Queens of the Stone Age - ...Like Clockwork (2013)

 Si que fue un contexto importante e interesante en el que en aquel momento se encontraban las Queens of the Stone Age. 2013, año y situación bastante crítica para el Rock, quizás una materia musical de la cual de a poco se iban olvidando todos y si, hablo a nivel mainstream. A pesar de esto, el conjunto oriundo de Seattle, junto a otras bandas importantes del ambiente alternativo, como Arctic Monkeys, dicho año desenvainaron material que probablemente estiró la defunción protagonista del Rock, Pop Rock, Alternative Rock, como lo quieran citar a grandes rasgos. 

Con carrera sobrada y experiencia digna de ser presumida, nuestras reinas, el 3 de junio ya citado año, publican su sexto álbum de estudio y quizás su segundo “prime”. Estamos hablando del vampiresco …Like Clockwork, un trabajo con esfuerzo y detallismo para que el público moderno observe el legado nato del rock noventero y el sonido Grunge pesimista.

Alternative Rock, Hard Rock.

Matador Records.

Mi calificación: 4 / 5 Estrellas.

Mejores canciones: Keep Your Eyes Peeled; I Sat by the Ocean; If I Had a Tail; Fairweather Friends; Smooth Sailing; I Appear Missing.

Josh Homme aquí recibe para sus letras una inspiración tácita y sentimental más fuerte inclusive que la presente en Songs for the Deaf (2002), o sin apresurarnos, un nivel equitativo pero quizás más empático. Letras dolentes y sinceras en Kalopsia, situaciones agridulces y angustiantes en la mayoría de las pistas, introspectiva claramente pesimista en If I Had a Tail, semi teología con esperanza en My God is the Sun y un leve pero vigente dolor perteneciente a alguna situación del pasado se puede oír en Fairweather Friends.

A pesar de que la lírica puede sonar muy personal, absolutamente todo el ruido que produce este trabajo, se vuelve adictivo y admirable. Con tres bateristas en su elaboración, hablamos de Joey Castillo, Dave Grohl y Jon Theodore, …Like Clockwork, como si de un reloj cronométricamente perfecto se tratase, disfraza totalmente el cambio de mando en el puesto y se forma como un álbum rockero y a la vez moderno, de manera uniforme y atrapante.

Siendo hoy casi 15 años de este trabajo, aún sigue siendo una de las últimas obras importantes de las bandas ya consideradas “de la vieja escuela” y de los puntos más importantes en el Rock Alternativo. Josh Homme, con años de trayectoria y esfuerzo constante, logra convertirse en un letrista muy interesante y a pesar de todos los obstáculos, logra un nuevo clímax musical junto al resto de las reinas y los artistas invitados. Que si, es que aparece Trent Reznor también, o no se los dije?

A fin de cuentas, las reinas antiguas se logran diferenciar de a poco con el resto del Rock esparcido en dicho año, debido a que conjugaron un álbum atrapante y dinámico sin perder la auténtica esencia de la vieja escuela. Golpes de gracia en If I Had a Tail con cambios de ritmos junto a canciones como Kalopsia como una balada y I Appear Missing como un cierre épico y certero, logran componer un álbum enteramente atrapante y casi atemporal a lo que el Rock de ese momento nos estaba brindando.

Pequeña reformulación, estamos ante un trabajo de raíces tradicionales, en tiempos donde los sonidos mas sutiles reinaban en el Indie Rock. Ni revolucionario ni demasiado influyente al futuro, Queens of the Stone Age mostraron lo que aún eran capaz de hacer y componer. 

Future - Monster (2014)

 Como si de un artista casi atemporal del Siglo XXI  y comercialmente exitoso se tratase; como Drake supongamos; Future es uno de los raperos de Atlanta que, desde su inicio como artista, hasta el día de hoy, prácticamente elabora un hit radial por año. Desinteresadamente, mucha gente alrededor del mundo reconoce por lo menos una canción de él. Este fenómeno, hace un poco menos de diez años, veía la luz gracias a adictivos sencillos colocados en la lista Billboard. Entre esas canciones vacías, se camufló inocentemente su más profundo trabajo y mixtape, Monster, lanzado el 28 de octubre de 2014.

Trap

Epic Records

Mi Calificación: 4 / 5 Estrellas.

Mejores canciones: Monster, Throw Away, After That, 2 Pac, Hardly, Codeine Crazy.

Mientras el artista, bautizado por nacimiento como Nayvadius Wilburn, transcurría la ruptura amorosa con su pareja de ese entonces, Ciara, a su vez dejaba lo mejor que tenía en el estudio cada vez que iba a componer. A diferencia de la mayoría de sus trabajos banales, triviales, hedonistas o desafiantes que habría elaborado anteriormente, en Monster, Future decidió por primera vez contar como se sentía y desarrollar un trabajo con una temática mucho más introspectiva y reflexiva. Sumemos a esto, los productores como Metro Boomin,Southside y Nard & B entre otros, en un momento de inspiración y flexibilidad bastante favorable.

Luego de estar disfrutando su fama y gran reputación monetaria por unos seis o cinco años, a Future le llega un momento crítico en su vida, la separación con su prometida Ciara. Es en este año en donde el rapero decide plasmarlo en su mixtape y contar un poco lo que sucede por su mente. Monster es muy diferente a sus trabajos sin brillo, repetitivos, ominosos y bruscos que ya había grabado en el comienzo de su carrera. Todo artista tiene su punto de inflexión, y para Nayvadius fue este. Momento citado, el cual, se convirtió al día de hoy en uno de los trabajos más significativos e importantes en el Trap americano. Monster es un momento increíble de lucidez en donde artista y productores se complementan para brillar de una vez por todas. Es decir, las asociaciones de aquí, ya las hemos escuchado y en el futuro inclusive no harían casi nada interesante, es decir, es un destello atónito pero muy apreciable del artista.

La canción homónima del álbum, el artista tiene en cuenta la maldad  que puede tener de manera totalmente vulgar y sexista pero de manera inmediata solo para tratar de apaciguar los reales problemas que se presentan en Throw Away, como una oda de descargo terrible que se diferencia de toda su carrera y Codeine Crazy que trata de simbolizar su caída más profunda en adicciones y mala vida. Esta última inclusive, se asemeja en varios puntos a Hardly, canción en donde detalla el dolor que siente internamente.

Da igual si anterior a este trabajo las canciones de Future solo connotan un falso o incluso simbólico triunfo, tanto económico como social. Lo importante es que, quizás por primera vez en su carrera, y no última, nos encontramos con un álbum que contiene una trama, contiene un guion y contiene un concepto definitivo y significante. Su sonido instrumental, meritoriamente, también se diferencia del resto. En el viaje encontramos bases rítmicas, misteriosas, oscuras y dinámicas. Future Hendrix comenzó a ser tenido en cuenta por el mundo crítico luego de Monster y, por supuesto, es una acción totalmente justa luego de retratar por primera vez un hecho sentimental comprobable en su carrera. 

Sufjan Stevens - Carrie & Lowell (2015)

Carrie & Lowell es el séptimo álbum de estudio del cantautor estadounidense Sufjan Stevens, artista multiinstrumentista que supo adueñarse del cariño de la crítica y sus oyentes gracias a múltiples trabajos conceptuales y profundos durante la década de los 2000s. Siendo casi un artista de culto, llega en el año 2015 con su proyecto más personal e intimo de su carrera, el álbum en cuestión. El trabajo que lleva el nombre de su madre y su padre, está enteramente dedicado a su madre que murió de cáncer en el año 2012, siendo así, un álbum conceptual que retrata el dolor, el conflicto y la relación que tuvo con su progenitora. Esta hermosa muestra de amor fue lanzada el 31 de Marzo de 2015.

Indie Folk, Singer-Songwriter.

Asthmatic Kitty. 

Mi Calificación: 4,5 / 5 Estrellas.

Mejores Canciones:

Death With Dignity, Should Have Known Better, All of Me Wants All of You, Fourth of July, Carrie & Lowell, Blue Bucket of Gold.

 

 

  Claro quedo en el álbum, su infancia y sus dolencias a temprana edad al nombrar varios aspectos de Oregon, estado de Estados Unidos, en el que se crio pero que ya no frecuentaba. A lo largo del trabajo, sentencia varias situaciones en aquel lugar, a pesar de que su madre no fue del todo presente en su niñez. Al parecer, la protagonista de esta historia lo habría abandonado de muy joven.

Sin necesidad de adentrarse más en lo personal, queda claro que las melodías agridulces que llenan el proyecto son totalmente chocantes y llegaderas. Sufjan ha sabido como retratar el dolor añejo en canciones hermosas y suaves que hacen de Carrie & Lowell uno de los álbumes más conmovedores que he escuchado.

 

Junto a Illinois (2005), se convierte en su trabajo más popular, y a pesar de esto, no pierde por nada su esencia. La producción suave e intima, los arpegios, su voz rasposa y la producción detallada y puntual de Doveman junto al artista, crean una atmosfera penetrante y totalmente conmovedora. Los acordes de Should Have Known Better, el solo de guitarra de All of Me Wants All of You que quiebra a cualquiera en dos, Fourth of July en su totalidad, la canción homónima como inflexión pintoresca con influencia Country gracias a un cálido banjo y la devolución cristiana en John My Beloved constituyen los momentos más apreciables en el álbum.

 

Totalmente destacable la habilidad y la gran sutileza que posee Sufjan para relatar situaciones dolorosas y devastadoras convirtiendo algo tétrico en algo conmovedor como lo logra en Fourth of July. Canción que relata textualmente la ultima conversación que sostuvo con su madre en vida. Podríamos decir que cualquiera podría escribir una canción del asunto pero pocos que la hagan llegar al oyente como el aquí. Dicho momento, junto a All of Me Wants All of You, se convierte en el pico máximo del trabajo y quizás de su carrera.

 

Carrie & Lowell quizás nos demuestra que tan importante puede ser la manera en que se relate y se produzca un evento conmovedor para plasmarlo en una canción. Stevens, en ese momento y actualmente, es uno de los mejores letristas del mundo de la música y esta vez, por desgracia, tuvo que relatar algo totalmente devastador.  

Beach House - Depression Cherry (2015)

 Depression Cherry es el quinto álbum de estudio del dúo estadounidense de Dream Pop, Beach House. Lanzado el 28 de Agosto de 2015, se jacta de ser uno de los trabajos más conmovedores e impactantes del género en los últimos años. Luego de dos proyectos muy exitosos a nivel crítico, Teen Dream (2010) y Bloom (2012), Victoria Legrand y Alex Scally estarían dispuestos a cambiar un poco el estilo que los llevo al reconocimiento. Reconocidos como dos de los artistas más interesantes de la década pasada, la dupla de Baltimore no defraudaría nuevamente y trajeron consigo, para variar, unas hermosas baladas melosas con semejanza a su sonido original.

 Dream Pop.

Sub Pop Records.

Mi calificación: 4,5 / 5 Estrellas

Mejores canciones: Levitation, Sparks, Space Song, PPP, Wildflower, Bluebird.

Lidiando con el pronto estigma de que, su predecesor seria descrito como el “prime” de los músicos, nuestro álbum en cuestión, siento que fue por mucho tiempo infravalorado injustamente. Aquí se crea un quiebre importante en la trayectoria de Beach House. Estaban en problemas, se les acababan las ideas y estuvieron en varias oportunidades en descontento con la rítmica y percusión de sus últimos trabajos. La solución a esto fue volver un poco al aumento del Synth y desuso de batería, es decir, utilizar un poco la influencia del sonido inicial.

 

Nuestro vinilo de terciopelo rojo, no tiene nada que envidiarle a lo metódico y excelente nivel con el que se venían manejando. Enunciándose con un titulo pesimista, detrás de dicho nombre se encuentra sin duda las performances más destacadas de Alex y varias de las letras más hermosas que la señorita Legrand haya escrito en su carrera. La producción es etérea e hipnótica, desde la outro de Levitation, pasando por el comienzo de Sparks, con Space Song en su totalidad y la intro misteriosa de Wildflower, dejan como evidencia los mejores momentos producidos del álbum con un sonido meloso que acompaña al contralto de la primera dama quien nos detalla vivencias amorosas chocantes.

 Este trabajo podría ser descrito como la madurez de las ideas originarias del dúo, es decir, a lo que apuntaban realmente pero esta vez con mucha más experiencia. Dicho atributo está plasmado en cada canción equiparando el trabajo y haciéndolo totalmente intrigante. Sin embargo, PPP rompe cualquier barrera y se posiciona como la pieza representativa de todas las canciones de amor de la década pasada. Victoria hablándole al oyente, casi susurrándole, entre verso y verso de forma seductora e intimidante si estamos listos para amar (si, al estilo Lana del Rey), y el solo terriblemente conmovedor de Alex forman una de las canciones más penetrantes que he escuchado.

 Depression Cherry ha ido contra la corriente y posicionándose cabeza a cabeza con Bloom para definir cuál es el trabajo más destacado de este dúo de Baltimore. Asimismo, es una pieza significante para el movimiento del resurgir del Shoegaze gracias a las influencias que posee del mismo. No solo es Space Song, que de por si es un himno al amor, sino que este trabajo ha demostrado ser un relato de despedidas, encuentros y rupturas contado de la manera mas dulce posible.