Sophie - Oil of Every Pearl´s Un-Insides (2018)

SOPHIE es una DJ, compositora y productora pop escocesa que sorprendió estos últimos años en el terreno de la producción trabajando con grandes artistas como Madonna, Charlie XCX, Vince Staples y Flume entre otros. Su estilo de música presenta una fachada de música bailable de club futurista, dinámica, virtuosa, reveladora y más que nada liberal y sincera. Oil of Every Pearl´s Un-Insides fue muy esperado por quienes la siguen de cerca, esto fue lo que causó en mi gran expectativa en torno a un trabajo que rápidamente se tornó de los más mediáticos y populares del 2018, otra de las causas por la que me esperaba un gran proyecto. El álbum fue lanzado el 15 de Junio.

Bubblegum Bass, Deconstructed Club
Transgressive / Future Classic

Mi Calificación: 3 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Is It Cold In The Water?, Pretending

Primero debo mencionar sin falta que los dos géneros de música presentes aquí y mencionados arriba, te parecerán quizás totalmente ajenos y poco familiares seguramente. SOPHIE se encarga de interpretar uno de los géneros de música o fusiones menos difundidas de la música electrónica y por cierto de las más modernas como lo es el Bubblegum Bass, fusión y subgénero del popular Eurodance de hace 30 años, que consiste en repetición e interpretación de sonidos electrónicos alegres y futuristas hasta con un sonido casi infantil el cual es muchas veces desacreditado como tal, es importante diferenciar el Bass de la música Bubblegum pura debido a que este primero es interpretado con sonido de graves proveniente de secuenciadores electrónicos como lo hace SOPHIE en su álbum con las Elektron Monomachines, utilizadas también por ejemplo por The Chemical Brothers.

Comenzando por It's Okay to Cry, una balada pop en donde la artista larga una profunda catarsis personal, seguido por los temas mas futuristas y populares del álbum como lo son Ponyboy y Faceshopping, quizás también las mejores canciones del álbum para otros pero no para mi ya que ambas son muy parecidas, repetitivas y con efectos que carecen de un ritmo definido, entretenido o del cual pueda disfrutar es decir, definitivamente no puedo ver el éxito del que gozan, no puedo ver la causa del cariño que le tienen a esas canciones a pesar de que no son del todo malas, no puedo escucharlas más de una vez. Ponyboy es obscena, sucia y sexual, tema que inevitablemente iba a tocar SOPHIE en su álbum seguramente por su condición sexual de disforia de género, mientras que por otro lado, Faceshopping es más abstracta y plástica podemos decir si vemos su video, algo que me llamó la atención, el álbum permanece con una estética superficial y estética en muchas oportunidades.

Mientras que la mayoría o muchas de las voces que he escuchado hablar del álbum permanece elogiando esta parte del álbum yo prefiero destacar la voz del artista y la habilidad que tuvo para manejar la atmósfera cargada de notas en "Is It Cold In The Water?" una canción que contrasta las características banales del Bubblegum con un sonido mas sólido y penetrante y realmente sorpresivo llegando al punto de creer que canciones como estas son de las mejores que el artista puede moldear junto con uno de sus primeros singles inclusive. En Not Okay y Pretending siento también una fuerza similar por parte de la artista, con ritmo graves y cortos en la primera y en Pretending nos tornamos con un caso totalmente especial, salimos de la alegría, del baile, de lo animado, lo colorido y lo plásitco que puede ser Oil of Every Pearl's para adentrarnos en un pasaje oscuro, una atmósfera de oscuridad inmensa que nos rodea e invade nuestros sentidos en una pista Dark Ambient que desencadena en sonidos con influencias Drone.

Si bien no he destacado todas las cosas del álbum por ser subjetivo, SOPHIE es sin duda una de las productoras de la música pop y electrónica del futuro que sin duda tendrá alguna que otra influencia a nivel global como la ha tenido hasta el momento pero aquí me pareció un álbum un tanto sobrevalorado.

Earl Sweatshirt - Doris (2013)

Luego de su enigmático y juvenil mixtape titulado "Earl" lanzado en 2010 cuando solo este joven ostentaba unos 16 años, llega el 20 de Agosto de 2013 su esperado debut en los estudios, Doris.
Viniendo de ser una revolución en el Rap Underground y de ser uno de los principales partícipes de Odd Future y uno de los culpables de su rápida popularidad en el circuito urbano en aquellos años, Doris muestra una faceta desmesuradamente oscura premonitora y algo personal apoyada por una ambientación enigmática y oscura en los momentos precisos creando así un impacto con el artista aún mayor que el que pudo haber demostrado hasta ese momento.

Hip Hop, Abstract Hip Hop
Columbia Records / Odd Future / Tan Cressida

Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Pre, Burgundy, 20 Wave Caps, Chum, Sasquatch, Molasses

Doris es un álbum entrañable y misterioso donde la posible supremacía de Earl se entromete en sus pensamientos pesimistas y oscuros formando un relato dispar en donde deja a flor de piel varias facetas del artista como asi también habla mucho de su forma de pensar y su tristeza interna que tuvo en su época de adolescencia y la transición por la que padece al momento del álbum, una persona que está llegando a la adultez y esta experimentando lo que es ser famoso y apreciado por personas que quizás nunca conozca.

Earl es profundo, serio y sobretodo es una persona temperamental, o al menos es el reflejo que aquí nos deja debido a que el álbum tiene una visión personal y también una visión de superioridad en el juego del rap y reparto de rimas muy inteligente, es decir, es un álbum donde se encuentran muchos aspectos del artistas, sentimientos encontrados dentro de diferentes canciones depresivas que se contrarrestan con otras más pretenciosas y orgullosas y es que realmente a elección, ambos tipos de performances aquí, son geniales. Los momentos más íntimos en Doris se producen en Burgundy en donde Earl se trata como si fuese un objeto que solo tiene que dar un espectáculo, un negro que solo tiene que rapear para entretener sin que nadie se preocupe por su bienestar y/o pensamiento, en Sunday, la única canción de amor de Earl aquí, le canta a una joven que la extraña y que siempre será una persona fiel y humilde a pesar de su paso por la fama con Frank Ocean en modo lo-fi haciendo lo suyo y brindando sus indecisiones en sus versos y por último y más importante para mi, una de las más conocidas de Earl y más representativas es Chum en donde con una base de piano minimalista relata evidentemente ebrio, lo duro que fue estar varios años alejado de su padre y su posible falta de cariño en el desarrolllo de su adolescencia que de seguro influiría en su música como lo hizo en estas canciones.

Estas partes del relato del álbum en general son las más claves para entender al mismo pero Doris realmente esta lleno de atributos buenos, por empezar Earl comenzó siendo el rapero más talentoso de Odd Future sobre Tyler, condición que se revertiría casi cinco años después pero que sin dudas gracias a canciones como estas y una producción nocturna con influencias oscuras de procedencia de MF Doom por ejemplo en todo el álbum con beats ásperos, oscuros con algunos golpes ténues y otros bien graves que ambientaron letras que ayudaron al artista a reflejar lo que es interiormente, es decir que aquí se ve una catarsis y resumen de los eventos vividos por el artista en ese último tiempo y el rapero lo maneja de forma técnica y autoritaria y reveladora. Las colaboraciones abundaron en el álbum con 8 raperos en donde Tyler, The Creator y Domo Genesis se llevan el galardon como los mejor partícipes de este tipo colaborando en versos demoledores con alguna que otra rima absurda que se pueda perdonar. 

J Balvin & Bad Bunny - Oasis (2019)

El circuito mundial musical, en cuanto a popularidad y consumo, sin lugar a dudas se rige por los géneros urbanos en donde encontramos el Hip-Hop siempre presente con grandes artistas y otros con corrientes relativamente nuevas y modernas como el "Mumble Rap" y el estallido mundial del Trap Rap en este último lustro en el país norteamericano llevado alrededor de todo el mundo y también por el desmedido y veloz crecimiento del consumo del Reggaetón llevado del Caribe y Puerto Rico a llegar a ser consumido ya casi en todos los rincones del globo gracias a artistas como Daddy Yankee, Bad Bunny, J Balvin y Maluma entre sus representantes más populares.

Este consumo masivo del Reggaetón es digno de diferentes análisis detenidos todo en un mismo lugar que es el "Que llevó al Reggaetón a tener un crecimiento tan fortuito?" pasando de ser un género discriminado a ser uno de los más consumidos a pesar de que aún es fuertemente criticado por su ocasional misoginia, lenguaje explícito y supuesto poco respaldo musical.

Oasis vino a ser la representación mucho más profesional del Reggaeton y un recordatorio de porqué es tan exitoso y tan rentable hoy en día. Por empezar el álbum rompe el esquema por el cual está regida la música urbana latinoamericana liderada por sencillos y canciones comerciales sin álbum alguno encerrando el proyecto en un álbum de estudio para reforzar la idea musical y demostrar que se podía hacer uno de Reggaeton que sea popular, bueno y comercial con nada más ni nada menos que hecho por dos de las figuras más representantes del género, J Balvin y Bad Bunny. Oasis fue lanzado el 29 de Junio de 2019 convirtiéndose rápidamente en el álbum más escuchado en casi 100 paises.

Reggaeton, Contemporary R&B, Trap Rap, Pop Latino

Universal Music

Mi Calificación: 3 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: Yo Le Llego, Cuidao Por Ahí, La Canción, Odio

Oasis goza de ritmos y texturas mezcladas con el Reggaetón que en lo personal no lo había experimentado antes, bases buenas y un poco ásperas como en "Mojaita", "Yo Le Llego" y la adictiva "Cuidao Por Ahí" que casualmente abren el álbum en este orden mostrando un Reggaetón clásico que a partir de esta parte comienza a desvirtuarse y tornarse más complejo y detallado donde logró sorprender hasta la versión más escéptica de mi.

El clímax sin duda del álbum es "La Canción" con toque jazzero y base de influencia Dancehall y R&B por parte de Sky y Tainy, no hay que olvidarlos porque fueron de lo más importante para el álbum también, en donde es el punto más melancólico del álbum, por cierto la referencia de Kanye West es buenísima, en donde si bien se recurre a una materia repetitiva como la mezcla de sentimientos hacia una mujer, no deja de ser genial por su elaboración, algo sinceramente inesperado, es decir, nunca me imagine a una persona como Bad Bunny en una canción así, la misma sorpresa que me he llevado con "Otra Noche en Miami".

Anectódicamente, el álbum incluyó la colaboración con el cantante de la banda Argentina de Rock, Enanitos Verdes en una mala performance que por lo menos, no perdieron la oportunidad de ponerle un tinte de folclore latino al álbum representando siempre lo latino y lo propio. La otra colaboración data en "Como Un Bebé" con el cantante nigeriano Mr. Eazi en un rítmico outro que fortalece aún más el sonido de la producción y las raíces latinas con un Bad Bunny con un tono ya más propio y familiar como los utilizados en X100PRE. 

Si bien como he dicho recién, la temática de Oasis es repetitiva y ya vista en el género, obtiene algo que los demás lanzamientos y trabajos de Reggaetón no tienen, un toque innovador y una tenue sutileza en contra de las metáforas banales a las que recurre el género muchas veces en sus canciones.

He visto que Oasis ha tenido mucha crítica dividida entre los que vieron un trabajo sorpresivo, como yo, y los que no se han sentido satisfechos debido a la vara alta que ha quedado desde el año pasado con los álbumes de ambos cantantes que los llevaron a pensar que podrían hacer algo mejor que esto. En lo personal, hace mucho no disfrutaba de un álbum de Reggaeton como este.

Thom Yorke - ANIMA (2019)

ANIMA es el cuarto álbum de estudio y trabajo en solitario del líder de Radiohead, Thom Yorke. ANIMA es su proyecto con menos influencia de dicha banda, mientras que en álbumes anteriores observabamos hasta como los sintetizadores y transiciones digitales junto a diferentes instrumentos sonaba similar a trabajos de la banda, en este álbum se puede ver una soltura más dinámica y personal en cuanto al sonido y juego de sintetizadores que aquí ganan un sonido más futurista y áspero, también incluyo que difieren las diferentes composiciones dentro de las canciones. ANIMA fue lanzado también con un cortometraje de Netflix a cargo de Paul Thomas Anderson, el 27 de Junio de 2019.

Glitch Pop, IDM, Ambient Pop
XL Recordings 

Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Twist, Dawn Chorus, Not The News, Impossible Knots

El álbum es se molda dentro de un paisaje constantemente transitorio en donde la sensibilidad y la mirada fría de Yorke con su temblorosa voz, a veces inspirada otras veces más depresiva y hasta por momentos la podemos escuchar digitalmente distorsionada, se apoya en la producción del siempre cercano al artista Nigel Godrich que lleva a ANIMA, junto con la Orquesta Contemporánea de Londres, a un punto vanguardista y complejo más allá de cualquier álbum anterior al artista asemejándose al nivel de The Eraser (2006) con aspectos más modernos y futuristas como lo podemos ver en el increíble final de la canción Twist, durante todo Dawn Chorus y en Not The News e Impossible Knots como puntos más fuertes del mismo que hacen que el álbum sea un trabajo más completo por ejemplo que Tomorrow Modern's Boxes editado en 2014.

A pesar de esto, el trago agridulce que me deja ANIMA es sin dudas la espera de un álbum con constantes sorpresas. El camino que eligio el productor aquí, es el mismo pero con canciones que vienen cargadas de diferentes capas de sonidos electrónicos a pesar de que sigue siendo siendo siempre la misma idea final, los caminos de los álbumes de Yorke siempre nos terminan llevando a un mismo camino, un paraje ficticio en donde habita la intimidad del artista siendo relatada con una ambientación digital que aquí solo difiere en que se ha vuelto más detallada y enredada artificialmente.

Los encuentros entre el piano, las capas de sintetizadores ásperas y la lluvia de sonidos repentinos dejan a veces el sentido de que siempre se esta volviendo a algo repetitivo. Sin embargo, el hecho de que siempre se renombre la profundidad de la mente de un genio me da como resultado que solo por el hecho de ser Yorke, se vuelve algo interesante. Mas allá de esto, en este tiempo en el que no han trabajado juntos, concretamente desde 2016 cuando se lanzó el último álbum de Radiohead, Godrich siguió creciendo en soledad como un gran productor. La realidad es que esperaba con ansias algo más de este álbum, sin embargo, es el álbum más elegante del artista.

Deftones - Diamond Eyes (2010)

Viniendo de un periodo complicado de la banda que se constituyó de cuatro años en donde se suplantó al bajista anterior por un tema complicado de salud, una gira que peligraba su continuidad y la realización de un álbum que descartaría mucho material ya premeditado y realizado con anterioridad, Diamond Eyes sin embargo es un grito de triunfo de la banda de la ciudad de Sacramento en donde demuestra que no se dió por vencida frente a diferentes adversidades. Diamond Eyes fue lanzado el 4 de Mayo de 2010.

Metal Alternativo, Rock Alternativo
Warner Bros. / Reprise Records

Mi Calificación: 4 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Diamond Eyes, Royal, CMND/CTRL, Prince, Rocket Skates

Diamond Eyes es increiblemente técnico y rítmico y es que este último factor es el primordial para el álbum el cual se apoya en muchos riff cortos y pesados en su mayoría en donde algunos adquieren un sonido más ásperos que otros, como en la canción que abre el álbum, y en donde el cantante "Chino" Moreno se esfuerza al máximo por momentos cortos con screamings pero en su mayoría siendo más dulce y melódico.

La terna inicial se puede ver identificada al instante por este tipos de riff que ganan soltura y poder gracias a la batería y el ritmo del cantante pero a pesar de esto, ya adentrándonos más en el mismo, el álbum retoma otras técnicas y modos de rítmos diferentes como en You've Seen The Butcher quizás el punto flojo del álbum pero sin desesperación que a pesar de serlo, muestra gran solidez con una letra más oscura pero sensual. Encontramos también ritmos melancólicos asemejados a una Power Ballad (Beauty School, Sextape) y otras sorprendentes performances de guitarras como los de Prince y Rocket Skates, las mejores canciones del álbum, que si bien no poseen por si mismas un solo de guitarra perfecto ni bien definido, la forma en que terminan los acordes técnica y distorsionadamente las vuelve realmente salvajes pero profesionales con una densidad que genera un sonido oscuro.

Estas canciones, al igual que la mayoría del álbum, están fuertemente influenciadas por una producción con un sonido que habita el eco de la voz de Moreno y una especie de sonido lo-fi que redefine la voz del mismo haciéndola más áspera de lo normal.

Diamond Eyes muestra una faceta más que nada triunfante y romántica en donde demuestran con un sonido oscuro, cálidas letras de romanticismo aplicadas perfectamente haciendo un contraste aparente en partes del álbum debido a que en otras, las letras un poco más insinuantemente personales y sexuales. 

Kendrick Lamar - Untitled Unmastered. (2016)

Una de las grandes obras de artes de la música contemporánea como To Pimp a Butterfly (2015) del mismo Kendrick Lamar significó un cambio gigante en la magnitud de trabajo, la forma de hacer música, la experimentación, la producción, técnicas, rítmos y demás y eso por esto que para hacer el mismo se necesitaron de arduas sesiones de grabación en donde no todo fue incluido para el mismo álbum y aquí es donde nace Untitled Unmastered. El mismo es un álbum que recopila las secuencias y canciones elaboradas entre 2013 y 2015 que inéditas que no han visto la luz nunca y se recopilaron aquí para formar un álbum muy experimental y avant-garde en lo que respecta en la música tradicional del artista. Untitled Unmastered. es por lo tanto un álbum recopilatorio de canciones nuevas que por eso mismo se podría decir que se convierte en el cuarto álbum de estudio de Kendrick Lamar. Todas las canciones se titulan en secuencia Untitled 01 hasta Untitled 08. El álbum fue lanzado el 4 de marzo de 2016.

Jazz Rap, Conscious Hip Hop, Experimental Hip Hop, Funk
Top Dawg Entertainment / Interscope Records

Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Untitled 01, Untitled 05, Untitled 08

A comparación del álbum anteriormente mencionado, Untitiled tiene un sonido más bohemio y por momentos mucho más oscuro lejos de la experimentación presente, la misma que alterna en las canciones ecos del artista con guitarras acústicas, piano, saxo y órgano. Al obtener tantos sonidos e instrumentos, el artista no los desaprovecha y los utiliza como si de un álbum de Funk se tratara, priorizando el relato donde por momentos la linea entre la influencia Soul y el Rap pasa a ser totalmente difuminada. Sin embargo, no todas las canciones son más influencia Soul que Rap, Untitled 01 es un rap agresivo mientras que Untitled 02 demuestra ser el punto de fusión perfecto. Por otro lado, otras canciones como 06 o 08 muestran una gran simpatía por ritmos casi del todo lejanos del hip hop manteniendo raíces sonoras afroamericanas.

A pesar de esto, por momentos la experimentación me hace poca gracia como por ejemplo en Untitled 04 con Kendrick susurrando y SZA repitiendo el verso una y otra vez sin melodía alguna al igual que cuando Lamar repite el guiño "Pimp Pimp" como diez veces en total en todo el álbum, pequeños detalles que manchan una gran producción profundizada en el Jazz libre.

Las composiciones de Kendrick son muy complejas, el álbum está armado con grandes temas conflictivos como la educación, la guerra, la formación y camino hacia un mundo mucho más oscuro que en el que vivimos actualmente y una filosofía política totalmente fuerte y crítica contra el gobierno ya sea los gobiernos en general o el gobierno estadounidense manteniendo un empoderamiento personal en contra de las fuerzas gubernamentales es decir, nosotros podríamos ser más fuertes de lo que nos impone el sistema si nos lo proponemos o una ideología similar - Head Is The Future -. tal es así que la mayoría del álbum se mantiene así de desafiante y descontento aunque siempre intacto y poco descuidado.

Untitled Unmastered. es sin duda una recopilación de las escenas menos impresionables dentro del repertorio de uno de los mejores artistas del Siglo XXI en el cual eligió estratégicamente las piezas de Jazz más sutiles para integrar un álbum que mantiene su mística sonora de su mejores años como artista hasta el momento. 

Bad Bunny - X100PRE (2018)

Repetidamente he visto y escuchado que no ha habido un artista (actualmente) que necesite menos que hacer un álbum de estudio que Bad Bunny, uno de los artistas ya más escuchados a nivel mundial y uno de los líderes en convocatoria en los países de latinoamérica en lo que en el ambiente de la música urbana y los artistas mainstream repectan. El crecimiento de Bad Bunny fue desmedido, creció a la velocidad de lo que solían crecer las grandes bandas en los sesenta y los setenta, bandas que fueron pioneras y referentes primordiales en sus géneros, tal es así que en menos de tres años todos lo conocemos, queriéndolo, admirandolo o no. X100PRE (Por Siempre) es su álbum de estudio debut y fue lanzado el 24 de Diciembre de 2018.

Reggaeton, Latin Trap, Pop Rap, R&B Alternativo
Rimas Entertainment

Mi Calificación: 1,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Ni Bien Ni Mal, Otra Noche en Miami

X100PRE es por momentos un álbum que ostentaba ser una combinación de géneros increíble para ser un proyecto latinoamericano, aquel proyecto que hoy en día podría ser la clave para que la región de el salto definitivo para encabezar listas mainstream del país norteamericano pero no, el álbum termino por demostrar la gran flaqueza que tiene Bad Bunny en muchisimos aspectos musicales, recordemos que nunca estudió música.

A pesar de esto, el aspecto, la intención y la muestra del carácter autoritario del trapero de Puerto Rico, impulsa un poco el álbum que demuestra una cara interna del mismo y al mismo tiempo muestra la careta que tiene muchisimos artistas del género, esa faceta que solo habla de mujeres, lujo, drogas, viajes, etc. Este relato es repetido en canciones como ¿Quién Tú Éres?, la horrible 200 MPH en donde Bunny destroza nuestros oídos con el gancho -"debajo del sol"-, Caro que en donde solo describe que su flow es caro repetidamente hasta el cansancio y de forma ridícula y también podríamos incluír la canción Ser Bichote en donde Benito Martinez nos dice que alcanzó su meta, ser famoso, tener dinero y manejar a su antojo un subgénero regional impredecible y totalmente ambicioso.

Si hay algo que el álbum se destaca y hace que el oyente lo disfrute es realmente la producción y eso es innegable pero el problema general del álbum son sus letras, sus coros horribles y repetitivos con autotune en cada segundo de las canciones, obviamente el problema es el usuario y no el autotune, sino escuchenlo a Travis Scott. Volviendo a la producción, los beats son buenos, variados, lo-fi y técnicos es decir, el que esta haciendo las cosas bien realmente es DJ Luian y no Bad Bunny.

Como veredicto final debería destacar que a pesar de todo esto que demuestra ser el artista Puertorriqueño, X100PRE tiene tintes introspectivo en donde el artista reflexiona por dentro si todo esto de la fama y el descontrol es realmente algo que valga la pena o si es algo real y fiel y esto se lo puede ver en Otra Noche en Miami, la canción más profunda en la carrera del artista en donde a lo largo de un R&B hace un psicoanálisis. Sin embargo, es dificil ver el valor que el artista le da a esto si siempre está tapado y saturado de canciones que se asemejan entre ellas y no tienen ningún mensaje final. X100PRE es sumamente superficial.

Florence + The Machine - Ceremonials (2011)

El 28 de octubre de 2011, la banda británica liderada por Florence Welch, Florence + The Machine, lanza su segundo álbum luego de haber demostrado una formidable performance como músicos luego de su primer álbum Lungs (2009) con diversas influencias históricas.
Si en verdad en lo que algo es superior el grupo de Florence demostrado nuevamente aquí en Ceremonials es en como integrar las diferentes fusiones e influencias musicales dentro de su clásico y crecientemente glamoroso pop que cada vez se vuelve más complejo y mucho más difrutable.

Art Pop, Chamber Pop
Island Records

Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: What The Water Gave Me, Never Let Me Go, Breaking Down, Spectrum

La producción de Ceremonials es dura, dramática y sobre todo muy buena. Ceremonials es un álbum de poesía y melodía romántica en casi toda su totalidad con una influencia creciente del Chamber Pop que va ganando terreno al sonido influyente del Britpop local en la banda británica.

Florence hace que Ceremonials se convierta literalmente en una ceremonia vocal con profesía Soul totalmente fuerte y conmovedora como en What The Water Gave Me, Never Let Me Go, o Breaking Down, la terna destacada del álbum donde se mezcla la poesía existencial con el sonido Indie característico de la banda proporcionándonos liricamente lo mejor de ella.

Otras canciones como Shake It Out y No Light, No Light obtienen un sonido mucho más comercial, justamente lanzados como sencillos del álbum que juegan el papel primordial de hacer variar los sonidos duros y melancólicos de la banda con canciones más edificantes y prometedoras.

Probablemente la poesía de Florence se vuelva un poco densa y monótona a lo largo del álbum pero la fuerza de su voz y el ritmo que proporciona en las mejores canciones hace que sea literalmente su mejor álbum y su mejor momento hasta la fecha como banda.

Ceremonials demostró que Florence es una de las artistas que probablemente mas ha crecido en este intervalo de dos años como artista pop, lugar en el que se quedaría hasta el día de hoy dentro del Indie y Chamber Pop.

Nick Cave & The Bad Seeds - Skeleton Tree (2016)

Una de las bandas más polifacéticas, con mayor trayectoria y una de las más importantes para el Rock en general y específicamente en subgéneros alternativos teniendo variantes como el Post-Punk y el Punk Blues, Nick Cave & The Bad Seeds lanzan el 9 de septiembre 2016, Skeleton Tree, un álbum poético como ya varios de la banda pero con un carácter muy oscuro, reflexivo y hasta filosófico, Skeleton Tree es un álbum muy abstracto que al que sepa apreciarlo, lo atrapará enseguida.

Art Rock, Spoken Word, Ambient, Drone
Bad Seeds Ltd.

Mi Calificación: 4 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Jesus Alone, Ring of Saturn, Girl In Amber, Anthrocene, Skeleton Tree

Skeleton Tree es un álbum muy profundo, serio, pesimista y bastante deprimente pero este sentimiento agobiante sentido por Cave con gran empuñadura en la mayoría de las canciones, es realmente sorprendente. Nick Cave hace un trabajo perfecto, una performance en donde se ocupa, a veces con una temblorosa voz y otra con una postura casi profética y superior de carácter jerárquico, de hacernos llegar varias de sus mejores poesías donde demuestra lo que es la tristeza, lo que es la esperanza, lo que es el amor y el remordimiento conjugándolos como si se tratase de una historia de talla personal.

La poesía de Cave en las canciones podría interpretarse como algo denso por momentos por las diversas situaciones detallantes que se encuentran en ellas pero esto lo utiliza como un recurso importante para extender y explicar el dolor por momentos y el amor por otros es que si bien estamos frente a un álbum muy oscuro, muchos de sus versos transmiten un fuerte sentimiento de afecto.

El álbum abre con Jesus Alone con una instrumentación con rasgos drone y un ritmo muy repetitivo y áspero que se acompaña de un piano durante la parte del estribillo, una de las estrategias más recurrentes en donde el piano pasa a ser protagonista por varios segundos dramáticos en diferentes canciones del álbum. Esta canción hace referencia a la pérdida de su hijo que ha muerto durante las grabaciones de este mismo álbum y de aquí en más, todos podremos pensar que el álbum entero es parte del dolor por la perdida de su hijo y es que es un causal muy serio y obvio, en cambio, esta canción Cave mantiene una postura firme solo comparable con la canción Magneto o la esperanzadora Skeleton Tree con la que cierra el álbum.

El momento de quiebre total en donde es también el punto más profundo del álbum es sin duda Girl In Amber. Sorprendentemente la mejor de todas, esta canción se remite de nuevo describiendo al hijo de Cave y mencionando diferentes metáforas en cuanto a la pérdida física de un ser querido se refiere. Girl In Amber es puntual y fría, el piano es realmente excelente y desolador acompañando a la temblorosa voz del protagonista, todo un montaje perfecto.

La instrumentación es justa y necesaria en todo momento siendo oscura por un lado, triste y melancólica por otros, ambiental y atmosférica en torno a una imagen profunda compuesta por violines, violonchelo, sintetizadores, batería y percusión suave y teclados que juegan un papel totalmente imprescindible en Skeleton Tree.

La parte final del álbum y el final del camino y el túnel de dolor que aterra a Cave trae perseverancia y una corazonada de esperanza con I Need You, Distant Sky y Skeleton Tree. Esta terna de canciones trae un caracter mucho más melancólico y agridulce que triste gracias a su sonido edificante. Asi cierra quizás una de la impresiones más grandes de la banda de Nick Cave y quizás su último hito después de varios años y lo logró con poesía moderna y oscura.

The Beatles - Rubber Soul (1965)

El 3 de diciembre de 1965 se lanza el sexto álbum de la discografía oficial de The Beatles, Rubber Soul, ya inmerso en una situación de fanatismo a nivel mundial y siendo reconocidos como unos de los mejores compositores del medio y de los más habilidosos para interpretar la canción popular y también el rock. Rubber Soul obtiene un sonido más tranquilo, mas soft y sobre todo mucho más se puede notar una influencia del Folk nunca antes vista dentro de la banda, algunos especulan que fue luego de conocer a Bob Dylan donde sus letras y su sonido tomaron una formación más a su estilo. El álbum es el segundo en poseer todas las canciones compuestas por algún integrante de la banda sin integrar algún cover o versión de otro artista.

Pop Rock, Folk Rock, Pop Psicodélico
Parlaphone / Capitol Records

Mi Calificación: 5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Norwegian Wood (This Bird Has Flown), You Won't See Me, Michelle, Girl, In My Life

El sonido de Rubber Soul fue muy diverso a lo anterior, fue un desarrollo pasivo y tranquilo hacia canciones de pop psicodélico más centradas y técnicas acompañadas de diversos instrumentos menos notorios en otras bandas como el cencerro, la pandereta, crótalos, maracas, charles (todos estos manipulados por Ringo Starr en diferentes canciones) y como más protagonistas tenemos también diferentes órganos y el inolvidable sitar de George Harrison utilizado por primera vez en la historia de la banda y del Rock aquí en la canción Norwegian Wood (This Bird Has Flown) creando una atmósfera de paz y psicodelia con el sello y la influencia del Ravi Shankar.

A pesar de que el álbum significo un cambio creativo, los Beatles siguieron siempre varios recursos característicos como las segundas voces muy recurrentes y los inolvidables coros en varias canciones como You Won't See Me, Drive My Car, Nowhere Man, The Word y la excelencia en coro en la melosa y hermosa Michelle donde probablemente sea una de las mejores canciones de la banda y uno de los mejores coros de la música. El sonido predominante de lo acústico por partes dejaba a flor de piel lo que fueron los coros y la melodía vocal de cada uno, las cuales son diferentes pero casi perfectas.

Las melodías de las demás canciones como You Won't See Me y Nowhere Man de nuevo se encuentran apoyadas en atributos como estos tan importantes como he mencionado, el coro y los teclados que pueden llegar a sobresaltar un poco más que la percusión creativa igualmente. En materia lírica, las canciones siguen siendo igual de clásicas que la mayoría de las canciones anteriormente compuesta sin encontrar algo sorprendente o profundo sino que la belleza de la letra cae encima de la facilidad que tienen para hacer canciones populares románticas y que tenga una gran adaptación y recepción por parte de la audiencia y eso se refleja más en canciones como Michelle y la gran In My Life teniendo a su productor George Martin de colaborador en el piano de fondo; otra canción que se volvería un clásico indiscutible de la banda. 

Rubber Soul fue un camino diferente para la banda de los muchos que tomaría la banda en donde se profundiza un poco más la visión interna y triste de The Beatles en donde aparte de destacar los instrumentos, la canción balada y el coro, destaca igualmente la amplitud vocal que podemos encontrar en diversas canciones entre las cuatro voces de la banda, es decir, es sorprendente escuchar canciones con tonos diferentes en cada canciones demostrando como es posible dominar los ritmos y manejar sus voces con facilidad aunque no cualquier músico lo podría hacer. El álbum significo el salto más grande en madurez musical dentro de la banda abriendo paso a su etapa más profesional, exitosa y creativa.