Danny Brown - XXX (2011)

 Danny Brown, rapero crecido y criado en la ciudad de Detroit, lanza el 15 de Agosto de 2011 su segundo album de estudio titulado XXX, haciendo referencia a su cumpleaños numero 30 y a un lenguaje explicito. El bien titulado triple equis nos mete en un largo viaje adictivo, oscuro, mecanico, secuencial y frio en el cual podemos encontrarnos muchas alusiones a las drogas como un modo de vida, la fiesta, la rutina adulta y el suicidio entre muchas otras situaciones relacionadas a ellas. 

Hardcore Hip Hop, Experimental Hip Hop

Fool's Gold 

Mi Calificacion: 4 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: XXX, Die Like a Rockstar, Pac Blood, Nosebleeds, Party All The Time, EWNESW, Fields.

 

Danny Brown desde el inicio de su carrera se distinguió por ser un rapero muy diferente estéticamente hablando a comparación de lo que el género pretendía vender en ese momento, caso similar al de Kanye West en sus inicios. Esta problemática llevo a distinguirse aun mas del montón, sellar sus lanzamientos de forma independiente, marcar una definida brecha entre los comerciales y el sin contar también el talento habido que lo califica como un rapero mucho más capaz a comparación de muchos. Este proyecto también es esto, a comparación de su primer mixture lanzado en 2010, The Hybrid en el que mantuvo un sonido más urbano y menos prolifero, en esta oportunidad, Brown demostró cuanto prevalecido su ideología y estilo de hacer y pensar la música.

Este trabajo presenta casi diez productores diferentes que se encargaron, según las ideas del artista, a engrandecer y enarbolar las canciones del mismo. Entre ellos se destacan Frank Dukes, Paul White, Quelle Chris y Skywlkr teniendo un papel esencial transformando al trabajo en algo totalmente oscuro, algo caótico y sobre todo frio adjudicando también a Danny una característica a su carrera como rapero que lo haría ser conocido como uno de los raperos con los beats mas extraños y versátiles hasta hoy en día, teniendo en cuenta sus álbumes posteriores a este. Teniendo una producción tan oscura y técnica, así Brown nos ofrece relatos de su infancia, pensamiento ideológico que arremete contra el sistema, enojo y consciencia social pero sobre todo el abuso de drogas en la adolescencia  en cada una de sus canciones.

El álbum se extiende por casi una hora con diecinueve canciones, diecinueve canciones en las cuales se enseñan situaciones ligada al abuso, a la fiesta, a la noche, a la crudeza, quizás un poco también alusión al crimen, siendo de las mejores canciones retratadas aquí Nosebleeds, Die Like a Rockstar con influencias rockeras, Pac’s Blood, Radio Song siendo una canción totalmente opuesta a lo que anuncia, Party all The Time siendo quizás la más existencial de XXX, EWNESW y Fields.

Treinta, como también se conoce al álbum, puso en lo más alto de la critica a un artista ya adulto pero con una carrera muy underground que supo cómo mantener ese nivel de intelecto y talento para mantener su perfil en lo mas alto del hip hop, siendo con los años nombrado como uno de los más destacados de la ultima década.

 

 

Darkthrone - Transilvanian Hunger (1994)

 Luego del éxito de sus tres primeros álbumes, Darktrhone, banda influyente de Black Metal de Noruega, lanza Transilvanian Hunger el 17 de Febrero de 1994, en medio de una escena bastante candente y hasta política dentro del pais escandinavo. Mas allá de eso, se forjó en la cima del nivel mediático que propiamente provocó junto a otros artistas. Dicho trabajo cambio mucho el sonido de la banda en su calidad, es decir, estuvo intencionalmente sometido a un sonido lo-fi de comienzo a fin con una pobre fidelidad con el fin de crear una atmósfera aún mas oscura que sus anteriores trabajos. 

Peaceville Records

Black Metal

Mejores Canciones: Transilvanian Hunger, Over Fjell Og Gjennom Torner, Slottet I Det Fjerne, As Flittermice as Satans Spys.

Mi Calificación: 4 / 5 Estrellas

 Sinceramente, ni imagino que Fenriz y Nocturno Culto, los únicos dos integrantes activos en este album, se preocuparan demasiado en, como el lo-fi y la estética mucho mas de culto de este álbum en comparación a los anteriores, impactaría en los fans y los seguidores del movimiento del Black Metal Noruego, es decir, veo a este trabajo como un intento de crear algo mucho mas siniestro pero con menos frutos o menos técnica y complejidad a lo que venían haciendo hasta el momento, y si, los riffs son totalmente repetitivos pero, y es un pero muy importante, se vuelve automáticamente adictivos. Transilvanian Hunger tiene el poder de hundirte consigo una vez que lo escuches, por mas que mucho no entiendas de que va el álbum, es una faceta que difiere en lo ya cotidiano en la banda. Sumergidos en una total oscuridad minimalista, es una oferta diferente. Sin embargo, la gran pasión y potencia de estos dos seres han descolocado la escena totalmente y han influenciado por mucho tiempo, seguramente hasta el día de hoy, a varios artistas del genero como también del Post-Metal gracias a su ambiente tan cauteloso.

El álbum se ejecuta como una inmediata consecuencia después de la muerte de Per Yngve Ohlin, cantante de Mayhem, siendo como un hecho casi colateral, mas que nada teniendo en referencia que la cancion homonima del album abarca el tema de su muerte. Cabe destacar que sus ultimas cuatro canciones estan escritas por Varg Vikernes de Burzum como para adornar este trabajo que cierra con la trilogia impia o trinidad impia, haciendo alusion a la santisima trinidad. El contenido lirico del trabajo no es poesia ni cerca, Vikernes ha de ser el mejor compositor comparandolo con Fenriz y aporta imagenes mas descriptivas y crueles describiendo de igual manera a la oscuridad, el bosque, el ser nordico, la violencia, la frialdad y la crueldad. Por lejos se resalta el amor al bosque, a los lugares reconditos desolados que nos hacen acordar a las tierras de donde proviene estos hombres.

Muchos riffs parecen ser similares como el de Transilvanian Hunger con Graven Takeheimens Saler, o con Slottet i det Fjerne que es tocado con mas agresividad. La voz de Nocturno Culto es mucho mas limpia a comparacion de otros casos, teniendo aun asi lo-fi consigo, y consigue mezclarla con las cuerdas resquebrajeantes de manera exitosa en todo momento del trabajo. Puedo destacar un guiño percusivo a Slayer en Over Fjell og Gjennom Torner que si se le presta solo un poco de atención es algo totalmente obvio.

He aquí un álbum de culto que se une a los trabajos mas mediáticos, mejores pensados y mas populares de la segunda ola del Black Metal, siendo también uno de los mas importantes, no apto para todo publico. 

 

Clipping - CLPPNG (2014)

 Clipping es un trio de Hip Hop Experimental oriundo de Los Ángeles formado a comienzo de la década pasada fusionando música experimental, collages de grabaciones y música noisy con el Hip Hop teniendo de vocalista a Daveed Diggs y a William Hutson y Jonathan Snipes como productores y encargados del sonido y arreglos en general, formando de por si un trío no tan comun tomando solo en cuenta los nombres y trabajos de cada uno. Debutan en el año 2013 con el mixtape digital Midcity y ya para el año 2014 lanzan su album debut con la discográfica Sub Pop en donde crean un material con varias similitudes al primero pero con un trato mucho mas crudo, frio y algo mucho mas denso. El álbum ha sido lanzado el 10 de Junio de 2014. 

Sub Pop

Experimental Hip Hop, Industrial Hip Hop, Abstract Hip Hop

Mejores Canciones: Body & Blood, Work Work, Ends

Mi Calificación: 3 / 5 Estrellas

Clipping no es un álbum muy dinámico y el problema real es que la idea de este trío, o por lo que me imagino, es que querían llegar a un nivel de dinamismo o versatilidad que todavía no podían explotar. Al presente de ellos me remito refiriéndome a esto, con el tiempo irían creciendo pero este álbum posee sampleos y momentos de mixing entre Diggs y la música que no combinan en lo absoluto y varias veces, las mejores canciones suelen contradecir este dicho debido a que no suele pasar en todo el trabajo. Canciones como Body and Blood y Ends tienen otro tipo de estilo, rozando el Avant-Garde, que te hacen creer que si todo el àlbum se hubiera producido de tal manera, sería un clásico moderno para el Hip Hop. Aùn asi, asombra el estilo que adquirió y que demuestra Clipping siendo un estilo altamente influenciado por el meteórico golpe de Death Grips en la escena de dichos subgéneros.

Se produce un obstáculo muy grande entre canciones como Summertime, Taking Off y Dream o el odioso Get Up, y el oyente que seguramente siempre va a desear que la canción y la producción de la misma se rompa a la mitad para comenzar con un climax o algo por el estilo. Estas estrategias y molduras de las canciones llevan a que el trabajo sea totalmente un montón de minutos con agresividad incesante o canciones que no transmiten lo suficiente. Sin embargo, la música experimental muchas veces ha sonado asi en defensa de lo que al trío respecta, a diferencia de que no suele aburrir tanto como por momentos lo hace CLPPNG. En cuanto a los MC colaboradores que se encuentran aquí como Cocc Pistol Cree, King T, Gangsta Boo, Mariel Jacoda, Guce, Tom Erbe que parece como si hubieran sido elegidos al azar, solo Boo ha de demostrar de donde vino y quien es marcando la diferencia amplia en los versos. 

Diggs encontrará la tecnica, como en Body & Blood, y los tiempos necesarios años despues que lo transformarían en un MC prolífero pero por el momento, el trío tuvo que esperar años para dar el golpe de gracia.

Conociendo Productores, Capitulo 3: Madlib

 Madlib

Otis Jackson Jr. mas conocido como Madlib (entre muchos otros seudónimos artísticos), nació el 24 de octubre de 1973.
Es multiinstrumentista y uno de los más reconocidos productores del hip-hop históricamente y a nivel mundial, como también posee una carrera artística como rapero.

 

 

 

 

 

 

A la izquierda, Freddie Gibbs, a la derecha, Madlib

 El artista nacido en Oakland comenzó su carrera en el año 1993 en
diversos grupos "under" del rap como Lootpack y Tha Alkaholiks. Deslumbró ante la crítica por primera vez en el año 2000 con su álbum The Unseen bajo el nombre de Quasimoto, un alter ego extraterrestre, momento en el cual aplicaba recursos de producción bastante peculiares con su voz aguda y en el cual aparece acreditado el mismo como productor
pero con el nombre de Madlib en producción, es decir, haciendo ambos labores con nombres diferentes en el mismo álbum.
Caracterizado por ser uno de los productores más experimentados en los samples y en la calidad de los que los mismos poseen, Madlib realizó varios trabajos sólidos y "sueltos" hasta el año 2003 donde lanza su primer álbum solista, Shades of Blue: Madlib Invades Blue Note, donde demuestra que también es uno de los que, hasta el momento, se enfocaba más en los recursos y samples de música afroamericana de los años cincuenta a los ochenta siendo su colaborador esta vez la dicográfica con el mismo nombre, Blue Note Records, quienes le brindaron al productor todas las pistas de jazz para la creación y mixing del álbum elaborando una odisea jazzera que dejaría mal parado a cualquier productor del momento. Quizás luego de esto, vino su magnum opus, hacer sociedad y dúo con el joven del momento en el género urbano, MF DOOM. Ambos formaron el dúo Madvillain quienes en el año 2004 editarían hasta la fecha el álbum más importante en la historia de la cultura del sampleo y del hip-hop abstracto y experimental, Madvillainy. Apreciado hasta el dia de hoy por sus calidos cambios de ritmo, su impresionante producción y las barras graves, disonantes y serias brindadas por el Metal Face, logra consagrar definitivamente como esenciales a estos dos artistas.
El dinamismo y la versatilidad quedaron plasmadas en el curriculum de Madlib como virtudes al hacer las veces de productor para siempre durante los primeros años del nuevo milenio. Meses después, Otis produciría el álbum en solitario de MF DOOM, Mm.. Food, álbum el cual sostiene las ideas y reciclas de la joya del dúo formado meses antes, era el año ideal.
Durante los años siguientes seguiría produciendo bajo el nombre de Beat Konducta y Sound Directions manteniéndose en trabajos cortos como Eps y sencillos promocionales. El año 2008 volvería a ser un gran año para el en donde colabora en el álbum de Erykah Badu, New Amerykah Part One: 4th World War, y lanza un LP nuevamente instrumental bajo Beat Konducta. Colabora también en varias sesiones de música con Jay Electronica. Al año siguiente vuelve a ser el productor de Doom y trabaja para Mos Def.
Ya en la nueva década, vuelve a deslumbrar volviendo a su nivel mas fino y elitista. En el año 2011, forma con Freddie Gibbs un nuevo dúo, rara vez llamado MadGibbs. Dicho dúo lanzaría un EP por año hasta el año 2014 en donde lanzan Piñata, álbum que recopila estos tres Eps en un mismo trabajo y del cual se ha hablado maravillas. Madlib vuelve a trabajar con artillería pesada, con un rapero con voz grave, arrogante y desafiante que igualmente difiere de Doom en muchos aspectos pero se ha vuelto casi igual de bueno. Las producciones del Californiano ahora son más vistosas, crudas, agresivas pero igual de elegantes. En el 2019, el dúo lanza la tan esperada segunda parte, Bandana. Cabe destacar que en este proyecto en conjunto, la temática se ha vuelto diferente, las letras de Gibbs hablan de la violencia, los negocios, experiencias vividas y mucha cocaína.
En estos últimos años, también ha trabajado con artistas como Anderson. Paak en su virtuoso álbum Malibu, con Kanye West produciendo una de sus mejores canciones junto Kendrick Lamar, No More Parties in LA, y también con Ransom, MED y la última revelación de la escena, Westside Gunn juntando la experiencia con el futuro del género.

Selbst - Relatos de Angustia (2020)

Selbst es una banda de Black Metal formada en Venezuela el año 2010, actualmente radicada en Santiago de Chile. La banda ha de ser desde un primer momento una de las revelaciones de dicho género en la región conservando un perfil bajo pero una gran reputación en las comunidades de la internet. 

El 7 de Agosto de 2020 lanzó su segundo álbum de larga duración, Relatos de Angustia, grabado mitad en Chile y mitad en Madrid, España. La realidad es que la banda se compone del multinstrumentista "N" o "N. Onfray" junto al baterista de sesión quien se hace llamar JPC grabando la batería por separado del resto, incluida la voz, que se ocupa N. A pesar de esto, JPC es un baterista acreditado, es decir, de sesión.

Debemur Morti Productions

Black Metal, Depressive Black Metal

Mejores Canciones: The Depths of Selfishness, Silent Soul Throes, The Weight of Breathing

Sculpting The Dirtiness of Its Existence

Mi Calificación: 4 / 5 Estrellas

Honestamente me he encontrado con una de las joyas ocultas del 2020, de esas que cuesta encontrarlas debido a la poca popularidad de este proyecto y al gran alcance influyente que puede llegar a mostrar dentro del género en estos años y mas que nada en la región de Latinoamérica.

Selbst adapta los sonidos del Black Metal del centro de Europa de bandas como Behemoth, Deathspell Omega y MGLA haciendo un gran uso de las técnicas bestiales que estos referentes utilizan mostrando pasajes sonoros tranquilos con la voz épica de N que parece desgarrarse de fondo como también momentos de clímax total en donde el sonido de las cuerdas arrasan con todo el pensamiento y toda la reflexión de las grandes letras que también contiene este materiales, momentos en los cuales se asemejan más a la banda francesa.

Varias cosas han de sorprender al momento de analizar el álbum varias veces y es que, al no saber nada de dicho multinstrumentista anteriormente, sorprende más esa primera impresión en la cual te encontras con varios atributos a favor como por ejemplo, los cambios disonantes de guitarra, la introducción que pone directamente la escucha en suspenso desde el primer segundo, la producción limpia que permite apreciar cada cuerda y hasta los blast beats suenan con claridad punto a favor que muchos proyectos del género a veces hacen saturar los oídos. Además, los cambios abruptos de las canciones están muy bien pensados como Deafening Wailing of The Desperates Ones cuando se le agrega un riff violento y corto con la segunda guitarra, el cambio rotundo que tiene en el medio Silent Soul Throes consagrándose como el mejor momento musical del álbum y por otro lado también puede ser mencionado el final de la última canción que parece hacer honor a su nombre, Let The Pain Run Through.

Por otro lado, las letras en su mayoría abarcan contextos apocalípticos siendo la mayoría de ellos ubicados en un inframundo en el cual se habla de dolor, desesperación, arrepentimiento y muerte. Posiblemente estas letras no traigan nada nuevo pero por partes, el álbum se vuelve un poco más íntimo y personal sin hacer referencias al sufrimiento en general ni a algo apocalíptico sino que a un enclave personal, a dolencias causadas por lo social poniendo en juego a la depresión y haciéndola protagonista por momentos.

Relatos de Angustia es un álbum que le escapa a la tan presente monotonía caótica que a veces desluce las canciones de este género con ingeniosos riff y una gran producción que logra que las canciones encajen perfectamente unas con las otras. Gran evidencia del poder latinoamericano haciendo referencia a varios genios natos del ámbito. 

Oneohtrix Point Never - Magic Oneohtrix Point Never (2020)

 Oneohtrix Point Never es el proyecto de Electrónica Progresiva y Experimental del artista Daniel Lopatin. Conocido también por interpretar y producir soundtracks de películas aclamadas por la crítica y por ser uno de los productores "de culto" más destacados de la actualidad. En esta oportunidad, nos trae Magic Oneohtrix Point Never, su decimosegundo álbum de estudio bajo este alias y sin contar los álbumes colaborativos con otros artistas, es decir, también es un productor ya con una larga trayectoria, la cual es ampliamente reconocida. El álbum ha sido lanzado el 30 de Octubre de 2020 y tiene un remix de la canción Lost But Never Alone como único sencillo.

Warp Records

Progressive Electronic, Neo-Psychedelia, Sound Collage, Ambient,

Mi Calificación: 3 / 5

Mejores Canciones: Long Road Home, I Don't Love Me Anymore, Lost But Never Alone

Magic Oneohtrix Point Never es un álbum un tanto enigmático. Es un álbum conceptual en el que rige la temática de la evolución y crecimiento de los seres humanos con las visiones a futuros y sueños rotos del pasado tratando de desentrañar el cambio y pensamiento de los mismos. Asimismo, el álbum posee diferentes pistas en las que las canciones son demostraciones de segundos de radio al aire hablando acerca de lo recién mencionado. Este concepto el señor Lopatin lo hizo propio para el álbum en consecuencia al presente en el que se vive y por su amor a la radio, es decir, quiso dejar reflejado la radio como un objeto de unión entre las personas, en medio de una pandemia que aisló a casi todas las sociedades del mundo. Su gran amor por la radio llevó a que el álbum se pueda convertir en una paleta de diversos género que conviven dentro de un mismo proyecto sin perder un hilo en común.

Magic tiene el agrado de presentar colaboradores como The Weeknd, Carolina Polachek y Arca entre los más destacados. Teniendo en cuenta que el álbum posee un gran "staff" de artistas que se destacan por contribuir de manera significante a la música actual, no veo alguna correlación entre sus colaboraciones para transformar esto en un proyecto trascendental. Las apariciones de The Weeknd y Arca, altamente modificadas a nivel vocal por sintetizadores, son de alguna manera muy forzosas y artificiales. Si bien Magic puede parecer algo así como una utopía tecnológica, las apariciones de dichas personalidades no han de destacarse.

Si es que la intención de Lopatin fue revivir gran parte del Synthpop de hace casi cuarenta años en un viaje inmerso en psicodelia misteriosa, lo ha logrado. Gran parte del álbum esta inspirado en Synthpop y hasta en baladas y sonidos Post-Punk de los ochenta como lo podemos ver en I Don't Love Me Anymore y Lost But Never Alone, siendo esta última la mejor del álbum gracias a su entusiasmo, su producción, su desarrollo y su obvia trascendencia dentro de las pistas del trabajo. Cabe destacar también al moderno Chamber Pop de Long Road Home donde aparece Polachek mezclando una visión clásica de la canción con sintetizadores minimalistas del hoy.

Gracias a estos grandes momentos que posee Magic, no se convierte en un trabajo denso y/o monótono debido a que los cortes de radio que aparecen junto a canciones como Bow Ecco, The Whether Channel y Shifting, lo vuelven aburrido. En realidad suele ser esto bastante irónico porque en dichas pistas es donde más se aprecia la Electrónica Progresiva característica del artista, pero aún así, Oneohtrix no ha llegado a ser esta vez lo que ha sabido ejecutar en muchas otras ocasiones cuando su sonido ha dependido en mayor medida del Vaporwave. A pesar de esto, es un álbum que se convierte en importante a la hora de analizar la soledad y las distancias. 

Thundercat - It Is What It Is (2020)

Thundercat es un artista que en los últimos años se ha redimido por completo en cuanto a su carrera musical se hable, es decir, ha pasado de integrar una banda de Metal como Suicidal Tendencies tocando el Bajo, a ser uno de los referentes mas grandes de la música Soul y Jazz, una evolución de carácter sorprendente si también contamos que también ha trabajado como productor musical y ha servido de gran influencia a otros géneros como el Pop y el Hip Hop. Literalmente esto no tiene nada de malo, aunque suene algo extraño y versátil como ha demostrado poder ser el artista de Los Ángeles abarcando varios géneros musicales tan distantes unos de los otros.

Este ingenioso artista llega al punto más alto de su carrera con su pacífico álbum It Is What It Is lanzado el 3 de Abril de 2020 y lanzando como sencillo las canciones Innerstellar Love, Dragonball Durag, King of The Hill y Fair Chance. 

Brainfeeder Records

Soul Psicodelico, Neo Soul, Jazz Fusión

Mejores Canciones: Innerstellar Love, Black Qualls, Funny Thing, Dragonball Durag, King of The Hill

Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas

El cuarto álbum de Thundercat no trae demasiadas sorpresas sino que por el contrario, el álbum sigue utilizando conceptos ya familiares en las canciones del artista como el amor, paisajes abstractos relacionados con el espacio y una temática de carácter muy meditativo y algo filosófico, pero de alguna manera logra combinar este conocido repertorio con la suave y cálida producción del álbum de principio a fin.

Nuestro anfitrión tiene invitados de lujo como Flying Lotus como productor, Kamasi Washington con su saxofón haciendo las veces de artista de sesión en canciones como Innerstellar Love y Black Qualls y el trío BADBADNOTGOOD en co-producción en King of The Hill, que es por lejos, la pista más destacada del álbum componiendo la que quizás sea la parte mas nocturna y serena del trabajo. Aparecen como colaboradores Steve Lacy, Steve Arrington, Childish Gambino, Lil B y Ty Dolla $ign entre otros, que igualmente se encargan de poner su esencia y vibra pero no llega ni por cerca a sentirse su presencia como la Thundercat.

El álbum esta fuertemente influenciado por la tragedia y el desamor teniendo así como en las mayorías de sus canciones, esperanza para que algo sólido se concrete a fin de cuentas, sin contar que en varios momentos puntuales, aparecen momentos cómicos que son algo triviales y deslucen el trabajo, como lo es en el caso de Dragonball Durag que podría haber sido mucha mejor canción de lo que ya se la aclama. Por otro lado, la soledad se siente cuando Bruner canta y por algo en especial, y es que el trabajo en gran medida se ve influenciado por la muerte de su cercano amigo Mac Miller. La canción Fair Chance habla sobre el y varias lineas en todo el álbum se pueden tomar como cierto doble sentido, posiblemente citando al rapero que nos dejó en Septiembre de 2018.

It Is What It Is ha sido un gran álbum teniendo a Black Qualls como su pista de baile candente, a Innerstellar Love como la introducción a las ideas abstractas de Thunder, Funny Thing y Overseas como las canciones amigables que mas abrazan el sonido Funk de antaño, Dragon Ball Durag como la estrella mediática en donde Bruner se luce en destreza vocal marcando una canción muy rítmica y a King of The Hill como la fruta del postre siendo una canción corta pero la mejor pensada gracias a la ayuda de los productores presente, marcando un ambiente oscuro y versos que hasta podrían etiquetarse como políticos. 

Thundercat sigue siendo uno de los artistas de esos que si querés que las cosas realmente salgan bien, lo tendrías que tener de productor o de colaborador. Stephen Bruner se sigue empeñando como una de las figuras más sobresalientes del Soul y Jazz de nuestros días. 

070 Shake - Modus Vivendi (2020)

 070 Shake es una cantante norteamericana de 23 años que salto a la fama no tan mediática gracias a sus colaboraciones en Ghost Town y Violent Crimes, ambas canciones de Kanye West en el álbum ye (2018) como también una pequeña colaboración con Pusha T en ese mismo año. En otras palabras, la misma integra el colectivo y discográfica G.O.O.D. Music y el grupo 070 donde varios artistas son denominados con ese número, tal y como son los ASAP. Siendo tan joven, es la más reconocida de dicho colectivo y la mas activa. El 17 de Enero de 2020 lanza su álbum debut, Modus Vivendi, en donde nos adentra en su utopía amorosa y melancólica. De dicho álbum se desprenden los sencillos Morrow, Guilty Conscience, Nice to Have y Under The Moon. 

Alternative R&B, Pop Rap, Synthpop

G.O.O.D Music

Mi Calificación: 3 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: Morrow, Microdosing, Under The Moon

Modus Vivendi es un álbum que se dedica de lleno a hablar sobre relaciones amorosas, en su mayoría intentos frustrados de una unión amorosa con arreglos ambientales y ornamentales de tintes futuristas con una producción bastante débil para lo que se pretende. Desde el minuto 0, Shake describe el trabajo de su álbum, la expresión "Modus Vivendi" es una locusión latina que significa un tratado de paz entre ambas partes, utilizado históricamente para conflictos bélicos, aquí se aplica para la paz mental de dos personas las cuales podrían encontrarse en una relación cíclica o tóxica. En Morrow, la cantante se la escucha bastante optimista en frente al retorno y la sanación de una pareja, mientras que en canciones como Guilty Conscience, Divorce y The Pines, se describe ya a una ruptura amorosa consumada, que por cierto la primera de estas se ve como la peor del álbum creando en mi un desequilibrio bastante desfavaroble para el mismo. Por otro lado, siguiendo a favor de la monogamia, Nice to Have ha de ser de las canciones más sutiles y dulces del álbum describiendo sentimientos mutuos y profundos en una pareja con una producción bastante más ambiental que el resto sintiéndose así bastante cálida. Acercándose al final nos encontramos con Under The Moon, una canción sorpendentemente bastante Pop y Daydreamin' con un contexto mucho más urbano siendo esta el enclave del Trap de tendencia dentro del álbum. Modus abre y cierra con los mismos sonidos ásperos de sintetizadores.

El contexto en el cual está interiorizado el álbum es sumamente interesante y la idea es ambiciosa pero lo que se queda corto es el poder de lucir dicha idea dentro de la producción, teniendo como resultado, una producción bastante relajante y aspirante a grandes sonidos. Sin embargo, llega a formarse ese Synthpop / R&B "futurista". Los puntos más interesantes en cuanto a esta producción melosa se pueden encontrar en Morrow, Rocketship y Microdosing. Shake juega vocalmente con esto formando una especie de voz andrógina y/o robótica en varios de los puntos del álbum sin deslucir su poder inicial como cantante. El álbum toma varias influencias como el Pop de la década de los ochenta, el trap vigente hoy en día, el Soul y el propio R&B más tradicional. 

Teniendo un grupo de ingenieros en sonido, productores y escritores destacados como los hay aquí, el logro de la artista pudo haber sido mucho mejor, no ha de ser un trabajo deslumbrante pero es aceptable para un debut en el mundo Pop. 

Sewerslvt - Draining Love Story (2020)

 Sewerslvt es una DJ underground e independiente australiana que viene presentando sus proyectos y su música desde el año 2017 a través de Bandcamp y Soundcloud entre otras plataformas de streaming, pero su contenido nunca ha golpeado tan contundentemente en el ambiente como el año pasado con su tercer album, Draining Love Story. Dicho esto, debemos reconocer que es una artista que no es conocida físicamente más allá de sus representación femenina en dibujos como se muestra en la portada de todos sus proyectos, incluyendo este. El álbum ha sido lanzado independientemente el 25 de Enero de 2020.

SWRLST

Atmospheric Drum and Bass, Breakbeat, Space Ambient

Mejores Canciones: Newlove, Yandere Complex, Ecifircas, Mr. Kill Myself, Down The Drain

Mi Calificación: 4 / 5 Estrellas

Draining Love Story es un álbum que guarda mucho valor, tiene mucho para ser un álbum de club, de fiesta y a la par es un álbum introspectivo y oscuro que no pretende ser para un paladar u oido muy generoso. En la poca lírica que guarda en si, Sewerslvt abarca temas como el amor, el suicidio, la depresión, el pasado, la alienación y la infelicidad. Si bien nos guiaríamos solo por sus letras, no podría ser designado un álbum de fiesta nunca a pesar de su ritmo típico de Drum and Bass, pero sus atractivos golpes, que suelen ser repetitivos, junto con la ambientación nocturna y espacial lo convierten en un trabajo totalmente interesante.

Newlove se convierte en uno de los sencillos mas identificativos de la artista y de los mas interesantes con su golpe más denso y ambiente más meditativo que el de la mayoría de las canciones. La velocidad la deja para canciones como Yandere Complex, la cual toma influencias obvias del Acid Trance; Ecifircas -al revés significa sacrificio en inglés- en donde se samplea un relato donde un hombre se queja del ritmo y monotonía de su vida en general con un ritmo totalmente siniestro en el climax de la canción, lo que la hace una de las mejores. 

Sin embargo, en el resto de las canciones mezcla la ambientación espacial y nocturna con la velocidad versátil del Drum and Bass. Swimming in His Cell, Mr. Kill Myself y Down The Drain componen esta segunda parte más psicodelica e introspectiva. Down The Drain, con su relato también sampleado, sirve como una especie de descarga y catarsis final en la que el protagonista habla de un pasado casi irreparable.

Seguramente llame mucho la atención este tipo de aclamaciones pero este álbum independiente puede convertirse en una de las escuchas mas atractivas del 2020, buena manera de canalizar sentimientos tan profundos con piezas dinámicas hasta bailables. 

Charli XCX - How I'm Feeling Now (2020)

 How I'm Feeling Now es el cuarto álbum de estudio de la artista Pop británica, Charli XCX. La misma establece aquí un Pop electrónico, adictivo y rítmico con el que describe su situación personal actual y su relación con la vida en cuarentena, en otras palabras, este álbum es un trabajo de pura cuarentena. El trabajo está producido por la misma Charli en acompañamiento y apoyo de BJ Burton, AG Cook, Dijon, Benjamin Keating y Dylan Brady (100 Gecs), todos productores del colectivo PC Music al que pertenece la cantante, tan distinguible por su gran aporte al nuevo Pop electrónico de hoy en dia como lo es el Bubblegum Bass y Glitch Pop entre otros estilos novedosos. El álbum ha sido publicado el 15 de Mayo de 2020 y del mismo se desprenden los sencillos Forever, Claws, Enemy y I Finally Understand.

Electropop, Glitch Pop, Bubblegum Bass

Atlantic Records

Mejores Canciones: Pink Diamond, Forever, Claws, 7 Years, Enemy, Visions

Mi Calificación: 4,5 / 5 

Charli hace ya varios años viene siendo una de las artistas femeninas más activas y no solo eso, sino que también de las que más aportaron a la evolución y crecimiento de la música Pop y Electropop en sí, es decir, se ha vuelto progresivamente una pieza fundamental de la música de hoy en día, y esta no sera ninguna excepción.

How I'm Feeling Now posiblemente tiene la tarea de aparentar ser un proyecto sencillo y paradójicamente tratarse de un encuentro cercano entre la música y ella misma en tiempos de distanciamiento, pero no es solo esto, sino que es una joya del Pop moderno con aspiraciones futuristas y contextualizada en la situación del presente. La cantante detalla como vivir relaciones a distancias, como se siente la soledad en la nueva modalidad de vida, una rutina apagada y el miedo al futuro incierto luego de la pandemia, aunque tratando de tapar esos miedos. El álbum no es ambicioso ni toma un carácter intelectual o muy vanguardista pero la producción de las canciones con sus golpes duros, oscuros y rítmicos, son totalmente favorables con el acompañamiento de un Charli sincera, transparente y solitaria. Hablemos de que en realidad, es un álbum íntimo, creado con el mismo espíritu y creatividad como si se fuese a trabajar con muchas personas y productores al mismo tiempo y en el mismo lugar pero desde el lugar mas íntimo del artista y en su casi completa soledad, compañía que juega un rol muy importante. Los factores sociales no jugaron ninguna contra para que Charli pueda elaborar el mejor álbum pop del año desde el patio de su casa desafiando a los estándares de musica de hoy en día, con poco siempre se pudo hacer mucho.

Los Highlights de How I'm Feeling Now son varios, entre ellos, Forever, la balada moderna con una increíble producción siendo el punto más íntimo y trascendente del álbum, Claws, una canción reprtitiva y adictiva que presenta una activa influencia de Sophie y 100 Gecs entre otros, 7 years haciendo brillar a Burton como productor, Anthems, como la canción de club que muestra que tan rutinaria se puede volver nuestro confinamiento en pandemia transmitiendo lo que mas de uno seguro sintió y Visions como el cierre épico e hipnótico de un álbum de club nocturno como también lo puede ser este.

Charli hoy sin duda lidera una forma de hacer Pop que puede atraer a amantes de otros géneros y mezclarse con estas canciones tan adictivas.