dificil de decirlo pero fácil de comprobarlo.

Teflon Don fue uno de los álbumes urbanos más completos de dicho año, buenos ganchos, buenos estribillos, numerosas colaboraciones en donde la mayoría mantuvo su nivel, envidiable producción y algunos toques de introspección personal por parte del anfitrión que nunca dudó de su potencial. Un manual para aquellos jóvenes de la calle que quieren triunfar, aunque deberían hacerlo por las buenas. 

Chvrches - The Bones of What You Believe (2013)

Chvrches es un trío escocés que tiene la particularidad de tener sus tres integrantes: Iain Cook (sintetizadores, bajo, coros), Lauren Mayberry (vocalista, sintetizadores) y Martin Doherty (sintetizadores, batería, coros) con bases y pasados rockeros o por lo menos como intérpretes de Pop Rock, pero sin embargo, la estructura de esta banda no se basó desde un principio en estos géneros, véase incluso como los tres participan vocalmente. 

The Bones of What You Believe, lanzado el 23 de Septiembre de 2013 es su álbum debut en el cual estos viejos conocidos de Glasgow, Escocia, demostraron un gran potencial impulsando un sonido ochentoso de Synthpop acaramelado y melancólico con una producción digna de cualquier banda de reconocimiento mundial.

Synthpop, Electropop

Glassnote Entertainment Group

Mi Calificación: 4 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: The Mother We Share, Tether, Lies, Under The Tide, Lungs

Hablando un poco de la historia del origen del álbum, Cook experimentó muchos meses con sintetizadores y llevó la idea a sus otros dos compañeros que al comienzo de todo, les parecía descabellado pero que con los meses y ensayos, les encantó convertir casi la totalidad de su música, en música electrónica.

El álbum ha de ser todo una travesía por lluvia de sintetizadores intensas, momentos limpios y concretos en cuanto a bases de sonidos que desbordan también de ambición por aún demostrar más destreza y con que facilidad se puede hacer un buen Pop, y si, es muy fácil afirmar que por lo menos les parece algo no complicado de lograr y se explica canción a canción. Momento en donde las letras de amor juvenil se cubren y al mismo tiempo son atravesadas por gamas de sonido melancólicas, serias, extrovertidas y firmes, es decir, el álbum posee una gran versatilidad en su sonido y sus letras en donde parece mostrar altibajos emocionales sin mostrar esto mismo en su calidad.

Lauren Mayberry se presenta como una vocalista muy variada y ágil donde rápidamente puede pasar del dolor hacia una alegría sin miedos y sincera. A pesar de ser la vocalista principal y la que a simple vista para nuestros oídos puede ser la anfitriona de esta obra, Doherty no lo hizo nada mal en "Under The Tide" y la adolescente "You Caught The Light". La intrigante "The Mother We Share", que fue el sencillo que le abrió muchas puertas a la banda, es junto a "Tether" las mejores pistas y las más demostrativas. Esta última cierra con un clímax progresivo centrado en una atmósfera puramente Dance y logra una transición importante para la proxima canción, "Lies", que retoma la energía que le cede esta primera.

 Sinceramente no estuve convencido hasta cierto punto de Chvrches pero luego de escuchas, uno puede encontrar texturas nuevas y descubrir nuevos pasajes sonoros dentro de sus canciones. Realmente es algo contraproducente decir que una de las grandes joyas de nuestros tiempos sea un álbum que sangra y luce su admiración por grandes del Pop de los ochenta como la gran comparativa que tuvieron con Depeche Mode pero la música es así y The Bones of What You Believe rinde un homenaje al Pop de dicha época de manera deslumbrante. 

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Deftones - Koi No Yokan (2012)

Luego de Diamond Eyes, un álbum explícito con un sonido áspero pero bastante entretenido y agitado, la propuesta de Chino Moreno, vocalista de la banda, fue que la banda tomara de nuevo un sonido más experimental para el nuevo proyecto que tenían entre manos. La banda decidió de nuevo tomar las influencias tenues y conmovedoras del Shoegaze y el Post-Metal para formar un álbum en donde supieron mezclar grandes corrientes de sonidos y sentimientos en cada una de las canciones. Este proyecto fue Koi No Yokan (expresión propia del japones que significa presentimiento del amor), el séptimo álbum de la banda de Sacramento que recuerda e iguala los mejores momento de una de las mejores bandas del Metal Alternativo. El álbum ha sido lanzado el 13 de Noviembre de 2012. Sus sencillos fueron las canciones Swerve city, Romantic Dreams, Leather y Tempest.

Metal Alternativo, Post-Metal, Shoegaze
Reprise Records

Mi Calificación: 4,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Romantic Dreams, Leathers, Graphic Nature, Tempest, Rosemary

Mucho se ha dicho por críticos reiteradas veces acerca de la volatilidad del álbum, y es que en un grito unánime, el elogio general de este proyecto es que Deftones encuentra el punto justo para mezclar la marea alta con la baja, la tormenta con la calma, el éxtasis con la plenitud ambiental misteriosa que rodea a Koi No Yokan. La ambientación del álbum varía de momentos de clímax con repentinos y grandiosos pasajes sonoros ambientales donde se deja ver la desnudez del álbum en si. 

Esto hace que el álbum sea totalmente atrapante y envuelva al oyente de lleno, supieron como comportarse en torno a un álbum de Metal que supo ser ambiental. Estos momentos son claves y sen encuentran al comienzo y final de la mayoría de las canciones creando un hilo correlativo casi perfecto en donde sitúa al climax ruidoso de cada canción en el núcleo de cada una hasta cerrarlas progresivamente hasta un punto experimental como si de una pequeña reflexión se tratara, una estrategia de producción algo vanguardista y sorprendente.

La sinceridad de este álbum es grande, Moreno se ha vuelto un poco más poético y las canciones muestran varias facciones de la personalidad de una mujer, el deseo hacia mismas y la lujuria pero aún así, el romanticismo se sobrepone como una acción natural y sincera.

Koi No Yokan si duda es un álbum con mucho carácter donde la guitarra no suele ser gozada en solos sino que como un ingrediente más (no menos importante) dentro de un álbum que fue forjado como un trabajo en conjunto y hermético. El manejo de ritmos del vocalista aun me impacta, más en canciones como Romantic Dreams, Leathers y Graphic Nature, una de las canciones más descriptivas y mejores escritas por la banda hasta el día de hoy.

Beach House - Teen Dream (2010)

Luego del despertar amateur de Beach House en sus primeros dos álbumes de bajo rango y bajo perfil como lo fueron su álbum homónimo y su segundo álbum "Devotion", el dúo canadiense tuvo las puertas abiertas a nuevos oyentes y nuevas críticas como también le valió la oportunidad de grabar su primer álbum en una discográfica grande y renombrada. Teen Dream es el álbum que los lanzó de una vez por todas a lo que son hoy en día, a partir de este álbum comenzaron a ser descriptos como uno de los conjuntos y proyectos con mayor capacidad de plasmar sentimientos en música Pop alternativa de forma muy profesional y serena.
Beach House comenzó a principios de la década a crecer a pasos agigantados para los críticos y para la gente que le encanta la música melosa. La voz de Victoria Legrand y el apoyo productivo de Alex Scally estaban a punto de sofisticar y modernizar hasta hoy en día las canciones para un de los subgéneros mas crecientes en los últimos años, el Dream Pop. Teen Dream fue lanzado el 25 de Enero de 2010 a través de la discográfica Sub Pop (discográfica que alojó a Nirvana en sus tiempos), producido por ellos mismos y por el productor Chris Coady siendo este el que dio la iniciativa de grabarlo en Dreamland Records, construido sobre una iglesia abandonada.

Dream Pop, Indie Pop
Sub Pop Records

Mi Calificación: 4 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Zebra, Silver Soul, Walk in the Park, Lover of Mine, 10 Mile Stereo

Realmente Teen Dream es un sueño fragmentado álgido e íntimo. La forma de plasmar los sentimientos por parte de los dos compositores siempre ha sido buena y cada vez que se me presenta la oportunidad trato de detallar porque, y es que la realidad es que la gran libertad dinámica que parece presentarse en sus canciones mejoran cuando es interpretada musicalmente. Teen Dream fue cuidadosamente conjugado y producido, cajas de ritmos serenas y que logran ponernos en un juicio amoroso y resquebrajeante al unísono en cada una de sus canciones sin aburrirnos. 

La apertura con Zebra describe un amor juvenil, una idolatría hacia una persona que podría ser no correspondida para el perfil de la cantante siendo el mero reflejo de cuando una persona idealiza a otra cuando se enamora de esta, sencilla pero con metáfora. Esta misma da paso a una de las canciones más extrovertidas del álbum, una de las canciones quizás más revolucionarias en el catálogo total de la banda como lo es Silver Soul. Momento en donde la sofisticación suave del álbum se deshace totalmente gracias al riff embriagador de por parte de Scally convirtiéndose también en una de las composiciones más rebuscadas y con las mejores metáforas a aquello que nos hace producir serotonina, el amor.

Algunas canciones pueden sonar algo monótonas sin sonar aburridas en el álbum como surgen los casos de Norway y Used to Be (canción que data del año 2008) pero que igualmente no deslucen la gran imagen y paraje sonoro producido durante todo el álbum. Por otro lado, se remiten a esta descorazonada situación las canciones como Walk in the Park y Lover of Mine, canciones en las que Legrand pasa a ser una especie de gurú amorosa gracias a su talento vocal mientras que en Lover of Mine destacada el sintetizador agudo y levantador que convierte a la canción un tanto pegadiza y adictiva en el gancho, algo demasiado Pop. 

La mayoría de los atributos y críticas que ganó Teen Dream es por la buena realización del álbum ya que sin embargo no pertenece a una gama de álbumes innovadores o de vanguardia pero la sencillez de su proliferación en el relato amoroso es demasiado buena. Hay desarrollo profesional por donde se vea, Alex Scally ha sido el gran músico responsable de la ambientación de la mayoría del álbum destacando en Silver Soul, Walk in The Park, Lover of Mine, Better Times y 10 Mile Stereo. 

Sin duda alguna hasta el momento fue el álbum más completo de Beach House agregando más contenido a su paleta de sonidos con el cual desarrollan las canciones. Muchos sostienen que este es el mejor álbum de ellos y mi opinión es que no lo es. Teen Dream recibe ese título debido al momento en el que fue lanzado, si en este momento gratificante de la banda se habría encontrado otro álbum sería otro el que lo reemplazara pero igualmente, este es uno de los mejores momentos Pop de los años 2010s.

Julia Holter - Loud City Song (2013)

Luego de los esfuerzos debutantes de la cantautora estadounidense Julia Holter con sus primeros dos álbumes amateurs pertenecientes a esta gama de álbumes Pop de dormitorio, por su procedencia casera, que se han vuelto tan numerosos en la pasada década (véase a Billie Eillish como un ejemplo primordial) en la que veíamos a la artista involucrada en cultura Griega como también guiños a su mitología, nos toca adentrarnos en lo que fue su realmente revelador debut en un estudio importante y quizás el álbum que más ha marcado el rumbo de su carrera hasta el dia de hoy, Loud City Song, el primero en un estudio de grabación profesional. De la mano de Domino Recordings Company, Julia Holter exploraría más allá de su completo Pop intelectual y atractivo del que venía moldeando.
Loud City Song es un recorrido exquisito en una ciudad ficticia con un protagonista shockeado y ofuscado por estas luces de ciudad, por su consumismo e idealismo de las personas como también experimenta un poco la locura y la soledad que puede enfrentar a una persona que no es capaz o no esta predispuesta a ser uno más en el mundo de esta sociedad observadora, exigente y egoista. Claro está entonces que hablamos de un álbum conceptual abordando todo lo anteriormente mencionado y basado en Gigi, una novela del escritor francés Colette del año 1944. El álbum ha sido publicado el 20 de Agosto de 2013.

Art Pop, Ambient Pop
Domino Recordings Company

Mi Calificación: 4 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: World, Maxim's I, Hello Stranger, He's Running Through My Eyes

Con el pasar del tiempo, la misma cantante ha declarado que el personaje que narra y aborda el álbum es ella misma, es decir, es un álbum altamente introspectivo ficticia o sinceramente pero en fin, termina siendo un trabajo intimo que trabaja con esta especie de sentimientos más personales y oscuros, lo que le da la credibilidad dramática al álbum como también una seriedad intelectual superior a otros trabajos en los que ella ha estado involucrada.

Comenzando con World, una pista del tipo confesionaria ambientada con un atmósfera intrigante de estilo Jazz, Holter nos describe la soledad que percibe en esta gran ciudad cantando desde su apartamento en un quinto piso, se ha de tener en cuenta aquí el importante paso que se ha dado para la elaboración de la parte ambiental que se verá bien presente en todo el álbum.

Las exquisitas y vanguardistas Maxim's I y Maxim's II donde se critica a los observadores necios y malvados de nuestra sociedad que están pendiente siempre del otro con ojos egoísta y juzgadores. En la primera parte nos encontramos con un Pop embriagador e intrigante donde predomina el piano como instrumento de estudio junto a una ambientación dramática mientras que la segunda parte de este reflejo social, nos encontramos con un divertido Pop de Cámara con trombones e instrumento de cuerdas mostrando una versión alegre del mismo juicio.

El álbum mezcla muchos recursos denominados Art Pop como el drama, la alegría, el relato surrealista, performance de Pop de Cámara como también aspectos de canción de cantautor como la misma World y He's Running Through My Eyes, la canción donde me rendí totalmente a este álbum. 

Con un poderoso y solitario piano, en esta última canción, Julia demuestra que su agridulce voz ha de poder convertirse en una de las más poderosas en el Pop de vanguardia de los últimos años, como así también es increíble su forma sencilla pero deslumbrante de tocar el instrumento y manejar una ambientación tan atrapante.

Irónicamente he de aclarar que la canción más recordable y simbólica del álbum ha de ser un cover de Barbara Lewis, Hello Stranger, el cual me parece un conjunto de versos elegidos a la perfección por la arista ya que la canción trata algo tan melancólico como extrañar a alguien y esto se mezcla ya con las referencias a la soledad, la indiferencia y el abandono bien visible que se puede ver en Horns Surrounding Me.

Muchas veces me remito a algunos álbumes como mas que simples escuchas sino que también digo que se pueden imaginar cosas que vallan con el mismo y en este caso, ya que también basa mucho de sus aspectos en una novela, es fácil imaginarse un paisaje abstracto en conjunto con ambas cosas y es que esta es la garantía del mismo, la gran certeza que obtiene en su estructura es lo que permite que se aprecie tan bien. Loud City Song no suena tan ruidoso como el título lo pinta, sino más bien el álbum presenta misterio e intriga que el oyente necesita saciar al terminar el mismo. La vanguardia del Pop comenzó aquí a gozar de una buena compositora. 

Ghost - Infestissumam (2013)

Luego de un primer paso con un disco debut que ha de parecer una idea renovadora dentro de las ideas revividoras del Heavy Metal clásico, Ghost adquirió una popularidad a nivel internacional por sus primeras grandes actuaciones y primeras composiciones. En este caso, le tocaría a otro pintoresco álbum brillar sobre la mente de los oyentes rockeros de la actualidad.
Luego de tres años de su comienzo, la banda sueca Ghost presenta su segundo álbum de estudio, Infestissumam, del latín "la amenaza más grande" haciendo referencia al anticristo, el cual se publicó el 10 de Abril de 2013.

Heavy Metal, Hard Rock
Loma Vista Records

Mi Calificación: 3 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Jigolo Har Megiddo, Ghuleh / Zombie Queen, Year Zero

Como primera impresión e idea generalizada del álbum puedo decir que se ha respetado mucho la esencia presentado en el primer trabajo de la banda, quizás esto sea una de esas segundas partes de determinado álbum aunque uno sea totalmente independiente del otro, es decir, se muestra una intención de recrear un sonido similar pero en este caso no se llega a obtener el mismo resultado. 

Infestissumam es un álbum muy esporádico donde rara vez obtiene una solidez continua, sin mencionar que ha sido un momento de amplitud en el sonido de la banda, como también que no ha de ser un material que se ha de desperdiciar.

El álbum ha presentado un desafío totalmente nuevo en la banda teniendo en cuenta que el álbum se ha grabado en un estudio nuevo, una firma nueva y un productor nuevo cambiando todo lo pactado anteriormente. A diferencia de sus comienzos, el sonido de la banda se ve caracterizado por no ser tan agresivo y mostrar algo más de experimentación que surge como una idea dinámica que no se ha podido sacar a flote y sacar los frutos de la misma. Ghost empieza a ser vista como una banda más inofensiva con suaves coros, influencias sesenteras y un contraste a las grandes banda de Black Metal del país escandinavo. En esta oportunidad, el cantante actúa bajo el nombre de Papa Emeritus II, siendo su nombre Papa Emeritus en su primera aparición. La identidad de los demás integrantes de la banda no es todavía revelada.

El álbum abre con una intro al estilo litúrgica-rockera, luego se presenta Per Aspera Ad Inferi, canción densa y repetitiva que proclama el resentimiento de las viejas generaciones en frente a las actuales. Entre factores más destacados dentro de las canciones podemos destacar Jigolo Har Megiddo (un gran juego de palabras) con una gran base rítmica con acento Pop Punk, Ghuleh/Zombie Queen muestra una grandiosa suite en donde la canción se divide en dos partes siendo la primera protagonista los sintetizadores nostálgicos para terminar en una segunda con un climax a base de guitarra y coro.

La última parte del álbum ha dejado mucho que desear, remitiéndome también a ciertos aspectos aburridos en las canciones de la primera parte, luego de Year Zero, el álbum no parece deslumbrar nuevamente. Year Zero es iniciada por un coro estilo litúrgico que nombra diferentes demonios conocidos en la cultura popular como Los 6 Reyes del Infierno y explica el ascenso a la gloria y el trono de la bestia mítica del infierno.

Ghost ha dejado un álbum con un relato crudo y sin vueltas con una adoración tremenda por el satanismo pero con una fachada de Rock Progresivo esquivando su verdadero estereotipo de banda Black Metal haciendo inclusive una especie de parodia a este género sin faltarle el respeto al elaborar gran música. Así es como de a poco, Ghost se ha de convertír en una de las bandas de Metal y Hard Rock esenciales de la última década. 

Frank Ocean - Blonde (2016)

 Frank Ocean en 2016 presenta una idea superadora, si es que no se conmovieron con Channel Orange (2012)  y que comprendo que para algunos oyentes le es un poco difícil de que les llegue esta escucha, deberían prepararse para algo más grande y algo más innovador como lo es Blonde, un álbum designado por algunos oyentes como el soundtrack de una noche solitaria y triste, una de esas noches en donde al ser humano se le antoja recordar todo lo que ha perdido en el sentido del amor y la nostalgia retrospectiva, una banda sonora ingeniosa dedicada para aquellos que han de sentir el verdadero desamor y la nostalgia.
 El artista oriundo de Nueva Orleans presenta el 20 de Agosto de 2016 lo que sería uno de los álbumes más completos e innovadores en el R&B y el Pop del siglo XXI, Blonde, su segundo álbum de estudio. Con una discografía bastante corta que nos mostró lo talentoso que es Frank para seleccionar bases, sampleos y componer canciones en solitario como también en compañía, este le agregaría a la misma una función clave para la música sentimental de nuestros tiempos. Mucho se ha especulado antes de la salida de este álbum, el 19 de Agosto de 2016, es decir un dia antes del lanzamiento de este álbum, se lanzó una presentación en vídeo del artista titulada "Endless", material  que sería (solo el audio) presentado como el tercer álbum de Frank en 2018. Los medios y el artista daban a entender que el álbum en cuestión se llamaría "Boys Don't Cry" pero no fue así. Del mismo álbum se desprende el sencillo "Nikes", canción apertura del álbum.
Cabe destacar que Boys Don't Cry fue una revista surrealista elaborada a la par de este álbum lo que completa esta trilogía de lanzamientos publicados la misma semana.

Boys Don't Cry
Alternative R&B, Art Pop

Mi Calificación: 5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Nikes, Ivy, Pink + White, Skyline To,  Nights, White Ferrari, Seigfried, Godspeed

Blonde es un álbum fuertemente introspectivo que se basa fuertemente en el pasado de Frank tanto social como amoroso. Recorre las historias que ha tenido de joven, sus amores y sus tragedias, mencionando varias veces al huracán Katrina que en el año 2005 asotó la zona de Nueva Orleans obligando a el y su familia mudarse a Houston. Estas experiencias pasadas son abrazadas por el autor con dolor, melancolía, aceptación y quizás un poco de remordimiento. Este álbum es la pieza fundamental hasta el dia de hoy para descubrir la talla de artista que es Frank y la facilidad que tiene para plasmar los sentimientos en la música Pop sin parecer exagerado ni algo asfixiante.

Este trabajo se ve como una genialidad sea por donde sea visto, ha demostrado que el R&B en nuestro milenio se ha vuelto poderoso y a talla personal ha vuelto al autor un visionario total de las letras y los ritmos codeándose siempre con grandes dentro del estudio siempre con autoría, genialidad y presencia. Adaptándose a los nuevos tiempos, Blonde ha sido un trabajo en el que han ayudado muchos músicos presenciales como también no, es decir, hay gente acreditada en el trabajo a pesar de no haber colaborado pero si escrito partes de canciones como Elliott Smith y John Lennon, momentos en los cuales Frank recita fragmentos de sus canciones. Aparte de esto, han colaborado muchas grandes personalidades como Tyler, The Creator, Kanye West, Yung Lean, Jonny Greenwood de Radiohead en arreglo de cuerdas, una desacreditada Beyoncé en Pink + White, Michael Uzowuru, Pharrell Williams, Buddy Ross y Malay entre otros, estos últimos cuatro como productores.

De apertura nos encontramos a Nikes, una balada con la voz de Frank con el pitch agudo que critica el consumismo y alaba a tres personalidades, A$AP Yams, Pimp C y Trayvon Martin, joven afroamericano asesinado injustamente por la policía y puede ser este el único contexto político que tenga el álbum. Llena de intriga y ritmos nocturnos es una de las canciones más adictivas dentro de la entrega. Pero yo creo que realmente Frank nos empieza hablar de el, de su persona interior que ha de arrepentirse del paso del tiempo y de algunos hechos de su pasado, con Ivy, una de las mejores canciones que ha escrito hasta la fecha hecha enteramente para un pareja a la cual le ha roto el corazón y es que el relato, es erizante. Supera por mucho a canciones que intervienen en el corazón del cantante como Solo, Skyline To que ha de ser una pieza enteramente ambiental gracias a una embriagadora guitarra acompañada de los típicos sintetizadores demostrando lo meditativo y cuidadoso que puede ser el álbum.

Self Control es otra canción en donde se debe hacer un punto aparte, pareciendo algo infantil, nuestro sensible compositor se presta para una balada con un estilo Folk Pop que después se entrega a un cambio de ritmo sonoro nuevo y vanguardista a medida que termina la canción, una vez más, la estructura de la canción no deja de mostrar la gran creatividad del artista sin que se borre ese espacio en donde uno puede interpretar fácilmente de lo que va la canción. Sin embargo, esto no fue todo. La pieza fundamental del álbum y la protagonista es sin dudas, Nights, donde Frank detalla su vida nocturna, su agotamiento y estrés por trabajar en dicho horario con una mezcla nuevamente de recuerdos que le inundan los pensamientos. La canción compara el día y la noche y como el los ha aprovechado en cada momento detallando a la noche como un momento de calma y amor para compartirlo con la persona que ama. Nights es una genialidad pop y de las mejores canciones que el género recibió y recibirá en muchos años. La misma se separa en tres partes: la primera con un beat misterioso y bastante original, la segunda (que en realidad sería solo una transición) es una parte en donde comienzan los acordes de una guitarra hasta que la situación se torna en "crescendo", una estrategia musical que se utiliza para llegar al clímax de la canción, hasta que la misma es corrompida completamente por un segundo de silencio y un beat punzante con un Frank recitando de forma inofensiva y reservada. Esta técnica es mencionada como "Beat Switch".

Las estrellas de la Coda del trabajo sin duda son Seigfried y Godspeed, una dramática pieza en donde participa la London Orchesta junto con el moderno gospel en el que Ocean se animó a integrar a un personaje urbano bastante peculiar, Yung Lean.

La producción está basada en mucho de lo que anteriormente ya nombre, espacios ambientales, beats originales, tendencias nocturnas y melancólicas, uso de estructuras Pop/Rock, porque la guitarra es muy importante en este trabajo (Ivy, Skyline To, Self Control, Nights, Seigfried) y la participación de los instrumentos de cuerda para la connotación melancólica del asunto. A todo esto se suman los papeles importantes que han jugado los grandes productores y los grandes artistas dentro de este trabajo de manera fenomenal dejando inclusive a la vista de todos brillar por si mismo en todo momento a Frank.

Blonde no puede tener un resúmen, no es un trabajo facil de explicar en síntesis pero si lo que podemos resumir del mismo es que acá es cuando realmente se mostró el verdadero Frank. Un joven que podría ser el poeta del momento si no le gustaría la música porque sin importar a quien estén destinadas las letras son realmente delicadas, románticas y solitarias sin sofocar al oyente. Amores, recuerdos, referencias a paseos lujuriosos en automóviles, infancia, relaciones con los psicoactivos, enseñanzas de personas cercanas, innovación, progresión y creatividad es a lo que realmente se remite este trabajo.