domingo, 8 de septiembre de 2019

The Weeknd - My Dear Melancholy, (2018)

The Weeknd lanzó el 30 de Marzo de 2018 My Dear Melancholy, un EP totalmente sorpresivo por donde lo veas y lo escuches, esto lo remarco debido a que el álbum fue anunciado por su disquera XO y por Republic Records. El álbum tiene una gran influencia de la música electrónica, de más está decir que por momentos abusa demasiado de ella en el momento que acompaña al artista en su relato.

Alternative R&B
XO, Republic Records

Mi Calificación: 3 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Call Out My Name, I Was Never There


El EP es un pasadizo oscuro en donde la voz aguda y glamorosa del influyente artista pop se mezcla con la producción electrónica vibrante y muy presente en el trabajo. Cabe destacar que es un trabajo muy íntimo, un trabajo en donde por seis canciones predomina solo una voz conocida que da lo mejor de sí en un trabajo espontáneo y fugaz y es quizás por esto que notamos mucho más la presencia de la atmósfera al borde de llevarse el protagonismo.
Call Out My Name fue el sencillo líder de este EP, en donde el artista parece dolido, triste y más que nada decepcionado por el amor de una dama. Características como esta toma el rumbo de My Dear Melancholy,  el artista dejó la música disco moderna bajo el amparo de Daft Punk para entrar en un pozo sombrío donde muestra una decepción personal, sin embargo, Tesfaye no llega a ser lo suficientemente conviencente en cuanto al cuento de su amor.
El álbum es producido por varios artistas del circuito de la electrónica como Skrillex, Nicolas Jaar, Cirkuit, Marz y la sorprendente aparición del francés Gesaffelstein que trabaja como artista invitado en I Was Never There y Hurt You. Estas dos piezas son claves y fundamental para el desarrollo de este trabajo. Gesaffelstein hace que I Was Never There sea totalmente adictiva y fenomenal superando así el sencillo presente aquí o por lo menos poniéndose en su lugar, cabeza a cabeza, desafiando su sonido más pop por uno más íntimo y artificial. Sin embargo, e irónicamente, esta es una de las debilidades que no actúa como fortaleza aquí, el EP suena sobreactuado, muy artificial.
En resúmen, el sorpresivo ataque de The Weeknd en 21 minutos, forma un aura y una atmósfera oscura y sombría que refleja el saldo perdido en el juego del amor. 

Lana Del Rey - Norman Fucking Rockwell! (2019)

Con sorprendentes adelantos como sencillos, la reina del Dream Pop norteamericano el año pasado anunciaba lo que sería posiblemente su trabajo más sorprendente con una ansiedad por parte del público y la crítica por ver y escuchar de que se trataría su último álbum, Norman Fucking Rockwell.
La cantante de Los Ángeles, y personificación del simbolismo y nacionalismo americano dentro de la canción, lanza el 30 de Agosto de 2019 su quinto álbum en el cual se atreve a experimentar con diferentes sonidos más complejos a los que venía interprentando doblegando así su coherencia y estabilidad en el álbum. El nombre del álbum es una referencia a un ilustrador norteamericano del Siglo XX.

Art Pop, Dream Pop, Soft Rock, Trip Hop
Polydor / Interscope

Mi Calificación: 4,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Mariners Apart Complex, Venice Bitch, Fuck It I Love You, The Greatest, Cinnamon Girl, How To Disappear 



En NFR!, se presenta una nueva Lana, una Lana mucho más madura, más poderosa, más orgullosa y menos vulnerable a la mala suerte del amor como podíamos observar en sus primeros años que si bien no siempre la historia de amor de ella terminaba mal, no parecía como si Lana cantase muy feliz las situaciones que el amor de una adolescente vintage le deparaba. Es en este momento que uno que estuvo cerca del artista, poniéndose a analizar, puede ver como ha crecido a pesar de lo que las críticas le puede sugerir o remarcar, el notorio crecimiento personal va desde la experimentación sonora hasta el pulido profesional de su lírica, es decir, aquí Lana indiscutiblemente es una poeta con metáforas profundas y apropiadas, pasa de ser la adolescente que hemos mencionado a una mujer adulta que habla de que el ser humano debe ser amado y debe amar. 
La cantante californiana decidió alejarse del sonido radial para compensarnos con canciones exquisitas con Soft Rock, Rock con algunos tintes psicodélicos (aunque no estoy de acuerdo que esto sea sumamente psicodélico), el siempre personal Dream Pop y sorprendentes sonidos y efectos en dichas canciones con influencias del Slowcore y el Trip Hop, es decir, aquí se ve la gran experimentación sonora a la que la artista se dedicó. Con canciones que varían poco en sus tempos, el sonido es correlativo, persistente, profesional y maduro. Con una duración de más de una hora, NFR! no puede aburrir a nadie, cada canción tiene un destello que te atrapará sin dudas debido a que los recursos utilizados, junto con la producción, son realmente buenos y dinámicos que acompañando la voz de Lana, que también mejoró al momento de marcar los ritmos de diferentes canciones con su voz, forman hermosas baladas.
Entre sus canciones más sólidas se encuentran sus sencillos lanzados el año pasado como adelanto de este álbum, Mariners Apart Complex (-"Soy el tablero, el rayo, el trueno, tipo de chica que hará preguntarte quien eres y quien has sido"-) con un solo de guitarra setentero y un suave piano y Venice Bitch (-"Estás en el patio, enciendo el fuego, y a medida que el verano se desvanece, nada dorado puede quedarse"-) que rapidamente se convirtió en una de las canciones más aclamadas del artista por su estructura progresiva y su sonido de Rock embriagador y meditativo camino a la final de la canción, características que nunca se habían visto en la artista y fueron bien recibidas gracias al gran cambio en base a las canciones tradicional del Pop al que se volcaba de lleno anteriormente.
A pesar de esto, no solo los sencillos son sorprendentes, Fuck It I Love You, con un buen golpe rítmico acompañando a la voz de Lana, recuerda a las mejores canciones de Ultraviolence, Love Song contiene las letras más personalmente desafiantes del álbum quizás con una atmósfera solitaria y sonido de cuerdas de fondo, Doin' Time es un cover de la banda Sublime llevado al Trip Hop con una Lana alegre y eufórica.
Yendo para la mitad y final del álbum nos encontramos con que todas las canciones son, en resúmen, baladas. Las más destacadas son Cinnamon Girl y How To Disappear en donde se vuelve a encontrar este sonido frio, serio, complejo y progresivo como en Venice Bitch. En la primera canción, la atmósfera es bellisima con los sintetizadores haciendo las veces de ambientación de Chamber Pop y la segunda contiene un sonido de R&B Contemporaneo en una canción donde personalmente creo que aquí trata de explicar ese crecimiento personal con el que se encuentra la cantante, una etapa de cambios muy grande.
Indudablemente estamos ante un cambio en la artista para bien tomando como gran referencia el Rock Clásico y el Folk Rock de Neil Young, Joni Mitchel o Stevie Nicks que quizás es dificil entender que esté presente, pero en su sonido redefinido, la base está armada gracias a estos percusores. Anteriormente, no se había visto la presencia de grandes artistas en Lana jamas, pero quizás es tiempo de tomársela más en serio, por el momento disfrutemos de uno de los mejores álbumes de baladas de los últimos años.



jueves, 5 de septiembre de 2019

Calvin Harris - Motion (2014)

Bien sabido es que Calvin Harris es uno de los artistas más exitosos en la música en cuanto a lo  popular y en la venta de la misma. El DJ escocés presentó el 31 de octubre de 2014 su cuarto álbum. Motion, debutando en el quinto puesto en la lista norteamericana Billboard 200 y en el segundo puesto en los UK Charts.
Calvin presenta una colección de canciones en donde satura el sonido de la música mainstream y de afinación radial sin ser una desventaja para la elaboración de su música donde muchas veces estas canciones funcionan como las mejores del álbum.

Electrohouse, Electropop, Big Room
Columbia / Sony

Mi Calificación: 3 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Faith, Under Control, Blame, Summer


Manteniendo este concepto, Motion demuestra muchas cosas acerca del artista y que en su mayoría es la fortaleza que tiene para interpretar el Electropop radial y ser uno de los artistas más importantes del mismo como también muestra algunos errores o falta de originalidad en algunas canciones que le termina costando caro a fin de cuentas cuando se analiza a fondo el álbum.
El álbum presenta varios de sus hits más conocidos como Under Control, Blame, Outside y Summer como los más devotos de estas características. El mismo presenta constantemente un ambiente festivo así como también relatos amorosos por parte de las canciones donde se desarrolla más vocalmente que otras, característica que es para tener en cuenta es que las canciones de Electropop, a comparación de las casi puramente instrumentales de Big Room con la estructura definida y clásica del genero (climax instrumental de club continuo con un ritmo aburrido), son mucho mas originales, dinámicas y no son repetitivas. Tal es asi que Summer y Blame son las mejores canciones aqui en donde en la primera, Harris se luce vocalmente con ayuda de efectos sutiles que llevan al climax de la canción nuevamente y le da soltura y definición al album por completo mientras que con la segunda, cantada por John Newman, ya tiene una estructura mucho más comun y simple.
En Motion podemos encontrar grandes momentos con sus colaboraciones como Under Control con las voces de Hurts y la compañía de Alesso, la brillante y sencilla Outside con Ellie Goulding y Blame con John Newman como vocalista como las colaboraciones más importantes. En otras colaboraciones no tan protagonistas se encuentran Gwen Stefani, Big Sean, Haim, R3hab y Tinashe.
El álbum es todo un proceso para entender el Electropop y el Electrohouse de media popular de hoy en día y quizás uno de sus álbumes mas prometedores como también más demostrativos y completos gracias más que nada a sus sencillos que se presentan como los puntos más altos y lúcidos de su trabajo.

lunes, 2 de septiembre de 2019

Code Orange - I Am King (2014)

Code Orange, anteriormente y solo en su álbum debut llamados "Code Orange Kids", presentaba el 2 de septiembre de 2014 lo que sería su segundo álbum de estudio, I Am King. El álbum se presenta bajo una temática oscura, por momentos, con un sonido agresivo y tradicional del género del Metalcore en donde las voces desgarradoras de Shade, acompañado por Reba Meyers en tonos más melódicos, relatan versos pretenciosos y depresivos que gozan de momentos dispares en su lírica, letras complejas interpretadas con pasión mientras que contiene otras que la creatividad personal, brilla por su ausencia.

Metalcore, Sludge Metal
Deathwish

Mi Calificación: 2,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Dreams In Inertia, Starve



Generalmente, y explicado nuevamente, estos subgéneros están elaborado a base de canciones cortas como en el Grindcore debido a que, en mi criterio personal, se quiere mostrar un impacto más significante en un periodo corto de tiempo, y esto es lo que quiso intentar Code Orange, las canciones no pasan de los dos minutos y medios en su mayoría, excepto las mejores demostraciones de poder de la banda que se encuentran en las canciones más largas, irónico.
El álbum muestra performances fuertes y sólidas pero es muy dispar, es inconsistente, Shade usa su screaming como una herramienta horrorosa por momentos mientras que en otros es desgarradora y convincente, algo que me resulto raro de tratar a la hora de escucharlo pero la realidad es que tiene también sus puntos de inspiración fortuita.
El sonido del álbum es, en su mayoría, poco convincente pero tiene sus grandes gemas inclusive, Dreams In Inertia es una de ellas. Retenida como el resplandor de la banda, la canción es una pieza clave de Sludge Metal dentro del álbum, donde Shade y Reba son melódicos, el sonido brutal de la batería cambia radicalmente y la desesperada introducción al álbum se detiene un segundo en una canción mucho más personal e íntima, la mejor canción de la banda. Aún así, soy muy crítico con el sonido de las canciones que son puro Metalcore, mucho ruido sin consistencia como en I Am King, Unclean Spirit con sus momentos más experimentales o dinámicos, Alone In A Room, con pequeños momentos que lograron llamar mi atención y Your Body Is Ready... solo entre otras.
Por otra parte, la canción con la que me sentí más familiarizado es con Starve, que también es una canción que auditivamente se diferencia del montón explosivo de I Am King. Aquí, se vuelven a utilizar los recursos más técnicos del Sludge, guitarras densas y no tan repetitivas formando atmósferas oscuras pero no tan agresivas y repetitivas como en el resto de las canciones, es decir, Code Orange juega con recursos que los hubiera facilitado mucho más la vida.
I Am King es un álbum para amantes de bandas como Converge y del Metalcore tradicional sin ir más alla de las ramas subsistentes, en eso fueron clásicos pero no me agradó, en cambio, su postura donde utilizan las guitarras no tan repetitivamente ni tan forzadas a recitar lo mismo, me sorprendió. Sigue siendo un álbum con muchos altibajos.


miércoles, 28 de agosto de 2019

El Origen de Grandes Bandas Capítulo 17: AC/DC

AC/DC es una de las bandas más grandes y populares de la historia del Rock teniendo su origen en la ciudad de Sidney, Australia en Noviembre del año 1973. Las raíces musicales de AC/DC obviamente se centrarían en los gustos musicales de los hermanos Young, Angus y Marcus, co-fundadores de la banda y ambos guitarristas de la misma. Sin duda, estas grandes influencias fueron el Rock and Roll vigente y candente de esa época de artistas como Chuck Berry, Elvis Presley, Little Richard y Buddy Holly entre las referencias históricas más importantes. (Inclusive de Chuck Berry, Bon Scott sacaría su paso característico).


En 1973, los hermanos Young se mudarían a Melbourne y una vez allí, instalarían su pasión por la música en dicha ciudad ensayando y formando parte de varios proyectos como Beelzebub Blues por parte de Malcom y la formación del grupo Kentuckee por parte de Angus, ambas bandas juveniles y sin trascendencia en los estudios pero que los ayudaron a crecer con el dominio de la guitarra eléctrica y futuras presentaciones en vivo.
Para el mes de Noviembre de dicho año, los hermanos se pusieron de acuerdo en crear un proyecto en común, es decir, una banda en la que ambos sean los protagonistas, es así como reclutaron a conocidos músicos de ellos para que formaran parte del proyecto. La primera formación de AC/DC fueron, aparte de Malcom en guitarra rítmica y Angus en guitarra eléctrica, Colin Burguess en batería, Larry Van Kriedt en el bajo y Dave Evans como su primer vocalísta. La banda se presentó por primera vez en el Chequers Nightclub en los suburbios de Sidney en la noche de año nuevo, presentando versiones de sus ídolos anteriormente mencionados y las primeras versiones de canciones como Sunset Strip o The Old Bay Road.


Para mediados de 1974 y aún con Dave Evans como vocalista pero ya sin los otros integrantes reemplazados por Peter Clark en batería y Rob Bailey en el bajo, grabarían su primer sencillo oficial en los Albert Studios pertenecientes a EMI Australia, titulado Can I Sit Next To You Girl.
Con la llegada de Bon Scott a finales del mismo año, este había sido recomendado por su mánager, AC/DC se renueva de nuevo buscando mejores músicos y reemplazando a los anteriores. Llegarían en 1975 Phil Rudd (batería) y Mark Evans (bajo). Con esta formación se empezaría a formar más profesionalmente la banda debido a que con estos, la banda grabó los dos primeros álbumes de su trayectoria que fueron, en primer momento, distribuidos solo en Australia hasta el boom de su popularidad cuando Atlantic Records les ofreció llevar estos álbumes editados al Reino Unido.
Estos álbumes fueron: High Voltage y T.N.T. 
Este fue el comienzo de una de las bandas más populares del medio del Rock, banda que sufriría la perdida del edificante Bon Scott en 1980 a causa de un coma etílico. A posteriori, Brian Johnson tomaría su lugar aspirando a seguir con la gran carrera de la banda. El resultado: excelente.

martes, 27 de agosto de 2019

Hookworms - Pearl Mystic (2013)

Pearl Mystic es el álbum debut de la banda británica Hookworms, una banda de la que todo el mundo habla menos de lo mucho que se merecen, quizás últimamente de una de las sorpresas más grandes que me ha dado el Rock moderno y el de estos últimos diez años. Su álbum debut fue un grito que el Rock Psicodélico necesitaba si o si. El mismo fue lanzado el 4 de marzo de 2013.

Rock Psicodélico, Noise Rock, Shoegaze
Gringo Records

Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Away / Toward; Form and Function, In Our Time


El álbum es una completa muestra de poder psicodélico que absorbe también las influencias del Krautrock y el Shoegaze, en sus momentos más tranquilos y menos agitados. Durante el viaje astral que propone Pearl Mystic nos encontramos con destellos de guitarras distorsionadas al estilo más oscuro del Noise pero respaldada con ecos y una producción muy cuidadosa que hace que todo nos recuerde a los mejores percusores del género psicodélico de hace unos cincuenta años.
Hookworms supo como hacer que su álbum debut fuese una muestra sólida y embriagadora de la idea de todas las partes e integrantes de la banda mostrando una cara lúcida por momentos y en otras con una temática más oscura como por ejemplo los tres instrumentales que dividen el álbum (I, II, III) y hacen que nos adentremos en un viaje mucho más profundo de lo que aparenta.
Por otro lado, tengo que destacar la labor de la producción en base a la voz de Matthew Johnson es por mucho favorable gracias a los embriagadores efectos que juegan con la misma como en Form and Function o más notoriamente en In Our Time, la canción más tranquila del álbum.
En resumen, en el álbum congenian muchas influencias de la época dorada del Rock Psicodélico y lo tan bien que la utilizan, hacen pensar en que a muchos les gustaría esta banda si no fuese por su bajo perfil que presenta, sin embargo, Pearl Mystic es una joya de esas que por momentos da gusto que esté así de quieta y oculta debido a que genera una sorpresa mucho más grande.



lunes, 26 de agosto de 2019

Skee Mask - Shred (2016)

Shred es el álbum debut del DJ alemán de Ambient Techno, Skee Mask. El álbum presenta un pasaje de sensaciones oscuras y ténues tiempos de sintetizadores que nos acompañan a lo largo de la casi hora de duración del álbum manteniendo una ambientación mística y tranquila sin abusar de los recursos clásicos del género. El álbum fue lanzado el 1 de Febrero de 2016.

Ambient Techno, Breakbeat
Ilian Tape

Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Autotuned, Shred 08, Backcountry, Shady Jibbin'


Podríamos encasillar muchos artistas del género en este álbum aquí presente, es decir, el sonido de Shred no es innovador pero si es sólido, esta allí presente las ondas vibratorias de las cajas de ritmo de Richard D. James por ejemplo junto con pistas más inusuales, me refiero al puro Breakbeat de Shred 08 que es una excelente pista, y con otras con química mas tradicional, repetitiva pero puramente ambiental como los primeros minutos del álbum con Everest y Hal Conv. seguidos de una parte más rítmica que se interpone en este relajante viaje con las canciones Autotuned, la ya mencionada Shred 08 y Melczop 2 como las más dinámicas. 
Además, Skee Mask juega con una excelente ambientación bañada en sonidos lúgubres que nos remonta a lugares abandonados y quizás desolados, con la increíble modalidad de los golpes cortos, agudos y brutos del Break, estos por momentos también los podemos encontrar en una sola canción mezclando las dos partes más importantes de la esencia del álbum.
El punto del real climax se produce en Shady Jibbin', una pista totalmente minimalista y rítmica, de mis favoritas del artista en donde todo lo dicho anteriormente no tiene validación. Es decir, es una pista fuera de contexto que es igual de oscura pero mucho más agresiva, toda una pista de club nocturno y es que de hecho, debe ser sorprendente escucharla en vivo.
Sin embargo, no voy a ser hipócrita y debo decir que el álbum se hace extenso, a pesar de ser ambiental y yo considerándolo uno de mis géneros favoritos, Shred muchas veces su fortaleza se convierte en su debilidad mostrándolo como un camino sinuoso y largo para recorrer.

miércoles, 21 de agosto de 2019

Canserbero - Muerte (2012)

Muerte es el Magnum Opus de Canserbero, conocido por su nombre de nacimiento como Tyrone González, un joven venezolano con una pasión indefinible por el Rap y el Hip Hop que sin tener la oportunidad de apreciarlo, verlo y sentirlo, se ha convertido en una figura trascendental y esencial del género y en el mundo de la música urbana de habla Hispana. Muerte es solo una de las tantas cosas por las que es reconocido como tal. El segundo y último álbum del artista ha sido lanzado el 24 de Marzo de 2012. Cabe destacar que este álbum completa el disco doble Vida/Muerte, el cuál la primera parte fue lanzada en el año 2010.

Hip Hop Consciente, Rap Latino, Jazz Rap
VinilH Records

Mi Calificación: 4 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Es Épico, Maquiavélico, Mundo de Piedra, Un Día de Barrio, Jeremías 17-5




Muerte es un álbum oscuro, serio y sin filtro pero lo más importante y trascendental es que es un álbum muy introspectivo y reflexivo, aquí el artista deja a flor de piel mucho de los problemas internos en su mente o más bien y reformulando, cita en muchas ocasiones muchos de los pensamientos oscuros y ocultos dentro de su mente como obviamente su proximidad con la definición de la muerte, su relación con la misma y su posible apreciación al acto del deceso.
La misma juega un papel protagonista en canciones como C'est La Mort, Es épico, Mundo de Piedra y Llovía entre otras. A pesar de que el relato mortal es el que se lleva el protagonismo aquí, de allí el título también, el álbum nos regala muchos actos y recursos musicales exquisitos planteados por Canserbero. Sin duda es uno de los artistas líricos más extrovertidos, dinámicos y habilidosos para crear relatos en sus canciones ya que cada una de estas contiene un relato compuesto y expresado  a su antojo como si fuesen relatos independientes.
Es Épico quizás se lleve las miradas en este álbum, su canción más popular en donde después de su muerte, desciende al infierno y la única escapatoria para que su alma sea libre es ganarle al demonio en una batalla de rap. Durante su viaje en el inframundo, se encontraría con muchas personalidades importantes de la historia a las que menciona impresionado por no creer encontrarselos allí.
Por otro lado, uno de los relatos más sorprendentes se encuentra en Mundo de Piedra, donde mediante un triple punto de vista muestra la historia de un adulterio que termina en tragedia, dejando en claro su desprecio por la fuerza policial y la corrupción en la misma como también menciona en otras canciones. Debido a esto, tampoco hay que olvidarse que el relato de Tyrone se trata básicamente de una crítica social en cuanto a las fuerzas de su país y su gobierno mismo, como cita en Un Día En Mi Barrio por ejemplo. Las críticas de Canserbero siempre pusieron en la mira a más de una entidad de la cual son dependientes muchas veces la gente de clase baja o media formando así canciones conscientes de echos delictivos y de la vida cotidiana que podrían afectar a cualquier persona en su modo de vida, en pocas palabras, repudio al sistema en el que vivimos todos día a día.
De esta forma fue como el joven se hizo de gran importancia al género y sirviendo de influencia al mismo.
En cuanto a la producción del álbum, las bases son oscuras y con  ambientaciones tristes y melancólicas con un sonido no tan trabajado, es decir, no es digna de ser aclamada como de las mejores que podría tener un rapero pero eso no logra desfavorecer la obra y el proyecto.
La mirada fría y por momentos pesimista de Canserbero muestra un reflejo sincero y único de un artista talentoso y desafiante.




lunes, 19 de agosto de 2019

The Strokes - Angles (2011)

Los jóvenes de New York, luego de 5 años y medio de pausa, lanzan el 22 de Marzo de 2011 su cuarto álbum de estudio, Angles. El álbum sitúa a la banda en un proceso por el cual la banda se sentía atareada, fatigada pero siempre con la voluntad de cumplir su cometido que esta vez fue sin dudas lanzar un nuevo álbum para no demorar ni un segundo más la espera de cierta cantidad de fans y la prensa también, ¿por que no?.
El sonido de Angles realmente sorprendería por lo dispar que suena a comparación de sus otros proyectos, el sonido se redefinió hacia una corriente más retro, más pop y sobre todo un sonido mucho más suave y digitalmente modificado a comparación de otras canciones suyas en general.

Indie Rock, New Wave
RCA Records

Mi Calificación: 3 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Machu Picchu, Under The Cover of Darkness, Life Is Simple In The Moonlight



Si antes era evidente la influencia de bandas Post-Punk y artistas del New Wave, ahora es casi un tributo debido de la forma en que se ha abusado en este álbum de dichas corrientes. El sonido de Garage Rock se ha dejado de lado, ya no es el grupo que identifica a los jóvenes adentrándose al Rock moderno sino más bien se trata de una banda que sufrió un drástico cambio llevando el sonido a lo que podría ser otra clase de oyentes.
Angles se vuelve inconsistente más que su sucesor y que cualquier otro álbum de ellos, realmente desespera la manera en como quieres que el álbum te sorprenda pero solo tiene una paleta de colores electrizantes y setenteros que ofrecerte sin más. Aún así, todavía quedan signos vitales de aquel salvador del Rock, Machu Picchu abre el álbum energéticamente, a pesar de que sea con un ritmo de punteo al estilo Reggae que se fusiona con un buen solo escandaloso de Nick Valensi, por cierto el músico que más ha crecido en estos años, su guitarrista. Otro signo vital de aquella explosión juvenil fue Under Cover of Darkness, futuro clásico de la banda obteniendo la mayor influencia del Rock "garajero" en todo el álbum. Otra de las entregas interesantes en Angles es Taken for a Fool con una rítmica buena por parte de Moretti en la batería y también un Valensi inspirado en donde luego de los acordes del estribillo, se lo puede ver lucir en soledad por algunos segundos.
Hasta aquí pareció haber sido un álbum con grandes canciones pero sin una sorpresa definida ni mucho menos algo esencial que presente la banda y es que en cambio, la parte más débil y fuertemente críticada del álbum, se asoma. Angles realmente sufre la crítica de que fue un álbum muy, demasiado, esperado para encontrarnos con algo que no satisface ni loco lo que nos esperabamos. Angles es un álbum muy artificial, con un espíritu desganado en donde Casablancas y los suyos no supieron demostrar de donde han venido y que han sido capaz de construir, un material que realmente tiene destellos disfrutables pero que en el fondo presenta cierta decepción.
Canciones setenteras inconsistentes con la voz de Julian retocada y modificada al antojo de la producción dejando poco al natural, sintetizadores pops, punteos clásicos de Pop Rock, grande influencia y acordes de Bossa Nova en varias ocasiones formaron un álbum inconcluso que no ha dejado desarrollar naturalmente el potencial de estos músicos.

miércoles, 14 de agosto de 2019

Bruno Mars - Doo-Wops & Hooligans (2010)

Oriundo de Hawaii y con un comienzo un tanto complicado en el ingreso a la industria musical debido a un contrato que no funcionó, en 2010 Bruno Mars anuncia su primer álbum de estudio Doo-Wops & Hooligans luego de también haber hecho las veces de productor para varios artistas del medio pop y mainstream logra sacar su primer material en solitario.

Pop, Contemporary R&B, Pop Reggae
Atlantic Records / Elektra Records

Mi Calificación: 2,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Granade, Our First Time


Bruno Mars demuestra con un álbum sofisticado y con un sonido "chill" y suave que es un artista con un futuro, por aquel entonces, muy disperso debido a que demostró que tiene gran facilidad para manejarse con varios géneros incluidos aquí o al menos varias influencias que se incluyeron para formar las canciones Pop que hay aquí. Mars en Doo-Wops & Hooligans mostró una gran performance en cuanto al Pop Reggae con la colaboración de Damian Marley en la festiva Liquor Store Blues pero aún mejor fue su demostración en solitario en Our First Time con una producción bellisima y un Mars inspirado vocalmente llegando a concordar una bella melodía convirtiéndola en una de mis canciones favoritas del artista.
A pesar de esto, el álbum posee muchos guiños de canción mainstream y un sonido comercial extremo rebajando lo que podría seder el nivel profesional del que goza ya Mars en sus primeros años en la música. Just The Way You Are se convirtió en su canción más exitosa en sus primeros años también convirtiéndose en una de sus más vendidas casi a nivel mundial pero dejenme decir que no me parece más que una canción de quinceañera, una balada pop básica. Este sentimiento también lo encuentro con canciones como Runaway Baby y mucho más con The Lazy Song, canción que siempre, desde hace años, detesto.
Sin embargo, Doo-Wops & Hooligans nos deja un panorama claro de la clase de artista que es Bruno Mars, un artista que sin dudas se abriría paso en el mundo de la música añadiéndose inevitablemente a un circulo de artistas de consumo masivo pero que demostró también ser un artista habilidoso y versátil probando con influencias del Soul y el Reggae. A futuro incluiría el Funk en sus canciones con el que le iría mucho mejor.