Kylesa - Ultraviolet (2013)

Kylesa es una de las bandas con más renombre dentro de uno de los ámbitos más exóticos dentro del Heavy Metal en sí, hablamos del Stoner Metal. Formándose de a poco y en silencio como una de las bandas más prolijas y representativas del mismo en Norteamérica, Kylesa supo como dar muestras grandes de poder del mismo mezclando un sonido psicodélico de oscuridad junto con música de distorsión con riff ansiosos y casi siniestros. La misma mostraría una cara más sutil y suave en Ultraviolet, su séptimo álbum lanzado el 24 de mayo de 2013.

Stoner Metal, Sludge Metal, Heavy Psych
Season of Mist

Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Exhale, Unspoken, Steady Breakdown

Como he dicho, Ultraviolet es un álbum mucho más melódico y accesible para casi todo el público que los demás que son álbumes más especificos en cuanto al sonido de los subgéneros impuestos sobre ellos, es decir que el álbum tiene un sonido controlado todo el tiempo y bien viable para la aceptación de la mayoría sin perder la esencia oscuramente psicodélica a la que tuvo acostumbrado a los oyentes por muchos años. Otro de los cambios, facilmente apreciable, es el gran protagonismo que toma la cantante Laura Pleasants aquí, cantando más de un par de canciones a comparación de los otros álbumes, por el contrario, protagoniza casi la mitad del álbum de una forma seria y extraordinaria.
Ultraviolet es muy constante y a pesar de no ser un álbum conceptual, el concepto del mismo es perseguir algo que sabemos que esta allí pero que se nos es invisible y es que quizás Kylesa aquí trata de mantener su potencial al máximo o aumentarlo para superar sus anteriores trabajos, en perspectiva subjetiva, no lo han logrado debido a que en sus comienzos se vieron más fortalecidos pero a pesar de eso, han hecho un excelente trabajo al mostrar una faceta renovada.
Las canciones se ven sumergidas bajo una producción con retornos y ecos tradicionales en la banda más que nada utilizados en la voz de Phillip Cope junto con una producción psicodélica y oscura tomando también, para mi punto de vista, por segundos una influencia del Post-Metal como lo es en el comienzo de Drifting pero es solo un detalle menor que no desvía a la banda de su postura principal y tradicional. Ultraviolet me ha parecido una escucha atrapante que combina detalles melódicos con un sonido detallista junto a canciones de caracter casi profético.

Foo Fighters - Wasting Lights (2011)

Foo Fighters en el año 2011 luego de venir de una floja etapa en donde el flujo de sus canciones se habían debilitado a montones, vuelve a exponer lo que sería su último gran grito en contribución al Hard Rock, con su séptimo álbum, Wasting Light en una verdadera muestra de poder inteligente y abrasivo en el cual supieron aprovechar grandes ventajas que han tenido a lo largo de su carrera mostrando así algunas de las mejores canciones de la banda desde sus inicios. El álbum fue lanzado el 12 de Abril de 2011.

Hard Rock, Post-Grunge
RCA Records

Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Rope, White Limo, These Days, Walk

Wasting Light me hace recordar los primeros álbumes de la banda debido a su gran calidad como he dicho antes pero esta se debe a la gran influencia que toma de aquella época Post-Nirvana en donde inmediatamente, Dave Grohl transmitió esa vibra de Kurt hacia su trabajo solista. En este álbum hay algo de Nevermind, rebajado con algo de estructura del Hard Rock y algo también de Bleach como lo es White Limo con su vibrante distorsión; quizás no encontremos algo de In Utero pero la idea llega a entenderse. También cabe destacar la participación de Krist Novoselic en I Should Have Known y el productor Butch Vig, productor de Nevermind que ha trabajado en la supervisión de la banda junto con material de edición analógico evitando todo aquel arreglo digital y artificial en el álbum lo que lleva al mismo a tener un sonido totalmente tradicional creando una joya del Rock clásico dentro de nuestros dias de modernidad.

No solo Wasting Light fue original por volver a lo viejo y tradicional, sino que el énfasis que posee cada canción es totalmente pegadizo, enfático y rítmico manteniendo Grohl un tono primordial que ayuda a formar una atmósfera eufórica en todo momento. Lo que también ha facilitado el éxito musical del álbum fue la vuelta de Pat Smear a la guitarra luego de años de ausentarse en la banda, es decir, trabajando con gente que moldeó el proyecto Foo Fighters desde su base, se pudo volver a la misma y fortalecerla aún más como también se hizo un trabajo mucho más llevadero.

A pesar de que ninguna canción posee algo innovador en todo sentido, los riff son muy buenos y los solos aún más, la batería se nota presente y fuerte también en todo momento resaltando en These Days, Back & Forth y el sencillo Walk. En cuanto a esta última canción, se encuentra muy sobrevalorada por sobre lo que se encuentran las demás canciones que a pesar de que no tengan una melodía comercial definida, juegan con la euforia encantadora constante en cada una de ellas.

Definitivamente Wasting Light me pareció muy convincente y estuvo por delante de mucho material de la banda en concreto y eso se logró con una vuelta a tiempo esenciales de Grohl como músico, tiempo en donde el mismo se estaba formando definitivamente como una personalidad sólida del medio musical. Ha sido difícil lograr tanta constancia en un álbum pero entre ritmos y ritmos Foo Fighters lo ha logrado.

Burzum - Belus (2010)

Belus es el séptimo álbum de estudio de Burzum, proyecto en solitario llevado a cabo por el Conde Grishnackh, conocido por su nombre de nacimiento como Varg Vikernes. Burzum ha sido uno de los dos proyectos más importantes del Black Metal Noruego y todo en lo que su movimiento casi contracultural conlleva. Belus es un álbum con aires de cambio, con aires de atributos más modernos y a nivel personal de Vikernes, un álbum que atraería una nueva etapa en su vida, dado que el álbum fue el primero que editó luego de estar 16 largos años en prisión, lugar desde el cual obviamente seguía trabajando. El álbum ha sido lanzado el 8 de marzo de 2010.

Black Metal, Atmospheric Black Metal
Byelobog Productions

Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Belus Doed, Glemselens Elv, Belus' Tilbakekomst (Konklusjon)

Belus es un álbum conceptual en donde se le rinde una especie de tributo hacia el dios de la luz Belus conocida en varias regiones como Baldr, Baldur o inclusive conocido como Apolo en la mitología griega. El concepto del álbum en si es ver la transición de dicho dios y su viaje y trayectoria de dicho dios a través de la vida. Según Vikernes, Belus fue de gran ayuda para la configuración de la sociedad europea. Aún así, el autor supone que al ser este el dios de la luz, el exceso de el o de la luz misma, ciega y abrasa [quema] y que es por esto que la oscuridad es necesaria en nuestras vidas.
Adentrándonos en lo musical, Belus es un álbum atractivo en donde Vikernes conjuga un Black Metal minimalista y repetitivo con profundo cuidado en no caer en confusiones, sus riffs y solos son increiblemente adictivos y oscuros que ambientan de manera casi embriagadora todo a nuestro alrededor. Belus está muy infravalorado en la carrera del Conde Grishnackh y quizás porque no todos pueden o admiran la originalidad del minimalismo aquí. Se puede volver algo denso, algo cansador pero posiblemente solo dure unos segundos debido a que en si el álbum es muy atrapante.
Vikernes combina en Belus varias cosas que implementó a lo largo de su carrera, los riffs repetitivos tradicionales junto con los detalles ambientales de sus mejores momentos junto con su scream característico en su voz seca y fría que también se contrasta a sí misma con momentos en donde su voz es serena y seria, algo poco visto en el.
Belus Doed (La Muerte de Belus) y Glemselens Elv (Río del Olvido) muestran que tan bueno es el artista al relatar poesía oscura nombrando el viaje de dicha deidad y la reencarnación de las estaciones del año gracias a la fuerza del mismo dios. Sin duda alguna, el mismo se destaca por su frialdad al relatar la poesía con letras que nombran los bosques, la energía, la reencarnación y la muerte entre otras cosas. Por otra parte, el álbum cuenta con tres instrumentales y cinco canciones con letra. Sobre el final nos encontramos con Morgenrode y Belus' Tilbakekomst (Konklusjon), dos pistas consecutivas para despedir el álbum con riffs lentos con tintes melancólicos dando así un cierre casi de carácter premonitorio y melancólico en donde los decibeles y las revoluciones bajan a comparación de las demás canciones.
En resúmen, Belus fue un álbum triunfante, un regreso esperado con un Vikernes renovado frente a una nueva etapa en su vida. El álbum funciona como recordatorio de que uno de los artistas más extraños y herméticos del mundo del metal nunca se ha ido a pesar de haber dejado atrás su pasado bastante oscuro. Es un álbum que disfruto y uno de los que me ha abierto las puertas al género y a la parte ambiental del mismo. La ferocidad puede remontarnos a lugar pacíficos igualmente.

Beyoncé - Lemonade (2016)

Lemonade es el sexto álbum de estudio de la cantante Beyoncé lanzado el 23 de abril de 2016 siendo el mismo su primer álbum conceptual basado, según el artista, en el autoconocimiento y la curación exclusivamente femenina. En cierto términos, el álbum tiende a explicar o da a entender el infravalorado poder de las mujeres como también así del artista y más personalmente hablando de ella, Lemonade demostró una gran fortaleza de la misma en performances nunca antes vista en ella siendo también así el álbum, el componente principal y la primera causa del mejor año en la carrera de la cantante y de un gran reconocimiento crítico e introspectivo del mismo gracias a su temática. El mismo fue presentado por el sencillo influenciado por el sonido Trap, Formation, junto con un largometraje de una hora.

Contemporary R&B, Pop, Pop Rap
Parkwood Entertainment

Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Pray You Catch Me, Sorry, Love Drought, Sandcastles

Lemonade esta basado en un ambiente melancólico pero serio junto a un gran sentimiento afectivo por el pasado y la introspección personal como también de carácter algo meditativo manteniendo una mirada femenina sobre las relaciones amorosas con rasgos de superación frente al dolor y al sufrimiento por parte del juego del amor. En general, el álbum utiliza sonidos suaves del R&B pero tiene sus cierto alternos y sonidos atípicos al género como lo son el Pop Rock Lo-Fi de Don't Hurt Yourself con un sampleo de Led Zeppelin y la colaboración de Jack White formando una canción más tradicional Pop en donde se presenta más intensamente la dulce soberbia femenina de la cantante y que quizás sea el ejemplo más claro de la misma.

Si bien Lemonade es un gran proyecto con una potente y dinámica producción sobre todas las cosas gracias a grandes partícipes en la misma, el álbum encuentra puntos en donde lo declaro algo denso a pesar de que supera su nivel anterior en la carrera del artista convirtiéndose siempre en el plato fuerte de la misma. Pray You Catch Me, Don't Hurt Yourself, Sandcastles y Freedom son clara demostración de que Beyoncé decidió perfeccionar y/o mejorar su calidad y destreza vocal alcanzando el nivel más superior en la balada Sandcastles. El triunfante Rap de Freedom junto a Kendrick Lamar, y uno de los versos más completos que este artistas prestó como colaboración en su carrera, es totalmente rítmico e hipnotizante y es el punto final del sufrimiento meditativo del álbum, es decir, es una de las últimas canciones del álbum en donde corta la personalidad sufrida del artista y la misma renace en una figura mucho más edificante e inquebrantable, evento que habla muy bien de como se elaboró el concepto final del trabajo. Al final de la misma pista se puede oír a la abuela de su esposo Jay Z decir en una cita grabada: "Tuve mis altibajos pero siempre encontré la fuerza para reponerme. La vida siempre me dió limones y yo hice limonada".

El proyecto fue algo multitudinario, convirtiéndose en el álbum más representativo en la carrera de la señora Carter (cabe recordar que también fue el álbum más vendido en el año 2016) mostrando sus más grandes fortalezas y dando una mirada más respetuosa a la mujer introspectiva en el circuito musical.

Post Malone - Hollywood's Bleeding (2019)

Post Malone, uno de los músicos más populares del mundo, vuelve este año a lanzar un álbum que no llegó a cumplir mis expectativas pero que me ha dejado una que otra experiencia válida dentro de su trabajo. Hollywood's Bleeding fue lanzado el 6 de septiembre de 2019 y es el tercer álbum de estudio en la carrera del rapero oriundo de la ciudad de Siracusa.

Pop Rap, Trap, Emo Rap, Pop Rock

Republic Records

Mi Calificación: 2,5 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: Circles, Die For Me, Sunflower (Spider-Man: Into The Spider-Verse)

Hollywood's Bleeding presenta recursos musicales nunca antes visto en Post, canciones y música que supongo que el artista tenía en mente hace mucho tiempo debido a que también se identifica como un amante del Pop y el Rock en general, los incluye aquí junto a canciones de Pop Rap ordinarias y "clásicas" junto al sonido Trap de moda y persistente hoy en día. Canciones como Allergic, A Thousand Bad Times, Circles, Internet, y la inesperada, demasiado inesperada, colaboración con Ozzy Osbourne y Travis Scott en Take What You Want, forman un álbum variado con una mirada oscura y pesimista nunca antes vista en el. Igualmente, cabe destacar, que la mirada fría y desolada del álbum, se contrarresta con la visión Emo que ya ha tenido en varias de sus canciones en su último álbum, Beerbongs & Bentleys pero con un sonido hasta más gótico.

El álbum tiene una buena producción aunque cuente con la absurda cantidad de catorce productores para diecisiete canciones irrelevantes, recurso que en mi opinión desluce demasiado la creatividad y originalidad de la misma. Sin embargo, canciones como Saint-Tropez y Sunflower, funcionando como soundtrack de la última película de Spider-Man animada, me han atraído y agradado a fin de cuentas. Hablando de poca originalidad, a pesar de incluir estos nuevos géneros en su haber, muchas canciones repiten lo mismo una y otra vez como las decenas de canciones anteriores en su corta carrera. Enemies con Dababy, recurre de nuevo al cuento en donde el artista es famoso y rico pero desconfiado de los cercanos a su gran poder, el poder de la desconfianza y la duda en Malone vuelve a verse luego de canciones como Paranoid de su anterior álbum e inclusive también como canta en All My Friends, colaboración con 21 Savage del año pasado donde asegura no necesitar amigos gracias al poder mediático y adquisitvo; quiero agregar que Dababy es la peor colaboración del álbum rapeando cosas sin sentido acerca de como el se volvió famoso tan rápido y repentinamente.

Hay que ser francos y ver que aquí hay muchas canciones del montón que no fortalecieron el poder del artista en ningún momento, por el contrario, restan y demasiado. Aún así, Die For Me junto con Future y Halsey, artista que manchó la canción pero que igualmente la puedo disfrutar, es la más interesante y pegadiza junto con Circles, el éxito Pop Rock de en donde Malone suena más a un cantante Indie que a el mismo y es que esta fue la sorpresa real que trajo Hollywood's Bleeding y la experiencia que esperaba llevarme de todas las canciones, prolijidad, melancolía no desechada, ritmo y eficiencia. Para completar la terna interesante del álbum, se encuentra el ya mencionado soundtrack, Sunflower, donde Swae Lee brilla con sus versos impulsando el sonido de Post a algo más alternativo y capaz. 

Hollywood's Bleeding no ha sido capaz de derribar los obstáculos de Post pero si fue capaz de mostrar que es preferible que se quede en el ámbito de la canción urbana antes que desechar cinco canciones pop para que una sola sea la fortaleza.

El Origen de Grandes Bandas Capítulo 18: The Doors

La célebre banda que representó gran parte de la juventud de la década de los años sesenta e hizo una gran contribución a la música psicodélica y al Rock en general, se formó en Los Ángeles, California en el año 1965. Sus únicos integrantes, debido a su relativamente corta carrera de ocho años, fueron Jim Morrison en voz, Ray Manzarek como tecladista, Robby Krieger en guitarra y John Densmore en batería; si, la banda no utilizaba bajo. Lo que unió a estos jóvenes fue la carrera universitaria que estudiaban los cuatro en la Universidad de Los Ángeles (UCLA) ya que los cuatro jóvenes eran compañeros en la carrera de cinematografía.

La idea original de The Doors fue propuesta por Manzarek y Morrison, se dice que una tarde en la playa de Venice en California, estos dos se encontraron y Morrison le presentó un poema que el había escrito dias antes, este poema se convertiría en una de las primeras canciones editadas por la banda e incluída en el segundo álbum de la futura banda, ese poema era Moonlight Drive. Manzarek le pidió a Jim que se la cantara y ahí se le ocurrió que era una buena idea hacer una banda con el mismo.

Ray se encontraba en una banda con sus hermanos llamada Rick & The Ravens. Luego de esto, Jim y Ray decidieron contactar a sus compañeros de carrera, Densmore y Krieger que también se encontraban en una banda llamada "The Psychedelics Rangers". Inicialmente, los hermanos de Ray pertenecerían al proyecto pero se desligaron del mismo debido a diferencias musicales con Jim, mejor dicho, no les gustaba sus canciones.

Así, quedaría conformada la única formación de la banda en su historia. La banda recorrió bares bajos hasta llegar a otros más populares y a uno de los más importantes como el Whisky a Go Go con el que llegaron a tener una clase de contratación recurrente y en el que se lucirían y los sacaría a flote. En el mismo fueron visto por el Arthur Lee, el cantante de la banda de Rock Psicodélico "Love", este mismo los recomendó a Elektra Records y estos después de verlos en dos presentaciones les ofrecieron contrato y cerraron un acuerdo. La banda grabaría todos sus álbumes bajo esta discográfica y la mayoría de los mismos con el productor Paul Rothchild.

El homónimo y primer álbum se lanzaría el 4 de Enero de 1967 con grandes éxitos como Break On Through, The Crystal Ship, Light My Fire y The End presentando un sonido que mezcla el Blues, el Rock y la mismisima Psicodelia con una ingeniería sonora inesperada e innovadora gracias al sonido del teclado y la voz enigmática de Jim. 

Los Espíritus - Agua Ardiente (2017)

Agua Ardiente es el tercer álbum de Los Espíritus, banda argentina surgida de la escena independiente a principios de esta década que acostumbra a interpretar canciones de Rock Psicodélico con influencias del Blues Británico de los dorados años sesenta. La describo como una banda joven con un gran potencial para interpretar uno de los géneros más ricos de la música sabiéndolo hacer muy bien y con gran solidez. Agua Ardiente es el punto más alto en creatividad de la banda, su Magnum Opus y su mayor representación en el circuito musical hasta el día de la fecha. El álbum fue lanzado el 1 de Mayo de 2017.

Rock Psicodélico, Blues Rock, Folk Psicodélico
Los Espíritus

Mi Calificación: 4 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Perdida En El Fuego, La Rueda Que Mueve Al Mundo, Mapa Vacío, Luna Llena

De carácter sociopolítico, Agua Ardiente representa y transmite mas de una de las preocupaciones de los problemas de la sociedad actual Argentina, y porque no mundial, en los integrantes de la banda que va desde guiños hacia la situación en la que se encuentra el medio ambiente, la política y la gran alienación presente en muchos individuos en nuestra vida cotidiana. El álbum tiene un carácter consciente muy fuerte y valiente, sostiene valores que enfrentan situaciones irreversibles de nuestro hoy y todo esto bañado siempre con un fuerte esplendor psicodélico gracias a su producción que no suele ser tan forzada sino que sencilla mostrando lo justo y necesario en arreglos y en los sonidos.

Mientras que escuchamos a Santiago Moraes, como un líder protestante predicando cada uno de los conflictos de los que no se nos son ajenos, Prietto brilla en la guitarra siempre luego del verso de este agregando ese sonido sesentero de antaño en su guitarra con riffs y solos suaves y sencillos pero sumamente técnicos creando estrategicamente la ambientación ideal para un álbum de esta talla. Reformulando a mi manera, es como si Bob Dylan hubiera venido a tocar Rock en esta época a nuestro país y soy consciente de la gran comparación a la que estoy haciendo.

Cada canción, o al menos la mayoría, guarda algo esencial para la suma del todo, Jugo tiene varios de los mejores acordes del álbum junto con los ritmos más pegadizos que pueda encontrar en el mismo gracias a la voz de Moraes, La Rueda es uno de los gritos más en alza de la queja del sistema condenatorio (para su parecer) en el que convivimos día a día teniendo de protagonista a la madre tierra y a nosotros los humanos como detractores y destructores de la misma gozando también del mejor solo de guitarra del álbum. La mirada incluye una crítica más puntual hacia el sistema económico y hacia el abuso que se ve siempre en la relación ente empleador y trabajador que se puede tergiversar en la relación entre ricos y clase media y/o pobres, Mapa Vacío presenta una ambientación más folclórica que psicodélica o tribal gracias a los tambores utilizados, Las Armas Las Carga el diablo funciona como la canción más pacifista de ellos hasta el momento con los efectos más embriagadores del álbum junto con Luna Llena que permanece utilizando los mismos.

Por último y no menos importante, me encuentro la frutilla del postre para este gran trabajo. En El Viento, Los Espíritus elaboran una canción con una clásica estructura musical en base a canciones del Jam y Country Rock que son más movidas pero presentan un intervalo lírico en medio que corrompe toda la canción como solían hacerlo las bandas norteamericanas del Rock Ácido hace ya más de 50 años.

Para finalizar, sinceramente no es que no les daba mi voto de confianza sino que sorprendieron y superaron totalmente mis espectativas formando un álbum de los más destacados de mi país en la última década. Agua Ardiente es una escucha que a cada repetición se me vuelve más adictiva debido a su creatividad y a su homenaje a grandes momentos de la música mundial. La tierra esta susurrando la gran verdad y estos muchachos te lo cantaron en la misma cara.

Marina & The Diamonds - The Family Jewels (2010)

The Family Jewels es el álbum debut de Marina & The Diamonds, proyecto de la cantautora irlandesa Marina Diamandis lanzado el 15 de febrero de 2010 mezclando grandes influencias de la música tanto como personalidades femeninas y masculinas y mostrando un gran potencial en el ámbito pop.


Pop, Chamber Pop, Indie Pop
Atlantic Records / Warner Bros.

Mi Calificación: 3 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Shampain, Girls, Hollywood

El álbum presenta un pop agradable, alegre y con una producción muy dinámica que va desde el uso de la ambientación clásica de la música Pop Rock pasando por canciones más de influencia Electropop con efectos y tintes más modernos hasta canciones agridulces de Pop de cámara clásico en donde las canciones se tornan más sentimentales (Obsessions), más serias y algo más profesionales gracias al carisma de Marina pero en sí, la mayoría del álbum se comporta con una alegría bastante ansiosa y un sonido casi juguetón en canciones como Girls y la infantil Mowgli's Road.

A pesar de esto, las primeras canciones de Marina son las que más carácter tienen y las que situaron y permitieron ser la artista en la que se convirtió posteriormente. Sin embargo, nunca me ha parecido este un mal álbum debut sino por el contrario, es un álbum bastante completo que muestra diferentes facetas de la música pop en general.

Marina demostró ser una ambiciosa de la música pop creando canciones, junto a sus productores Pascal Gabriel y Liam Howe entre otros, que se alejan de la media comercial, a excepción de Hollywood que sorprendentemente es la mejor de todas con un estilo crítico sobre el consumismo de la ciudad mencionada. Junto a esta, la que elijo sobre el resto es Shampain y eso explica mucho, es decir, siempre me ha gustado más su faceta de artista Electropop que en los momentos donde prefiere inclinarse para un Pop más tradicional. Puede haber tenido esta artista un debut dispar en donde, por más creativa que suene en sus canciones la calidad no suele ser la misma en la mayoría de las canciones ya que algunas se ven menos funcionales que otras. 

Usted Señálemelo - Usted Señálemelo (2015)

Usted Señálemelo es un trío de Indie Rock y Pop formado en 2008 en la provincia Argentina de Mendoza y lograron convertirse en uno de los referentes más populares del rock nacional en cuestión de algunos años teniendo como tarea y honor representar a la escena Indie Argentina junto con sus pares como Perras On The Beach, Él Mató a Un Policía Motorizado, Bauer y Banda de Turistas entre los más populares. Pero, sin duda el paso más grande que ha dado Usted Señálemelo junto con "Perras, banda del hermano del cantante de esta banda, es sin duda poner en primer plano nacional a las bandas de Mendoza. Su álbum homónimo y debut fue lanzado el 15 de Marzo de 2015.

Indie Rock, Indie Pop

Mi Calificación: 2,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: La Luna Patas Para Arriba, Agua Marfil

Muchos le han puesto el ojo encima como una de las bandas más prometedoras de la Argentina se tratase, sin embargo, la banda se ve que tiene mucho del cual aprender para formarse como una banda digna de ser llamada "La nueva banda líder del Rock Argentino", título también que es demasiado difícil de designárselo a alguna banda en especial el día de hoy con dicho autoritarismo.

Yendo a lo musical del álbum, producido por ellos mismos, me esperaba mucho más pero también me encuentro con momentos que me parecen familiares del género en Hispanoamérica con pasajes aburridos en donde las guitarras son suaves y, aunque estén muy bien armados los solos y los riff en cada canción dándoles estructuras simples y agradables, la voz del joven Juan Saieg, el cual también toca el sintetizador que con mucha atención solo algunas veces parece estar ahí, nos habla siempre del amor perdido por una mujer, amor no correspondido o pasional y otros detalles demasiados melosos para mi gusto. Las canciones siempre tratan la misma temática volviendo el álbum un ambiente algo monótono y de por más, aburrido. Además, la mayoría de las canciones gozan de una composición corta y repetitiva como lo son "Otra Vez", "Girando A Través" y "Cristales". Por momentos me encuentro con metáforas inútiles como en "Plastilina" que son demasiado comunes y utilizadas y con otras muy interesantes como las que usan al cantar en "Cristales".

Sin embargo, el álbum trae dos joyas que me han gustado y que una se ha convertido en una de sus canciones más escuchadas y una de las causantes en impulsar un poco más rápido su música a partir de la salida de este álbum, hablo de"Agua de Marfil" junto a "La Luna Patas Para Arriba" y creo que es demasiado simple porque me han gustado si se presta atención a esta reseña y al álbum al mismo tiempo. La luna corrompe el álbum, termina con ese Rock juvenil aburrido y meloso que han propuesto en la primera etapa del álbum y viene esta canción más rápida, más feroz y hasta con sonido Lo-Fi que realmente me ha sorprendido y esto es lo que prefiero llevarme de esta banda, un intento de Rock puro y con buena letra que hace que la canción sea más que vibrante. Por otro lado, Agua de Marfil es un polo opuesto a esta canción, es la canción que cierra el álbum y es una hermosa balada que opaca todas las canciones anteriores de sonido indie. La balada acústica fue pensada detalladamente a comparación del resto. ¿Es dulce? si, lo es, pero aún así logró que me fijara en que la letra no se comporta como las demás ni siquiera la estructura de la canción.

En resúmen, los momentos que corrompen lo monotonía del rock juvenil, moderno y suave son los que han de destacar, es decir, en esas canciones se ha de encontrar quizás el error que no deja que la banda se despegue del montón de la escena actual del país. 

Run The Jewels - Run The Jewels (2013)

Run The Jewels comenzó en 2013 con su álbum debut y homónimo (comienzo de una trilogía del mismo nombre) como un dúo de Hip Hop prometedor, moderno y sobretodo agresivo en su lírica como en su dirección y su esquema brindado por El-P y Killer Mike, las únicas dos joyas que componen el proyecto. Ambos crean un balance entre ellos, uno siendo más destacado en líricas y el otro como productor musical de todo el proyecto como lo es El-P, para variar, la idea del dúo resultó gracias a que este produjo el álbum R.A.P. Music de Mike el año anterior y llevaron a cabo ideas de iguales diemensiones para la creación del mismo. El dúo al ser anunciado dejo muy expectante al público del ambiente y de la música tanto que rápidamente como el álbum fue lanzado, fue alabado por la crítica misma. El álbum salió a la venta el 26 de Junio de 2013.

Hardcore Hip Hop, Experimental Hip Hop
Fool's Gold

Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Run The Jewels, DDFH, A Christmas Fucking Miracle

Los versos de ambos son sumamente rítmicos mezclando frases cortas en cada verso con bases frecuentemente con golpes a la par de los mismos. Killer Mike por lejos es el que mejor de los dos desafía aquí entre versos de bravuconería e imagen de un rapero moderno y vil sobrepasando a su par en más de lo que este puede aportar a pesar de que este también sea habilidoso. Lo que comparten gradualmente ambos en el álbum y lo formaron grupalmente sin duda es la ridiculización del atributo agresivo del Hip Hop es decir, pone en ridículo la acción agresiva que sostiene el genero muchas veces.

Run The Jewels tiene su balance y equilibrio, Mike si es el que comanda la lírica, El-P tendría que demostrar una producción ambiciosa y completa y es así como lo hizo y yo creo que sobre pasando las expectativas esperadas por algunos. La producción, los arreglos instrumentales, las bases y sus respectivos golpes forman a un álbum totalmente moderno mezclando lo urbano y agresivo con lo fino y lo diseñado electronicamente con bases graduales que son protagonistas en todo momento. Con esto quiero decir que Run The Jewels tiene una de las mejores producciones de los últimos años por el hecho de que es ambiciosa y compleja porque en cada presentación, como lo es cada canción, las bases son muy distantes una de otras pero siempre sorprendiendo de igual manera. El álbum también incluye como co-productores a Wilder Zoby y Little Shalimar y como artistas invitados a Big Boi en Banana Clipper, Until The Ribbon Breaks en Job Well Done y Prince Paul en Twin Hype Back.

Sin lugar a dudas hay partes del álbum que parece que se rapea "solo por rapear" dando lugar a composiciones en simultaneo carentes de mucho sentido o eso es lo que me da a pensar. Sin embargo, el álbum se sujeta en esas joyas del ridiculismo atendidas anteriormente junto con versos de tintes políticos donde rozan el conflicto policial y la violencia de la misma, algo de conflicto racial junto con la violencia urbana de la que muchas veces es protagonista el país norteamericano. Esto muestra el reflejo de un Rap de semiconsciencia que esta al tanto de los hechos históricos y trágicos de una sociedad desarrollada bajo el signo de la violencia, aunque el álbum no quiera transmitir eso sino que criticarla sutilmente.