The Weeknd - Kiss land (2013)

Luego de la trilogía de EPs publicada en el año 2011 con la discográfica Republic, la primera discográfica que vio potencial en The Weeknd como cantante Pop, el artista canadiense se plantearía el desafío de su primer álbum de estudio con la misma discográfica. Este álbum, igual que el House of Baloons, el primer EP de la trilogía introductoria ya mencionada, se enfocaría en ciertos aspectos atmosféricos y detallistas en el ambiente sonoro del álbum pero no llegando a dar la misma impresión como lo ha echo en un principio aunque tal vez, Kiss Land muestra una superioridad del poder dramático. El álbum ha sido lanzado el 10 de Septiembre de 2013.

Alternative R&B, Darkwave
Republic Records

Mi Calificación: 2,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Love In The Sky, Wanderlust, Tears in The Rain

Kiss Land es un álbum del que realmente puedo decir que me siento arrepentido al respecto. La ambientación y la repetición constante de las canciones melosas de Abel Tesfaye se ven muy diferentes al material prometedor que venía mostrándonos anteriormente. El paso en falso de Kiss Land por lo menos hizo que su visión pop dramática se enfoque en un ámbito oscuro dentro de la ambientación de las pistas, es decir, se intensificó esta característica con un gran pero, son ambientaciones demasiadas densas menos en excepciones como Wanderlust y Tears in The Rain.

La producción esta a cargo a no mas de un puñado de productores como Daheala, Harry Fraud, Dannyboystyles, silky Johnson y el mismo.

La repetición de algunos patrones y la poca proliferación de las letras y aspectos poco variables en las canciones hicieron que me provoque cierta desilución. Hay que destacar que es un álbum Pop con un perfil un poco bajo, todos sabemos que el real The Weeknd no estalló hasta con su primer single N°1, sin embargo, al dia de la fecha puedo decir que esto es una maqueta incompleta de la experimentación que esta sufriendo el artista hoy en dia en el año 2020.

Fuera de eso y analizando independientemente un trabajo de otro dentro de su discografía, se trata de un trabajo muy estructurado y rígido en donde las bases no son del todo creativas y respetan siempre un orden acompañando a los versos de amor del cantante canadiense. Las letras de amor que nos proporciona el cantante son más que nada lastimosas, muchas veces el cantante recuerda amoríos pasados y los glorifica como también los condena enjuiciando sus actos.

Wanderlust y Tears of The Rain han sido un éxito en contraste a lo genérico que se escucha el resto del álbum. Wanderlust es más Pop, más completa y "llena" en donde nos da una pista de como será el futuro de las ideas de Tesfaye o por lo menos, hoy en día podemos ver que son registros primitivos de R&B que lo llevó al éxito. En cuanto a Tears of Rain, esta canción sigue teniendo el suspenso casi ficticio que presenta el álbum, digo casi ficticio porque se ve como un intento. Aún así, la conjetura del artista presenta una canción moderna y Pop en contraste con una ambientación oscura, contrarrestando aquellas canciones en donde ambos atributos se observaban densos.

Kiss Land ha de presentar un esfuerzo experimental por parte de un joven músico que se decidiría por sus instintos Pop ante sus atributos Darkwave que parecen ser un poco más desluciente y genérico. 

El Origen del Heavy Metal

El origen del Heavy Metal data de finales de los años sesenta y el comienzo de la década de los años setenta en un margen entre el límite de ambas principalmente en la región del Reino Unido. Muchas fuentes declaran a Black Sabbath como la banda más influyente de todos los tiempos en este género gracias a los álbumes promocionados en ese tiempo (Black Sabbath y Paranoid, ambos editados en 1970), la estructura de sus canciones y por úlitmo pero no menos importantes, el contenido de sus letras que abarcaban temas como la brujería, el terror y la ciencia ficción en forma también de suspenso y terror. Pero a pesar de eso, hubieron otras bandas que influenciaron en la progresión, nacimiento y desarrollo de este género como Blue Cheer, Deep Purple y Led Zeppelin que venían trabajando un sonido similar, meses antes que la banda de Birmingham.

Los origenes influyentes del Heavy Metal vienen del ya establecido Rock de moda a nivel mundial instalado en la década de los sesenta en plena ebullición musical y revolución social, es decir, el Hard Rock como también el Rock Psicodélico y tergiversando también en menor medida, los recursos del Blues Rock. Estas tres vertientes fueron la que dieron paso a las bandas ya mencionadas para que den el primer salto y el primer trabajo de cada uno a lo que se llamaría Heavy Metal. 

El caso de Led Zeppelin es altamente discutible porque ellos han sido señalados como una banda que supo utilizar otro tipo de acordes en el Rock que no se habían utilizado nunca antes en el Rock Psicodélico ni en el Blues Rock y daba un aspecto vanguardista e innovador dentro de la música. Además, estos acordes eran de sonidos oscuros, distorsionados y densos (Dazed and Confused, How Many More Times, Good Times Bad Times) que también causaba algún que otro tipo de revuelo en el oyente pero no lo suficiente comparado a lo que se venía con el ya mencionado trabajo de Black Sabbath. Cabe agregar que en el género, el bajo y la batería presentan ritmos mas densos de lo habitual y la voz de la canción en los momentos de clímax suele ser aguda. No puede ser tan exacto determinar donde comenzó, pero si es fácil ver quienes fueron las bandas que estuvieron dispuestas a mostrar algo innovador y quienes modificarían ese sonido y tomarían ese estilo por el resto de su carrera. Como prueba primitiva del Heavy Metal podemos escuchar Helter Skelter de The Beatles grabada en 1969 o Summertime Blues de The Who en vivo en Woodstock también en 1969.

El origen de la nomenclatura no esta bien claro, hay varias versiones. Algunas versiones atribuyen el origen del término Heavy Metal a la novela de William Burroughs, The Soft Machine, en donde el protagonista lo apodaban The Heavy Metal Kid, otros atribuyen el término a la banda Steppenwolf en su tema más conocido "Born to Be Wild" en una estrofa donde el cantante nombra - "Heavy Metal Thunder" o simplemente se pudo adaptar este término con las características de la misma música, un sonido mas grave y "pesado".

Una vez que el género toma forma en el momento ya mencionado, su influencia con el pasar de los años durante la década de los años 1970s, se extendió por todo el mundo y paso a ser uno de los estilos y géneros de música más escuchados, vendidos y recomendados en todo el mundo. En Estados Unidos podemos encontrar a Kiss como uno de los primeros influyentes en dicho territorio, en Alemania podemos encontrar a Scorpion y Helloween y en Australia podemos apreciar a AC/DC como los primeros destinados a hacer Metal en el hemisferio Oriental.

A fines de los años setenta ya comienzan a aparecer los primeros subgéneros como el Glam Metal y el Thrash Metal con alta popularidad entre los jovenes, este último teniendo como influencia la agresividad y la velocidad del Punk.

David Bowie - The Next Day (2013)

Para el año 2003, David Bowie publicaba su vigésimo tercer álbum de estudio y decidió tomarse un descanso bastante largo sin anuncio de retiro aún, hasta que 10 años después, en el año 2013, volvería con una propuesta superadora a todas las ideas remotas que venía tomando y mezclando desde principio de los ochenta, momento en donde la carrera del artista se ha vuelto algo sinuosa y cambiante. Esta propuesta resultó ser The Next Day, un álbum regreso de una superestrella del Rock y el Pop que cerraría esta etapa confusa de Bowie para centrarlo en un nuevo contexto.
El álbum ha sido publicado el 11 de Marzo de 2013 y ha sido producido por el mismo Bowie junto a Toni Visconti.

Art Rock
ISO Media

Mejores Canciones: The Next Day, Dirty Boys, Where Are We Now?, Valentine's Day.
Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas.

"Aquí estoy, no del todo muriendo"- exclama Bowie en el coro de The Next Day, la canción de apertura y la principal del álbum marcando un renacimiento en la carrera del artista o hasta en el momento de ese año se pensaba eso y es que no fue un pensamiento tan errático, sino que ese renacimiento se formaría en un gran broche de oro que le daría en su carrera el artista inglés con el complemento de este álbum y de Blackstar (2016). Es realmente necesario aclarar que The Next Day ha sido uno de los álbumes más completos de los conocidos "albumes de regreso" de gigantes estrellas de la música que años después de su retiro no declarado, vuelven al estudio, comparándose así con Black Sabbath entre los que más han destacado en esta jugada.

The Next Day es un álbum muy disparejo y me atrevo a decir eso en nombre del artista debido a que aprecie mucho el álbum por su calidad sonora, sus pasajes creativos, su producción oscura y melancólica y su gran significado en la carrera del artista obviamente, pero el problema es cuando las ideas que pudo pulir de una vez por todas Bowie, luego de tres décadas, se mezclan con aquellas canciones que siguen emulando el sonido viejo del artista sin tener éxito alguno.

Algunas canciones como la misma The Next Day, Dirty Boys con su sonido un tanto americano y su coro sensato, The Stars (Are Out Tonight) con su magnifico solo y su teatralidad espacial, Love is Lost con su dramatismo imponente y Where Are We Now? con su progresión agridulce componen una primer parte exquisita donde se muestra al artista junto a su equipo sesionista en momentos de grandeza, de acertación poética y de un Rock simple y no repetitivo sino que se de un sonido que se siente fresco a pesar de que en esta oportunidad la originalidad de Bowie no le permitió recorrer el mapa de un género nuevo sino que prefirió reafirmar que es un artista creativo y puede hacerte escuchar pistas con toques vanguardistas sin perder la sencillez de solo ser una canción apta para todo oído.

Sin embargo, la segunda parte del álbum crea un contraste inminente. He de encontrar momentos en donde el artista ha vuelto a ser el como en Boss of Me y You Feel So Lonely You Could Die por momentos, pero la verdad más sólida es que canciones como If You Can See Me y I'd Rather Be High es un regreso a la etapa mas banal de la carrera del artista de Brixton. Estas vacilaciones que presenta el sonido del álbum no lo han dejado terminar de formar como una figura sólida de regreso pero a pesar de eso, y como hemos de estar informado la mayoría, este álbum sería el comienzo del fin de un artista que ha hecho un enorme broche de oro en su carrera y ha dejado miles de influencias en más de un género en especial.

The Next Day ha de ser un álbum agradable después de todo mostrando una cara completa de un artista que ha pasado por las críticas constructivas, destructivas y favorables que se ha mantenido por varios años como uno de los genios de la música con alguna que otra referencia (la portada) a sus mejores momentos como figura Pop.

El Origen de Grandes Bandas Capítulo 19: The Smiths

The Smiths fue una banda de Rock Alternativo y Jangle Pop del Reino Unido que tuvo su periodo de actividad en la década de los años ochenta. La misma es descripta por la crítica y los oyentes como una de las bandas más influyentes de todos los tiempos en la música Pop y Rock a pesar de su corta actividad de cinco años.
 La banda se formó en el año 1982 en la ciudad de Manchester, Inglaterra, co-fundada por Johnny Marr (guitarrista) y Steven Patrick Morrissey (voz) mas conocido solo por su apellido Morrissey.
Johnny quería elaborar un proyecto musical y sus amigos, involucrados en la escena del Rock y la música en general, le recomendaron que hable con Morrissey, descripto por algunos como un ambicioso y mal llevado compositor, persona con la que había que saber tratar. Morrissey era un gran consumidor de cultura, cine y literatura, una persona muy capaz a la hora de llevar la creatividad a una hoja.

Al momento de la fundación de la banda y el acuerdo de un proyecto musical en común entre ambos, Marr ya habría pasado por tres bandas diferentes de la ciudad mientras que Morrisey se encontraba en un momento delicado con su banda The Nosebleeds, la cual decide abandonar por completo al momento del acuerdo. En los primeros encuentros entre ambos, decidieron incluir a Simon Wolstencroft en batería y a Billy Duffy en bajo como prueba. Se dice que llegaron a grabar demos con esta formación pero lejos estaba esto de ser The Smiths. La asociación habría quedado forjada y Marr y Morrissey se encontraban, sin Duffy y Wolstencroft, integrantes para su asociación. Se les unen Dale Hibbert (bajo) por un puñado de sesiones hasta que sería reemplazado por el ya definitivo bajista Andy Rouke, conocido de Marr por trabajar con el en bandas anteriores como Paris Valentino. En la batería luego de cortas audiciones quedaría el cupo para Mike Joyce formando así la formación definitiva para The Smiths.
Comenzaron a ensayar y en poco tiempo consiguieron quien les eche el ojo, es decir, una discográfica. De principio se rumoreó que los contactó Factory Records (hogar de Joy Division) y que ellos prefirieron, a su estilo, una discográfica más modesta como Rough Trade Records. Al firmar con ellos comienzan con los primeros singles en el año 1983, año en el cual sería esencial para mostrar el mundo la esencia de la banda y el público al que convocaría, debido a que The Smiths siempre ha sido una banda muy política y con controversias mediáticas y públicas. El primer sencillo editado fue "Hand In Glove" el 13 de Mayo de 1983 seguido en ese mismo año por "This Charming Man" y "What Difference Does It Make?" que poco a poco irían elevando a la banda en el ranking de popularidad.
Como he dicho, Morrissey era un gran consumidor cultural y una persona muy egocentrista por ello, por eso en las portadas de los singles y los álbumes de los Smiths, se pueden ver fotogramas de actores y momentos del espectáculo de los que admiraba Morrissey. El primer álbum titulado de forma homónima, contiene en su portada al actor Joe Dallesandro en una escena de la película Flesh (1968). La banda ha sido acusada publicamente en reiteradas veces de insitar a la violencia y hasta le pedofilia pero Morrissey se retracta y aborrece todos estos actos de forma obviamente esperada.
La banda fue una gran influencia de lo que sería el Rock Alternativo de los noventa y quizás en menor medida del Indie Rock del nuevo milenio. Impulsó al Pop de guitarras un poco más a la cima tratando de combatir el sonido del Synthpop que se había puesto de moda en ese momento. El carisma de The Smiths fue siempre de tintes conservadores pero con una música excepcional. Morrissey y Marr formaron una dupla pocas veces vista en la música Rock.
La banda se separa en el año 1987 por diferencias entre los cuatro integrantes del grupo siendo Marr quien abandonara la banda y provocando la disolución de la misma.

Have a Nice Life - Sea of Worry (2019)

Have a Nice Life es un dúo canadiense de Post-Punk compuesto por Tim Macuga y Dan Barrett, dúo  que supo dar un gran impacto en la música alternativa desde el debut discográfico de la misma. Sea of Worry es el tercer álbum de la banda luego de los dos grandes trabajos que fueron Deathconsciousness (2008) y The Unnatural World (2012). Este álbum, como todo el proyecto de Have a Nice Life, tiene un trasfondo oscuro y algo pesimista, como también presenta un enclave personal en donde trata sobre las inquietudes del ser humano como la ansiedad, la fe, confianza y el amor. El álbum ha sido lanzado el 8 de noviembre de 2019 y ha marcado la vuelta de la banda luego de 7 años de ausencia.

Post-Punk, Ghotic Rock, Shoegaze, Post-Rock
The Flenser

Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Sea of Worry, Dracula Bells, Science Beat, Lord of Tresserhorn

Este trabajo se trata de un álbum con mucha reflexión introspectiva y algo dramática. Con una narración algo imaginativa y rebuscada, Have a Nice Life nos enseña oscuros pensamientos de comportamiento adulto en donde todo se justificaría por un libre albedrío. Reformulando, el álbum esta constantemente transmitiéndonos el mensaje de que la vida de un adulto con inquietudes no es nada fácil y esto se aborda en la mayoría de sus canciones y dejando a mi criterio que los escritores no se encontraban en una situación favorable al momento de la liberación de su ser al hacer dicho proyecto pero aún así, es una trama bastante tediosa y rara de abordar.

Intengrándonos en un concepto más musical, Sea of Worry esta hecho con una producción pesimista tratando de anclar diferentes recursos con el Rock y el Post-Punk. El dúo ha presentado aquí recursos como la ambientación típica del Shoegaze en Science Beat, nos ha proporcionado su idea acerca del Post-Rock en Everything We Forget y han de brillar en los momentos más rockeros del álbum como en la canción principal, en Trespassers W y en la increíble Dracula Bells. Esta última juega con las inquietudes de la fe y el ser de la persona, una canción bastante íntima, rítmica y adictiva. Sin embargo, el encuentro de canciones adictivas y rítmicas con algunos momentos ambientales algo densos, crean una acción contraproducente en la conclusión del álbum. La canción Lord of Tresserhorn mezcla toda la iniciativa del álbum en su sonido, teniendo una primer parte oscura y rockera seguida por un climax final con una expansión ambiental compuesta por la distorsión de sintetizadores.

 Los momentos más provechosos de la banda como artista experimental han quedado en el pasado.

Si bien no estamos ante un proyecto muy original por parte de este dúo, comparándolo por su pasado, Sea of Worry es una de las escuchas de Rock más completas de dicho año con mucha seguridad. 

Tame Impala - Lonerism (2012)

Lonerism es el segundo álbum de estudio de la banda Australiana de Rock Psicodélico, Tame Impala. El álbum presentó un cambio en varios sentido para la banda y para la interpretación de los oyentes. La banda, más que nada Kevin Parker que es el principal compositor y protagonista del proyecto fuera de los escenarios y presentaciones en vivo, pasaba a ser una banda revelación de Australia a ser un intérprete de gran aspiración y protagonismo de la década. El álbum recibió gran reconocimiento por parte de la crítica y los oyentes, el sonido del proyecto se diferenciaría del primer trabajo gracias a una producción más etérea, más intensiva y psicodélica reduciendo las canciones con bases más rítmica y generando más protagonismo de los sintetizadores.

El álbum ha sido lanzado 5 de Octubre de 2012.

Neo-Psicodelia, Pop Psicodélico, Rock Psicodélico

Modular Recordings

Mi Calificación: 4,5 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: Apocalypse Dreams, Music to Walk Home By, Feels Like We Only Go Backwards, Elephant

Lonerism es un proyecto revivalista con su idea de atraer de nuevo al oyente ese sonido experimental de finales de los sesenta, si, ese Rock Psicodélico, ese sonido ácido y Pop que hizo que la gente se volviese loca, en el buen sentido, por aquellos años. El trabajo prolifero del álbum se basa en notas familiares a este género como también un fuerte enfoque a la ambientación sintetizada en todo el álbum que, a propósito, a veces suena algo repetitiva y sin muchas variantes entre canción y canción pero eso vendría a ser lo de menos. Estos sonidos al ganar terreno, hicieron que el álbum goze de un sonido más pop y alegre en la mayoría de las canciones. Muchos podrán decir que el trabajo de Tame Impala se ha vuelto algo así como la adaptación del verdadero Rock Psicodélico a las nuevas generaciones siempre con un toque despectivo, pero Lonerism no es solo eso.

La gran disposición de Kevin Parker a la tecnología que acompaña el álbum ha hecho que su sonido se fortalezca y triunfe de manera muy creativa. Jay Watson, fue también uno de los grandes responsables del éxito del álbum y más puntualmente de las mejores canciones del mismo como lo son Apocalypse Dreams y el atónito Elephant (composición y piano en ambas).

El álbum comienza con Be Above It, una canción repetitiva que va marcando la ambientación creativa del álbum junto con el mensaje de que una persona no debería rendirse a pesar de las adversidades. A esto se le suma consecuentemente Ender Toi y la mencionada Apocalypse Dreams, el momento por excelencia en la discografía de Parker. Ambas canciones tratan algo bastante surrealista y codifican mensajes acerca del transcurso del tiempo y la vida como también el pasar de nuestros posibles sueños o diferentes versiones de nostros por delante nuestro. La segunda canción ha de ser una oda ascendente que llega a un clímax total en donde nos encontramos bañados por los sintetizadores con un final de guitarra exquisito. Siempre hay que ver los dos lados de un mismo trabajo y es que las canciones que en menor medida brillaron aqui han de ser Mind Mischief con un inquietante tributo a Magical Mystery Tour (EP) y Feels Like We Only Go Backwards que es para Parker la canción "mas Pop" que ha compuesto y que para mi representa una balada algo densa.

A grandes rasgos, no se encuentra mucha originalidad en el álbum pero la calidad de la interpretación de las canciones es algo realmente imponente. El sonido de la vieja escuela de la psicodelia ha renovado huella en nuestro siglo de manera indiscutible y en gran medida gracias a un álbum como este. Si algo está bien hecho, no pasará de moda.

Gucci Mane - Woptober II (2019)

Woptober II es el trigésimo álbum de estudio del rapero oriundo de Alabama, Gucci Mane, siendo así este también la secuela del álbum Woptober (2016) ambos lanzados obviamente en el mes de referencia del álbum. En esta oportunidad, uno de los referentes más grandes del género a nivel mundial, como lo es Gucci, le da la oportunidad a futuras estrellas del circuito a participar del álbum como lo son Youngboy NBA, Lil Baby y Dababy entre los menos experimentados mezclando así el nuevo flujo del rap con algunos más experimentados como Quavo, Takeoff y Yung Mal entre otros.
Si bien es un álbum con muchos colaboradores, doce para ser exactos, irónicamente, la estrella se luce cuando goza de su soledad en momentos más críticos y profundos.
El álbum ha sido lanzado el 18 de Octubre de 2019 y es el noveno álbum luego de que Mane halla salido de su etapa en prisión y uno de los más llamativos en este transcurso.

Trap
Atlantic Records/ Guwop Enterprises

Mi Calificación: 3 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Richer Than Errybody, Tootsies, Opps and Adversaries, Break Bread

Woptober II es uno de los esfuerzos más candentes de la etapa post-prisión de uno de los referentes más importantes del Trap. Gucci suena agresivo pero fresco y no saturado y lo más importante, no luce aburrido y mucho menos repetitivo como lo suele hacer en mucha de sus entregas. 

"Me siento como Obama cuando me muevo porque mantengo a mis soldados alrededor"- canta en Richer Than Errybody, una de las mejores lineas del álbum y de las más agresivas. A pesar de esto, la realidad del artista hoy es muy diferente a lo criminal que pueden soler ser sus acotes, igualmente, todo esto con el tiempo se ha vuelto mucho más metafórico y elocuentes que reales lo que puede ser algo fantasioso pero por lo menos algo mucho menos vergonzoso que un matón ostentoso.

Hay referencias claves a otros raperos aquí como a Lil Pump y una increíble comparación con Kanye West del cual no ha pasado por un gran año a nivel discográfico y Gucci aprovecha quizás de esto para comparar su estilo. Copiando o comparando estilo, el artista ha elaborado un álbum entretenido de una persona que ha sabido moldear el panorama del Trap en los últimos años siendo este uno de los sujetos más activos.

Sin embargo, es inevitable observar con detenimiento la torpeza que manejan algunas letras de Woptober II, letras que deslucen a las mejores canciones creando un contraste totalmente evitable. La producción es fina, repetitiva pero fresca y sin agresividad en su mayoría, esto lo encontraremos en las letras como es el caso de "Opps and Adversaries", "Highly Recommended" y "Break Bread" en donde el sincericidio de Gucci nos lleva a conocer un poco de su pasado, de su origen, de sus padres, de su aferro al éxito de forma fría y profesional en un contexto un poco más introspectivo. 

Sin duda alguna el álbum no ha de ser algo novedoso en el catálogo del artista, pero ha demostrado que sigue siendo una de las piezas claves de como, irónicamente, hacer y no hacer las cosas dentro del Trap. 

Rihanna - ANTI (2016)

Todo artista tiene una obra que lo identifica y que se convierte en la más popular o referente del mismo, es decir lo que se conoce como una "magnum opus", ya sea todo esto designado por el público, la crítica o por el mismo sentimiento del artista en cuestión. En este caso, la mayoría toma por unanimidad que con Rihanna es su último álbum, ANTI. Este álbum elevó la ya muy popular figura de Rihanna dando un cambio casi radical en la carrera de la misma donde pone en contexto una manera diferente de elaborar las canciones de R&B que venía presentando, este álbum ha de tener una mirada más compleja y moderna dentro del mismo género y también se nota evidentemente un abandono casi total del Electropop. ANTI ha sido lanzado el 28 de Enero de 2016.

Contemporary R&B, Alternative R&B, Pop Rap
Roc Nation

Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Kiss It Better, Desperado, Woo, Needed Me, Love on the Brain

Indiscutiblemente ANTI ha sido un cambio de perfil abrupto en el sentido musical, de producción y escrito en Rihanna. Esto no es música mainstream de club, la producción asciende en niveles dejando muy buen sabor de boca con ambientación prominente, desgarradora, nocturna y adictiva en muchos momentos, esto acompañando a, en su mayoría, las letras más íntimas de la artista centroamericana, íntimas en el sentido de que ha de tener una visión introspectiva mayor de lo que es capaz de hacer y de la manera en que plasma sus sentimientos en su vida día a día sin rencores.
Este álbum es, como muchos en esta década, un gran trabajo hecho por una decena de grandes productores, es decir, muchos de los proyectos que nos topamos hoy en día nos garantizan si o si grandes momentos musicales  y ANTI no es la excepción. A lo largo de las 13 canciones, Rihanna se descubre así misma y se describe en el juego del amor a veces triunfadora y otras veces cegada por el mismo. La performance vocal que adquiere en la mayoría de las canciones es altamente superior a cualquiera de sus registros, los ejemplos son la rítmica introducción "Consideration" con SZA en donde maneja los tiempos de una manera envidiable, también se encuentran "Kiss It Better" con unos densos y envidiables sintetizadores de fondo y por sobre todas, en cuanto a voz seguimos hablando, se encuentra la balada retro Doo-Wop, "Love on the Brain". Esta canción ha de ser todo un experimento Pop que ha salido a la perfección, revolviendo una forma de crear baladas en desuso llevándola a un punto estratégicamente atractiva.
En cuanto a términos de producción he de referirme, las gamas de sonido son variadas. La artista oriunda de Barbados ha completado el álbum con sintetizadores Pop de modo psicodélico y juguetones por momentos, beats secos y rítmicos, algunos banales y otros mucho más elegantes, y sobre todo lo que me ha llamado la atención es la presencia de los riffs de guitarra melancólicos que aparecen espontáneamente. En la creación de la misma aparecen grandes referentes como Travis Scott, DJ Mustard, Fred Ball y el más protagonista Kuk Harrell.
El álbum ha de tener sus descuidos, no todo fue perfecto para el mejor momento de la enamorada de Drake. Justamente, la canción en colaboración con el rapero canadiense, "Work" ha de ser una referencia sucia al sexo y totalmente inncesaria, un tema pegadizo que se convirtió en el "tema de la radio" por unos meses. "Higher" y "Close to You" han de callar al álbum en un esfuerzo de embellecer la tristeza de manera errónea pero es algo que no desluce todo el empeño que se ha puesto antes. La canción con Travis, "Woo", es totalmente básica y literalmente parece salida de "Days Before Rodeo", es decir, la esencia en la producción es muy evidente, más la pequeña performance del cantante de Atlanta; pero a pesar de dicha acusación quiero decir que me pareció muy adictiva, jugó como un punto neutro.
ANTI es un álbum pop glamoroso, sensible, revelador e íntimo pero más que nada, para ser designado como un álbum R&B y/o del Pop moderno de nuestros tiempos, es muy completo. Rihanna ha mostrado lo que literalmente nadie esperaba de ella, un proyecto que tenga su marca más prominente e influyente.

100 Gecs - 1000 Gecs (2019)

Para ponerlos en contexto, 100 Gecs es un dúo de música experimental electrónica estadounidense formado por Dylan Brady y Laura Les, dos jóvenes adolescentes fascinados por dicho género que, a mi parecer, llevarían en su proyecto musical, a la experimentación casi máxima de los géneros explorados pactados. 100 Gecs nació en el año 2015 y rápidamente en el país anglosajón, ganó popularidad dentro del under y por sobre todo en internet. El proyecto haría énfasis en subgéneros como el Noise, el Hip Hop Experimental, el Electropop, y el Emo Rap pero sobretodo teniendo en cada una de sus canciones, rasgos distintivos y rítmicos típicos de los géneros tan vigentes hoy en día en la internet como lo son el Bubblegum Bass y el Deconstructed Club.

Bubblegum Bass, Deconstructed Club, Emo Rap, Electropop
Dog Show

Mi Calificación: 2,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: 745 Sticky, 800db Cloud

1000 Gecs es un álbum muy dinámico y sorpresivo lleno de matices extravagantes y momentos sonoros rotundos sin explicación concreta, lo que no me da otra opción de poder explicar esto desde un punto de vista más abstracto y vanguardista para "encontrarle la vuelta" a un álbum tan cambiante como enfático.

El álbum basa su fuerte en el sonido electrónico asemejado con otros artistas de PC Music en donde los sintetizadores básicos y agudos ambientan el lugar jugando con el Bass típico de las canciones de Trap formando una especie de Trap más abstracto y no tan tradicional como pasa en el caso de 745 Sticky, Money Machine, 800 db Cloud, la terna que abre el álbum y en donde se encontrarían los mejores momentos del mismo. Otra cosa que tienen en común estas tres canciones es que comparten outros (parte final de la canción) que corrompen toda la estructura de la canción con momentos de Bass distorsionados y de metal extremo en el caso de 800db Cloud con voces desgarradoras ocupando el papel de este género pero recitando letras típicas de trap, un crossover inimaginable.

Pero esto no es todo lo que reúne el sonido del álbum sino que estos jóvenes, como he dicho, han decidido que el Bubblegum es lo que iba a predeterminar en esta obra casi surrealista y es que también aquí las voces de ambos juegan un papel primordial al momento de seleccionar la música y es que Laura y Dylan se asemejan mucho sus voces con la ayuda del autotune haciendo dificil su distinción gracias al efecto andrógino.

Ringtone podría decirse que puede ser la canción pop representante del álbum mostrando la cara buena y más tradicional del álbum, es decir, como presentación de los mismos, solo presentaría una pequeña pantalla de toda su música mostrando su parte más "limpia" y Pop

Estos dos jóvenes crearon una muestra de tipo collage que  nos refleja lo placentero que puede ser hacer música a tu manera sin seguir patrones ni pasos de nadie, algo así como un hobbie pero con mas profesión. Aunque 1000 Gecs intenten ser graciosos como por ejemplo en I Need Help Immediately o Stupid Horse. A mi mucho no me transmite pero es su manera de crear las pistas y de reflejar lo que sienten por la misma. Este trabajo se presenta como una corta fusión de los géneros que están marcando el esquema hoy en día.

Weyes Blood - Titanic Rising (2019)

Weyes Blood, el proyecto de la artista Natalie Mering, ha tenido el año pasado uno de los mejores años en cuanto a calidad y promoción dentro del circuito musical convirtiéndose en una de las revelaciones del año 2019. A comienzos de la década, el proyecto ha tenido un rumbo bastante diferente al que se ha tomado hoy por hoy. Weyes Blood basaba su esencia musical en lo que es el Folk y en diferentes de sus variantes, componiendo canciones oscuras, psicodélicas y melancólicas. Pero esto se vio revertido en este último tiempo en donde Natalie decidió incluir realmente la música Pop en su catálogo y desestructurar un poco el género protagonista hasta el momento, es aquí donde entra en escena Titanic Rising, justamente un levantamiento que vino a poner en su lugar a una artista que ha salido de géneros muy oscuros.

Art Pop, Pop Barroco, Dream Pop, Pop Psicodélico
Sub Pop Records

Mi Calificación: 4,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: A Lot's Gonna Change, Andromeda, Everyday, Movies, Mirror Forever

De Titanic Rising se desprenden los sencillos "Something to Believe", "Andromeda", "Everyday" y "Movies", en otras palabras, la mayoría de sus mejores canciones aquí y de su repertorio de canciones de su carrera entera podríamos decir.

El álbum se caracteriza por una ambientación e influencia Pop que la podríamos ubicar como el Pop tradicional y el Sunshine Pop de los años tardíos de los sesenta y comienzo de los setenta, más específicamente podemos encontrar similitudes increíbles con el sonido de Fleetwood Mac si se quiere, pero las comparaciones no siempre han servido como factor preponderante para definir un álbum, pero en este caso, nos ayuda a entender el cambio radical que dio Weyes Blood de presentar pistas Drone a presentar un burbujeante y acuático Pop confesionario que, a mi parecer, nos muestra a la verdadera Natalie que tardó en desarrollar una postura artística en cuanto al Pop. Las baladas son increíbles, el sonido y la producción semi psicodélica junto a los solitarios momentos que también se ven acompañados por instrumentos de cuerdas, forman un paraje sonoro adictivo y meloso, un álbum totalmente maduro y lleno de texturas por explorar en cuanto al sonido de este ya dicho género.

Los recursos utilizados en la producción junto con alguna de las más tristes canciones escritas por Natalie, han de convertir todo esto en una pieza íntima y adulta que convence al instante.

La esperanza, la desilusión, la tristeza, la fe, el cariño y la feminidad están plasmadas con pasión y con una voz que se adapta a las baladas en todo momento marcando las lineas hermosamente con algunos finales desgarradores en las mismas. A Lot's Gonna Change con una apertura con violines tenues y amenazantes, nos muestra la capacidad de amor que puede tener una mujer, Andromeda, que es la canción icónica del álbum y por lo tanto la que más se remite a estos temas abarcado, es una balada moderna y espacial que presenta la ilusión que tiene la mujer por encontrar su amor ideal en algo tan grande como lo es la galaxia de dicho nombre, otras canciones como Everyday y Wild Time, sirven para afirmar la gran dependencia setentera que muestra Titanic Rising.

Movies se ha convertido de mis favoritas con una base a cargo de sintetizadores que emulan un sonido oscuro y nocturno con la calma total de la cantante anhela con querer ser la estrella en todo este asunto. Algunas de las letras del álbum son muy tristes pero con un rayo de esperanza entre las mismas, es decir, se expresa con melancolía pero ni siquiera roza el cuadro de canciones depresivas.

El álbum es separado en dos partes por el instrumental de minuto y medio homónimo al nombre del álbum, momento en el cual se produce una pausa separando la primera parte mas enfática y completa a nivel producción con la segunda en donde se hunde totalmente en melancolía.

Si de algo estoy seguro es que Natalie nos ha dejado mas en claro de lo que es capaz. Una mujer que como muchas en esta parte de la historia de la música, prefierió explorar nuevos campos en la música con total éxito y ha dejado por asentado que es una de las compositoras mas hábiles hoy por hoy. Componer y producir (junto con Jonathan Rado) es una tarea que hacen pocos pero este trabajo es más que sólido en ambos factores. La voz de la cantante es canción a canción mejor aún, no se pierde ni por un momento la mística romántica propuesta en el principio. He de decir que ha sido una idea sorprendente el elegir la esperanza en el amor descrita en un camino espacial y desolado.