Mötley Crüe - Dr. Feelgood (1989)

Dr. Feelgood es el quinto álbum de estudio de Motley Crue, una de las bandas más destacadas dentro del Metal de moda en la década de los 1980s, lanzado el 1 de septiembre de 1989 producido por Bob Rock. Dr Feelgood representó un pequeño gran cambio dentro de los integrantes de una banda que realmente vivía una vida al límite entre ser un rockstar perteneciente al movimiento del Glam Metal tan candente en ese momento y realmente jugar con la muerte producida por algún estupefaciente.

Heavy Metal, Glam Metal
Elektra Records

Mi Calificación: 4 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Dr. Feelgood, Kickstar My Heart, Same Ol' Situation (S.O.S.)

Dr. Feelgood es sin duda el apogeo de la banda en donde pasando por un proceso de rehabilitación, o por lo menos limpieza temporal, del mundo de las drogas que les empezaron a causar problemas a nivel de salud.

Aquí en este álbum yace la vibrante muestra del metal de la década con mayor popularidad debido también a que Dr. Feelgood es el álbum más vendido de los chicos de Los Ángeles que igualmente están lejos de ser una banda con pensamientos filosóficos o esotéricos de trascendencia lírica. Sin embargo, Dr. Feelgood entre relatos verídicos cercanos a la muerte e insinuaciones a noches llenas de mujeres y alcohol, el álbum es realmente entretenido y atrapante. Destacando como uno de sus mejores lanzamiento junto a "Shout at The Devil", Feelgood les brindó sus primeras canciones con mayores ventas y alta y digna popularidad.

 Dentro del álbum realmente el sonido de la producción a comparación del presupuesto que se le puede otorgar a banda de semejante tamaño, es baja en calidad pero eso no impide que el sonido de la guitarra y los instrumentos sean parte de esta sucia y salvaje demostración de Heavy Metal voráz y ambicioso es decir que a pesar de desperfectos, el sonido gracias a eso mantiene una relación estrecha con el sonido pesado y lo brutal sin delucirse. 

Gorillaz - Plastic Beach (2010)

Plastic Beach es el tercer álbum de estudio de la exitosa banda digital, Gorillaz, lanzado el 9 de marzo de 2010 y presentando un capítulo nuevo en la aventura canónica de estos entrañables personajes y que por lo tanto se forma de nuevo en un concepto de "álbum conceptual" como su predecesor post-apocalíptico Demon Days en el cual nuestros personajes se encuentran en una isla sólo con sus pensamientos remotos

Art Pop, Hip Hop, Electropop
Parlophone

Mi Calificación: 4 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Rhinestone Eyes, Stylo, Empire Ants, Glitter Freeze, On Melancholy Hill

Si bien Plastic Beach es un modelo de transición para la banda en donde las letras un poco deprimentes y oscuras aquí se transforman en frases del reflejo del amor y la desolación con una mezcla de temas que abarcan desde la alienación hasta el amor nuevamente con una producción ambiciosa y excelente.
El álbum toma otro color y un tono más tropical, con mas de diez colaboradores en su haber, Plastic Beach forma un sonido más pop, más alegre y con tonos sinfónico gracias a la Sinfonica ViVA en la introducción del álbum. A lo largo del mismo hay múltiples referencias también a paisajes balnearios y referencias al mar y a la vida en la playa de estos personajes. El álbum podría ser facilmente una descripción de un futuro de plástico, un futuro contaminado y un futuro negativo sobre la vida en la tierra, quizás también perteneciente a restos de lo que dejo el último capítlulo de estos personajes.
Al alternar tanto entre géneros como nos tienen acostumbrados, se vuelve un álbum entretenido y sorprendente pero que a pesar de esto, no muestra lo mejor de Damon Albarn aunque bien sabemos, lo bueno que es Albarn al manejarse con tonos modernos y puramente electrónicos como en "Rhinestone Eyes", la sorprendente "Stylo", la humorística "Superfast Jellyfish" y la protestante y desolada "Glitter Freeze" con Little Dragon que hasta goza de un guiño en su base con influencias que pueden ser atribuidas al Reggaeton en su introducción.
El pop derriba del Hip Hop dentro del álbum pero que aún sigue ahí siendo participe de la obra gracias a Snoop Dogg y Mos Def sin muestras tan sólidas como la de los demás colaboradores.
Plastic Beach cobra venganza del pop moderno haciéndolo protagonista en esta oportunidad, algo que todavía no se había visto con tanta claridad dentro del proyecto de Gorillaz y que realmente y en pocas palabras fue algo que los fortaleció aún más como uno de los proyectos más ambiciosos, completos y entrañables de los últimos años. Características de artistas que gracias a todo esto se convirtieron en algo de lo más popular en los últimos veinte años. Plastic Beach es realmente otro capítulo glorioso dentro de la historia de la banda digital.

Flying Lotus - Cosmogramma (2010)

Cosmogramma es el tercer álbum de Flying Lotus, el proyecto musical de Steven Ellison lanzado el 3 de mayo de 2010 que presenta un concepto espacial y lectura acerca del universo y el espacio. Por empezar un Cosmograma pueden ser una serie de símbolos o significados por escrito en la que a través de ellos se puede conocer una interpretación universal y/o personal pero al nivel personal de Steven significó algo totalmente diferente, un error de pronunciación en un discurso de su recientemente fallecida madre que obviamente la hace recordar a ella.
Cosmogramma esta pensado para ser un viaje de ida y no de vuelta, un viaje espacial a través de un álbum casi y puramente instrumental rozando la genialidad que abarca características desde la música clásica hasta los rincones más profundos de la música electrónica actual. Este viaje ecléctico es en honor a la madre de Steven.

IDM, Jazz, Glitch Hop
Warp

Mi Calificación: 4,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Pickled!, Zodiac Shit, Computer Face//Pure Being,

En nuestro viaje psicodélico por Cosmogramma nos topamos con momentos caóticos, otros suaves y otros realmente geniales en donde Ellison combina, como he dicho anteriormente, características de varias ramas de la electrónica para poder asi formar un IDM casi perfecto, o por lo menos perfecto por momentos. Tal es así que observamos cambios de tiempos rápidos y cortos como en el Drum and Bass o cambios al estilo de un dubstep no tan abusivo y más sofisticado, formando así un paisaje muy complejo y compuesto por varias capas de sonido.

Estas capas pueden estar por momentos compuestas por arpas, cajas de ritmo y sintetizadores como también voces con solo el sonido electrónico de fondo debido al aporte de Thom Yorke, Frontman de Radiohead en "...And The World Laughs With You", el tarareo de Thundercat en "MmmHmm" y la embriagadora voz de Laura Darlington en "Table Tennis" con un sampleo pegadizo de una mesa de ping pong.

La creatividad al momento de alterar todos estos sonidos es realmente envidiable y demuestra la fortaleza de Steven al editar y hacer todo el álbum como también producirlo el mismo. Su madre fue honrrado con uno de los trabajos mas exquisitos de los últimos años, una composición uniforme de 45 minutos en donde juegan la electrónica con sonidos únicos de arpas y hasta guitarras sin olvidar el detalle más importante, la importancia de la familia Coltrane en el juego de Cosmogramma. Ravi Coltrane, hijo de John, leyenda del Jazz, compuso autoritariamente "German Haircut" para ponerle un toque familiar al álbum. Mas allá de lo complejo que puede sonar el álbum, la gran capacidad para alternar capas de sonidos al mismo tiempo es increíble y la demostración más grande esta en "Pickled!" y "Computer Face//Pure Being".

Tame Impala - InnerSpeaker (2010)

InnerSpeaker es el álbum debut de Tame Impala lanzado el 21 de mayo de 2010 en donde demuestra una sólida base de una vieja y conocida corriente de la música, la psicodelia o el Rock Psicodélico.
InnerSpeaker es un álbum complejo para la primera escucha quizás debido a que cada vez que lo escuchas, y si es con más atención, encontrarás texturas nuevas, sonidos de bajos y acompañamiento rítmico increíble y una lucidez para desplazarse en la psicodelia realmente gigante.

Rock Psicodélico
Modular Records

Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Alter Ego, Lucidity, Solitude Is Bliss

 Tame Impala es principalmente Kevin Parker que es el fundador de la banda y el multinstrumentalista que desarrolló la mayor parte de Innerspeaker como los teclados, sintetizadores, efectos de sonido, arreglos sonoros, guitarra y por supuesto voz, es decir, también fue el productor.

El álbum posee un sonido particular con una producción que abunda en ecos y en efectos de tintes psicodélicos en la mayoría de las canciones distorsionando las voces y dando así un ambiente ilusiorio y algo surreal. Realmente es un álbum muy bueno pero que a pesar de eso y de ser una banda referente de la neo-psicodelia, es un álbum muy cargado y saturado de efectos de sonido.

A pesar de eso, los riff de guitarra y la batería son excelentes. Tame Impala se fortifica en cada canción gracias a ello, la percusión fue realmente algo imprescindible como lo podemos ver definitivamente en el instrumental "Jeremy's Storm" o "Alter Ego" y "Lucidity".

Nuevamente recalcando que a pesar de la saturación de sonido que podemos encontrar, la atmósfera que se crea en Innerspeaker realmente me sorprendió, una atmósfera digna del verano del amor, de San Francisco en pleno extasis y por otro lado Parker es el McCartney del Rock Psicodélico moderno y es que la voz yo la encuentro familiar, un Paul mucho más serio, surrealista e hipnótico. Todo esto evoca a que Tame Impala se convirtiera en una de las bandas más conocidas y apreciadas de nuestra época. 

Alter Ego y Lucidity son sin dudas las mejores, la mejor percusión, los mejores solos y las mejores performances psicodélicas del álbum que le dan el poder autoritario al mismo. Innerspeaker es un modelo a seguir en materia de influencia psicodélica, un poder sesentero totalmente vivo y eficaz.

The Tallest Man on Earth - Shallow Grave (2008)

Shallow Grave es el álbum de estudio debut del cantautor de Folk sueco, Kristian Matsson mejor conocido como The Tallest Man on Earth, lanzado el 5 de marzo de 2008. Shallow Grave ha tenido diversas críticas en donde resaltan lo simple que puede parecer la música con una compleja poesía como la de Matsson en la que no se saturan los recursos poéticos.

Contemporary Folk, Singer / Songwriter
Gravitation Records

Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: I Won't Be Found, Honey Won't You Let Me In, The Gardener, Into The Steam

Las metáforas, el entusiasmo y la performance de la canción agridulce que genera son canciones realmente sólidas y agradables que poseen un ritmo rápido pero sutil gracias a la gran habilidad de Matsson en el arpegio de la guitarra y en el banjo en menor medida como en la canción homónima del álbum.

Shallow Grave está grabado sin arreglo abundante sino que sólo se enfoca en la áspera voz del artista que es inevitable hacer una comparación con el primer Dylan, hijo prodigio de la música oriunda de paisajes rurales de hace unos 50 años y creo que la comparación es con un mensaje de comparación por parte de The Tallest Man debido a que este tuvo un debut mucho más sólido y formidable que el padre de la canción Folk moderna y norteamericana como lo es Bob. Su guitarra es mucho más protagonista y su mensaje el más profundo y bello en varios año dentro del Folk tradicional.

No posee estrategias extraordinarias ni un pensamiento constante que delate algo innovador en la forma de ser del artista, o quizás si lo sea y este teniendo una suposición errónea pero sin embargo la realidad es que la escucha de Shallow Grave siempre sonará bella y agradable, un pasaje hacia algo simple y confortable.

Kevin Abstract - American Boyfriend: A Suburban Love Story (2016)

American Boyfriend es el segundo álbum de estudio del integrante del colectivo de Hip Hop Brockhampton, Kevin Abstract. En American Boyfriend, el artista revisualiza su complicado pasado en términos juveniles y diferentes problemáticas adolescentes como la ausencia de sus padres a nivel personal o la peligrosa confesión de su bisexualidad como temas centrales en sus letras. El álbum fue lanzado el 18 de Noviembre de 2016.

Alternative R&B, Art Pop, Indie Pop
Brockampton Records 

Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Empty, Tattoo, Yellow

El álbum es altamente introspectivo y dinámico musicalmente dejando una salida y una demostración positiva al mundo de la música para el artista ya que muestra lo talentoso o lo sencillo que le parece al joven norteamericano, manejarse y componer en diferentes géneros y ramas de la música popular teniendo influencias de Dream Pop, Indie Pop y hasta del Hip Hop.
American Boyfriend es una odisea completa que va desde lo más superficial de la persona hasta las ideas mas internas de Kevin. Teniendo en cuenta que este tipo de temas están muy candentes hoy en día, Kevin mostró una fuerte valentía. Si bien la temática del álbum no es altamente remunerable, el artista se jacta de ser un gran artista con mucha predisposición en el campo de lo creativo y las canciones lentas y su melodía conjunta que son las que más el prefiere como lo notamos en Empty, Yellow y Tattoo. El compás que logra y el ritmo que genera el artista es sencillo y se apoya facilmente en los teclados y guitarras acústicas como acompañantes que por cierto son parte de una gran producción.
Otra de las cosas que el joven tiene presente en este álbum como ideas principales, es la idea y la figura de una casa, un hogar. La describe como una casa solitaria, un infierno un lugar al donde todos queremos volver pero el no logra encontrarse con ese sentimiento de comodidad. El descontento es constante si prestamos atención a sus composiciones.
El hecho de que juegue con diferentes influencias y presente diferentes géneros y casi todo el álbum se convierta en casi un relato viviente, vuelve a American Boyfriend un álbum muy interesante.

The Weeknd - Beauty Behind The Madness (2015)

Beauty Behind The Madness es el segundo álbum de estudio del cantante canadiense, The Weeknd que sorprendió de manera rápida  con una trilogía de mixtapes que hicieron valerlo como un artista interesante. Luego del sin pena ni gloria primer lanzamiento como álbum, Kissland, el cantante se lanzó a la fama mundial con este álbum que contiene un sonido sumamente comercial y altamente consumible para la radio y el consumismo juvenil, determinando solo su público más frecuente.
El álbum contiene fuertes influencias del sonido pop de los setenta junto a la música negra de dicho momento, la música disco.

Electropop, Contemporary R&B
Republic Records

Mi Calificación: 2,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Often, The Hills

Las canciones de The Weeknd son realmente densas hasta cierto punto, debido a una falta de dinamismo de el mismo o salto de calidad necesario. Las primeras canciones "Real Life" y "Losers" son canciones de electropop agridulces que también se le podrían adjuntar a una colaboración con un Dj del ámbiente, la colaboración con Labrinth es sumamente terrible, la canción no parece terminar más.
A pesar de que The Weeknd no me parezca para nada un buen compositor, y lejos de serlo, las canciones "Tell Your Friends", "Often" y "The Hills" son las canciones más interesantes y hasta las mejores producidas, el sonido producido en todo el álbum es envidiable y hay que admitirlo tal es así que tuvo mucha ayuda de Mike Dean, Illangelo, Ali Payami, Max Martin que produjo la famosa "Can't Feel My Face" y hasta Kanye West, pero obviamente hay que resaltar que teniendo toda esta gente en tu estudio y con un presupuesto multimillonario, que podría salirle mal, pues si, en cuanto a sonido es muy refinado y bueno pero el artista no devuelve consigo toda esta gratitud en producción.
Realmente The Weeknd se mete en terrenos donde los géneros urbanos más que nada abundan y recurren, es decir, el cantante se remite al juego de las drogas entrelazado con el amor pero de una manera poco interesante y mucho mas pop y no tan hostil.
Aún así, Beauty Behind The Madness lo consagra como artista popular mundial dando como fruto sus primeros sencillos exitosos top ten y hasta un #1 como lo es "Can't Feel My Face", la dura demostración de como el también puede hablar de lo que las drogas lo hacen sentir frente a una mujer haciendo apología a la misma en una canción de disco moderna.
En resumen, el poder de radiofórmula y el atractivo retro del estilo y el flujo del artista forman un álbum más aburrido que prometedor aunque teniendo esto en contra, logró una fuerte base de estilo Pop y  R&B.

Nicolas Jaar - Space is Only Noise (2011)

Space Is Only Noise es el segundo álbum de estudio del DJ ambiental chileno Nicolas Jaar. El artista andino experimenta con sonidos lentos y de aspiración a una fachada melancólica con un concepto existencial y anti materialista de carácter abstracto en los que también mezcla un sin fin de sonidos de carácter meditativo y también así repetitivos.

Ambient Pop, Ambient House
Circus Company

Mi Calificación: 3 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Colomb, Too Many Kids Finding Rain In The Dust, Spectres of The Future

El comienzo con "Etre" y "Colomb" en donde los sonidos promiscuos y voces serias dan el tono y el color inicial al álbum, lo vuelve algo interesante que por delante solo pocas veces cumple con esta regla volviéndose repetitivo y algo denso. Si bien la capacidad del artista es innegable para hacer música ambiental, Space Is Only Noise necesita más carácter y potencia creativa en su haber es decir que aspira a ser un álbum realmente completo pero los ecos, los efectos y las voces repetitivas lo deslucen poco a poco.

"Too Many Kids Finding Rain In The Dust" sin duda es una genialidad teniendo un estilo muy profundo y bohemio que es lo que la hace destacar sobre las demás pistas recibiendo apoyo de arreglos orquestales. La futurista y espacial que le da el título al álbum, "Space Is Only Noise",es la contra cara de la anterior mencionada en donde se encuentra la mejor de la segunda parte del álbum junto al buen cierre "^tre" enfundado en un piano excelente y melancólico con un paisaje sónico que podría corresponder a cualquier espacio público.

En resúmen, Space Is Only Noise es un trabajo en donde los arreglos vocales y los menos ambientales le quitan, o al menos intentan quitarle, protagonismo al poder ambiental que produce el mismo artista con una mirada futurist, bohemia y vanguardista.

Playboi Carti - Playboi Carti (2017)

Luego de nombrarse $ir Carter y lanzar un mixtape bajo el apoyo de TFZ, Playboi Carti se renombró con dicho nombre y crearía una muy buena sociedad con el productor y beatmaker Pi'erre Bourne, un productor con beat bastantes característicos y distinguibles gracias a su sonido etéreo, minimalista y repetitivo y por momentos alegres y rítmicos que forma con la voz de Carti un Hip Hop moderno y vanguardista. Playboi Carti tiene también como colaboradores a A$AP Rocky, Lil Uzi Vert y Leven Kali. El mixtape fue lanzado el 14 de Abril de 2017 y en formato físico por primera vez el 6 de octubre del mismo año.

Trap Rap, Cloud Rap
Interscope Records

Mi Calificación: 3 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Location, Magnolia, Lookin, Woke Up Like This.

Contra toda crítica hacia la nueva escuela que se profundiza mucho más en rapear en bucle y no enfocarse en lo real del género que consiste en el relato extenso y el rapeo entre verso y verso, el rap de Playboi Carti es sin duda el que toma la bandera e identifica a varios del "Mumble Rap" y perfilándose sin duda alguna a pasar por arriba a demasiados que repiten la fórmula. 

Si bien Carti nunca se profundiza en las letras, tiene algo que los demás no tienen y es una inmensa personalidad eufórica para crear nuevas performances y otra característica que por lejos es de la que abusa y no lo arruina son los ad-libs que utiliza la totalidad del tiempo. La aparición de este joven de Atlanta da una esperanza a que esta nueva ola ponga la frente en alto en el mundo del género urbano aunque el por si solo no podría simbolizar la popularidad y el triunfo del mismo, lo identifica de una manera genial. La manera en que la producción y los beats juegan con el poder de Carti es increíble. NO. 9, Location, Woke Up Like This, Half & Half y sin duda alguna Magnolia, son los tracks en donde Carti se luce y se siente más cómodo. En conjunto y como mencioné antes debo decir que la ayuda que brinda P'ierre Bourne todo el tiempo lleva a todo esto a serlo mucho más simple para este jóven. En el caso de Magnolia (elegida mejor canción nueva por The New York Times), funciona como una canción divertida en donde le servirá como primera impresión seguramente porque muchos oyentes empiezan por aquí y en donde hasta cierto punto se encuentra sobrevalorada aunque por partes es genial el egocentrismo del que goza.

Sin embargo, el mixtape trata sobre algo que ya es demasiado común con frases que no son realmente novedosas es decir, no esperes algo nuevo en Playboi Carti si hablamos de letras, no esperes formas nuevas de referirse a la fiesta y al lujo, nuevas formas de rendir tributo a la vida de un rockstar moderno como nombra Lil Uzi, fuera de eso, Carti si es un artista eufórico pero la cuenta pendiente aquí es su desarrollo como compositor.

Mientras tanto y como definición final de Playboi Carti, dejemos que siga divirtiéndose e identificándose con el Ad-lib, que por cierto se lo definen como a las voces traseras que aparecen a final de cada ver (yeah, wop, a lot, woo, nigg*), porque es el mejor expositor sin dudas hasta el día de hoy y mejor aún cuando las bases son atmosféricas y típicas de Cloud Rap.

Linkin Park - Minutes to Midnight (2007)

Luego de los primeros años de Linkin Park en donde las canciones melancólicas se mezclaban con estruendosos sonidos de estilo Nu Metal con los versos de Shinoda y Chester, Minutes to Midnight bajaría los decibeles a los que estaban acostumbrados a escuchar sobre ellos mostrando una faceta renovada y mas elegante de la banda. Las influencias del Rap Metal quedaron atrás y Chester Bennington tomaría el protagonismo vocal casi autoritariamente dejando pocos espacios al Rap de Mike Shinoda y hasta para el suyo lo que da como fruto una involucración de la banda en el Rock y Metal Alternativo. El álbum fue lanzado el 15 de mayo de 2007 y producido por Mike Shinoda y Rick Rubin.

Rock Alternativo, Metal Alternativo, Pop Rock
Warner Bros.

Mi Calificación: 2,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Given Up; What I've Done, Valentine's Day

La banda optó por renovar el sonido alejándose del recurso musical del Rap y de la participación del Dj con sus efectos de turntablism (girar los vinilos en la consola) y enfocándose en un aspecto más maduro pero más depresivo por parte de las composiciones, las canciones pasaron de ser agridulces a ser más oscuras y depresivas.

Minutes to Midnight fue en mi opinión una estrategia arremetida y desesperada por involucrarse en un terreno más comercial y más moderno y maduro que sus inicios pero con letras demasiado densas y aburridas, una herida que Linkin Park no pudo sanar desde su formación, la forma en que componen sus letras. A pesar de esto, se encuentran algunos de las más conocidas canciones de la banda como la exagerada Given Up, la balada Leave Out All The Rest y What I´ve Done.

Todos los sencillos y canciones más populares se encuentran en la primera mitad del álbum mientras que la segunda mitad vuelve el álbum muy denso e interminable. El hecho de que se halla profundizado una marca emocional por parte de la banda y que sus instrumentos se hallan vuelto por parte un elemento que no crea ritmos propicios ni siquiera canciones que se puedan considerar entretenidas o buenas forma un cambio rotundo en una banda que estaba yendo por un buen camino.