Akira Yamaoka - Silent Hill 2 (2001)

 Silent Hill 2 es catalogado y reconocido como uno de los mejores videojuegos del género Survival Horror y también de los mejores de todos los tiempos. Tan importante título e influyente, como si fuera poco, viene acompañado de una banda sonora totalmente impactante y destacada. En el ámbito de los muy aficionados melómanos e internautas de la música, el soundtrack de Silent Hill 2 es muy citado recurrentemente entre los más importantes, atrapantes y esenciales. En el año 2001, más precisamente a fines de septiembre de ese año, salía al mercado este videojuego para Playstation 2. Sin imaginarse nadie la influencia que provocaría en el mundo del gaming, este título vino acompañado de una banda sonora totalmente superior a cualquier videojuego que hayan jugado. El 3 de octubre de 2001, Akira Yamaoka publicaría la banda sonora de dicha obra de arte, lo que significaría un mérito más a la profunda historia del juego. Artista y compositor, que ya había compuesto la banda sonora del primer juego para el Team Silent y Konami, Yamaoka, desafía la ambientación de los videojuegos y marca un antes y un después innegable en materia soundtrack de los mismos. 

Video Game Soundtrack, Ambient, Trip Hop.

Columbia / Konami

Mi calificación: 5 / 5 estrellas

Mejores canciones: Theme of Laura, White Noiz, Forest, A World of Madness, Promise, Null Moon, Heaven’s Night, Alone in The Town, Prisonic Fairytale, Love Psalm, Terror in The Depths of The Fog, Betrayal, Overdose Delusion, Pianissimo Epilogue.

La mayoría de las veces, es difícil explicar por qué aficionados, melómanos, gamers e incluso los mismos críticos y productores, con el pasar del tiempo, han de tener si o si, un segundo de detenimiento en el análisis de esta banda sonora. Fue más valorada con los años, es una realidad, pero con este beneficio al estilo retroactivo, Yamaoka empezó a gozar de mucha reputación. Aquí no analizo lo demasiado bueno que es el videojuego, aquí me cuestiono lo demasiado bueno que es su banda sonora. Yamaoka empezó a ser un compositor muy apañado por la crítica desde este punto. 

Como era de esperarse lógicamente, esta larga historia no iba a ser orquestada por una banda sonora corta. Con una hora y casi quince minutos, Akira viaja confiadamente entre el Noise Rock y el alternativo, el ambient industrial en base a un synth siniestro y lúgubre, escasos momentos melosos melódicos, pesadillas oscuras industriales e intrigantes canciones de piano. Estos factores son los que congenian uno de los álbumes más creativos de oriente de los últimos 30 años, independientemente del tipo de música  en cuestión.

Haciendo un juicio superficial, igualmente la música de Silent Hill 2 se diferencia de sus iguales por amplia diferencia. Konami ha tenido un buen apaño para el Team Silent. La realidad es que Akira ha de ser un compositor experimentado y que, junto a la realidad de los  guionistas, logró llegar a su clímax como artista en la participación de uno de los videojuegos más importantes de la historia. La única opinión que desarrollo y manifiesto,  en base a la historia de trasfondo,  es que pienso que estuvo todo pensado milimétricamente para crear un aura totalmente atrapante y adictiva para el usuario.

Enfocándonos más en lo musical, sin tener delante nuestro una pantalla, un personaje o algo interactivo, Yamaoka demuestra que la materia musical que produce, por lo menos en términos de música ambiental, es totalmente prolífera y eficaz. El artista nacido en Niigata, desarrollaría joyas instrumentales que traspasan el gaming como “Theme of Laura” (contiene las mandolinas del tema principal del primer juego) y “Promise” como las instrumentales más icónicas con guitarra y piano. Luego, si tenemos en cuenta canciones que pueden ser de un amplio espectro, o por lo menos una pequeña determinación “Pop/Rock”, podemos encontrar Angel’s Thanatos y Love Psalm, siendo realmente un alto contraste entre ambas. La primera simbolizando peligro y la segunda relajación.

Apartando estas pistas y las protagonistas, Silent Hill 2 se basa ambientalmente en una odisea oscura, dura, necia, fría y totalmente conmovedora en donde los sintetizadores y teclados a cargo de la ambientación, se llevan definitivamente el protagonismo. Atrapantes  en White Noiz, dubitativos  e intrigantes en Ordinary World, impositivos en Heaven’s Night (teniendo en cuenta la escena del juego), y sobre todo, totalmente sorpresivos y atrapantes como en Terror in The Dephts Of The Fog, se convierten en la pieza alimenticia de, quizás uno de los soundtracks más recordados de la pantalla chica y grande.

Indudablemente, he aquí aplicado un trabajo ambiental inmediatamente puesto a prueba. Desde el desarrollo de la apertura con la canción de Laura hasta la canción del miedo en las profundidades de la niebla. Yamaoka ha de ser consagrada desde este instante (hasta el día de hoy) como uno de los mejores compositores multiinstrumentista de la música ambiental. Que camino recorriste Sunderland…

Future - Monster (2014)

 Como si de un artista casi atemporal del Siglo XXI  y comercialmente exitoso se tratase; como Drake supongamos; Future es uno de los raperos de Atlanta que, desde su inicio como artista, hasta el día de hoy, prácticamente elabora un hit radial por año. Desinteresadamente, mucha gente alrededor del mundo reconoce por lo menos una canción de él. Este fenómeno, hace un poco menos de diez años, veía la luz gracias a adictivos sencillos colocados en la lista Billboard. Entre esas canciones vacías, se camufló inocentemente su más profundo trabajo y mixtape, Monster, lanzado el 28 de octubre de 2014.

Trap

Epic Records

Mi Calificación: 4 / 5 Estrellas.

Mejores canciones: Monster, Throw Away, After That, 2 Pac, Hardly, Codeine Crazy.

Mientras el artista, bautizado por nacimiento como Nayvadius Wilburn, transcurría la ruptura amorosa con su pareja de ese entonces, Ciara, a su vez dejaba lo mejor que tenía en el estudio cada vez que iba a componer. A diferencia de la mayoría de sus trabajos banales, triviales, hedonistas o desafiantes que habría elaborado anteriormente, en Monster, Future decidió por primera vez contar como se sentía y desarrollar un trabajo con una temática mucho más introspectiva y reflexiva. Sumemos a esto, los productores como Metro Boomin,Southside y Nard & B entre otros, en un momento de inspiración y flexibilidad bastante favorable.

Luego de estar disfrutando su fama y gran reputación monetaria por unos seis o cinco años, a Future le llega un momento crítico en su vida, la separación con su prometida Ciara. Es en este año en donde el rapero decide plasmarlo en su mixtape y contar un poco lo que sucede por su mente. Monster es muy diferente a sus trabajos sin brillo, repetitivos, ominosos y bruscos que ya había grabado en el comienzo de su carrera. Todo artista tiene su punto de inflexión, y para Nayvadius fue este. Momento citado, el cual, se convirtió al día de hoy en uno de los trabajos más significativos e importantes en el Trap americano. Monster es un momento increíble de lucidez en donde artista y productores se complementan para brillar de una vez por todas. Es decir, las asociaciones de aquí, ya las hemos escuchado y en el futuro inclusive no harían casi nada interesante, es decir, es un destello atónito pero muy apreciable del artista.

La canción homónima del álbum, el artista tiene en cuenta la maldad  que puede tener de manera totalmente vulgar y sexista pero de manera inmediata solo para tratar de apaciguar los reales problemas que se presentan en Throw Away, como una oda de descargo terrible que se diferencia de toda su carrera y Codeine Crazy que trata de simbolizar su caída más profunda en adicciones y mala vida. Esta última inclusive, se asemeja en varios puntos a Hardly, canción en donde detalla el dolor que siente internamente.

Da igual si anterior a este trabajo las canciones de Future solo connotan un falso o incluso simbólico triunfo, tanto económico como social. Lo importante es que, quizás por primera vez en su carrera, y no última, nos encontramos con un álbum que contiene una trama, contiene un guion y contiene un concepto definitivo y significante. Su sonido instrumental, meritoriamente, también se diferencia del resto. En el viaje encontramos bases rítmicas, misteriosas, oscuras y dinámicas. Future Hendrix comenzó a ser tenido en cuenta por el mundo crítico luego de Monster y, por supuesto, es una acción totalmente justa luego de retratar por primera vez un hecho sentimental comprobable en su carrera.