Top 50 Mejores Álbumes Favoritos de 2018

 

30 Años de Canción Animal: El máximo rugido de Soda Stereo

Canción Animal es el quinto álbum de estudio de Soda Stereo lanzado el 7 de Agosto de 1990, un álbum con un sonido rústico, más agresivo y duro en comparación a los estilos anteriormente utilizados por la banda hasta el momento. Significó para la banda un sonido renovado y una etapa de consagración absoluta en muchos aspectos tanto técnicos como comerciales. El álbum fue grabado en Criteria Studios en Miami, Estados Unidos y su sonido se inspiró en grandes bandas del Rock Nacional de los años '70

 Era el año 1990, el comienzo de otra década y un periodo crítico para la economía Argentina, hay que resaltar dicho hecho debido a que el mismo afecto a la estructura de la música Argentina en ese momento y a las discográficas y respectivas bandas. Canción Animal fue uno de los principales responsables en cortar el caudal Pop Rock, New Wave y Ska de la época, que irónicamente también practicó y se destacó Soda Stereo, para entrar en una etapa más rockera a nivel nacional. Junto a otros estilos como el Blues Rock, volverían a predominar en la escena de nuestro país y no solo eso sino que además se convertiría en uno de los referentes más importantes del Rock a nivel hispanohablante siendo muy reconocido también en el ámbito del Rock Español. 

Canción Animal pasó a ser un icono de la cultura musical de la Argentina y Latinoamérica. Su gira fue de las más peculiares e innovadoras para una banda hispanohablante, más propiamente dicho la Gira Animal (1990 - 1991) abarcó ciudades de la Argentina muy poco frecuentemente visitadas por bandas de la talla de Soda como fueron Puerto Iguazú, Clorinda, Chascomús, Trenque Lauquen, Olavarría y Pergamino entre otras llegando a un total de 30 ciudades en el país más catorce funciones en el Luna Park, Buenos Aires, llegando a la conclusión de que todo esto fue un trabajo adelantado para su época aunque Soda venía siendo una banda "adelantada" desde el lanzamiento de su anterior álbum, Signos.

De su playlist no deja nada que desear, su sonido más agresivo y maduro se manifiesta en los diferentes y más numerosos riffs de guitarra en las canciones junto a las letras un poco menos retóricas. La mayoría de las canciones han de ser de las más conocidas de la banda y también se encuentra su Magnum Opus, De Música Ligera. Himno del Rock Nacional reconocida a nivel internacional que demuestra la euforia misma del álbum. Entre otras canciones se encuentra (En) El Séptimo Día, con una métrica poco convencional, Canción Animal con el título homónimo que abarca sobre un lema más explícito haciendo referencia al deseo sexual del ser humano, Hombre al Agua que muestra a una persona enfrentándose a una nueva etapa de su vida luego de una posible ruptura amorosa y Té Para Tres, el momento melancólico del álbum y canción que le dedica Cerati a su padre luego de haberse enterado de la enfermedad terminal que tenía el mismo. 

Deftones - Koi No Yokan (2012)

Luego de Diamond Eyes, un álbum explícito con un sonido áspero pero bastante entretenido y agitado, la propuesta de Chino Moreno, vocalista de la banda, fue que la banda tomara de nuevo un sonido más experimental para el nuevo proyecto que tenían entre manos. La banda decidió de nuevo tomar las influencias tenues y conmovedoras del Shoegaze y el Post-Metal para formar un álbum en donde supieron mezclar grandes corrientes de sonidos y sentimientos en cada una de las canciones. Este proyecto fue Koi No Yokan (expresión propia del japones que significa presentimiento del amor), el séptimo álbum de la banda de Sacramento que recuerda e iguala los mejores momento de una de las mejores bandas del Metal Alternativo. El álbum ha sido lanzado el 13 de Noviembre de 2012. Sus sencillos fueron las canciones Swerve city, Romantic Dreams, Leather y Tempest.

Metal Alternativo, Post-Metal, Shoegaze
Reprise Records

Mi Calificación: 4,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Romantic Dreams, Leathers, Graphic Nature, Tempest, Rosemary

Mucho se ha dicho por críticos reiteradas veces acerca de la volatilidad del álbum, y es que en un grito unánime, el elogio general de este proyecto es que Deftones encuentra el punto justo para mezclar la marea alta con la baja, la tormenta con la calma, el éxtasis con la plenitud ambiental misteriosa que rodea a Koi No Yokan. La ambientación del álbum varía de momentos de clímax con repentinos y grandiosos pasajes sonoros ambientales donde se deja ver la desnudez del álbum en si. 

Esto hace que el álbum sea totalmente atrapante y envuelva al oyente de lleno, supieron como comportarse en torno a un álbum de Metal que supo ser ambiental. Estos momentos son claves y sen encuentran al comienzo y final de la mayoría de las canciones creando un hilo correlativo casi perfecto en donde sitúa al climax ruidoso de cada canción en el núcleo de cada una hasta cerrarlas progresivamente hasta un punto experimental como si de una pequeña reflexión se tratara, una estrategia de producción algo vanguardista y sorprendente.

La sinceridad de este álbum es grande, Moreno se ha vuelto un poco más poético y las canciones muestran varias facciones de la personalidad de una mujer, el deseo hacia mismas y la lujuria pero aún así, el romanticismo se sobrepone como una acción natural y sincera.

Koi No Yokan si duda es un álbum con mucho carácter donde la guitarra no suele ser gozada en solos sino que como un ingrediente más (no menos importante) dentro de un álbum que fue forjado como un trabajo en conjunto y hermético. El manejo de ritmos del vocalista aun me impacta, más en canciones como Romantic Dreams, Leathers y Graphic Nature, una de las canciones más descriptivas y mejores escritas por la banda hasta el día de hoy.

Beach House - Teen Dream (2010)

Luego del despertar amateur de Beach House en sus primeros dos álbumes de bajo rango y bajo perfil como lo fueron su álbum homónimo y su segundo álbum "Devotion", el dúo canadiense tuvo las puertas abiertas a nuevos oyentes y nuevas críticas como también le valió la oportunidad de grabar su primer álbum en una discográfica grande y renombrada. Teen Dream es el álbum que los lanzó de una vez por todas a lo que son hoy en día, a partir de este álbum comenzaron a ser descriptos como uno de los conjuntos y proyectos con mayor capacidad de plasmar sentimientos en música Pop alternativa de forma muy profesional y serena.
Beach House comenzó a principios de la década a crecer a pasos agigantados para los críticos y para la gente que le encanta la música melosa. La voz de Victoria Legrand y el apoyo productivo de Alex Scally estaban a punto de sofisticar y modernizar hasta hoy en día las canciones para un de los subgéneros mas crecientes en los últimos años, el Dream Pop. Teen Dream fue lanzado el 25 de Enero de 2010 a través de la discográfica Sub Pop (discográfica que alojó a Nirvana en sus tiempos), producido por ellos mismos y por el productor Chris Coady siendo este el que dio la iniciativa de grabarlo en Dreamland Records, construido sobre una iglesia abandonada.

Dream Pop, Indie Pop
Sub Pop Records

Mi Calificación: 4 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Zebra, Silver Soul, Walk in the Park, Lover of Mine, 10 Mile Stereo

Realmente Teen Dream es un sueño fragmentado álgido e íntimo. La forma de plasmar los sentimientos por parte de los dos compositores siempre ha sido buena y cada vez que se me presenta la oportunidad trato de detallar porque, y es que la realidad es que la gran libertad dinámica que parece presentarse en sus canciones mejoran cuando es interpretada musicalmente. Teen Dream fue cuidadosamente conjugado y producido, cajas de ritmos serenas y que logran ponernos en un juicio amoroso y resquebrajeante al unísono en cada una de sus canciones sin aburrirnos. 

La apertura con Zebra describe un amor juvenil, una idolatría hacia una persona que podría ser no correspondida para el perfil de la cantante siendo el mero reflejo de cuando una persona idealiza a otra cuando se enamora de esta, sencilla pero con metáfora. Esta misma da paso a una de las canciones más extrovertidas del álbum, una de las canciones quizás más revolucionarias en el catálogo total de la banda como lo es Silver Soul. Momento en donde la sofisticación suave del álbum se deshace totalmente gracias al riff embriagador de por parte de Scally convirtiéndose también en una de las composiciones más rebuscadas y con las mejores metáforas a aquello que nos hace producir serotonina, el amor.

Algunas canciones pueden sonar algo monótonas sin sonar aburridas en el álbum como surgen los casos de Norway y Used to Be (canción que data del año 2008) pero que igualmente no deslucen la gran imagen y paraje sonoro producido durante todo el álbum. Por otro lado, se remiten a esta descorazonada situación las canciones como Walk in the Park y Lover of Mine, canciones en las que Legrand pasa a ser una especie de gurú amorosa gracias a su talento vocal mientras que en Lover of Mine destacada el sintetizador agudo y levantador que convierte a la canción un tanto pegadiza y adictiva en el gancho, algo demasiado Pop. 

La mayoría de los atributos y críticas que ganó Teen Dream es por la buena realización del álbum ya que sin embargo no pertenece a una gama de álbumes innovadores o de vanguardia pero la sencillez de su proliferación en el relato amoroso es demasiado buena. Hay desarrollo profesional por donde se vea, Alex Scally ha sido el gran músico responsable de la ambientación de la mayoría del álbum destacando en Silver Soul, Walk in The Park, Lover of Mine, Better Times y 10 Mile Stereo. 

Sin duda alguna hasta el momento fue el álbum más completo de Beach House agregando más contenido a su paleta de sonidos con el cual desarrollan las canciones. Muchos sostienen que este es el mejor álbum de ellos y mi opinión es que no lo es. Teen Dream recibe ese título debido al momento en el que fue lanzado, si en este momento gratificante de la banda se habría encontrado otro álbum sería otro el que lo reemplazara pero igualmente, este es uno de los mejores momentos Pop de los años 2010s.

Top 10 canciones Favoritas de Kanye West

[10] Touch The Sky 

[9] All Falls Down 

[8] Monster

[7] Gorgeous

[6] Never Let Me Down

[5] Jesus Walk

[4] New Slaves

[3] No More Parties in L.A.

[2] Runaway 

[1] Devil In a New Dress 

Julia Holter - Loud City Song (2013)

Luego de los esfuerzos debutantes de la cantautora estadounidense Julia Holter con sus primeros dos álbumes amateurs pertenecientes a esta gama de álbumes Pop de dormitorio, por su procedencia casera, que se han vuelto tan numerosos en la pasada década (véase a Billie Eillish como un ejemplo primordial) en la que veíamos a la artista involucrada en cultura Griega como también guiños a su mitología, nos toca adentrarnos en lo que fue su realmente revelador debut en un estudio importante y quizás el álbum que más ha marcado el rumbo de su carrera hasta el dia de hoy, Loud City Song, el primero en un estudio de grabación profesional. De la mano de Domino Recordings Company, Julia Holter exploraría más allá de su completo Pop intelectual y atractivo del que venía moldeando.
Loud City Song es un recorrido exquisito en una ciudad ficticia con un protagonista shockeado y ofuscado por estas luces de ciudad, por su consumismo e idealismo de las personas como también experimenta un poco la locura y la soledad que puede enfrentar a una persona que no es capaz o no esta predispuesta a ser uno más en el mundo de esta sociedad observadora, exigente y egoista. Claro está entonces que hablamos de un álbum conceptual abordando todo lo anteriormente mencionado y basado en Gigi, una novela del escritor francés Colette del año 1944. El álbum ha sido publicado el 20 de Agosto de 2013.

Art Pop, Ambient Pop
Domino Recordings Company

Mi Calificación: 4 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: World, Maxim's I, Hello Stranger, He's Running Through My Eyes

Con el pasar del tiempo, la misma cantante ha declarado que el personaje que narra y aborda el álbum es ella misma, es decir, es un álbum altamente introspectivo ficticia o sinceramente pero en fin, termina siendo un trabajo intimo que trabaja con esta especie de sentimientos más personales y oscuros, lo que le da la credibilidad dramática al álbum como también una seriedad intelectual superior a otros trabajos en los que ella ha estado involucrada.

Comenzando con World, una pista del tipo confesionaria ambientada con un atmósfera intrigante de estilo Jazz, Holter nos describe la soledad que percibe en esta gran ciudad cantando desde su apartamento en un quinto piso, se ha de tener en cuenta aquí el importante paso que se ha dado para la elaboración de la parte ambiental que se verá bien presente en todo el álbum.

Las exquisitas y vanguardistas Maxim's I y Maxim's II donde se critica a los observadores necios y malvados de nuestra sociedad que están pendiente siempre del otro con ojos egoísta y juzgadores. En la primera parte nos encontramos con un Pop embriagador e intrigante donde predomina el piano como instrumento de estudio junto a una ambientación dramática mientras que la segunda parte de este reflejo social, nos encontramos con un divertido Pop de Cámara con trombones e instrumento de cuerdas mostrando una versión alegre del mismo juicio.

El álbum mezcla muchos recursos denominados Art Pop como el drama, la alegría, el relato surrealista, performance de Pop de Cámara como también aspectos de canción de cantautor como la misma World y He's Running Through My Eyes, la canción donde me rendí totalmente a este álbum. 

Con un poderoso y solitario piano, en esta última canción, Julia demuestra que su agridulce voz ha de poder convertirse en una de las más poderosas en el Pop de vanguardia de los últimos años, como así también es increíble su forma sencilla pero deslumbrante de tocar el instrumento y manejar una ambientación tan atrapante.

Irónicamente he de aclarar que la canción más recordable y simbólica del álbum ha de ser un cover de Barbara Lewis, Hello Stranger, el cual me parece un conjunto de versos elegidos a la perfección por la arista ya que la canción trata algo tan melancólico como extrañar a alguien y esto se mezcla ya con las referencias a la soledad, la indiferencia y el abandono bien visible que se puede ver en Horns Surrounding Me.

Muchas veces me remito a algunos álbumes como mas que simples escuchas sino que también digo que se pueden imaginar cosas que vallan con el mismo y en este caso, ya que también basa mucho de sus aspectos en una novela, es fácil imaginarse un paisaje abstracto en conjunto con ambas cosas y es que esta es la garantía del mismo, la gran certeza que obtiene en su estructura es lo que permite que se aprecie tan bien. Loud City Song no suena tan ruidoso como el título lo pinta, sino más bien el álbum presenta misterio e intriga que el oyente necesita saciar al terminar el mismo. La vanguardia del Pop comenzó aquí a gozar de una buena compositora. 

Conociendo Productores, Capitulo 1: George Martin

George Henry Martin, más conocido como solo George Martin, nacido el 3 de enero de 1926 en Londres, Inglaterra, fue uno de los productores musicales más famosos y apreciado por el medio como también admirado por varios dentro del ambiente. Fue conocido mundialmente como "El quinto Beatle" apodo que los mismos cuatro de Liverpool le otorgaron pero que este lo desestimaba debido a que no se veía capaz de nombrarse como un Beatle más.
George se interesó en la música desde chico, aprende a tocar el piano alrededor de los siete años, momento en el cual asistía a clases de dicho instrumento. asistió a la escuela de Guildhall de música y drama donde luego de graduarse trabajaría en el departamento de música clásica de la BBC comenzando así su carrera en el mundo de la música.

Martin se graduó de la Escuela de Guildhall con la aspiración, según sus cercanos, a ser el próximo Serguei Rajmaninov, es decir, a llegar a ser uno de los compositores de orquesta más importantes para ese momento como lo fue el mismo Rajmaninov, sin embargo su camino sería otro. En 1950 llega a EMI y fue relegado a trabajar en Parlophone como asistente del quien era jefe de dicha discográfica en ese momento. En el año 1955, con conocimientos en orquesta, música barroca y piano, se convierte en el titular de la firma. 

Previamente, en 1952, comienza su carrera como productor con el sencillo Mock Mozart del actor Peter Ustinov en una comedia. Ya en 1955 produce Songs for Swingin' Sellers de Peter Sellers, siendo este una comedia musical en formato LP seguido por dos trabajos de Jazz al mejor estilo Big Band Británica con The Temperance Seven, banda con la cual logra su primer N°1.. Quizás esta no es la etapa popular de su carrera pero Martin presenció muchas grabaciones de comedias musicales, Soul y Jazz gracias a Parlophone. 

No sería hasta el año 1962 que una llamada de Sid Coleman le cambiaría la vida, a el y al mundo de la música. Sid le quería enseñar a George la banda que su amigo Brian Epstein representaba, The Beatles. Estos cuatro jóvenes (McCartney - Lennon - Harrison - Starr) de Liverpool habían sido ya rechazados por dos discográficas, Decca Records la más reciente, por no demostrar demasiado interés y no ver potencial en estos jóvenes músicos. George los escuchó atentamente y los vio como músicos sencillos y hasta los veía poco capaces para componer letras pero decidió darles igualmente un contrato e hizo el papel de productor de la banda. La primera presentación de los cuatro de Liverpool frente a Martin fue "Besame Mucho" y si, cantada en español. El primer sencillo producido para The Beatles fue "How Do You Do It?" en Septiembre de 1962 siendo una composición de otro artista con el cual Martin ya había trabajado, Gary & The Pacemakers. Este fue seguido por "Love Me Do" el mismo año, llegando al N°4 en las listas de popularidad británicas, era el primer paso del éxito mundial, nadie sabía que estaban a punto de cambiar todo una forma de trabajo.

George produjo toda la carrera de The Beatles convirtiéndose así en "El Quinto Beatle". El trabajo aportado a la banda va desde las técnicas innovadoras y precisas en la parte más experimental de la carrera ("Strawberry Field Forever, "Flying") de la banda hasta el aporte de los arreglos de cuerdas en los pasajes orquestales dentro de las canciones ("Yesterday", "A Day in The Life", "Eleanor Rigby") como también el desarrollo de los coros y la estructura de las canciones. La banda lo describió muchas veces como una persona muy experimental y abierta de mente a la hora de trabajar a pesar de su edad.

En 1965 fundó la Asociación de Grabación Independiente y en 1979 instaló un estudio suyo en la isla Montserrat. En 2011 se publicó una película documental titulada "Produced By George Martin" donde el mismo cuenta detalladamente su carrera en la intimidad. Fue filmada en su casa y con la presencia de su esposa en una extensa entrevista donde también se los entrevista a Rick Rubin, T-Bone Burnett y Ken Scott. 

Además de haber producido los trece álbumes de estudio de The Beatles, también trabajo con Elton John, Bob Dylan, Celine Dion, Jeff Beck, Cheap Trick, Aerosmith y para la saga de películas de James Bond produciendo tres de las canciones principales de las distintas películas.

Tiene el mérito de haber obtenido 6 premios Grammys, 2 premios BRIT, haber sido nombrado el hombre del año en 1998 por la Industria Fonográfica Británica y haber ingresado en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1999.

Ghost - Infestissumam (2013)

Luego de un primer paso con un disco debut que ha de parecer una idea renovadora dentro de las ideas revividoras del Heavy Metal clásico, Ghost adquirió una popularidad a nivel internacional por sus primeras grandes actuaciones y primeras composiciones. En este caso, le tocaría a otro pintoresco álbum brillar sobre la mente de los oyentes rockeros de la actualidad.
Luego de tres años de su comienzo, la banda sueca Ghost presenta su segundo álbum de estudio, Infestissumam, del latín "la amenaza más grande" haciendo referencia al anticristo, el cual se publicó el 10 de Abril de 2013.

Heavy Metal, Hard Rock
Loma Vista Records

Mi Calificación: 3 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Jigolo Har Megiddo, Ghuleh / Zombie Queen, Year Zero

Como primera impresión e idea generalizada del álbum puedo decir que se ha respetado mucho la esencia presentado en el primer trabajo de la banda, quizás esto sea una de esas segundas partes de determinado álbum aunque uno sea totalmente independiente del otro, es decir, se muestra una intención de recrear un sonido similar pero en este caso no se llega a obtener el mismo resultado. 

Infestissumam es un álbum muy esporádico donde rara vez obtiene una solidez continua, sin mencionar que ha sido un momento de amplitud en el sonido de la banda, como también que no ha de ser un material que se ha de desperdiciar.

El álbum ha presentado un desafío totalmente nuevo en la banda teniendo en cuenta que el álbum se ha grabado en un estudio nuevo, una firma nueva y un productor nuevo cambiando todo lo pactado anteriormente. A diferencia de sus comienzos, el sonido de la banda se ve caracterizado por no ser tan agresivo y mostrar algo más de experimentación que surge como una idea dinámica que no se ha podido sacar a flote y sacar los frutos de la misma. Ghost empieza a ser vista como una banda más inofensiva con suaves coros, influencias sesenteras y un contraste a las grandes banda de Black Metal del país escandinavo. En esta oportunidad, el cantante actúa bajo el nombre de Papa Emeritus II, siendo su nombre Papa Emeritus en su primera aparición. La identidad de los demás integrantes de la banda no es todavía revelada.

El álbum abre con una intro al estilo litúrgica-rockera, luego se presenta Per Aspera Ad Inferi, canción densa y repetitiva que proclama el resentimiento de las viejas generaciones en frente a las actuales. Entre factores más destacados dentro de las canciones podemos destacar Jigolo Har Megiddo (un gran juego de palabras) con una gran base rítmica con acento Pop Punk, Ghuleh/Zombie Queen muestra una grandiosa suite en donde la canción se divide en dos partes siendo la primera protagonista los sintetizadores nostálgicos para terminar en una segunda con un climax a base de guitarra y coro.

La última parte del álbum ha dejado mucho que desear, remitiéndome también a ciertos aspectos aburridos en las canciones de la primera parte, luego de Year Zero, el álbum no parece deslumbrar nuevamente. Year Zero es iniciada por un coro estilo litúrgico que nombra diferentes demonios conocidos en la cultura popular como Los 6 Reyes del Infierno y explica el ascenso a la gloria y el trono de la bestia mítica del infierno.

Ghost ha dejado un álbum con un relato crudo y sin vueltas con una adoración tremenda por el satanismo pero con una fachada de Rock Progresivo esquivando su verdadero estereotipo de banda Black Metal haciendo inclusive una especie de parodia a este género sin faltarle el respeto al elaborar gran música. Así es como de a poco, Ghost se ha de convertír en una de las bandas de Metal y Hard Rock esenciales de la última década. 

Frank Ocean - Blonde (2016)

 Frank Ocean en 2016 presenta una idea superadora, si es que no se conmovieron con Channel Orange (2012)  y que comprendo que para algunos oyentes le es un poco difícil de que les llegue esta escucha, deberían prepararse para algo más grande y algo más innovador como lo es Blonde, un álbum designado por algunos oyentes como el soundtrack de una noche solitaria y triste, una de esas noches en donde al ser humano se le antoja recordar todo lo que ha perdido en el sentido del amor y la nostalgia retrospectiva, una banda sonora ingeniosa dedicada para aquellos que han de sentir el verdadero desamor y la nostalgia.
 El artista oriundo de Nueva Orleans presenta el 20 de Agosto de 2016 lo que sería uno de los álbumes más completos e innovadores en el R&B y el Pop del siglo XXI, Blonde, su segundo álbum de estudio. Con una discografía bastante corta que nos mostró lo talentoso que es Frank para seleccionar bases, sampleos y componer canciones en solitario como también en compañía, este le agregaría a la misma una función clave para la música sentimental de nuestros tiempos. Mucho se ha especulado antes de la salida de este álbum, el 19 de Agosto de 2016, es decir un dia antes del lanzamiento de este álbum, se lanzó una presentación en vídeo del artista titulada "Endless", material  que sería (solo el audio) presentado como el tercer álbum de Frank en 2018. Los medios y el artista daban a entender que el álbum en cuestión se llamaría "Boys Don't Cry" pero no fue así. Del mismo álbum se desprende el sencillo "Nikes", canción apertura del álbum.
Cabe destacar que Boys Don't Cry fue una revista surrealista elaborada a la par de este álbum lo que completa esta trilogía de lanzamientos publicados la misma semana.

Boys Don't Cry
Alternative R&B, Art Pop

Mi Calificación: 5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Nikes, Ivy, Pink + White, Skyline To,  Nights, White Ferrari, Seigfried, Godspeed

Blonde es un álbum fuertemente introspectivo que se basa fuertemente en el pasado de Frank tanto social como amoroso. Recorre las historias que ha tenido de joven, sus amores y sus tragedias, mencionando varias veces al huracán Katrina que en el año 2005 asotó la zona de Nueva Orleans obligando a el y su familia mudarse a Houston. Estas experiencias pasadas son abrazadas por el autor con dolor, melancolía, aceptación y quizás un poco de remordimiento. Este álbum es la pieza fundamental hasta el dia de hoy para descubrir la talla de artista que es Frank y la facilidad que tiene para plasmar los sentimientos en la música Pop sin parecer exagerado ni algo asfixiante.

Este trabajo se ve como una genialidad sea por donde sea visto, ha demostrado que el R&B en nuestro milenio se ha vuelto poderoso y a talla personal ha vuelto al autor un visionario total de las letras y los ritmos codeándose siempre con grandes dentro del estudio siempre con autoría, genialidad y presencia. Adaptándose a los nuevos tiempos, Blonde ha sido un trabajo en el que han ayudado muchos músicos presenciales como también no, es decir, hay gente acreditada en el trabajo a pesar de no haber colaborado pero si escrito partes de canciones como Elliott Smith y John Lennon, momentos en los cuales Frank recita fragmentos de sus canciones. Aparte de esto, han colaborado muchas grandes personalidades como Tyler, The Creator, Kanye West, Yung Lean, Jonny Greenwood de Radiohead en arreglo de cuerdas, una desacreditada Beyoncé en Pink + White, Michael Uzowuru, Pharrell Williams, Buddy Ross y Malay entre otros, estos últimos cuatro como productores.

De apertura nos encontramos a Nikes, una balada con la voz de Frank con el pitch agudo que critica el consumismo y alaba a tres personalidades, A$AP Yams, Pimp C y Trayvon Martin, joven afroamericano asesinado injustamente por la policía y puede ser este el único contexto político que tenga el álbum. Llena de intriga y ritmos nocturnos es una de las canciones más adictivas dentro de la entrega. Pero yo creo que realmente Frank nos empieza hablar de el, de su persona interior que ha de arrepentirse del paso del tiempo y de algunos hechos de su pasado, con Ivy, una de las mejores canciones que ha escrito hasta la fecha hecha enteramente para un pareja a la cual le ha roto el corazón y es que el relato, es erizante. Supera por mucho a canciones que intervienen en el corazón del cantante como Solo, Skyline To que ha de ser una pieza enteramente ambiental gracias a una embriagadora guitarra acompañada de los típicos sintetizadores demostrando lo meditativo y cuidadoso que puede ser el álbum.

Self Control es otra canción en donde se debe hacer un punto aparte, pareciendo algo infantil, nuestro sensible compositor se presta para una balada con un estilo Folk Pop que después se entrega a un cambio de ritmo sonoro nuevo y vanguardista a medida que termina la canción, una vez más, la estructura de la canción no deja de mostrar la gran creatividad del artista sin que se borre ese espacio en donde uno puede interpretar fácilmente de lo que va la canción. Sin embargo, esto no fue todo. La pieza fundamental del álbum y la protagonista es sin dudas, Nights, donde Frank detalla su vida nocturna, su agotamiento y estrés por trabajar en dicho horario con una mezcla nuevamente de recuerdos que le inundan los pensamientos. La canción compara el día y la noche y como el los ha aprovechado en cada momento detallando a la noche como un momento de calma y amor para compartirlo con la persona que ama. Nights es una genialidad pop y de las mejores canciones que el género recibió y recibirá en muchos años. La misma se separa en tres partes: la primera con un beat misterioso y bastante original, la segunda (que en realidad sería solo una transición) es una parte en donde comienzan los acordes de una guitarra hasta que la situación se torna en "crescendo", una estrategia musical que se utiliza para llegar al clímax de la canción, hasta que la misma es corrompida completamente por un segundo de silencio y un beat punzante con un Frank recitando de forma inofensiva y reservada. Esta técnica es mencionada como "Beat Switch".

Las estrellas de la Coda del trabajo sin duda son Seigfried y Godspeed, una dramática pieza en donde participa la London Orchesta junto con el moderno gospel en el que Ocean se animó a integrar a un personaje urbano bastante peculiar, Yung Lean.

La producción está basada en mucho de lo que anteriormente ya nombre, espacios ambientales, beats originales, tendencias nocturnas y melancólicas, uso de estructuras Pop/Rock, porque la guitarra es muy importante en este trabajo (Ivy, Skyline To, Self Control, Nights, Seigfried) y la participación de los instrumentos de cuerda para la connotación melancólica del asunto. A todo esto se suman los papeles importantes que han jugado los grandes productores y los grandes artistas dentro de este trabajo de manera fenomenal dejando inclusive a la vista de todos brillar por si mismo en todo momento a Frank.

Blonde no puede tener un resúmen, no es un trabajo facil de explicar en síntesis pero si lo que podemos resumir del mismo es que acá es cuando realmente se mostró el verdadero Frank. Un joven que podría ser el poeta del momento si no le gustaría la música porque sin importar a quien estén destinadas las letras son realmente delicadas, románticas y solitarias sin sofocar al oyente. Amores, recuerdos, referencias a paseos lujuriosos en automóviles, infancia, relaciones con los psicoactivos, enseñanzas de personas cercanas, innovación, progresión y creatividad es a lo que realmente se remite este trabajo.

The Weeknd - Kiss land (2013)

Luego de la trilogía de EPs publicada en el año 2011 con la discográfica Republic, la primera discográfica que vio potencial en The Weeknd como cantante Pop, el artista canadiense se plantearía el desafío de su primer álbum de estudio con la misma discográfica. Este álbum, igual que el House of Baloons, el primer EP de la trilogía introductoria ya mencionada, se enfocaría en ciertos aspectos atmosféricos y detallistas en el ambiente sonoro del álbum pero no llegando a dar la misma impresión como lo ha echo en un principio aunque tal vez, Kiss Land muestra una superioridad del poder dramático. El álbum ha sido lanzado el 10 de Septiembre de 2013.

Alternative R&B, Darkwave
Republic Records

Mi Calificación: 2,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Love In The Sky, Wanderlust, Tears in The Rain

Kiss Land es un álbum del que realmente puedo decir que me siento arrepentido al respecto. La ambientación y la repetición constante de las canciones melosas de Abel Tesfaye se ven muy diferentes al material prometedor que venía mostrándonos anteriormente. El paso en falso de Kiss Land por lo menos hizo que su visión pop dramática se enfoque en un ámbito oscuro dentro de la ambientación de las pistas, es decir, se intensificó esta característica con un gran pero, son ambientaciones demasiadas densas menos en excepciones como Wanderlust y Tears in The Rain.

La producción esta a cargo a no mas de un puñado de productores como Daheala, Harry Fraud, Dannyboystyles, silky Johnson y el mismo.

La repetición de algunos patrones y la poca proliferación de las letras y aspectos poco variables en las canciones hicieron que me provoque cierta desilución. Hay que destacar que es un álbum Pop con un perfil un poco bajo, todos sabemos que el real The Weeknd no estalló hasta con su primer single N°1, sin embargo, al dia de la fecha puedo decir que esto es una maqueta incompleta de la experimentación que esta sufriendo el artista hoy en dia en el año 2020.

Fuera de eso y analizando independientemente un trabajo de otro dentro de su discografía, se trata de un trabajo muy estructurado y rígido en donde las bases no son del todo creativas y respetan siempre un orden acompañando a los versos de amor del cantante canadiense. Las letras de amor que nos proporciona el cantante son más que nada lastimosas, muchas veces el cantante recuerda amoríos pasados y los glorifica como también los condena enjuiciando sus actos.

Wanderlust y Tears of The Rain han sido un éxito en contraste a lo genérico que se escucha el resto del álbum. Wanderlust es más Pop, más completa y "llena" en donde nos da una pista de como será el futuro de las ideas de Tesfaye o por lo menos, hoy en día podemos ver que son registros primitivos de R&B que lo llevó al éxito. En cuanto a Tears of Rain, esta canción sigue teniendo el suspenso casi ficticio que presenta el álbum, digo casi ficticio porque se ve como un intento. Aún así, la conjetura del artista presenta una canción moderna y Pop en contraste con una ambientación oscura, contrarrestando aquellas canciones en donde ambos atributos se observaban densos.

Kiss Land ha de presentar un esfuerzo experimental por parte de un joven músico que se decidiría por sus instintos Pop ante sus atributos Darkwave que parecen ser un poco más desluciente y genérico.