Opeth - Blackwater Park (2001)

 Blackwater Park es el quinto álbum de estudio de la banda sueca de Metal Progresivo, Opeth. Lanzado el 12 de Marzo de 2001, Blackwater es el punto cúlmine y el clímax de la banda gracias al nivel y destreza de todos sus integrantes que han de ser en ese momento, Åkerfeldt, como siempre a cargo de la voz, Peter Lindgren en guitarra, el uruguayo Martín Méndez en el bajo y Martín López en la batería. En muchos trabajos, quizás no es primordial detallar esto pero, al ser Opeth, una agrupación musical con tantos cambios, es esencial destacar quién se encontró a cargo del mejor trabajo que ha hecho.

Banda sueca que formó su base musical gracias a la influencia alternativa y folk, Opeth llega al equilibrio perfecto entre el sonido progresivo, el melódico y la influencia death, con un gran aporte del productor a cargo, Steven Wilson, frontman de la banda de Rock Progresivo, Porcupine Tree. Productor que aceptó en un periquete luego de escuchar una maqueta, trabajar con la banda de Escandinavia y ponerse la banda al hombro con la decisión de querer elaborar un clásico atemporal para el género.

 

Progressive Metal

Koch Records

 

Mi calificación: 4,5 / 5 Estrellas

Mejores canciones: The Leper Affinity, Harvest, The Drapery Falls,

Dirge for November, Blackwater Park.

Indudablemente aquí, perfeccionaron una idea que venían formulando en Still Life (1999), su anterior trabajo. Aún así, esto no se acerca para nada a este último acercamiento al estudio. Blackwater Park fue, es y será, una de las muestras más propicias e impactantes de la música voluntariamente progresiva, es decir, desde el minuto cero, todo este armonioso bullicio entre riffs melancólicos, percusiones alternas y pedales pretenciosos en conjunto con una hermosa poesía oscura y pesimista, han de lograr uno de los pocos hitos melódicos y sensibles en la historia del Metal. El jardín oscuro ha de ser digno de un clásico atemporal.

Si bien Steven Wilson afinó y casi perfeccionó las voces y la atmósfera del trabajo, el vocalista Mikael Åkerfeldt, se encontraba en su plenitud como cantante versátil y dinámico, en donde dominaba autoritariamente la voz melódica con la contraparte gutural mas que en cualquier otro trabajo de la banda. Mostrando su convincente y conmovedora parte melódica en las intros de The Drapery Falls y Dirge for November, refleja por primera vez tan fácilmente, la habilidad vocal que tiene. Ambas canciones han de ser el núcleo del mejor trabajo de su carrera. Dos aportes literarios en los que el cantante cita el tratamiento con la soledad, la superación y la depresión. Aquí hay de todo, un imponente solo que rompe la primera canción y convierte al frontman en un demonio gutural y una segunda canción que después del primer verso, es roto por un clímax inigualable y desolador, siendo quizás, el momento musical de la banda por excelencia. Momento profundo en el cual se deja ver la pretensión musical progresiva de la banda sin ser esta forzada ni sobreactuada, un momento muy importante en el ámbito alternativo.

Por último, desinteresadamente, Blackwater Park transmite una belleza oculta. Alguien que transcurre momento difíciles equivalentes al relato del álbum, podrá recibir una perspectiva conmovedora profunda y aquel oyente que se encuentre en otro plano, recibirá una hora de la mejor manera en como plasmar el ser humano e introspectivo gracias a esta grata sinfonía. El último tema, valga la redundancia, hace una cita tácita a las injusticia de la vida social que se producen en el sistema en el que estamos inmersos. Hasta se dieron el lujo de darse una pizca política. Blackwater Park ha de tener los mejores momentos melódicos y progresivos dentro del Metal, influyente.

Top 10 canciones favoritas de Travis Scott.

 Top 10 canciones favoritas de Travis Scott.

1- Nightcrawler (Chief Keef & Swae Lee). 

2- Antidote.

3- Goosebumps (Kendrick Lamar).

4- Maria, I'm Drunk (Justin Bieber & Young Thug).

5- Oh My Dis Side (Quavo). 

6- 90210 (Kacy Hill).

7- Skyfall (Young Thug).

8- 3500 (Future & 2 Chainz).

9- Fe!n (Playboi Carti).

10- Can't Say (John Mayer & Don Toliver).

Queens of the Stone Age - ...Like Clockwork (2013)

 Si que fue un contexto importante e interesante en el que en aquel momento se encontraban las Queens of the Stone Age. 2013, año y situación bastante crítica para el Rock, quizás una materia musical de la cual de a poco se iban olvidando todos y si, hablo a nivel mainstream. A pesar de esto, el conjunto oriundo de Seattle, junto a otras bandas importantes del ambiente alternativo, como Arctic Monkeys, dicho año desenvainaron material que probablemente estiró la defunción protagonista del Rock, Pop Rock, Alternative Rock, como lo quieran citar a grandes rasgos. 

Con carrera sobrada y experiencia digna de ser presumida, nuestras reinas, el 3 de junio ya citado año, publican su sexto álbum de estudio y quizás su segundo “prime”. Estamos hablando del vampiresco …Like Clockwork, un trabajo con esfuerzo y detallismo para que el público moderno observe el legado nato del rock noventero y el sonido Grunge pesimista.

Alternative Rock, Hard Rock.

Matador Records.

Mi calificación: 4 / 5 Estrellas.

Mejores canciones: Keep Your Eyes Peeled; I Sat by the Ocean; If I Had a Tail; Fairweather Friends; Smooth Sailing; I Appear Missing.

Josh Homme aquí recibe para sus letras una inspiración tácita y sentimental más fuerte inclusive que la presente en Songs for the Deaf (2002), o sin apresurarnos, un nivel equitativo pero quizás más empático. Letras dolentes y sinceras en Kalopsia, situaciones agridulces y angustiantes en la mayoría de las pistas, introspectiva claramente pesimista en If I Had a Tail, semi teología con esperanza en My God is the Sun y un leve pero vigente dolor perteneciente a alguna situación del pasado se puede oír en Fairweather Friends.

A pesar de que la lírica puede sonar muy personal, absolutamente todo el ruido que produce este trabajo, se vuelve adictivo y admirable. Con tres bateristas en su elaboración, hablamos de Joey Castillo, Dave Grohl y Jon Theodore, …Like Clockwork, como si de un reloj cronométricamente perfecto se tratase, disfraza totalmente el cambio de mando en el puesto y se forma como un álbum rockero y a la vez moderno, de manera uniforme y atrapante.

Siendo hoy casi 15 años de este trabajo, aún sigue siendo una de las últimas obras importantes de las bandas ya consideradas “de la vieja escuela” y de los puntos más importantes en el Rock Alternativo. Josh Homme, con años de trayectoria y esfuerzo constante, logra convertirse en un letrista muy interesante y a pesar de todos los obstáculos, logra un nuevo clímax musical junto al resto de las reinas y los artistas invitados. Que si, es que aparece Trent Reznor también, o no se los dije?

A fin de cuentas, las reinas antiguas se logran diferenciar de a poco con el resto del Rock esparcido en dicho año, debido a que conjugaron un álbum atrapante y dinámico sin perder la auténtica esencia de la vieja escuela. Golpes de gracia en If I Had a Tail con cambios de ritmos junto a canciones como Kalopsia como una balada y I Appear Missing como un cierre épico y certero, logran componer un álbum enteramente atrapante y casi atemporal a lo que el Rock de ese momento nos estaba brindando.

Pequeña reformulación, estamos ante un trabajo de raíces tradicionales, en tiempos donde los sonidos mas sutiles reinaban en el Indie Rock. Ni revolucionario ni demasiado influyente al futuro, Queens of the Stone Age mostraron lo que aún eran capaz de hacer y componer. 

10 mejores álbumes escuchados en 2024

Este año, en lo que a cantidad de álbumes escuchados y análisis hechos a los mismos refiero, ha de haber sido un trayecto productivo a pesar de las pocas publicaciones. Dudas y tiempo empleado en otro tipo de actividades, han de desfavorecerme a la hora de perfeccionar mi pasatiempo. Sin más lamento, les quiero mostrar los 10 Mejores Álbumes Escuchados en 2024.

He de aclararlo todos los años, y este no será la excepción. Este ranking corresponde a lo mas valioso que YO ESCUCHE DURANTE EL AÑO, INDEPENDIENTEMENTE DE QUE AÑO HALLA SALIDO DICHO ÁLBUM. Es decir, sigo con la temática de hace dos o tres años. No estoy totalmente al día con el 2024, y por eso no elaboro un juicio exclusivo del año. En mi opinión, para realizarlo, tendría que, al menos, escuchar 200 álbumes lanzados en el corriente año.

Por dicho motivo, siempre prefiero subjetivar el ranking de fin de año, y solo mostrar lo mejor que YO escuché durante la vuelta a la estrella brillante. A pesar de esto, siempre espero que lo disfruten y difieran de mi opinión para conocer su punto de vista. A todos, feliz fin de año y nuevo comienzo.

10. Swans - The Glowing Man (2016).

9. Xiu Xiu - Plays the Music of Twin Peaks (2016).

8. Opeth - Blackwater Park (2001).

7. Gorguts - Obscura (1998).

6. Emperor - In the Nightside Eclipse (1994).

5. Magdalena Bay - Imaginal Disk (2024).

4. Invisible - El jardín de los presentes (1976).

3. Charli XCX - Brat (2024).

2. Akira Yamaoka - Silent Hill 2 (2001). 

1. King Crimson - In The Court of The Crimson King (1969).

10. Swans - The Glowing Man (2016).

Post-Rock, Experimental Rock

Estados Unidos

Decimocuarto álbum de la banda experimental neoyorquina y cuarto de los cinco que lanzaría en la década pasada. Banda con costumbres avant-garde de varios años que, aún así, se superan cada vez que se lo proponen. Álbum de dos horas de duración.

9. Xiu Xiu - Plays the Music of Twin Peaks (2016). 

Experimental Rock

Estados Unidos

Desde el primer día (hace varios años), hasta esta escucha realizada en la segunda semana de diciembre, persiste en mí la dificultad de digerir esta banda. Pocos trabajos musicales me hicieron cuestionar tanto, pero con esta interpretación del soundtrack de la serie nombrada en el título, Xiu Xiu se ganó ese lugar que otorga un aficionado cuando dice “aprecio esta banda por X trabajo”. La reinterpretación ruidosa, conmovedora y totalmente envolvente de la banda sonora de Twin Peaks, me dejó abrumado.

8. Opeth - Blackwater Park (2001).

Progressive Metal

Suecia

Quinto álbum de la banda sueca que, a lo largo del año, se convirtió en una de mis favoritas. Lo que convierte en progresiva a Opeth es la compatibilidad con el Folk, el Hard Rock y el Death Metal. A simple mención, puede sonar algo difícil de calibrar, pero las guitarras acústicas, más la destreza melódica y gutural de Mikael Åkerfeldt, forman uno de los trabajos más importantes del metal progresivo, sin demeritar la gran poesía que contienen las letras.

7. Gorguts - Obscura (1998).

Avant-Garde Metal

Canadá

Por lejos el álbum más brutal del ranking. Luego de once años haciendo música, Gorguts gana popularidad con este trabajo, en el que no deja un segundo de aburrimiento y todo lo convierte en movidas de riffs, golpes y cambios de ritmos totalmente adictivos. Trabajo de los más influyentes y reconocidos (con el tiempo) del ámbito. Si no confían, solo escuchen The Carnal State.

6. Emperor - In the Nightside Eclipse (1994).

Symphonic Black Metal

Noruega

En síntesis, 1994 fue el año clave para el Black Metal, tanto social como musicalmente. El resto, que no compete en este top y está relacionado con el género, lo tomo como público conocimiento. Entre tanta ebullición, Emperor prueba con más cuerdas y coros y es así como casi funda este subgénero sinfónico. El álbum debut del conjunto noruego, transporta hasta el más escéptico a feroces batallas mentales y casi materiales bajo el umbral de la estética nórdica y gótica. Emperor es tema de debate entre, por lo menos, las cuatro bandas más destacadas de la Segunda Ola del Black Metal, en gran parte gracias a este proyecto.

5. Magdalena Bay - Imaginal Disk (2024).

Synthpop, Progressive Pop

Estados Unidos

El dúo norteamericano con popularidad en ascendencia y sonido totalmente complejo, moderno e interesante, se encuentra gozando de una gran y favorable posición crítica al día de la fecha. Con la impronta vocal argenta de Micaela Tenenbaum y todos los arreglos musicales powered by Matthew Lewin, este dúo, que estructuralmente me hace acordar a Beach House, se encuentra llevando el Pop de hoy en día al límite. Su segundo álbum de estudio entremezcla el Synth del milenio pasado con el boleto de oportunidad vacante del Bubblegum, el Dance, el House y el mismísimo Pop en todo su esplendor. Hasta el día en que me encuentro escribiendo, en el fondo sé que está en esta posición por “termo” que puedo ser.

4. Invisible - El jardín de los presentes (1976).

Progressive Rock, Art Rock

Argentina

Jamás me acordaré exactamente de cuántas bandas y cuantos álbumes ha participado como pieza fundamental el señor Luis Alberto Spinetta. Pero si me encuentro en una posición invadida de seguridad, cuando manifiesto que este trabajo, junto a Pescado Rabioso - Artaud (1973), son las Magnum Opus del mismo. Folk, sensaciones agridulces, expresiones socialmente conscientes, expresiones amorosas y de lucha, junto a grandes metáforas poéticas y momentos de guitarra penetrantes, convierten a El jardín de los presentes en uno de los mejores trabajos de la música en habla hispana. Efecto mariposa de la Beatlemanía.

3. Charli XCX - Brat (2024).

Electropop, Electronic Dance Music

Inglaterra

Desde un punto de vista histórico, en relación al anterior puesto, se puede ver la polémica a kilómetros. Sin embargo, una artista que pone, “sin querer queriendo”, a la electrónica actual del ámbito alternativo en el medio del lente mainstream, sin competencia alguna y con algunas cartas a su favor, debe recibir su glorioso análisis. En Brat yacen influencias del sonido del EDM de la década pasada, en conjunto con las buenas nuevas del Bubblegum, el Deconstructed Club, y sobre todo el poderío lírico de empoderamiento femenino que, en este caso, es totalmente justo. Charli, una artista que trabajo a trabajo, álbum a álbum se esforzó por ser la mujer del momento, hoy lo logró. No mencionemos que, si la pandemia no hubiera existido, esto hubiera sucedido antes. La música del momento, está en manos de la mujer más creativa del circuito musical.

2. Akira Yamaoka - Silent Hill 2 (2001). 

Video Game Soundtrack, Ambient

Japón

Con influencias de varios artistas indispensables en su campo y hasta de autores de música clásica, el artista nacido en la ciudad de Niigata, Akira Yamaoka, realizó su histórico aporte al realizar una de las bandas sonoras de videojuegos más influyentes de la historia. Influyente el juego e influyente su banda sonora, se da como resultado una de las obras de arte digitales más importantes hasta la fecha. Terror, intriga, sufrimiento, duda y angustia, son algunas de las cosas que pueden llegar a transmitir este álbum. Contiene alta influencia de la música industrial, la electrónica y por otro lado subgéneros como el Noise Rock.

1. King Crimson - In the Court of the Crimson King (1969). 

Rock Progresivo

Inglaterra

De esos álbumes en donde no podes saltar ninguna canción porque algo perdés, de esos en los que te dejan

pensando a la primera que estás escuchando y por qué no lo escuchaste antes y, de los que en el fondo

agradeces, a pesar de todo, que no sea tan divulgado en grandes masas y tenga su carácter “de nicho”,

el LP debut de King Crimson es, hablando mal y pronto, el mejor álbum de estudio en la historia del rock

progresivo y uno de los mejores de la música contemporánea. Su poesía genuina, no es tan difícil de desentrañar,

su dinamismo y estructura conceptual, nos permite apreciar rock psicodélico y balada al estilo de cantautor.

Se utilizan vibráfono, mellotrón y flauta. Estos instrumentos arman entre I Talk to the Wind y Epitaph,

quizás uno de los mejores momentos de la música pop. Escondido entre la sombras, el concepto del rey carmesí,

y su historia escrita en sus canciones en contra de la progresión pesimista de la música, componen un cuento de

ensueño. Epitaph la encuentro entre una de las mejores canciones que he escuchado en mi vida. Luego de

escuchar esto, jamás vuelvan a asociar rock progresivo solo a Pink Floyd, porque antes de ellos, hubieron

maestros músicos que dejaron una huella imborrable.

Akira Yamaoka - Silent Hill 2 (2001)

 Silent Hill 2 es catalogado y reconocido como uno de los mejores videojuegos del género Survival Horror y también de los mejores de todos los tiempos. Tan importante título e influyente, como si fuera poco, viene acompañado de una banda sonora totalmente impactante y destacada. En el ámbito de los muy aficionados melómanos e internautas de la música, el soundtrack de Silent Hill 2 es muy citado recurrentemente entre los más importantes, atrapantes y esenciales. En el año 2001, más precisamente a fines de septiembre de ese año, salía al mercado este videojuego para Playstation 2. Sin imaginarse nadie la influencia que provocaría en el mundo del gaming, este título vino acompañado de una banda sonora totalmente superior a cualquier videojuego que hayan jugado. El 3 de octubre de 2001, Akira Yamaoka publicaría la banda sonora de dicha obra de arte, lo que significaría un mérito más a la profunda historia del juego. Artista y compositor, que ya había compuesto la banda sonora del primer juego para el Team Silent y Konami, Yamaoka, desafía la ambientación de los videojuegos y marca un antes y un después innegable en materia soundtrack de los mismos. 

Video Game Soundtrack, Ambient, Trip Hop.

Columbia / Konami

Mi calificación: 5 / 5 estrellas

Mejores canciones: Theme of Laura, White Noiz, Forest, A World of Madness, Promise, Null Moon, Heaven’s Night, Alone in The Town, Prisonic Fairytale, Love Psalm, Terror in The Depths of The Fog, Betrayal, Overdose Delusion, Pianissimo Epilogue.

La mayoría de las veces, es difícil explicar por qué aficionados, melómanos, gamers e incluso los mismos críticos y productores, con el pasar del tiempo, han de tener si o si, un segundo de detenimiento en el análisis de esta banda sonora. Fue más valorada con los años, es una realidad, pero con este beneficio al estilo retroactivo, Yamaoka empezó a gozar de mucha reputación. Aquí no analizo lo demasiado bueno que es el videojuego, aquí me cuestiono lo demasiado bueno que es su banda sonora. Yamaoka empezó a ser un compositor muy apañado por la crítica desde este punto. 

Como era de esperarse lógicamente, esta larga historia no iba a ser orquestada por una banda sonora corta. Con una hora y casi quince minutos, Akira viaja confiadamente entre el Noise Rock y el alternativo, el ambient industrial en base a un synth siniestro y lúgubre, escasos momentos melosos melódicos, pesadillas oscuras industriales e intrigantes canciones de piano. Estos factores son los que congenian uno de los álbumes más creativos de oriente de los últimos 30 años, independientemente del tipo de música  en cuestión.

Haciendo un juicio superficial, igualmente la música de Silent Hill 2 se diferencia de sus iguales por amplia diferencia. Konami ha tenido un buen apaño para el Team Silent. La realidad es que Akira ha de ser un compositor experimentado y que, junto a la realidad de los  guionistas, logró llegar a su clímax como artista en la participación de uno de los videojuegos más importantes de la historia. La única opinión que desarrollo y manifiesto,  en base a la historia de trasfondo,  es que pienso que estuvo todo pensado milimétricamente para crear un aura totalmente atrapante y adictiva para el usuario.

Enfocándonos más en lo musical, sin tener delante nuestro una pantalla, un personaje o algo interactivo, Yamaoka demuestra que la materia musical que produce, por lo menos en términos de música ambiental, es totalmente prolífera y eficaz. El artista nacido en Niigata, desarrollaría joyas instrumentales que traspasan el gaming como “Theme of Laura” (contiene las mandolinas del tema principal del primer juego) y “Promise” como las instrumentales más icónicas con guitarra y piano. Luego, si tenemos en cuenta canciones que pueden ser de un amplio espectro, o por lo menos una pequeña determinación “Pop/Rock”, podemos encontrar Angel’s Thanatos y Love Psalm, siendo realmente un alto contraste entre ambas. La primera simbolizando peligro y la segunda relajación.

Apartando estas pistas y las protagonistas, Silent Hill 2 se basa ambientalmente en una odisea oscura, dura, necia, fría y totalmente conmovedora en donde los sintetizadores y teclados a cargo de la ambientación, se llevan definitivamente el protagonismo. Atrapantes  en White Noiz, dubitativos  e intrigantes en Ordinary World, impositivos en Heaven’s Night (teniendo en cuenta la escena del juego), y sobre todo, totalmente sorpresivos y atrapantes como en Terror in The Dephts Of The Fog, se convierten en la pieza alimenticia de, quizás uno de los soundtracks más recordados de la pantalla chica y grande.

Indudablemente, he aquí aplicado un trabajo ambiental inmediatamente puesto a prueba. Desde el desarrollo de la apertura con la canción de Laura hasta la canción del miedo en las profundidades de la niebla. Yamaoka ha de ser consagrada desde este instante (hasta el día de hoy) como uno de los mejores compositores multiinstrumentista de la música ambiental. Que camino recorriste Sunderland…

Future - Monster (2014)

 Como si de un artista casi atemporal del Siglo XXI  y comercialmente exitoso se tratase; como Drake supongamos; Future es uno de los raperos de Atlanta que, desde su inicio como artista, hasta el día de hoy, prácticamente elabora un hit radial por año. Desinteresadamente, mucha gente alrededor del mundo reconoce por lo menos una canción de él. Este fenómeno, hace un poco menos de diez años, veía la luz gracias a adictivos sencillos colocados en la lista Billboard. Entre esas canciones vacías, se camufló inocentemente su más profundo trabajo y mixtape, Monster, lanzado el 28 de octubre de 2014.

Trap

Epic Records

Mi Calificación: 4 / 5 Estrellas.

Mejores canciones: Monster, Throw Away, After That, 2 Pac, Hardly, Codeine Crazy.

Mientras el artista, bautizado por nacimiento como Nayvadius Wilburn, transcurría la ruptura amorosa con su pareja de ese entonces, Ciara, a su vez dejaba lo mejor que tenía en el estudio cada vez que iba a componer. A diferencia de la mayoría de sus trabajos banales, triviales, hedonistas o desafiantes que habría elaborado anteriormente, en Monster, Future decidió por primera vez contar como se sentía y desarrollar un trabajo con una temática mucho más introspectiva y reflexiva. Sumemos a esto, los productores como Metro Boomin,Southside y Nard & B entre otros, en un momento de inspiración y flexibilidad bastante favorable.

Luego de estar disfrutando su fama y gran reputación monetaria por unos seis o cinco años, a Future le llega un momento crítico en su vida, la separación con su prometida Ciara. Es en este año en donde el rapero decide plasmarlo en su mixtape y contar un poco lo que sucede por su mente. Monster es muy diferente a sus trabajos sin brillo, repetitivos, ominosos y bruscos que ya había grabado en el comienzo de su carrera. Todo artista tiene su punto de inflexión, y para Nayvadius fue este. Momento citado, el cual, se convirtió al día de hoy en uno de los trabajos más significativos e importantes en el Trap americano. Monster es un momento increíble de lucidez en donde artista y productores se complementan para brillar de una vez por todas. Es decir, las asociaciones de aquí, ya las hemos escuchado y en el futuro inclusive no harían casi nada interesante, es decir, es un destello atónito pero muy apreciable del artista.

La canción homónima del álbum, el artista tiene en cuenta la maldad  que puede tener de manera totalmente vulgar y sexista pero de manera inmediata solo para tratar de apaciguar los reales problemas que se presentan en Throw Away, como una oda de descargo terrible que se diferencia de toda su carrera y Codeine Crazy que trata de simbolizar su caída más profunda en adicciones y mala vida. Esta última inclusive, se asemeja en varios puntos a Hardly, canción en donde detalla el dolor que siente internamente.

Da igual si anterior a este trabajo las canciones de Future solo connotan un falso o incluso simbólico triunfo, tanto económico como social. Lo importante es que, quizás por primera vez en su carrera, y no última, nos encontramos con un álbum que contiene una trama, contiene un guion y contiene un concepto definitivo y significante. Su sonido instrumental, meritoriamente, también se diferencia del resto. En el viaje encontramos bases rítmicas, misteriosas, oscuras y dinámicas. Future Hendrix comenzó a ser tenido en cuenta por el mundo crítico luego de Monster y, por supuesto, es una acción totalmente justa luego de retratar por primera vez un hecho sentimental comprobable en su carrera. 

JPEGMAFIA x Danny Brown - Scaring the Hoes (2023)

 Tan repentino como seguro idealizado por algún que otro melómano, dos de los artistas más extrovertidos, genuinos y habilidosos en el ámbito del Hip Hop, decidieron juntarse y crear un viaje completamente de ida hacia la locura del dinamismo musical, y si, no se podía esperar menos de Danny Brown y JPEGMAFIA, sin ni siquiera exigirles algo. El primero, el antirap personificado con barras crujientes y voz chillona, el segundo, posiblemente el mejor productor del momento. Ambos lanzaron "Scaring the Hoes" el 24 de Marzo de 2023.

Experimental Hip Hop, Hardcore Hip Hop

Peggy Records

Mi calificación: 4,5 / 5 Estrellas

Mejores canciones: Lean Beef Patty, Scaring the Hoes, Garbage Pale Kids, Fentanyl Tester, Shut Yo Bitch Ass Up / Muddy Waters, Orange Juice Jones, God Loves You, Run the Jewels, Jack Harlow Combo Meal.

Leal a la naturaleza de los dos artistas, este álbum es caótico, chocante y, sobre todo, entretenido y dinámico. A la primera escucha jamás adivinarás como terminará el beat. El trabajo de JPEGMAFIA, único productor aquí y elaborador de todos los beats y a cargo de todos los samples, es auténtico y superior a todo lo que haya hecho antes, si, aún mejor que el aclamado LP! (2021). En la otra esquina, se encuentra Danny, con sus versos resquebrajados, su voz aguda y fuerte y sus múltiples referencias hacia las drogas, jamás cambió su repertorio. El artista oriundo de Detroit se hace notar más que nuestro querido productor en más de una canción. Si bien se encuentran en un nivel parejo, es preocupante lo bueno que es Danny. Versos con humor ácido, rápidos, intensos y adictivos es lo que agrega al trabajo.

Si algo comparten nuestros protagonistas, es la bandera de artista alternativo y el rechazo a las figuras que pertenecen a discográficas y a quienes son más producto que otra cosa. Brown fue rechazado por una en sus inicios y JPEG nunca necesitó del apoyo de alguna para divulgar su destreza. Esto se verá reflejado en las letras con también rechazo a la vieja escuela del Hip Hop que es caracterizada por ser conservadora. La traducción literal del álbum sería “asustando a las p*tas” y es que ni siquiera debe hablar de una figura femenina, sino que es el término peyorativo utilizado para referirse a todo lo que vienen a derribar de manera pretenciosa pero justa. Nadie de la vieja escuela podría sacar hoy un álbum que opaque a este. De igual manera, no es música de radio y si es un álbum “espantaviejas”, su ruido es moderno pero improvisado con una corriente que marca notablemente que sus críticas son a juicio limpio.

Reiterando la característica del sonido, la producción es tan sorprendente como compleja. En Fentanyl Tester produce una amalgama que no deja en paz la voz de Danny, la canción de apertura es totalmente inquieta y abrasiva dando poder a la entrada del rapero-productor Hendricks (por su apellido de nacimiento), en Orange Juice Jones es totalmente adictiva con la voz de Michael Jackson sampleada, en Scaring the Hoes es desafiante y volátil y en God Loves You implementa un sample de Gospel para apaciguar las aguas y quizás no olvidar las raíces del asunto. Se puede profundizar aún más en la producción caótica pero atrapante de Devon Hendricks e inclusive, otra reiteración, sin opacar el peculiar pero llamativo flow de Danny.

Referencias al auto-tune, cuestionamiento a personas importantes y adineradas de la sociedad, planteo alternativo a los cantantes de discográficas, apoyo a las nuevas maneras de realizar música, menciones tradicionales al consumo de droga, la calle y la fanfarronería aún es lo que podemos apreciar en un trabajo que de principio a fin, ya es un clásico moderno, actual y vanguardista.

Joy Division - Unknown Pleasures (1979)

  Luego de la crisis del petróleo en 1973 en Reino Unido, y de sus consecuentes movimientos culturales e ideológicos, (hablo del Punk), nuestra querida corona se encontraba a las puertas de una nueva etapa musical. Joy Division puede jactarse de ser, junto a Talking Heads y The Cure, referentes esenciales del movimiento Post-Punk latente en ese momento. Presentándose como una banda seria, profesional, sombría y misteriosa, los liderados vocalmente por Ian Curtis, tres años después de formar la banda, grabarían su álbum debut en Manchester en abril de 1979 dejando, impensadamente, una impronta mas que relevante en la historia del Rock. Hablamos de Unknown Pleasure, su disco debut.

 Post-Punk

Factory Records

 Mejores canciones: Disorder, Day of the Lords, New Dawn Fades, She's Lost Control, Shadowplay,

Wildness.

 Mi Calificación: 4,5 / 5 Estrellas.

 

 

 Si hablamos de álbumes clásicos, con todo lo que podría llegar a significar esa etiqueta, quizás poco se diferencian por su gran pesimismo, apatía y sentido de la soledad como lo hace Unknown Pleasures. Una mirada fría, a veces nostálgica y trágica de la vida proyectada igualmente por un grupo de adolescentes descontentos a nivel personal e interpersonal. A pesar de formar un relato profundo e impactado como en Days of The Lords o Insight, no deja de ser una mera muestra de disconformidad. Ahora bien, una disconformidad  trascendental, entretenida, adictiva e impactante artísticamente hablando.

 La producción es fría, oscura y puntual, es decir, te transmite ni más ni menos su cometido de formas excelentes. Martin Hannett, su productor, es el autor y el culpable de que esto haya tenido mucho éxito. El hombre en cuestión agregó los efectos de sonidos, la voz de Ian con eco, los tempos en las canciones y los arreglos sonoros. Sin desmeritar a los grandes músicos, este trabajo es de aquellos que es delito pasar por alto a la producción. Hemos dicho que hay una buena transmisión de mensaje y también hay calidad en la forma de transmitirlo.

 Curtis tenía solo 23 años, y suena como un vocalista con 15 años de carrera y detrás encontramos a Sumner en guitarra con excelentes solos sin sobresaltos ni exageraciones, siendo los de She’s Lost Control y Day of the Lords los más destacados. Cada sonido y golpe se encuentra en su lugar, esperando a ser respondido por otro integrante de la banda, todo impulsado por el resquebrajeante dolor emocional de Curtis.

 Caso conocido el de nuestro vocalista en cuestión que decidió atentar contra su vida 11 meses después del lanzamiento de su primer y último álbum presencial. La disconformidad con la cotidianidad, el rechazo a la vida y el nihilismo existencial toman más cuerpo en Unknown Pleasures luego de tener esto en cuenta, y es que, Ian, abandonó el plano terrestre con placeres sin descubrir.